#Арт-обзор за неделю 12.12.-19.12.2019

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

Анна Андреева
Эскиз рисунка для ткани
СЕРИЯ «КОРА»
1965

12.112.19. WHO I AM Gallery впервые представила портретные работы художника, джазового музыканта, композитора Игната Кравцова в рамках выставки «Faces».  Игнат работает в технике письма мастихином с использованием большого количества оттенков цвета. На картинах те узнаваемые люди из мира музы, которые повлияли на становление Игната в качестве джазового исполнителя –  Джон Леннон, Бьорк, Виктор Цой, Майлз Дэвис, Дэвид Боуи, Дэвид Линч… Игната привлекает образ сложных личностей творчество которых сформировалось на стыке разных форм искусств. Необычный характер выставки заключается в том, что соавтором выступает шестилетний сын Игната Ролан. Творчество Кравцова, участника джазовой группы «Amber SEPT»  – это синтез музыки и живописи. «Живопись дает возможность визуализировать свое видение мира, личности, красок и форм, в то время, как языком музыки мы слышим это…» — объясняет художник. Выставка работает до 20.01.20.

Фотографии предоставлены WHO I AM Gallery

13.12.19 и 14.12.19 В России впервые проходил Фестиваль фрактального искусства. Местом проведения фестиваля стала выставка Mystic Universe (Artplay).  Фрактальное искусство – одно из направлений диджитал-арта,  в котором один и тот же мотив повторяется в последовательно уменьшающемся масштабе и воспринимается человеческим глазом как высшее проявление гармонии и красоты, а также оказывает медитативный эффект. Иммерсивная выставка Mystic Universe с помощью искусства – саунд-дизайна, световых эффектов и экспериментов с пространством воссоздает атмосферу мифических вселенных. В фестивале приняли участие Джулиус Хорстуис известный совместными проектами с диджитал художником Android Jones, моушн-дизайнером Esteban Diácono и графическим дизайнером Beeple; Арсений Трофим, композитор, пианист, теоретик музыки, продюсер, автор нескольких успешных международных проектов в области аудиовизуального искусства; Андрей Чапоров, совмещающий электронную танцевальную музыку с игрой на классическом инструменте; Symbolico или Or Ron Stern саунд продюсер и электронный музыкант из Израиля; Stas Afro, автор художественно-повествовательных миксов. Выставка Mystic Universe (Artplay) работает до 31.05.20.

Фотографии предоставлены PR-агентством «Бедуш & Маренникова». 

13.12.19 Галерея Fābula представила выставку Маши Колосовской. Куратор: Елена Фадеева. Проект состоит из двух частей – в части «108» – коллекция объектов из терракоты, соавтором Маши выступил Владимир Косяк. «Это очень личная, протяженная во времени, но конечная история. Мы сделаем 108 вещей — 108 бусин, которые покатятся по миру, нагретые нашими руками и нашей любовью. Это безмолвные, спокойные семена, которые прорастут там, где им суждено упасть. Хотя мы и вкладываем много труда в работу, мы стараемся, чтобы нас как авторов в каждом из изделий было как можно меньше, а больше — глины, огня, молока, воска, воздуха, леса, воды и того, что отдадут им на хранение их обладатели» – вот идея Маши Колосовской и Владимира Косяка, художников-керамистов, работающих с 2016 года вместе. Маша и Владимир используют традиционную русскую технологию молочения керамики — обливание молоком и повторное запекание в печи. Этот способ придает терракотовой глине глубокий коричневый цвет, а в сочетании с авторской техникой лощения камнем — фактуру дерева или кожи. Изделия производятся без штамповки: форма либо поднимается на гончарном круге, либо собирается из частей. В итоге получаются теплые, уютные, округлые, живые вещи, с которыми, несмотря на их хрупкость, хочется взаимодействовать тактильно. В дополнение к физическим объектам из глины на выставке представлены фото и видео работы, созданные Ильей Батраковым и Моной Ермишиной. В их короткометражных фильмах объекты выставки оживают, переносятся в декорации пейзажей русской природы. Галерея Fābula так же представила «Стол», созданный Машей Колосовской – сюрреалистический оммаж российской традиции встречи Нового года. Выставка работает  до 16.01.20.

Фотографии предоставлены Галереей Fābula

13.12.19 Музей АРТ4 представил ПЕРКИННАЛЕ – групповой проект, созданный инициативой художника Вовы Перкина. В проекте участвуют хдожники: Андрей Бартенев, Сергей Борисов, Виктор Гоппе, Гена Жук, Дима Маконда, Маратка, Вова Перкин, Лиза Плакса, Дима Рае, Серёжа Фили. Перкин, заполнив все залы Музея, представил работы своих соратников разных поколений как единую концепцию, позволяющую «увидеть краски окружающего мира глазами младенца, появившегося на свет прямиком в садах Николы Теслы».

Пространство АРТ4 разделено на четыре павильона – «Идеальная Инъекция», «Природные дары-пыльца и грибы», «Шатер Угара» и «Гранд-отель «Маржданин», а меценатами выступают герои мифологии перкинистов – Петрушка, Кондитер Пабло, Бананий депутат и Агент.

«Перкиннале — мир будущего, возникший от половой и эмоциональной связи человека и машины, обмен человеко-топлива «Угар» и «Дурь» на машинно-серотониновую утопию, способность раствориться как кусок сахара в горячей кружке гипер-дополнительной реальности». Выставка работает до 01.02.20.

Фотографии предоставлены Музеем АРТ4

16.12.19 В галерее-мастерской «ГРАУНД Солянка» была представлена тотальная инсталляция «Я, Майя Плисецкая». Ее автором выступает Мария Трегубова, известная как театральный художник, чьи спектакли идут в репертуарах ведущих театров в России и за ее пределами. Музыкально-драматический проект «Я, Майя Плисецкая» – первая большая сольная работа Марии Трегубовой в области современного искусства. В основу проекта легла одноименная автобиографическая книга «Я, Майя Плисецкая».

Мария Трегубова о проекте: «Майя Плисецкая — уникальное явление. Она никогда не была просто исполнительницей заданных партий. Она всегда и во всем была художником, автором. Задачей проекта было создать портрет Плисецкой, найдя для этого форму, подходящую этой совершенно неординарной натуре. Этот портрет не мог быть абсолютно реалистическим. Это не соответствовало бы ее хулиганскому характеру. Не мог он быть и совсем абстрактным — слишком жалко было бы лишаться документальных подробностей, без которых портрет не был бы полным. Получилась система образов в пространстве, не имеющих друг к другу прямого отношения, и монтирующийся в единое целое лишь в голове у зрителя. При этом зритель тоже наделяется правом авторства, создавая из кусочков пазла свой портрет Плисецкой».

 Каждая из шести комнат тотальной инсталляции связана с одним из периодов жизни или аспектов личности Майи Плисецкой. Очередность посещения комнат -свободная, так что каждый зритель сам составляет свой маршрут. Комната с бесконечно ведущей вверх лестницей олицетворяет путь балерины. 16.12.19 и  17.12.19  в  галерее-мастерской «ГРАУНД Солянка»  в рамках выставки было показано музыкально-драматическое произведение по книге «Я, Майя Плисецкая» — перформанс с участием учеников Школы классического танца Геннадия и Ларисы Ледях, в котором использована музыка Родиона Щедрина. Художественный руководитель проекта – народный артист России Андрис Лиепа.  Выставка «Я, Майя Плисецкая» в галерее-мастерской «ГРАУНД Солянка» продлится до 19.01.20.

Фотографии предоставлены галереей-мастерской «ГРАУНД Солянка»   

Комментарий директора галереи «ГРАУНД Солянка» Кати Бочавар для Cabinet de l’art

Катя Бочавар. Фото: Владимир Яроцкий

Ольга: Катя, лично для вас, что за явление –  Майя Плисецкая, какой ассоциативный ряд выстраивается, когда вы слышите это имя?

Катя:  Все мы выросли на «Лебедином озере», которое показывали каждую неделю по черно-белому телевизору. Для меня она навсегда балерина номер Один. Это святое, что-то уже давно под кожей, как в молекуле твоей крови. К тому же, когда мы стали больше говорить, узнавать о том, кто же такая Плисецкая, о ее жизни, о трудностях ее жизни, о том, какой мужественной она была, мое чувство только усилилось. Узнавая факты и перипетии ее жизни, потрясаешься. Мне кажется, что важно каждому из нас помнить о том, что и зачем мы делаем. Плисецкая показывает пример того, что творчество и творческое «Я» стоит во главе угла. Очень здорово, когда публика не может видеть всех твоих сложностей, а видит тебя только как идеал. Сквозь годы, сквозь трудности быть идеалом – очень сложно, это редко случается, и это о Плисецкой.

Ольга: Плисецкая – символ советской эпохи. Считалось, что в балете мы «впереди планеты всей». На Плисецкую возложили бремя официальной личности, представителя страны.

Катя: Да, и она как инструмент это использовала. Для того, чтобы победить ты должен пользоваться какими-то рычагами. Для неё – это ее популярность во всем мире, она как символ русского балета. Русский балет, как бы кто к нему не относился, – это удивительная штука.  Он до сих пор жив и интересен. Осталось очень мало творческих профессий, которые несут в себе такое огромное количество дисциплины. Плисецкая для меня никогда не ассоциировалась ни с каким официозом, она была сама по себе… а то, что ей пользовались… Всеми нами пользуются, нами прикрываются. Иногда мы боремся с этим, иногда миримся, потому что это необходимо для того, чем мы занимаемся.

Ольга: На примере Плисецкой можно сказать, что истинный талант – выше всяких «игр престолов»?

Катя: Абсолютно, именно это я и имею в виду. Это как проживать несколько жизней. Ты ведешь свою жизнь в искусстве и рядом с ней. И ты, как человек, делаешь все, чтобы жизнь актера могла случиться, чтобы ты мог продвигаться как творческая единица.  Она не была покорной Офелией, она была бунтарем и это было видно. Если Майя открыто не боролась с властью, что тогда было просто невозможно, то уж точно не дала себя сломить. Она пользовалась тем, что ей предоставляли. Она всегда говорила о том, что сцена Большого театра ее любимая, та, на которой она хочет танцевать. Это важно для художника, потому что если он не будет получать то, что ему нужно для того, чтобы творить – он закончится как творец. Она очень много работала, а когда много работаешь – некогда размышлять о том, кто и чем прикрывается.

Ольга: Мария Трегубова, куратор выставки, автор проекта – известный театральных художник. Вы – известный куратор и архитектор, автор инсталляций и перформансов, художник. Как профессионал, что вы можете сказать –  есть ли какие-то нюансы, которые вы ощущаете в ее работе и понимаете, что этот проект делал театральный художник?  В чем они заключаются?

Катя: Мне нравится этот жанр. Тотальная инстолляция – это некая декорация, придя в которую каждый играет по-своему, становится актером некой пьесы. Театральный художник, с моей точки зрения, более нарративен. Меньше общей абстрактности. Он вплетает меньше смыслов, которые как правило у художников fine art присутствуют. Это первая работа Маши Трегубовой. Она принесла с собой этот багаж работы в театре. Было непросто, потому что здесь она и художник, и режиссер. Ты придумываешь ту пьесу, в которую сам должен будешь потом погрузиться, провести за руку посетителя и рассказать ему свою историю. В принципе, это тот же сценарий, по которому работают и fine art и театральный художник. Только у театрального художника, как мне кажется, сюжет более выраженный. Он чувствуется.

Ольга: А она пришла к вам с творческой идеей?

Катя: Да, она пришла с материалом, с деньгами, с рабочей группой. Она выбрала нас, а мы старались помогать.

Ольга: В Культурном центре Андрея Вознесенского в конце прошлого года была выставка-инсталляция «Моя Плисецкая. Вознесенский Новый Год». Вы были там куратором, архитектором, создателем перформанса. Эти проекты перекликаются?

Катя: Вообще нет. Разные истории. Там была бытовая история о том, как Вознесенские и Щедрин с Плисецкой справляли Новый год на протяжении 12 лет вместе. Поэтому возникла такая идея у центра, меня пригласили куратором. Жанр похожий, есть у меня мое и Леши Трегубова изобретение, которое называется ХМАТ- художественный междисциплинарный антитеатр. Это театр без актеров и режиссеров, театр, в который ты можешь прийти в любое время работы галереи. Он может включать в себя перформансы как, например, у Трегубовой – 16 и 17 декабря с перформансами, а потом без него. Для того проекта я, как куратор, взяла работы, которые были мне известны. Мы их адаптировали. А то, что сделала Маша, – это больше единичное высказывание. И то и другое мне кажется интересным, практически на одну и ту же тему, но это немного разные высказывания. Тем это и забавно. Разные высказывания, одна и та же техника тотальной инсталляции, но совершенно разные работы. Это здорово!

17.12.19 Галерея «Эритаж» представила выставку «АННА АНДРЕЕВА. СОВЕТСКИЙ ОП-АРТ. ЭКСПЕРИМЕНТАЛЬНЫЙ ДИЗАЙН 1960-х». Куратор: Кристина Краснянская. Анна Андреева (1917-2008) – выдающегося экспериментатора эпохи «оттепели», смело соединявшей в своих работах актуальные западные художественные течения и наследие русского авангарда и возглавлявшей секцию декоративного искусства МОСХа. Эта выставка продолжает цикл проектов галереи «Эритаж», посвященных советскому дизайну. Андреева смогла реализовать свой талант в области промышленного дизайна, находившегося на периферии советского идеологического фронта. Закончив текстильный институт художник много лет проработала в экспериментальном отделе шелковой фабрики «Красная Роза». Именно там была разработана знаменитая серия платков, посвященная космосу, один из которых стал подарком Елизавете II от советской делегации, направленной в Лондон после полета Гагарина в Космос. Занимая пост ведущего специалиста 1964 по 1984 год, Анна Андреева разработала ряд новых направлений советского текстильного дизайна.  Одним из мощных импульсов в творчестве Андреевой стало знакомство с Элием Белютиным, пропагандировавшим свободу выразительных средств и уход от идеологической доктрины в искусстве. Поездка в Лондон в начале 1960-х годов позволила Андреевой познакомиться с одним из самых мощных художественных течений того времени – оп-артом и творчеством Виктора Вазарели. Другой набор работ Андреевой связан с модернистским прочтением национальных фольклорных и декоративных традиций. В серии работ, объединенных условным названием «Кора», художник обращается к мотивам русских орнаментов. Сегодня творчество Анны Андреевой можно безусловно интерпретировать как искусство «второй волны авангарда», где актуальные западные идеи, смешиваясь с отечественным авангардным наследием, формируют новый образ. Работы Анны Андреевой приобретены в 2019 году нью-йоркским музеем МoМА. В галерее «Эритаж»  на выставке представл.ено свыше 50 авторских эскизов Анна Андреевой, а также образцы тканей, выполненные по ее рисункам. Выставка работает до 10.03.20

Фотографии предоставлены Art Pr

17.12.19. Галерея Классической Фотографии представила к 30-летию возрождения Валаамской обители мультимедийную выставку «Валаам. Пространство вне времени». На выставке представлены 3D-реконструкции фотографий Старого Валаама, современные 360-градусные VR-панорамы, подлинные отпечатки и артефакты XIX, XX веков из частных собраний, а также портретная галерея братии Валаамского монастыря современных авторов. Вся экспозиция построена особым образом, погружающим зрителя в природный, архитектурный, исторический и духовный мир Валаама. Кураторы выставки: Константин Бенедиктов – основатель Клуба Коллекционеров Фотографии, арт-директор фестиваля РОДНЯ и  Константин Дьячков – директор ООО «Творческое объединение «Парсуна». Выставка работает по 30.01.20.

«Валаам. Пространство вне времени»

Фотографии предоставлены Галереей Классической Фотографии

Константин Бенедиктов

Блиц-интервью Константина Бенедиктова, основателя Клуба Коллекционеров Фотографии, арт-директора фестиваля РОДНЯ  куратора выставки для Cabinet de l’art:

Ольга: Недавно в Пушкинском музее открывали выставку «Дагеротип, автохром, поляройд», посвященную 180-летию изобретения фотографии.  Бесспорно, выставка в Галерее Классической фотографии – это в первую очередь рассказ о Валааме – «Пространстве вне времени». Но можно сказать, что это выставка также ценна и интересна с точки зрения освещения истории, истоков фотографии?  

Константин: Выставка совпадает с 180-летием рождения фотографии. А Валаамская фотомастерская безусловно внесла яркий вклад в историю русской светописи. Кроме того, в этой экспозиции мы прослеживаем путь развития стерео-фотографии, которая по сути явилась предвестником современных технологий дополненной реальности.  В этом смысле наша выставка является и исследовательским проектом. 

Ольга: Что для вас лично означает название выставки «Валаам. Пространство вне времени.»? Иными словами, что для вас заключено в понятии «пространство вне времени»? 

Константин: То, что есть места на нашей земле, где время как бы замирает, где оно течет по другим законам, подчинено иным смыслам. То, что образы времени прошедшего и сегодняшнего могут рассказать нам о чем-то большем.  

Ольга: Как, какими решениями и приемами кураторам выставки удалось передать мысль о том, что Валаам – это пространство вне времени? Удалось, вы сами довольны результатом? 

Константин: Мы очень старались и работала над этим большая команда. Удалось ли нам это передать – вопрос к зрителю. Мы показываем фотографии разного времени, которые представляют жизнь этой древней обители, какой она была больше века назад и какая она сейчас. И несмотря на исторические, социальные, политические, экономические и т.д. изменения, суть и предназначение этого места остаются прежними, это место поиска Бога.

Ольга: В рамках этой выставки вы планируете сделать параллельную программу? 

Константин: Да, мы планируем проведение концерта, встреч, конференции. 

17.12.19 ММОМА, Петровка 25 представил «MMOMA 99/19».  Юбилейная выставка ММОМА, приуроченная к ХХ-летию первого в России государственного музея современного искусства, проходит в исторически первом здании музея на Петровке, 25. Проект объединяет 20 профессионалов из разных областей науки и культуры – от режиссеров и музыкантов до врачей, ученых и рестораторов. Под руководством кураторской группы ММОМА они предложили свой особый взгляд на обширное музейное собрание отечественного искусства в разрезе своей профессиональной деятельности. Приглашенными кураторами юбилейного проекта стали Михаил Алшибая (медицина), Алена Долецкая (медиа), Андрей Малахов (телевидение), Владимир Мухин (гастрономия), Ольга Трейвас (архитектура), Диана Вишнева (танец), Алиса Хазанова (кино), Федор Конюхов (мореплавание), Илья Лагутенко (музыка), Андрей Артемов (мода), Олег Воскобойников (история), Фредерик Маль (парфюмерное искусство), Кирилл Серебренников (театр), Кети Чухров (философия), Федор Смолов (спорт) и голосовой помощник Marusia (информационные технологии). В выставке также примут участие куратор Центра им.Ж.Помпиду Бернар Блистен, современный британский художник Мартин Крид, президент Российской Академии художеств Зураб Церетели, ответственные за направление «искусство». Юбилейный проект предполагает образовательную программу для профессионалов и широкой аудитории, а также для людей с ограниченными возможностями. Сменные тематические экспозиции коллекции – важная особенность выставочной политики MMOMA. К настоящему моменту было осуществлено уже восемь масштабных проектов этой серии, своей новой, девятой по счету, экспозицией «MMOMA 99/19» музей планирует расширить эту междисциплинарную практику работы с коллекцией. Архитектура выставки: Form Bureau.  Кураторы выставки: Диана Джангвеладзе, Мария Доронина.  Выставка работает 19.12.19 – 17.05.2020.

Фотографии предоставлены Отдел общественных связей ММОМА

18.12.19 В галерее «Царская башня» Казанского вокзала Москвы состоялось открытие выставочной экспозиции «Исторический багаж». Организатором проекта выступает фонд «Культурное пространство». Экспозиция подготовлена галереей «Триумф». Организованная при поддержке ОАО «РЖД» выставка на Казанском вокзале Москвы  является продолжением одноименного проекта, который уже представлен в виде интерактивных стендов на железнодорожных вокзалах 18 городов. «Исторический багаж» – это исследование истории России в контексте развития регионов страны. В экспозицию вошли инсталляции, картины, фотографии и инфографика, представленные в четырех разделах выставки: «Большая история. Большие города», «Николаевская железная дорога», «Между прошлым и будущим», «Байкало-Амурская магистраль».

Фотографии предоставлены галереей «Триумф»

.

18.12.19 Центр современного искусства М’АРС, художник-исследователь Ольга Щербакова и дизайн-студия «МЫ» представили проект RESET. Концепция проекта имеет многожанровую структуру, совмещая сложное художественное решение, digital art, sound art, VR, human design, ольфакторную и цветотерапию. RESET посвящен исследованию влияния цвета, звука и ароматов на человеческое восприятие и возможности перезагрузки эмоционального состояния. Основополагающим направлением в проекте является арт-терапия, которая оказывает положительное воздействие на психоэмоциональное состояние человека.  Выставочный проект RESET состоит из 7 залов и представляет собой арт-эксперимент, направленный на познание себя через взаимодействие с арт-объектами. Чтобы осуществить полную перезагрузку, автор использует сразу несколько терапевтических приемов, основанных на силе запаха, цвета и звука. Все ароматы имеют органическое происхождение без добавления химических добавок и созданы ольфакторным архитектором Анной Сивачевой специально для проекта. Музыкальная часть выставки разработана композитором и музыкантом Тимом Ивановым. Выставка работает до 18.08.20.

Фотографии предоставлены Центром современного искусства М’АРС

18.12.19 18 В МАММ в рамках программы Года музыки Великобритании и России состоялся концерт новой российской и британской музыки «Common Space». Проект выходит за рамки обычного концерта, это пространственная звуковая инсталляция, в которой принимают участие 5 российских музыкантов Московского Ансамбля Современной Музыки – МАСМ (флейта, кларнет, скрипка, виолончель, фортепиано) и 4 солиста ведущего британского ансамбля современной музыки Birmingham Contemporary Music Group – BCMG (флейта, ударные, гитара и альт). Проект объединяет две идеи. Первая идея — общность. Вторая идея — одновременность и расфокусировка слушательского восприятия, в рамках концертной инсталляции, в ходе которой несколько камерных сочинений будут одновременно исполнены в разных пространствах.

Фотографии предоставлены МАММ

19.12.19 В галерее ГУМ-Red-Line была представлена довольно легкомысленная предновогодняя выставка «Пусть счастливая звезда сияет в высоте» – восточный гороскоп в интерпретации современных художников. Куратор выставки Елена Крылова собрала художников, которых считает настоящим и будущим российского современного искусства: Людмилу Баронину, Катю Белявскую, Алину Глазун, Ивана Горшкова, Ксению Драныш, ЕлиКука, Юлию Картошкину, Ольгу Кройтор, Романа Манихина, Викторию Марченкову, Ростана Тавасиева, Ивана Тузова, Сашу Фролову, Нику Черняеву, Валерия Чтака. А составить гороскоп на наступающий год Металлической Крысы она пригласила мэтра, провидца и одного из самых красноречивых художников нашего времени – Пахома. Весь минувший год в мире, в том числе и художественном, много говорилось о глобальных проблемах и их непростых решениях. В преддверии праздников выставка про гороскоп  дает возможность и повод улыбнуться, взглянуть под новым углом на настоящее, и с оптимизмом – в будущее. «Пусть счастливая звезда сияет в высоте» – говорят, что именно так китайцы желают друг другу удачи в новом году. Выставка работает до 22.01.20.

Фотографии предоставлены ArtPr

19.12.19 Мультимедиа Арт Музей в сотрудничестве с Музеем кино и Киностудией «Союзмультфильм» представили выставку «Андрей Хржановский: мой круг», приуроченную к 80-летию Народного артиста Российской Федерации, Лауреата Государственной премии Российской Федерации, Государственной премии РСФСР имени Н. К. Крупской, Премии Правительства Российской Федерации выдающегося режиссера и сценариста анимационных фильмов. В экспозицию вошли рисунки, эскизы, отрывки фильмов и рабочие материалы к ним, созданные друзьями и коллегами Андрея Хржановского, а так же эскизы к новому, еще не законченному фильму автора: «Нос, или Заговор „не таких“» по мотивам повести Николая Гоголя «Нос». Андрей Хржановский: «…Я пришел на студию „Союзмультфильм“ в 1964 году — 55 лет тому назад. Сегодня мне 80. Если я сделал что-то неоспоримо значительное для искусства анимации, в котором работаю до сих пор, так это то, что привел в него замечательных художников — Николая Попова, Юло Соостера, Юрия Соболева, Владимира Янкилевского, Сергея Бархина, Марину Азизян… Пользуясь их дружбой и их искусством, а также используя рисунки А. С. Пушкина, Федерико Феллини и Иосифа Бродского, я сделал десять фильмов. В работе над фильмом „Нос, или Заговор “не таких”“ участвовали талантливые молодые художницы, выпускницы ВГИКа, Александра Павлова и Варя Яковлева». Кураторы: Анна Зайцева, Мария Лаврова. Выставка работает до 16.02.20.

Фотографии предоставлены ММАМ

19.12.19 Мультимедиа Арт Музей представил новый проект выпускника Школы фотографии и мультимедиа им. А. Родченко Игоря Самолета «Энергия ошибки», в котором автор исследует проблему человеческих взаимоотношений, рассматривая их через социальный и цифровойфильтры. Самолет трактует образ современного человека через его эмоциональную неустойчивость, показывая его уязвимость внутри гигантского цифрового пространства. Экранная культура диктует новые правила игры и алгоритмы межличностного взаимодействия. Новая реальность требует нового визуального языка. Свои объекты Игорь Самолет называет «контент формы» — это скриншоты экрана телефона художника, включающие плей-листы, новости, переписки в мессенджерах, автопортреты с использованием Инстаграм- и Снэпчат- масок, посты в Фейсбук. Выставка, по сути, является дневником Игоря Самолета, развернутым в пространстве. Эффект виртуального дневника многократно усиливается благодаря включенным в экспозицию реальным бумажным дневникам московского школьника Олега Черневского 1936—1937 годов из архива Международного общества «Мемориал», являющихся уникальным историческим свидетельством одного из самых трагических периодов советской истории. Подросток писал об арестах, громких процессах и расстрелах, коснувшихся и его семьи. Куратор – Анна Зайцева. Выставка работает до 02.02.20.

Фотографии предоставлены ММАМ

19.12.19 Мультимедиа Арт Музей и Школа Родченко (ШР) представили выставку Ильи Колесникова «Бумажный тигр, пластиковый дракон». Выставка открывает долгосрочную программу «ШР в МАММ», которая позволит посетителям музея познакомиться с художниками, которыми Школа и музей гордятся уже сегодня и которые определят художественный ландшафт ближайших лет. Проект «Бумажный тигр, пластиковый дракон» – это попытка переосмыслить один из главных архитектурных и исторических памятников Китая, Великую Китайскую стену. В качестве строительного материала для своей «китайской стены» художник использовал нераспечатанные посылки, которые на протяжении двух лет приходили на его адрес из китайских интернет-магазинов. Увеличив ежемесячное количество своих заказов в интернет-магазинах, он отказался от главной составляющей ритуала – распаковки посылок. Итогом двухлетнего эксперимента художника стала масштабная инсталляция, вскрывающая опасную самоценность потребления, когда удовольствие от самого процесса  способно вытеснить его практическое целеполагание. Рабочая группа: Лана Абрамова, Мария Кобринец, Ника Комарова. Выставка работает до 02.02.20.

Фотографии предоставлены ММАМ

 19.12.19. Московский Музей Современного Искусства, галерея «Триумф» и МГАХИ им. В.И.Сурикова в Мемориальном музее «Творческая мастерская С.Т. Конёнкова» в рамках Программы поддержки молодого искусства представляют выставку работ Евгении Вороновой, выпускницы отделения графики МГАХИ им. В.И.Сурикова и Школы современного искусства «Свободные мастерские». Выставка «Две параллельные прямые непременно пересекаются» напоминает, что опровержение Лобачевским известной аксиомы о параллельности прямых положило начало новой геометрической системе. Его опыт показал, что геометрий может быть великое множество. Каждая новая меняет наши представления о физическом мире и позволяет увидеть пространство возможного. Геометрические решения в работах Евгении Вороновой имеют отношение не только к формальным задачам, но и к физике пространства как такового, намечая новое измерение, в котором привычные объекты могут получить другое прочтение и новые смыслы. Живопись, графика, инсталляции и видео Евгении Вороновой представлены внутри постоянной экспозиции музея-мастерской Сергея Коненкова. Выбор для выставки именно этой площадки не случаен – в разные периоды своего творчества Сергей Коненков обращался к геометрическим моделям, что нашло отражение в его графике и скульптурах. Куратор: Светлана Дорогина. Выставка работает до 20.02.20.

Фотографии предоставлены галереей «Триумф»

19.12.19 София Пятницкая представила концепцию своих работ на выставке «Воспоминания о будущей зиме…» – размышления трех художников о зиме (София Пятницкая, Евгения Сапелкина, Роман Гадицкий). Выставка проходит в галерее Промграфика. Зима — неизбежный период природного цикла, нечто всегда ожидаемое. Но сколько бы зим не прошло, зима всегда в будущем, а значит всегда будущая. Зима объемлет все, в ней страстная буйность метели, в ней мудрость умиротворяющей тишины. Картины Софии созданы в стильном минималистичном формате черно-белой абстракции, подчёркнуто декоративные, лаконичные и выверенные по композиции. Выполнены работы в особой технике множественных монохромных лессировок, которые складываются на холсте в утонченные текстуры и создают особый эффект глубины. Работы отличает свойственна своего рода эстетическая эластичность. Выставка работает до 24.12.19.

Фотографии предоставлены автором Софией Пятницкой

Автор | | Ольга Серегина,
арт-обозреватель