Тайна юбилея (часть 1)

Считается, что слово «юбилей» в русский язык пришло из немецкого во времена Петра I. В немецкий оно попало из латыни – iubilaeum, а в латынь — из иврита — «йобель», что первоначально означало «бараний рог», позже — «год свободы». Этот «год свободы» наступал после «семи седмиц», то есть семи семилетий. Число семь в древних традициях считалось священным, а помноженное на семь — священным в квадрате, поэтому год, следующий за таким сочетанием лет, обязательно должен быть особенным: проданные и заложенные земли возвращались к прежним владельцам, рабы получали свободу, прощались долги должникам. В христианскую эпоху суть праздника изменилась, но статус особой значимости остался. «Юбилейным годом» стали называть год, когда паломничество в Рим предоставляло отпущение грехов. Это все история, традиция отмечать юбилеи давно вышла за рамки католической церкви и широко распространилась по всему миру. Смысл слова изменился. В современной трактовке юбилей обозначает некий рубеж или промежуток времени, как жизни человека, так и истории существования институции, компании, организации, истории значимого события. Юбилей, разбивает жизненный период на отрезки. Часто современное понятие юбилей связано с празднованием каждой даты, кратной пяти. Но правил, устанавливающих года, которые можно считать юбилейными, нет. Все зависит от традиций, контекста. Мало кто помнит или знает древнюю историю происхождения понятия «юбилей». У каждого из нас юбилей вызывает различные ассоциации. Но особое положение и особенное отношение к юбилею остается всегда и у всех, даже если только на подсознательном уровне. О тайне юбилея мы поговорили с теми, кто отмечает очень разные даты и относится к ним тоже по-разному: с художником-мозаичистом Марко Бравурой, с руководителем Бюро PS Culture, архитектором Юлией Наполовой, с основателем и гендиректором ЦТИ «Фабрика» Асей Филипповой и генеральным директором ГБУК «Музей-заповедник «Царицыно» Елизаветой Фокиной.

2 часть || Ася Филиппова, Елизавета Фокина

Фото: выставка «Состязание с натурой. Из истории столового убранства XVIII-XIX веков». Малый дворец музея-заповедника «Царицыно». Апрель — сентябрь 2016. Предоставлено PS Culture.

МАРКО БРАВУРА (MARCO BRAVURA)

ХУДОЖНИК-МОНУМЕНТАЛИСТ, МОЗАИЧИСТ.

РОДОМ ИЗ РАВЕННЫ — ГОРОДА НА СЕВЕРЕ ИТАЛИИ, ГДЕ СОХРАНИЛИСЬ САМЫЕ ИЗВЕСТНЫЕ РАННЕХРИСТИАНСКИЕ МОЗАИКИ VI ВЕКА Н. Э.

ВЫПУСКНИК ГОСУДАРСТВЕННОГО ИНСТИТУТА ИСКУССТВ ИМ. ДЖИНО СЕВЕРИНИ В РАВЕННЕ ПО КЛАССУ МОЗАИКИ И ВЕНЕЦИАНСКОЙ АКАДЕМИИ ИЗЯЩНЫХ ИСКУССТВ.

АВТОР РАБОТ, УКРАШАЮЩИХ ГОРОДА ИТАЛИИ И БЛИЖНЕГО ВОСТОКА, ЗАЛЫ МУЗЕЕВ, ФАСАДЫ И ИНТЕРЬЕРЫ ПУБЛИЧНЫХ И ЧАСТНЫХ ЗДАНИЙ И КОЛЛЕКЦИЙ.

МНОГИЕ ГОДЫ ДРУЖИЛ И СОТРУДНИЧАЛ С ИТАЛЬЯНСКИМ ДЕЯТЕЛЕМ КУЛЬТУРЫ, ПИСАТЕЛЕМ И СЦЕНАРИСТОМ ТОНИНО ГУЭРРОЙ.

ПРИЕХАЛ В РОССИЮ В 2007 ГОДУ ПО ПРИГЛАШЕНИЮ МЕЦЕНАТА ИСМАИЛА АХМЕТОВА. ЖИВЕТ И РАБОТАЕТ В ЧАСТНОЙ АРТ-РЕЗИДЕНЦИИ «ДОМ ЛИТЕРАТОРОВ» В ТАРУСЕ.

ОЛЬГА: Марко, примите поздравления с юбилеем! 75 – это очень долгий период в наше время быстрых и часто неожиданных перемен, за 75 лет произошло многое. Что в вашей личной памяти оставило самые теплые, самые для вас значимые следы?

МАРКО: Да, 75 лет – это долгая жизнь, много вещей и много событий. Но какого-то особенного события не было. Жизнь – скорее, река событий: их, кажется, много, но вроде их и нет. Я живу будто на гребне каждой волны, каждого дня, каждого события, будь оно хорошим или плохим. Жизнь была ко мне щедра. Я наполнен чувством благодарности по отношению к своим родителям, которые подарили мне счастливое детство, к своей жене, проявляющей столько терпения к моим ошибкам, по отношению к своим детям, которые подарили мне намного больше, чем я им – я ведь совсем не образцовый отец.

ОЛЬГА: Какое ваше личное отношение к своим юбилейным датам?

МАРКО: По правде говоря, для меня юбилеи мало что значат. Зная об этом, моя супруга Даниэла организовывала «вечеринки-сюрпризы» на мои 40, 50 и 60 лет, каждый раз придумывая что-то новое, чтобы действительно удивить меня. Сегодня дни рождения внуков для меня важнее, и я стараюсь быть с ними. В моем возрасте каждый день нужно отмечать или хотя бы встречать с благодарностью за то, что хватает здоровья делать то, что я люблю больше всего – работать в мастерской. На мои 70 и 75 лет Исмаил Ахметов организовал две выставки: одну – в Санкт-Петербурге, другую – в Казани. Последний день своего рождения я отмечал в Казани на подготовке к открытию выставки «Эмерджентность красоты» в Галерее современного искусства ГМИИ РТ. Вот это подарок!

ОЛЬГА: Марко, вы, если говорить деловым языком, – промоутер мозаики, а если поэтическим, – певец мозаики. Художников, выбирающих мозаику для создания своих работ относительно мало. Но это и понятно, ведь расходы на материал, будь то мозаика из стекла, керамогранита, травертина, не говоря уже о мраморе и натуральном камне, намного превышает стоимость материалов, например, для создания живописных полотен и графики. Как объект коллекционирования мозаичные работы нельзя даже сравнивать с живописью и графикой. Вам повезло в творческой жизни. Но какие пути вы видите для молодых, начинающих мастеров?

МАРКО: Действительно, мне повезло. Но помимо удачи было еще очень много работы и много жертв. Эмиль Золя говорил, что художник без таланта – ничто, а талант – ничто без труда. Ведь мозаика, помимо стоимости материалов, среди которых настоящее сусальное золото, вплавленное в стекло, также требует много времени. Мне повезло учиться в одной из лучших школ мира – в Государственном институте искусств им. Джино Северини в Равенне. У мозаики как техники много областей применения. Есть прикладная, промышленная, мозаика, которую используют для оформления бассейнов, ванных комнат. А есть область художественного выражения, где у современного художника нет ограничения даже в выборе материала – в ход идет все, от пластика и бутылочных крышек и шоколадных оберток. Искусство как урок: можно освоить, но сложно описать. Передо мной всегда стоял своеобразный вызов – использовать старинную технику в произведениях современного искусства. И я не одинок – вспомним, к примеру, прекрасные работы Эль Анацуи или Альдо Мондино.

ОЛЬГА: Как вы считаете, стоит ли мерить жизнь, творческую жизнь, юбилеями, разбивать этими условными датами ее на этапы?

МАРКО: Единственные вехи – детство, юность, зрелость и старость. Для меня лично, отмечать юбилей – это навязанная парадигма, и, по большому счету, нужно бы отмечать «Дни нерождения», как предлагал персонаж Льюиса Кэрролла.

Художник выражает благодарность Анне Маполис за помощь в подготовке материала. Перевод с английского – А. Маполис.

БЕЗ ВЫСОКОМЕРИЯ, МОЯ РАБОТА КАК ХУДОЖНИКА – ЭТО БЛАГОДАРНОСТЬ ЗА ВСЕ, ЧТО Я ПОЛУЧИЛ.

Фото: «Это не Мандала», 2017. Предоставлено художником.

ЮЛИЯ НАПОЛОВА

АРХИТЕКТОР.

ЗАКОНЧИЛА МАРХИ И UNIVERSITY OF WESTMINSTER, KYPC URBAN DESIGN.

ОСНОВАТЕЛЬ И ДИРЕКТОР АРХИТЕКТУРНОГО БЮРО PS CULTURE, РАЗРАБАТЫВАЕТ ПРОЕКТЫ В ОБЛАСТИ КУЛЬТУРЫ. В ПОРТФОЛИО — ПРОЕКТЫ МОСКОВСКОГО КРЕМЛЯ, ПЕТЕРГОФА, ПОЛИТЕХНИЧЕСКОГО МУЗЕЯ, ПЛАНЕТАРИЯ, ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ОФОРМЛЕНИЕ ЭКОНОМИЧЕСКИХ ФОРУМОВ В ПЕТЕРБУРГЕ (ПМЭФ) И ВЛАДИВОСТОКЕ (ВЭФ), ВЫСТАВОЧНЫЕ ПРОЕКТЫ В ГТГ, ЭРМИТАЖЕ, МАНЕЖЕ, «ЦАРИЦЫНЕ».

ОЛЬГА: Юлия, 2024 год стал для тебя вдвойне юбилейным – личный юбилей и юбилей твоего архитектурного бюро. Что для тебя в приоритете?

ЮЛИЯ: Мне сложно представить, кем бы я была, не занимаясь экспозициями. С одной стороны, это, конечно, моя работа. А с другой, это часть меня, мое самовыражение, мои интересы, мои увлечения, хобби, моя любовь.

ОЛЬГА: Как сейчас ты сама оцениваешь первое десятилетие жизни созданного тобой с нуля дела – PS Culture?

ЮЛИЯ: Если оглянуться назад, могу сказать, что за последние 10 лет я очень много чего попробовала, и много что получилось. Это было хорошее десятилетие. Я создала PS Culture, когда во мне укоренилась идея заниматься культурными проектами. Первое время я изучала рынок, теорию, технологии, пробовала, тренировалась. Для меня очень важны качество и результат, поэтому процесс был медленный и без конкретного бизнес-плана. Бюро заработало на полную катушку в 2017 году. Сейчас в планах развития – стратегический консалтинг для музеев и для бизнеса в целом в привязке к культурным проектам, в том числе и международное направление.

ОЛЬГА: В портфолио у тебя проекты всех наших ведущих культурных институций, престижных мероприятий и масштабных выставок. А в памяти что лично для тебя самое ценное из этого списка?

ЮЛИЯ: Всегда мой любимый проект – последний. Сейчас это филиал Третьяковской галереи в Калининграде. В одной из экспозиций этого музея – детской – я впервые стала сокуратором, это было очень интересно. Также я бы отметила несколько проектов, которые были, на мой взгляд, незаслуженно обделены вниманием. Выставка «Состязание с натурой. Из истории убранства стола XVIII-XIX веков» в Царицыне рассказывала историю развития фарфора и обманок до Кузнецовского фарфора и начала XX века. Проект, на самом деле, маленький, но очень трогательный. Мы делали его совместно с Кусково. Еще хочется вспомнить выставку про Есенина в Литературном музее, которую мы делали с великолепным куратором Ларисой Константиновной Алексеевой. Она очень любила Есенина, а я его терпеть не могла. Лариса Константиновна постоянно называла его «мой звездный мальчик», а я говорила: «Ну как же вы так про него говорите? Он же просто подлец!». И в результате полярности нашего отношения к герою, вышла, на мой взгляд, яркая, очень умная и тонкая выставка. Лейтмотивом нашей экспозиции стала тема звезд. Ларису Константиновну вдохновило то, что в честь Есенина был назван астероид – отсюда и идея использовать в декоре в качестве элемента фирменного стиля Млечный путь. Третья выставка, про которую я бы хотела сказать, – это «Время собирать» в РГБ. Мы рассказывали про книги – настоящие сокровища для истинных ценителей истории культуры. Уникально поработали с тканью: сделали холщовые панели, переходящие в бархатные витрины, в которых располагались сокровища коллекции. Получился рассказ про искусство созерцания, покой, роскошь и красоту.

ОЛЬГА: Юля, что делает архитектурно-дизайнерский проект успешным?

ЮЛИЯ: Говоря о критериях успеха выставки, скажу, что для меня это всегда неожиданность, магия. Дизайн я как раз к важнейшим составляющим успешного проекта не отнесу. Пожалуй, только про один проект я могу сказать, что его успех почти целиком зиждился на архитектуре – это монографическая выставка Сесил Битон в Государственном Эрмитаже. Мы использовали в экспозиции стеклярус, сделали огромную стенку из бриллиантов, которая очень тонко подчеркивала особенности творчества нашего героя – фэшн-фотографа.

ОЛЬГА: Что для тебя юбилей?

ЮЛИЯ: Поскольку мое бюро занимается архитектурой экспозиций, половина наших проектов так или иначе связана с различными юбилеями, и мне всегда казалось это странным и, может быть, даже ненужным. Но в связи со своим юбилеем я задумалась над словами нашего заказчика о том, как это важно отмечать и помнить день истока, возникновения, рождения.

МЫ ПОДВОДИМ ИТОГИ, СМОТРИМ ЧТО УДАЛОСЬ, ЧТО ХОЧЕТСЯ ПОПРАВИТЬ, КУДА ХОЧЕТСЯ ИДТИ – ПЕРЕВОРАЧИВАЕМ СТРАНИЦУ И НАЧИНАЕМ НОВУЮ ГЛАВУ.

Фото: выставка «Есенин. «Живите так, как вас ведет звезда…»», Государственный музей истории российской литературы имени В.И. Даля. Сентябрь 2020 – март 2021. Предоставлено PS Culture.

14.02.2025
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

198

Новости

Арт-обзор 27.02-06.03.256/3/25

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

Гортензия Семен Агроскин. Фотография предоставлена InGallery

27.02.25. Аукционный дом Ольги Поповой открыл предаукционную выставку «Пещера красивых бровей». Второй аукцион Дома направлен на поддержку молодых художников и привлечение внимания к их творчеству. Название «Пещера красивых бровей» отсылает к одноименной серии работ Ивана Горшкова – это скрытое мистическое пространство, где рождается новое видение, новые смыслы и неожиданные перспективы. Это метафора будущего искусства, которое только пробирается на поверхность, но уже раскрывается интересными гранями. На предаукционной выставке собрано 88 работ более 50 перспективных оригинальных молодых художников. Среди них уже есть признанные участники московской и петербургской арт-сцены, художники из различных регионов России — Воронежа, Нижнего Новгорода, Уфы и других городов, а также представители международного искусства из Армении и Казахстана. Среди участников — Иван Горшков, Гаянэ Аветисян, Владимир Абих, Анна Андржиевская, Анна Афонина, Кирилл Савельев, Василий Конoнов-Гредин, Даша Мальцева, Дашка-Монашка, Сергей Колосов, Саян Байгалиев и другие. В фокусе — авторы до 40 лет, которые создают яркие, дерзкие и интеллектуальные работы, отвечающие духу времени. Проект направлен на поддержку художников, работающих в самых разных медиумах — от живописи и графики до скульптуры, инсталляции и цифрового искусства. Выставка открыта для свободного посещения до 06.03.25.

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи. Фото: Денис Лапшин

01.03.25. В Музее нонконформизма открылась выставка «Пробуждение». Это первая часть многочастного выставочного проекта, который позволит проследить пути развития творчества художников-нонконформистов начиная со второй половины 1950-х до 1990-х годов. Выставка «Пробуждение»рассказывает о периоде формирования ведущих мастеров поколения шестидесятников. Выросшие в глубокой культурной изоляции, не имевшие возможности изучать работы своих зарубежных коллег, они интуитивно создавали новый художественный язык, отличавшийся ярким индивидуализмом. В экспозиции собрано более сотни работ выдающихся художников-шестидесятников из частного собрания Надежды Брыкиной — Игоря Вулоха, Юрия Злотникова, Владимира Андреенкова, Валерия Юрлова, Алексея Каменского, , Владимира Яковлева, Анатолия Зверева, Марлена Шпиндлера. Выставка посвящена памяти Леонида Бажанова. Выставка работает до 17.08.25.

Фотографии Ольги Серегиной

03.03.25. В Мультимедиа Арт Музее, Москва состоялось открытие персональной выставки художницы Alina Pinsky Gallery Наталии Турновой.Наталия Турнова впервые громко заявила о себе на 17-й Молодежной выставке в 1986 году. Благодаря мощнейшей энергетике и яркому, самобытному визуальному языку уже в 1990-е годы она стала одной из ключевых фигур российского современного искусства. На выставке вместе с избранными сериями Турновой впервые представлен новый цикл картин, над которым она работала в последние годы. Наталия Турнова родилась в 1957 году в Кабуле, столице Афганистана. С пяти до семи лет она жила с родителями в Бирме (ныне — Мьянма) в окружении «людей в пестрых одеждах и огненных деревьев». Детские впечатления от насыщенных красок глубоко врезались в ее память: в будущем именно цвет стал основой изобразительной системы художницы. Интерес к возможностям колорита отразился в ее увлечении фовизмом, в частности творчеством его основоположников Анри Матисса и Андре Дерена. Высвободив цвет, они превратили его в самостоятельный художественный язык. Однако трагическое восприятие жизни, проявившиеся уже в ранних работах Турновой, сближают ее художественную практику с немецким экспрессионизмом, возникшим в 1910-е годы как предчувствие надвигающихся катастроф XX века. В фокусе внимания Турновой — человеческие страсти и комплексы — чувства, с трудом управляемые рассудком стали сквозными темами ее живописи и портретный жанр, как наиболее точный инструмент для их пластического воплощения стал. «Лицо выражает гораздо больше, чем, может быть, сам человек хотел открыть другому. Это очень пластичный материал», — отмечает Турнова. Художница выходит далеко за пределы традиционного портрета. Непосредственно внешнее, «портретное» в ее работах необходимо лишь для передачи внутренней сущности человека или явления. Турнова использует весь потенциал цвета для отражения эмоциональных переживаний. «Языком живописи можно поведать, извлечь из суррогата наносных смыслов нечто подлинное, то, что именуется бытие», — считает художница. Портрет для Турновой — способ ви́дения и рефлексии. Это одновременно и обобщенный образ, аккумулирующий коллективные эмоции и травмы, и автопортрет, в котором проявляется пристальное внимание художницы к собственной внутренней жизни. Говоря об одной из своих важнейших портретных серий «Диагноз», вышедшей в 2010 году в финал Премии Кандинского в номинации «Проект года», Турнова подчеркивает, что это «и зеркало, которое отражает нас самих, и экран, показывающий лицо соседа». На протяжении всего творчества Турнова тонко улавливает нерв меняющейся действительности, душевные колебания и спазмы человека и общества. Работы Турновой находятся в крупнейших музеях, среди которых Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей, Московский музей современного искусства и др. Кураторы: Анна Зайцева, Мария Лаврова. Выставка работает до 01.06.25.

Фотографии предоставлены Alina Pinsky Gallery

03.03.25. В Мультимедиа Арт Музее, Москва состоялось открытие выставки «Расположение картин зависит от вкуса. Современное искусство из коллекции Антона Козлова». Проект продолжает стратегическую программу музея «Частные коллекции в МАММ». Коллекция современного искусства Антона Козлова начала формироваться в 2019 году, и построена она, по признанию коллекционера, на «симбиозе любви и аналитики». Это систематизированное собрание работ музейного уровня, за которым стоит серьезная научная работа. В социальных сетях коллекции еженедельно публикуются видео бесед коллекционера с художниками, искусствоведами и кураторами. К запуску готовится сайт коллекции с оцифрованными произведениями в сопровождении научных аннотаций. «Предметы искусства моей и любой коллекции требуют глаз, слов, споров, выставок, обсуждений — им нужна жизнь», — подчеркивает коллекционер. На сегодняшний день коллекция Антона Козлова насчитывает более тысячи произведений и дает возможность на ее основе создавать различные выставочные проекты. Выставка в МАММ — попытка создать пунктирную карту развития современного российского искусства с фокусом внимания на таких важных направлениях, как послевоенная абстракция и московский концептуализм. Название выставке дала одноименная картина Сергея Волкова, одного из лидеров младоконцептуального искусства, работавшего в 1980-х годах в знаменитом сквоте в Фурманном переулке. Отправной точкой маршрута становятся работы представителей некогда неофициального советского искусства, а сегодня — российских и мировых классиков: Ильи Кабакова, Эрика Булатова, Ивана Чуйкова, Виктора Пивоварова, Риммы и Валерия Герловиных, Елены Елагиной, Юрия Злотникова, Бориса Турецкого, Михаила Рогинского, Вячеслава Колейчука, Франциско Инфанте, группы «Коллективные действия», Тимура Новикова, Ирины Наховой и др. Одновременно экспозиция демонстрирует, как развиваются и трансформируются художественные методы, выработанные в 1960–1980-х годах, в произведениях авторов более молодых поколений, среди которых группа «МишМаш», Анна Желудь, Роман Сакин, Алина Глазун, Ирина Корина, Петр Кирюша и другие художники, чье ворчество во многом определяет актуальное состояние современного искусства в России. Кураторы: Анна Зайцева, Мария Лаврова, Ольга Свиблова. Выставка работает до 15.06.25.

Фотографии Ольги Серегиной

03.03.25. В Мультимедиа Арт Музее, Москва представлен проект Ивана Михайлова «Пространство тишины». С помощью фотографии художник исследует пустынные ландшафты — территории, на которых о жизни человека напоминают лишь некоторые оставленные им следы, артефакты. Фотография для художника — инструмент длительного визуального исследования, фиксации непрерывных изменений окружающей среды. В проект «Пространство тишины» вошли снимки, созданные в течение 10 лет наблюдения за береговой линией Волги в Чувашии. Оставленные людьми объекты контрастируют с белоснежной пустотой и в ней обретают особую поэтичность. Работая с привычным для глаза и бессобытийным, Михайлов продолжает давнюю традицию в истории фотографии, представленную прежде всего авторами Дюссельдорфской школы фотографии Берндом и Хиллой Бехерами. Эльгер Эссер и Алек Сот сложили визуальные поэмы о крупнейших реках Европы и США. Стивен Шор открыл «саспенс» в обыденном, обнаружил притягательность в том, что для всех остальных было «слепым пятном». В разные годы МАММ представлял персональные выставки этих художников российскому зрителю. Но если Шора интересуют место или объект как «вещь в себе», то для Ивана Михайлова важно, как один и тот же объект может приобретать разные смысловые коннотации в зависимости от изменения окружающей среды. Взгляд фотографа сосредоточен на пляжных зонтиках, вышках спасателей, детских горках — предметах, на которых мы редко фиксируем внимание в оживленной толпе отдыхающих. В зимнее время года на безлюдных пляжах и набережных эти объекты становятся доминантами пространства. Лишенные своего «летнего» функционала, они выглядят пронзительно — будто покинутыми навсегда. Выставка работает до 20.04.25.

Фотографии Ольги Серегиной

03.03.25. Галерея ARTZIP представила проект «Черствый воздух» графика, плакатиста и графического дизайнера Андрея Логвина. «Новый проект Андрея Логвина может показаться чистым экспериментом с абстракцией: только чёрное и белое, преодоление фактуры, энергия. Но за этим кроется очень точная во всех отношениях картина времени. Разумеется, отказ от цвета как признак документальности — устоявшийся приём, но Андрей мыслит сложнее: для него «чёрствый воздух» впервые появляется как регрессивная смена оптики примерно сто лет назад. Казалось бы, в конце ХIХ века технологическая революция открыла новые горизонты, в том числе и в искусстве, импрессионисты смогли увидеть и показать воздух: упоительный, цветной, живой. Но как скоро стало понятным, оптика изменилась, а природа человеческая — нет. Воздух загустился, смыслы потерялись и слова перестали значить. Развитие пошло в обратную сторону. Невозможно фиксировать такое в цвете. Кроме того, поверхность многих картин покрыта жёсткими кракелюрами, коркой, через которую продирается и художник и зритель, фактура говорит о борьбе плоскости с желанием пространства. В экспозицию выставки включены более 10 новых живописных работ. Каждая из картин для Логвина имеет дневниковый характер, состояние, в котором это сделано, зафиксировано жёстко и может быть с точностью им восстановлено при взгляде на картину. Зрителю и не нужно читать это как текст, но он поймёт эту энергетику, как современник, который дышит тем же чёрствым воздухом», — Диана Мачулина. Выставка работает до 29.03.25.

Фотографии предоставлены галереей ARTZIP. Фото: Денис Лапшин

04.03.25. Московский музей современного искусства и галерея FUTUROпредставили персональную выставку междисциплинарной художницы Евгении Тут «Медленные берега», раскрывающую собирательный образ внутреннего мира художника-путешественника. Работы Евгении метафоричны и создают не буквальные картины ландшафтов, а ментальные пространства, полные эмоций и визуальных впечатлений. Экспозиция строится на основе мультимедийных произведений Евгении – видео, инсталляций, фотографий и графики. Шесть разделов плавно переходят друг в друга, создавая единую ткань воспоминаний и ощущений. Открывает выставку раздел посвященный теме междисциплинарного интереса художницы к паре «пространство-письменность», рассказывая о методах исследования пространств и территорий. Свои ощущения от жизни художница записывает штрихами пера в так называемых «дневниках» и фиксирует в серии фотографий, снятых на смартфон в пути. Траекторию путешествия формирует серия графических работ «Путь» где множество точек выстраиваются в уникальные линии, формируя гудящие облака ментальной наполненности. Завершающий раздел выставки «Восход над морем» отсылает к тому самому искомому месту сакральной встречи. FUTURO в Нижнем Новгороде – это галерея, где современное искусство живет в экспозиционном пространстве с особым характером и своей историей. FUTURO проводит выставки не в нейтральном белом кубе, а в руинированном особняке на Рождественской, а с 2024 года — на территории ЦСИ Винзавод в Москве. Для галереи важны работы, где авторский замысел соединяясь с высоким уровнем исполнения, реализуется в цельные художественные высказывания через различные медиумы. Работая с приглашенными кураторами, галерея FUTURO представляет выставочные проекты, в том числе в сотрудничестве с другими культурными институциями. Выставка В ММОМА Гоголевский бульвар, 10/2 работает до 11.05.25.

Евгения Тут из серии «Карты». 2022 Предоставлено автором. Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

04.03.25. В Западном крыле Новой Третьяковки Третьяковская галерея открыла выставку русского авангардиста Валерия Ивановича Юрлова (1932 г/р). Он приобрёл известность как изобретатель метода «пары-форм». Советская художественная критика ставила его в один ряд с художниками западноевропейского и американского авангарда. Юрлов был единственным действующим в Советском союзе формалистом. Не будучи эмигрантом, он стал реальным участником международного художественного процесса и уже во времена СССР получил признание на Западе. Дружил с Ильёй Кабаковым, Эриком Булатовым, переписывался с Виктором Шкловским, знал семью Александра Родченко. В 90-е уехал в США, жил в Барселоне, Цюрихе, Париже, Нью-Йорке, на Лазурном берегу. Ретроспектива «Валерий Юрлов. Опыты умозрения», объединившая свыше 150 работ из собрания Третьяковской галереи, самого автора и частных коллекций, демонстрирует многогранность метода Валерия Юрлова и цельность его художественного мышления. Живопись, коллажи, фотографии и объекты раскрывают философскую систему художника, где каждый элемент строит картину мира. Валерий Юрлов — один из первопроходцев в области абстрактного искусства в Советском Союзе. В своих работах он стремится выразить философские концепции через визуал. Его творчество — это не просто эксперименты с цветом и формой, но и попытки понять природу мира, увидеть его скрытые структуры. Тематически экспозиция разделена на несколько блоков — «Контрформы», «Пара форм» и «Троица». Работы разных периодов объединены стремлением к глубинному анализу бытия, где фигуративные изображения уступают место абстрактным формулам, наполненным философским смыслом. Новые работы художника — это не повторение пройденных этапов, а дальнейшие шаги в творческих исследованиях. Творчество художника более 70 лет выступает лабораторией по изучению и анализу структур, лежащих в основе окружающей действительности. В названии выставки содержится парадокс. Как известно, умозрение – философская система, в которой картина мира строится на основе логических выводов или интуитивных заключений о явлениях и событиях и не предполагает проверки опытным путем. Однако «опыты» Юрлова – это не научные эксперименты, а примеры «умозрения в красках», визуальные проекции наблюдений и размышлений художника об устройстве бытия. Куратор: Ирина Горлова. Выставка работает до 25.05.25.

Фотографии Ольги Серегиной

04.03.25. В пространстве Агентство.ArtRu открылась выставка «Эльтон 24: Экспозиция». Проект стал итогом экспедиции, которую инициировал художник Дима Филиппов при поддержке фонда «СФЕРА». Учрежденный в 2021 фонд поддержки молодого искусства «СФЕРА» фонд поддержки молодого искусства «СФЕРА» фонд поддержки молодого искусства «СФЕРА» году Фонд продолжает работу Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина (основан в 2008 г.), является его преемником, оказывает содействие в продвижении молодых художников в российском и мировом контексте. В мае 2024 года фонд поддержки молодого искусства «СФЕРА» запустил программу содействия самоорганизациям, локальным институциям и художественным сообществам. Первым проектом стал «Эльтон 24» – двухнедельная экспедиция в поселок и на одноименное озеро в Волгоградской области. Выставка «Эльтон 24: Экспозиция» представляет итоги поездки: в пространстве галереи Агентство.ArtRu показаны фото- и видеоматериалы, наработки, созданные художниками во время пребывания на местности, фрагменты сожительства с открытым пространством. Участвовавшие в экспедиции художники в своей работе уделяют большое внимание пространству. Соединение разных подходов и чуткость к художественной практике друг друга было важным критерием при формировании команды участников. Во время поездки авторы испытали возможности самоорганизации в непривычных условиях, обменивались опытом, обсуждали теоретические тексты и произведения искусства, изучали местный ландшафт и создавали наброски своих работ. Проект представлял собой художественное исследование без четкого плана и установок, он стал пространство для участников возможностью для эксперимента. «Эльтон 24» – это мой ответ на вопрос о возможных формах существования сообщества и способов художественной практики сегодня. Ощущая определенный кризис идей внутри профессиональной среды, я хотел взять самое ценное, что было увидено мной как в самоорганизациях, так и в образовательной практике. Во время поездки на озеро особое место приобрели разговоры, в которых соединялись как реакции на происходящие события, так и довольно личные темы, моменты самоопределения. Изначально свою задачу я видел в том, чтобы пригласить художников в место, которое продолжает оказывать влияние на мою работу. Я был уверен, что каждый сможет найти свой интерес здесь. Дальше озеро и окружающий ландшафт задали эстетическую рамку, которой удалось создать необходимое различие, изменить привычный режим работы. Сейчас стоит задача сделать этот опыт видимым, указать на ценность такой практики как на способ производства пространства и сообщества» – куратор и инициатор проекта, художник Дима Филиппов. Участники выставки: Михаил Блосяк, Анна Комарова, Анна Кондрашова, Александр Лемиш, Татьяна Миронова, Николай Онищенко, Илья Романов, Ярослава Трояновская, Дима Филиппов, Суржана Ширабдоржиева. Как часть проекта запланирована серия публичных событий, среди которых кураторские экскурсии и артист-токи. Выставка работает по 10.04.25.

Фотографии предоставлены фондом поддержки молодого искусства «СФЕРА»

04.03.25. InGallery представила весеннюю выставку цветов, цвета, света, ожиданий и надежд. Идея группового выставочного проекта «Лилии, Малиновки, Тюльпаны и прочие» отсылает к жанру традиционной китайской живописи «Цветы и птицы» (Хуаняо), которая уходит корнями в древний культ природы, а также философские течения, стремящиеся понять природу, описать её и классифицировать — даосизм, конфуцианство и буддизм. Жанр «цветы и птицы» можно охарактеризовать противопоставлением ярких и темных оттенков, использованием различных элементов живописи, распределением цветов и форм в рамках композиции, сохранением пустого пространства между цветами и птицами. Все эти приёмы живописцы используют для эмоционального воздействия на зрителя-им важно поделиться с ним ощущением гармонии равновесия и удовлетворения, что соответствует философии данного направления китайской живописи. Основная мысль проекта заключается в стремлении передать не только красоту пробуждающейся природы, но и определённое состояние души, когда она подобно всему живому находится в предвкушении обновления… В рамках выставки запланированы кураторские экскурсии по субботам 15-го и 23-го марта. Куратор: Катя Сысоева, художник, куратор. Выставка работает до 28.03.25.

Яблоня. Семен Агроскин. Фотографии предоставлены галереей

05.03.25. Elohovskiy Gallery представила выставочный проект «Куда глаза глядят», созданный при участии студентов и выпускников Школы Родченко, Института современного искусства Иосифа Бакштейна, «Свободных мастерских» ММОМА и Школы Дизайна НИУ ВШЭ. Студенты и выпускники творческих вузов Москвы исследуют путь как физический и ментальный опыт. Тема дороги в экспозиции раскрывается с разных сторон через организованную структуру, создающую границы и маршруты, или «живой» архив историй, в котором важна не только память о людях и событиях, но и поиск внутренних ориентиров. Каждый проект на выставке — точка на карте, которая оживает, когда зритель решает, куда смотреть, в каком направлении идти и какие знаки судьбы считывать. Куда глаза глядят — туда и дорога.Выставка 18+ работает по 30.03.25.

Мария Стадник «Field». 2024_Монотипия, бумага, масло. 49,5х84,5 см. Студентка «Свободных мастерских» ММОМА. Фотографии предоставлены галереей

06.03.25. Музей архитектуры им. А.В. Щусева в Аптекарском приказепредставил два выставочных проекта к 135-летию архитектораКонстантина Степановича Мельникова. Фотовыставка «Образы Дома Мельникова» демонстрирует зрителю более 80 фотоснимков Дома Мельникова разных авторов, с момента его строительства в 1927-1929 годах до наших дней. Выставка «Муза архитектора Мельникова» рассказывает о семейной жизни Константина Степановича и Анны Гавриловны через историю бытования и реставрации венчального платья, одного из интереснейших экспонатов Музея Мельниковых. Наталья Шашкова, директор Музея архитектуры им. А.В. Щусева: «Главное произведение Константина Мельникова – собственный дом в Кривоарбатском переулке – и при жизни архитектора, и после его смерти был центром притяжения для поклонников его таланта. Сегодня дом недоступен для гостей в связи с реставрацией, но мы продолжаем говорить о Мельникове в стенах Музея архитектуры и раскрываем новые грани его биографии. Два выставочных проекта, которые мы представляем одновременно, дополняют друг друга, профессиональная история переплетается с личной: дом раскрывается как невероятный архитектурный объект и как место, где протекала наполненная творчеством и общением жизнь семьи, а супруга Константина Степановича Анна Гавриловна предстает прекрасной дамой и музой, 62 года сопровождавшей мастера на его жизненном пути». Куратор выставочных проектов: Анна Кистанова, директор Государственного музея Константина и Виктора Мельниковых. Выставка 12+ работает по 18.05.25.

Семья Мельниковых. Фото 1915 г. Из семейного фотоальбома. Из собрания Музея Константина и Виктора Мельниковых. Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

O6.03.25. Совместный проект East Meets West Gallery и Всероссийского музея декоративного искусства «Орнаменты. Вчера и сегодня» часть Iоткрылся в Музее декоративно-прикладного искусства. Каждая историческая эпоха поддерживает свой культурный контекст, в котором орнамент занимает не последнее место. Он соответствует художественному стилю представленной эпохи, ее архитектуре, культуре, традициям. Принципы орнаментальной композиции – это законы гармонии и пропорций, равновесия и симметрии. В настоящем проекте представлены объекты и предметы народного искусства XVII– XX веков, предметы декоративного искусства, авторские произведения советских и российских художников второй половины и конца XX века, хранящиеся в фондах Всероссийского музея декоративного искусства. По приглашению EAST MEETS WEST GALLERY в проекте участвуют современные российские художники и скульпторы, использующие в своем творчестве классическую орнаментику Древней Греции, Рима и Византии, а также древнерусские орнаменты. Преемственность дает возможность проследить использование многих орнаментальных мотивов, перешагнувших из далекого прошлого к нам в мир искусства сегодняшнего дня. Главная художественная идея куратора – разделение пространства экспозиции на три части, которые не всегда соответствуют делению на залы. Первая часть связана с древнерусскими орнаментами. Вторая часть посвящена в большой мере переработке орнаментальных украшений, воспринятых русским искусством из более ранних традиций Западной Европы, пришедших в основном из Ренессанса, в которых переплелись орнаментальные техники из Древней Греции, Рима, Византии, архитектурного орнамента Древней Руси. Третья часть посвящена теме орнаментов Востока в узком понимании, так как они представлены либо только произведениями с орнаментикой, близкой к искусству Японии или Китая, либо небольшими оригинальными произведениями коллекционеров. Куратор выставки: Татьяна Палеева. Выставка работает по 08.04.25.

О. Оснач. Тюльпан. 2023. Картон, акр, аппликация, неоновые краски, акв. пастель, цв. кар. 50х70. Фотографии предоставлены куратором

06.03.2025
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо — светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий — заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами — вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора — использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

10 подарков для него и для неё21/2/25

Праздники идут один за другим. Мы подготовили небольшую подборку подарков, которые подчеркнут вашу заботу и внимание, и подойдут для коллег, друзей и самых дорогих и любимых. Вот наши 10 идей, среди которых вы найдете презенты для нее, для него и для обоих.

1. ДЛЯ ОБОИХ

Весной кожа нуждается в «перезагрузке» и свежести. Щадящие микропилинги бережно полируют кожу, удаляя ороговевшие клетки и загрязнения. Они помогают коже дышать и восстанавливать естественное сияние. Такой подарок порадует и станет настоящим SPA-ритуалом в домашних условиях. Главное — выбирать продукты с мягкими формулами, чтобы избежать раздражения.

Фото: arbatlab.ru

2. ДЛЯ НЕЁ

Классический аксессуар, который никогда не выходит из моды — это шёлковый платок. Цепляющий взгляд, элегантный, невесомый, воздушный. Его можно носить на шее, завязать на сумке или использовать как стильный головной убор. Выбирайте нейтральные оттенки и утонченные принты, чтобы он легко сочетался с разной одеждой.

Фото: www.hermes.cn

3. ДЛЯ НЕЁ

Помним, что украшения — лучшие друзья женщин. Это всегда хороший подарок, особенно если они подчеркивают индивидуальность. Лаконичные минималистичные серьги подойдут для повседневного ношения, а более выразительные модели добавят шарма к вечернему образу. При выборе стоит учитывать стиль, предпочтения и характер получательницы, чтобы украшение стало любимой вещью.

Фото: tiffany.ru

4. ДЛЯ ОБОИХ

Универсальный и всесезонный подарок для тех, кто всегда в движении — термокружка, которая не даст вашему кофе остынуть в холодное время года или сохранит чай прохладным даже в жару. Она идеально подходит для прогулок, поездок или работы в офисе. Выбирайте необычный дизайн и модные цвета, чтобы подарок создавал настроение.

Фото: eu.stanley1913.com

5. ДЛЯ ОБОИХ

Косметичка — это практичный подарок, которому всегда найдется применение. Даже простая косметичка, уже сама по себе хороша, а ведь в неё можно ещё и положить что-нибудь. Компактная косметичка подойдет для сумочки, а более вместительная станет отличным органайзером для дома или для путешествий. Обратите внимание на модели с водоотталкивающим покрытием, вместительные, удобные, которые легко стираются. Такой подарок точно окажется полезным в повседневной жизни.

Фото: dior.com

6. ДЛЯ НЕГО

Отличным подарком для мужчин может быть стильный ремень, который завершает образ и подчеркивает вкус. Он подойдет как для делового, так и для повседневного стиля. Отметим классические модели в черном или коричневом цвете — они наиболее универсальны и легко сочетаются с разной одеждой. Для тех, кто предпочитает более современные образы, можно выбрать ремень с необычной пряжкой или фактурой.

Фото: montblanc.com

7. ДЛЯ ОБОИХ

Натуральное масло виноградной косточки — это универсальный эликсир для кожи и волос, который станет отличным подарком этой весной. Оно глубоко увлажняет, питает и восстанавливает благодаря насыщенному комплексу жирных кислот, антиоксидантов и витаминов. Легкая текстура позволяет ему быстро впитываться, не оставляя жирной пленки. Идеально для ухода за кожей лица, тела и волос.

Фото: siberina.ru

8. ДЛЯ НЕЁ

Шёлковая пижама — это комфорт, чувственность, нежность, мягкость ощущений и роскошь в повседневной жизни. Натуральный шелк приятен к телу и регулирует температуру. Такой подарок подчеркивает заботу о комфорте и качестве отдыха. Советуем выбирать нейтральные или пастельные оттенки, которые ассоциируются с расслаблением и уютом.

Фото: primrose-homewear.ru

9. ДЛЯ ОБОИХ

Классические наручные часы являются символом элегантности и стиля. Они могут быть как минималистичными, так и украшенными декоративными элементами. Такой подарок подчеркнет статус и завершит образ. Особенно актуальны модели с металлическим ремешком, которые подходят как для офиса, так и для выхода в свет.

Фото: www.raketa.com

10. ДЛЯ НЕГО

Запонки — идеальный подарок для мужчины, который ценит стиль и элегантность. Этот аксессуар добавляет образу изысканности и подчеркивает статус. Запонки могут быть классическими — из благородных металлов с лаконичным дизайном, или более креативными — с гравировкой, эмалью или камнями. Такой подарок станет памятным аксессуаром на долгие годы.