Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
06.02.23. В Музее AZ состоялось открытие выставки «Мой учитель Леонардо» – одиннадцатого проекта музея, посвященного художнику Анатолию Звереву. Одним из главных событий этой выставки является показ архивного собрания трактатов Зверева, впервые оцифрованных и представленных публике. Прочитав трактаты «универсального человека» эпохи Возрождения, Зверев написал в автобиографии: «Учителем себе я избрал Леонардо да Винчи» – эта метафорическая фраза стала смысловым центром выставки. Зверев создал десятки собственных трактатов, в которых не раз вступал в диалог с великим итальянцем. Зверев преклонялся перед Рембрандтом и Гойей, Малевичем и Матиссом, Рафаэлем и Веласкесом, но с да Винчи у него были особые отношения. Их объединяло родство и созвучие мыслей об искусстве и месте художника в нем. Генеральный директор Музея AZ Наталия Опалева: «Зверев и Леонардо – казалось бы, кто может быть более несовместимым, разнесенным по разным полюсам не только временем, но и особенностями характера, образом жизни и всем остальным? Однако – “когда я читал трактаты оного – уже теперь моего друга – был поражен одинаковости в выражении мыслей наших” – читаем мы у Зверева. Была ли это только зверевская ирония или все-таки именно Леонардо да Винчи был выбран Зверевым в качестве учителя, подсказав нашему герою особый взгляд на жизнь и творчество в самом широком смысле – без академических и вообще каких-либо норм и правил, доверяя исключительно собственному опыту и интуиции?»
На выставке «Мой учитель Леонардо» показаны более 170 работ Анатолия Зверева в различных жанрах от портретов и автопортретов до пейзажей и анималистики, в том числе работы, которые не демонстрировались в Музее ранее и были приобретены недавно: «Сосна в Щукино» 1973 года и «Дворик в Сокольниках» 1957 года, а также портреты поэта Арсения Седугина 1983 года. Особое место занимают ранее не публиковавшиеся литературные произведения художника – трактаты и стихи. Главный хранитель Музея AZ, Наталья Волкова: «Рассматривать Зверева как значительного литератора и поэта было бы неправильно. Его поэзия и проза неотделима от его живописи — спонтанной и мгновенной. Это изо-поэзия, изо-литература. Рукописный текст сегодня сродни клинописи шумеров или берестяным грамотам древних новгородцев. Музей издает факсимиле этого трактата, оно раскроет широкому зрителю доселе неизвестные грани таланта художника Зверева». На выставке «Мой учитель Леонардо» Анатолий Зверев предстает тем самым «универсальным человеком», о котором рассуждал «титан эпохи Возрождения», – художник и поэт, воплотивший мечту ХХ века о свободе искусства.
Специально к открытию выставки Музей AZ подготовил факсимильное издание «Трактата о живописи» 1959 года, посвященного великому коллекционеру Георгию Костаки. Трактат опубликован с комментариями филолога и текстолога, переводчика и искусствоведа Николая Котрелева. Выставка будет сопровождаться программой специальных событий: циклом лекций, кинолекторием, а также детскими образовательными программами. Создатели проекта: генеральный директор Музея AZ Наталия Опалева, художник-постановщик Анатолий Голышев, координатор проекта, главный хранитель Наталья Волкова, литературный редактор Ольга Богомолова. Выставка работает до 05.11.23.
Фотографии предоставлены pr-бюро проекта
08.02.23. Музей русского импрессионизма представил выставку «Отличники» о европейских путешествиях молодых русских мастеров – лучших выпускников Императорской Академии художеств и Московского училища живописи, ваяния и зодчества. После реформы Академии художеств в 1893 году, значительно упростившей отчетность по пенсионерским поездкам, для многих пенсионеров образовательные турне становятся периодом активных творческих исканий. Начинающие амбициозные художники на рубеже XIX – XX веков отказались от подражания зарубежным мастерам и, переосмыслив полученный за границей опыт, положили начало новому витку развития русского искусства. Этот переломный момент можно проследить в работах участников пенсионерских поездок: от академических произведений Генриха Семирадского до живописных экспериментов Ильи Репина, Василия Поленова и их последователей. Упоминание зарубежных путешествий «для усовершенствования в искусстве» часто встречается в биографиях известных художников. Выставка представляет собой одно из первых крупных исследований, посвященных пенсионерским поездкам 1870 – 1910-х годов, их влиянию на формирование стиля отдельных живописцев и на эволюцию традиций отечественной художественной школы.
В экспозиции представлены как известные мастера, так и художники, для которых проведенное за границей время стало наиболее ярким этапом в творчестве. В экспозиции собраны полотна Николая Ге, Константина Горбатова, Исаака Бродского, Михаила Демьянова, Александра Яковлева, Василия Шухаева и других живописцев из федеральных и региональных музеев, среди которых Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей, Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко, а также частных коллекций.
Выставка масштабно адаптирована для слабовидящих и незрячих гостей. Традиционно к избранным произведениям представлены тактильные копии. Семь макетов, созданных при поддержке партнера инклюзивной программы Благотворительного фонда Алишера Усманова «Искусство, наука и спорт» в рамках программы «Особый взгляд», по окончании проекта дополнят постоянные экспозиции региональных музеев. Составить полноценное впечатление о работах помогают ароматы-состояния от незрячих парфюмеров Pure Sense.
Кустодиев Борис. В Булонском лесу. 1904. Калужский музей изобразительных искусств
Франц фон Штук. Посмертная маска Бетховена. 1896–1905. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина
В каталог выставки вошли статьи куратора Ольги Юркиной об истории пенсионерских поездок русских художников и кандидата искусствоведения Анны Познанской о европейской культуре XIX века.
На третьем этаже музея представлены работы европейских мастеров, чьи имена встречаются в письмах и академических отчетах русских живописцев о зарубежных поездках. В экспозиции представлены произведения Камиля Коро, Гюстава Курбе, Эжена Каррьера, Франца фон Штука и других художников из собрания Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.
Куратор выставки: Ольга Юркина, специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма. Выставка работает до 21.05.23.
Интервью куратора выставки «Отличники» Ольги Юркиной для Cabinet de l’art
Ольга Серегина: Несколько слов о системе пенсионов – ведь на выставке собраны именно работы выпускников Императорской Академии художеств и Московского училища живописи, ваяния и зодчества – участников пенсионерских поездок.
Ольга Юркина: Выставка «Отличники» в Музее русского импрессионизма рассказывает о пенсионерских поездках русских художников, главная цель которых – совершенствование профессиональных навыков. «Пенсионерскими» такие командировки назывались потому, что молодые мастера отправлялись в путешествие «на казенный счет».
История пенсионерских поездок берет начало со времен Петра I – в 1716 году царь на государственные средства командирует в Европу живописцев, граверов, скульпторов и архитекторов. Уже при Елизавете Петровне, в 1757-м, будет в Санкт-Петербурге будет создана Академия трех знатнейших художеств, выпускники которой и стали главными героями выставки «Отличники».
Мы сосредоточились на образовательных командировках 1870-х – 1910-х годов. Нам важно понять, каковы были результаты европейских путешествий русских мастеров, какие впечатления они привозили из-за границы, как это отражалось в их собственном творчестве и на развитии отечественного искусства в целом.
Ольга Серегина: Ольга, вся концепция проекта строится на выявлении и представлении значимости путешествий для формирования художника. Так ли оно велико и в чем состоит, с вашей личной точки зрения специалиста? Меняется здесь что-то в наше время виртуальных возможностей?
Ольга Юркина: Влияние европейских поездок было достаточно велико, так как благодаря им молодые художники расширяли свой кругозор и получали представление о том, каким бывает современное им искусство. Это вовсе не значит, что они немедленно начинали копировать все, что видели в Европе. Все-таки Академия художеств давала очень высокий уровень образования: как владения мастерством, так и общего кругозора. Некоторые из пенсионеров, например Илья Репин, на момент командировки уже были состоявшимися мастерами, другие еще находились в поисках своей авторской манеры. Более того, в письмах и отчетах сохранились заметки, которые свидетельствуют о том, что творчество многих европейские коллег не производило на русских художников сильного впечатления.
Конечно, отсутствие возможности видеть произведения искусства своими глазами отрицательно скажется на творчестве художника. Когда нет представления о том, что происходит в сфере, не всегда есть понимание, насколько интересны и актуальны твои работы.
К сожалению, современные технологии не могут заменить личной встречи с искусством. Например, можно рассказать, что изображено на картине и какими художественными качествами она обладает. Но те, кто имеет дело с искусством отлично знают, что одно дело увидеть на экране картинку и совсем другое – непосредственно произведение искусства. Когда человек приходит в музей или мастерскую, он может сам выбрать маршрут, сравнить несколько работ, самостоятельно сделать выводы – это уже будет личное творчество, отражающее персональное знакомство с искусством.
Ольга Серегина: Большинство представленных работ сами по себе хорошо известны. Здесь важен их подбор в таком составе, поэтому важно увидеть, услышать, понять основной посыл самого выставочного проекта. На что надо зрителям, гостям музея обратить внимание, как надо знакомиться с концепцией выставочного проекта?
Ольга Юркина: Мы старались подобрать работы так, чтобы посетители выставки, передвигаясь по залам, могли проследить, как менялись интересы художников-пенсионеров разных поколений. Повествование начинается с произведений представителей академического толка: в первом зале можно увидеть полотно Ивана Айвазовского (кстати, мы впервые показываем творчество этого мастера в нашем музее) и пейзаж Генриха Семирадского.
Далее представлены работы Ильи Репина и Василия Поленова. Именно во время их пребывания за границей меняется мировоззрения академической молодежи – от классической к «новой» живописи. Среди привезенных из Европы работ особенно выделяют пейзажи Ильи Репина и Василия Поленова с белыми нормандскими лошадками «с пропастью солнца и воздуха», которые до 21 мая можно увидеть в залах Музея русского импрессионизма.
Важное место в экспозиции занимают картины Бориса Кустодиева, Александра Савинова, Исаака Бродского и других художников, созданные после реформы Академии художеств в 1893 году. Художники получили больше свободы, и это, безусловно, отразилось в их творчестве: каждый их них вырабатывает свою узнаваемую манеру письма. Завершают экспозицию смелые работы Александра Яковлева.
Рекомендуем гостям выставки обратить внимание на дополнительные элементы в экспозиции: семь тактильных макетов, созданных при поддержке благотворительного Фонда «Искусство, наука и спорт» в рамках программы «Особый взгляд», и ароматы-состояния от незрячих парфюмеров Pure Sense.
Фотографии предоставлены пресс-службой МРИ
09.02.23. В Новой Третьяковке на Крымском Валу состоялось открытие выставки «Неля и Роман Коржовы. Соавторы не заключают соглашений». Государственная Третьяковская галерея наряду с монографическими выставками классиков отечественного искусства и тематическими проектами, посвященными различным периодам в истории российской культуры, демонстрирует творческие поиски и пластические открытия ведущих современных авторов. Новый выставочный проект знакомит зрителей с произведениями художников и кураторов современного искусства Нели и Романа Коржовых. В своем творчестве художники обращаются к экзистенциальным проблемам, представляя эмоциональное и духовное измерения человека через расширенное смотрение. Авторов объединяет рамка «кино» как метод отражающий, а значит, позволяющий взглянуть на реальность через призму классических образов и современных технологий. Название выставки «Соавторы не заключают соглашений», отсылающее к одному из стихотворений Джона Эшбери, представляет многозначную метафору личного и творческого союза Нели и Романа Коржовых. Связанные семейными узами, Коржовы являются соавторами многих значимых для развития современного искусства масштабных проектов, среди которых одна из старейших в России международная Ширяевская биеннале. Кураторская деятельность сочетается в их жизни с личной творческой практикой. Каждый из пары Коржовых является самостоятельным художником. Особенности их пути в искусстве и раскрывает выставка в Третьковской галерее. Живопись Нели Коржовой часто обращена к кинематографу, а значительная часть картин, представленных на выставке, своими образами или названиями отсылает к конкретным фильмам, среди которых «Красная пустыня» и «Забриски Пойнт» Микеланждело Антонинони, «Под покровом небес» Бернардо Бертолуччи, «Отпуск без конца» Джима Джармуша. Автор выбирает кино, которое соотносит с собственной жизнью, «где сюжет проживается личностно». Она не заимствует конкретные фрагменты, а трансформирует их, обращаясь «к переживаниям каждого, кто рискнул предпринять путешествие в неизведанное, в другое место своей судьбы». Последний цикл картин, не связанный с кинематографом, имеет рамки, восходящие к идее кинопленки, своего рода портал для «входа в другое пространство через черные шторки кино». Неля Коржова как будто создает собственное кино – «расширенный автопортрет в зеркале». Если сама фактура живописи Нели Коржовой напоминает о динамической природе движущегося кадра, то видеоработы Романа Коржова сняты статичной камерой и представляют собой видеокартины, в которых движение проявляется минимально, в виде еле заметного глазу смещения персонажа или дуновения ветра. На выставке демонстрируются две серии видеоработ – «Фальшфасад / False facade» и «Стабилизация / Stabilization». Они представляют пластический образ фрагментов мира: ландшафтов и интерьеров, в которых иногда присутствует человек. Зритель помещен автором в состояние «ожидания события». По словам художника, «повторение видеофрагментов и фрагментов звука, не совпадающих во времени, дает ощущение нарастания и спада напряжения». С живописью творчество Романа Коржова сближает не только статичность изображения, но и выстроенность композиции, компоновка элементов кажущегося случайным кадра, а также работа с цветом, который автор поднимает до предельного, буквально «нереального» уровня. Отмечая особенность, которая раскрывается в этом совместном проекте «соавторов» Коржовых, куратор выставки Виктор Мизиано отмечает: «Выставленные рядом живописные полотна, восходящие к кинокадрам, и видеоработы, подобные станковым картинам, образуют своего рода „перекресток языков“. Отсюда в экспозиции выставочный зал становится и кинозалом: пространство затемняется, а полотна освещаются направленным светом». Куратор: Виктор Мизиано. Выставка работает по 14.05.23.
Неля Коржова. Другое место. Из серии «Под покровом небес» по фильму Бернардо Бертолуччи. 2022
Роман Коржов. L-2, из серии «Фальшфасад», видео Ultra HD (4К), loop, 2022
Фотографии предоставлены отделом по связям с общественностью Третьяковской галереи
09.02.23. Галерея Ruarts представила персональную выставку Натальи Смолянской – художника, теоретика современного искусства и авангарда, куратора, кандидата философских наук, PhD по философии, члена Союза художников, лауреата премии «Инновация» (куратор года, 2020), стипендиата Дома наук о человеке в Париже (2018). Выставка «Дневник московской школьницы» – это карта памяти, основанная на дневниках московской школьницы – мамы художницы. Несмотря на то, что отправной точкой для проекта явилась семейная история, универсальный и актуальный характер работ позволяет приблизиться к более широким понятиям, общим для всех, таким как любовь, безопасность и уязвимость, одиночество и воспоминания. «Вчера в школе, да и сегодня ничего интересного не было – запись от 20 февраля 1940 года в дневнике моей мамы, московской школьницы Ляли Купаловой, жившей в доме МПС по адресу Спиридоньевский пер., 22 и учившейся в школе в Гранатном переулке. Дневники исписаны мелким чётким почерком и описывают почти каждый день с лета 1938 по 1945 год, последние классы школы, начало войны, эвакуацию в Ташкент, возвращение и, конечно, все перипетии личных отношений. В них нет ничего героического и ничего значительного, но эти дневники для меня – не только и не столько ностальгическое и дорогое воспоминание, но и свидетельство отношения к жизни сегодня и сейчас, которое хотелось бы сохранить и передать…», – пишет Наталья Смолянская. Дневники, наверное, самый точный документ эпохи несмотря на то, что они рассказывают о жизни только одного конкретного человека. Школьница Ляля так же, как и ее одноклассники, верила тому, что публиковали в газетах, о чём заявляли в кинолентах тех лет. Размышляла о дружбе, доверяла дневнику свои сомнения и чувства, самые непосредственные и искренние переживания. Трагические события времени отразились через впечатления и разговоры с друзьями, мамой, – с теми, кто был ей ближе всех. Отсюда и тема разочарования, отчаяния, и фрагменты, где подростки говорят о самоубийстве, о бесцельности жизни. То, что невозможно было выразить напрямую, показывается через приметы эпохи. Страх, напряжение, и в то же время юность, любовь, радость, они прорастают сквозь дни и строчки. В экспозиции разнообразие используемых медиа выступает в качестве противовеса листу бумаги и чернилам. Все события представлены на выставке одномоментно, но карта распадается на фрагменты, линейность дает сбой, и события становятся равноудаленными. Хотя направление и задано художницей, зритель сам вправе решить, как собрать в единое целое портрет московской школьницы того времени. Куратор выставки: Дима Филиппов. Выставка работает до 19.03.23.
московская школьница, пионерские пруды (архив художницы)
Наталья Смолянская “Портрет мамы,” 1986
Фотографии предоставлены pr–Ruarts
09.02.23. Галерея «Триумф» представила групповую выставку «Одновременно и рядом. Образы конспирологического мышления». Проект объединяет работы художников, которые осмысляют заговорщичество, системы секретных знаков и ореол, который возникает вокруг них. Абсурдные или укорененные в реальности, теории заговора существуют в «серых зонах» нашего миропонимания и стремятся найти знаки, связи, мнимые закономерности и предпосылки. Технологии, в том числе цифровые платформы, стали катализатором развития конспирологического мышления. Существование теорий заговора говорит о потере контроля и растущем чувстве страха перед необъяснимым и попытке оправдать или объяснить его. Один из методов по обнаружению конспирологии предлагал американский прокурор, самостоятельно расследовавший убийство Джона Кеннеди. Его теория основана на поиске разного рода совпадений, помогающих находить сближения в неочевидных ситуациях, произошедших одновременного и рядом друг с другом. Эта лишенная логики подозрительность и некоторая параноидальность его подхода подтверждает то, что конспирология может вырасти на какой угодно почве и показывает, как такой взгляд может деформировать восприятие окружающего мира. Конспирология не знает единого канона, но все ее теории сближает общая методология, построенная на парадоксе. С одной стороны, теории заговора опираются на тотальное сомнение, с другой, им не хватает сомнения к самим себе.
Участники проекта: Агентство Сингулярных Исследований, Алёна Астахова, Людмила Баронина, Алексей Васильев, Дмитрий Венков, Голос Вселенной, Александр Дашевский, Таисия Короткова, Антон Кузнецов, Антон Кушаев, Катя Лукина, Александра Нестёркина, Николай Онищенко, Гоша Острецов, Руслан Поланин, Дарья Правда, Таня Прыставка, Иван Репкин, Мария Сафронова, Агне-Мария Силкинайте, Анна Таганцева-Кобзева, Синий суп, Микелис Фишерс. Выставка работает до 12.03.23.
Микелис
Сафронова_М_Пасека
Фотографии предоставлены галереей
09.02.23. Центр визуальной культуры Béton представил выставку «Живописная фотография». В экспозиции собраны уникальные авторские работы фотографов-пикториалистов конца ХIХ – начала ХХ веков – авторские отпечатки, многие из которых впервые представлены широкой публике. На выставке представлено творчество 27 ведущих отечественных авторов этого направления в фотографии от первых работ А.Мазурина, А.Трапани, А.Гринберга до художественных экспериментов А.Родченко. У фотографии конца ХIХ века, в силу ее относительно недолгого по сравнению с другими визуальными технологиями времени существования, отсутствовала собственная культурная память, а значит, приходилось разрабатывать концепцию фотографического искусства практически с нуля. Для заполнения этого культурного вакуума был первоначально предложен наиболее простой путь заимствования фотографами эстетических принципов из традиционных визуальных практик, прежде всего из живописи и графики. По этой причине новое направление в фотографии стали именовать пикториальной (т.е. живописной) фотографией. При этом фотографы пикториалисты в своем творчестве могли ориентироваться на различные направления в живописи в зависимости от собственных эстетических предпочтений и уровня художественной осведомленности. В большинстве случаев это были уже оформившиеся художественные течения. В конце XIX в. такими художественными стилями были импрессионизм и символизм, поэтому пикториализм развивался под воздействием именно этих направлений в традиционном искусстве. Пикториальная фотография стала существенным шагом вперед с точки зрения развития фотографической теории и оценки фотографии как уникального визуального средства. В то же время пикториализм был неразрывно связан с живописной традицией, копируя ее эстетические приемы, являясь тем самым шагом назад в области применения достижений фотографической технологии, что в результате привело к кризису этого направления в начале XX в. Выставка работает до 19.03.23.
Фотографии предоставлены ЦВК Béton
09.01.23. Музей Вадима Сидура и Московский музей современного искусства при поддержке галереи fābula представили персональный проект Александра Лемиша 4REAL* (*Реальное), в котором художник исследует образы и мифы медиапространства, а также их влияние на ментальное состояние современного человека. Выставка Лемиша состоит из объектов, транслирующих такой режим существования современного мира, в котором человек воспринимает окружающую его действительность как последовательность разобщенных явлений и образов. Теряющее ориентиры в наслоении интерпретаций и домыслов общество раз за разом находит себя во всё более неустойчивых, пограничных состояниях. Опираясь на находки дизайнера одежды Рафа Симонса и известного охотника за трендами, исполнителя Канье Уэста, Александр Лемиш предлагает взглянуть на обрушение старого и рождение нового мира. Для этого он задействует сделанные по мотивам творчества Вадима Сидура объекты, в которых за счет добавления предметов одежды открывается неожиданное актуальное измерение. Лемиш смотрит на Сидура как на предвестника современного мира: поэзия и работы советского скульптора словно предназначены для нашего XXI столетия. Куратор выставки: Сергей Гуськов. 18+ Выставка работает до 26.03.23.
Александр Лемиш. 4REAL_(_Реальное)
Фотографии предоставлены пресс-службой музея
09.02.23. East Meets West Gallery и Всероссийского музея декоративного искусства представили выставку «Рыба – знак, тотем. Мифология и современность». В основе проекта заложена идея широкого представления образа Рыбы в архаичном, народном, примитивном, в наивном и в других разделах современного искусства, а также воплощения этой темы с точки зрения тотемизма, мифологии и верований в индоевропейской традиции, в традициях Китая и Японии. О месте рыбы в культуре русского народа дает представление его мифология, наш русский язык. Эта тема нашла глубокое воплощение в работах Ирины Старженецкой, Татьяны Ян, Альбины Воронковой и Сергея Гавина. Мифологическая символика рыбы была представлена в советском и российском искусстве широко. Она стала особенно популярной в 80–90-е годы XX века в монументальном искусстве, в станковой живописи, графике и в декоративно-прикладном искусстве. Во Всероссийском музее декоративного искусства собраны значительные коллекции авторского искусства 70–90-х годов XX века. В экспозиции выставки «Рыба – знак, тотем. Мифология и современность» собраны произведения декоративно-прикладного искусства из стекла, металла, камня, фарфора, керамики, глины, дерева; гобелены, ковры, современные текстильные панно в авторском исполнении с вышивкой, шитьем, печатью и росписью по ткани, в технике ассамбляжа, пэчворка, с вышивкой и аппликациями известных мастеров современности. Станковая живопись и графика представлена как представителями российского искусства более старшего поколения наших современников, так и уже известными художниками 90-х годов XX века – начала XXI века. Куратор проекта: Татьяна Палеева. Выставка работает по 25.03.23.
Татьяна Назаренко. Продавец рыбы, 1998. Courtesy of the East Meets West Gallery
Иван Лубенников. Аксолотль. 2010. Холст, масло,техн. акрил (смеш. техника). Courtesy of the East Meets West Gallery
Фотографии предоставлены галереей
09.02.23. ГРАУНД Солянка открыла «Свет Фест» – фестиваль, посвященный многообразию света, которого так не хватает в февральской Москве. «Свет Фест» включает две сольные тотальные инсталляции, групповую выставку и насыщенную параллельную программу. Свет, названный самым темным пятном в физике, в сфере искусства явление не менее загадочное. «Свет Фест» делает видимым то редкое и экспериментальное, что часто пребывает в тени. Директор ГРАУНДа Катя Бочавар: «Как обычно, ГРАУНД Солянка представит экспериментальные проекты в кроссдисциплинарной сфере современного искусства».
Тема света в выставках «Проявления стихии» и «Источник света» представлена во всем многообразии художественного спектра. Фотографу архитектуры Юрию Пальмину важно передать объект, по его словам, «…какой он есть, избегая зависимости от “точки зрения”. Для меня фотография — это то, что я видел, а не то, как я вижу». Максим Иванов, напротив, практикует алхимический подход к фотографии – в проекте «Трофеи» при помощи огня он «создает» коллекцию сосудов, объекты, свидетельства существования которых проявляются лишь на снимках. В своем экспериментальном фильме «Последние слова» Александра Карелина делает абсолютно противоположное – «стирает» материальность реальных, существующих объектов, доставшихся ей по наследству предметов быта 1950–1970-х годов, превращая их в привидения прошлого. Продолжая тему тайной жизни неодушевленных объектов, старых вещей, «исчезающих видов», Владислав Ефимов в инсталляции «Без крови» рассматривает биологический музей как место встречи жизни и смерти. Местом встречи мечты и разочарования Денис Будилов выбирает ночное небо, с его символикой падающей звезды и загадывания желаний, «запечатлевая» придуманные тотальные падения реальных созвездий в крупномасштабных фотографий серии «Cadere» («крах, падение», лат.) Размышлениям о различии «пути» и «маршрута», о выборе источника света как ориентира посвящена серия фотографий «Путь» Марии Бавыкиной. И наконец, саунд-инсталляция «Ноктюрн» Центра Электроакустической-акустической музыки (ЦЭАМ), в основе которой – тумблеры и переключатели света. Фестиваль «Свет Фест» продолжает свою работу до 26.03.23.
Фотографии предоставлены ГРАУНД Солянка
