Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
Павлова, Умри Замри Воскресни 2
29.02.24. «Природа вещей. Обновление» — арт-проект BoscoVesna и художника Ирины Кориной, созданный в рамках серии коллабораций с современными художниками, представлен в Торговом центре BoscoVesna на Новом Арбате. Ирина Корина окончила РАТИ-ГИТИС по специальности «сценограф». Также, обучалась в Институте проблем современного искусства (ИПСИ) в Москве и Академии искусств в Вене. В качестве сценографа сотрудничала со многими театрами Москвы и России, с начала 2000-х работает в кино. В 2009 году Корина была одним из участников выставки в павильоне России на 53-й Венецианской биеннале. В 2017 ее инсталляция была представлена в основном проекте 57-й Венецианской биеннале. Ее персональные выставки прошли в фонде GRAD в Лондоне, Бруклинской академии музыки в Нью-Йорке, Московском музее современного искусства, на фестивале Steirischer Herbst в Граце, Австрия. Корина — участник многих групповых выставок, лауреат профессиональной премии в области современного искусства «Соратник» (2006, 2009, 2012) и Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» (2008, 2015). Композиция из нескольких инсталляций, созданная Ириной для ТЦ на Новом Арбате, структурирована по аналогии с романом, где все главы предстают перед зрителем в виде художественных объектов и располагаются в разных частях торгового центра: от фасада до атриума внутри здания. Ирина Корина предлагает взглянуть на «природу вещей» свежим взглядом через призму искусства и заново открыть для себя окружающий нас мир. Ирина Корина: «Мне интересно обращать внимание на связь вещей между собой. На то, как важны и незаменимы все, даже мельчайшие части природы. Для меня это — подтверждение отсутствия идеи иерархии в окружающей нас действительности, где самая маленькая невидимая глазу частица может влиять на ход вещей. Например, пыльца растений — значимый элемент природы, который влияет на увеличение слоя грунта, а весной благодаря пыльце на улицах наших городов появляются красивые растения и распускаются цветы. Гормоны и другие химические соединения в нашем организме могут влиять на наше настроение, а иногда и на ход истории. А Медуза Горгона, слон или кофе с горячим круассаном могут сыграть неожиданно важную роль в жизни человека». Каждый объект экспозиции представляет собой мини-новеллу, сюжет которой предопределен взаимосвязями между всеми элементами. Главы визуального романа «Природа вещей. Обновление» населены своеобразными действующими лицами — голова Медузы Горгоны, «Фонтан Круассанов», химическая формула кофе или золота, слон, зеленая бахрома, снежный шар и так далее. Каждую инсталляцию Ирина Корина сопровождает рассказом о собственном понимании того, как взаимосвязаны все действующие лица и фрагменты между собой, но оставляет зрителям пространство для создания собственных сюжетных ситуаций, фантазии и достраивания ассоциативных рядов, предложенных художницей. За аудиальную составляющую инсталляций отвечает художник Евгений Куковеров, участник арт-дуэта «ЕлиКука», который создал музыкальное произведение специально для проекта «Природа вещей. Обновление». Куратор: Марина Федоровская. Композиция представлена в ТЦ до начала осени 2024 года.
Природа вещей. Обновление
Фотографии предоставлены пресс-службой проекта
29.02.24. В арт-пространстве Cube.Moscow в большом выставочном зале 159F Gallery представила коллективную выставку под кураторством Полины Могилиной «Я вижу с закрытыми глазами», в экспозиции собраны произведения художников, которых объединяет интерес к наблюдению за повседневностью — работы Дани Соболева, саша святоi, Ольги Калининой, Маргариты Варакиной, Алексея Васильева и Евгения Малышева. Среди новых проектов марта: выставка Максима Ксуты «Не могу вспомнить» галереи КультПроект, выставка графических произведений Кати Филипповой и Татьяны Черновой «Царевны» Kupol Gallery, совместная выставка Кирилла Кто и Татьяны Будяк «Нейросеть тоже так может» Syntax Gallery, продолжение коллективного pop-up проект «Корпус 2» от студентов Московской школы современного искусства (MSCA), выставка Арины Франк «Комната» Most Wanted Gallery, выставка Сергея Дергуна «Цветное за серым» галереи M.A.R.S.H., коллективная выставка «Если пролить на землю вино» галереи Mon Art, выставка Евгения Крылова «Ловец снов» Arts Square Gallery, коллективная выставка «Амазонки Новой академии» галереи ЛУЧ, групповая выставка «Грезы» галереи Небеса, ретроспективная выставка Глеба Солнцева «Трансформация» нового резидента Cube.Moscow галереи «Триптих» и выставка Анастасии Аспарагус bubble от Cube.Market. Новые выставки можно посмотреть в течение месяца.
Галерея КультПроект, Максим Ксута, Не могу вспомнить, 2023
Kupol Gallery, Катя Филиппова, Оружейная палата номер 6
Фотографии предоставлены пресс-службой Cube.Moscow
04.03.24. ГМИИ им. А.С. Пушкина представил проект «Цветы, плоды, музыкальные инструменты в итальянской живописи эпохи барокко» — первую выставку итальянского натюрморта в России. Выставочный проект открывает посетителям новые имена и рассказывает об обновленных атрибуциях. В экспозиции показаны 70 произведений из крупнейших российских собраний: ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственного Эрмитажа, Государственного музея-заповедника «Петергоф», Пермской государственной художественной галереи и других.
Натюрморт ассоциируется прежде всего с Голландией, где он во многом определил лицо национальной живописной школы, а со временем превратился в своего рода эталон жанра. Итальянский натюрморт привлек внимание исследователей лишь в 1920-х годах и стал одним из открытий XX века. Эта немаловажная грань истории искусства остается в России малоизвестной не только широкому зрителю, но и специалистам, а между тем она существенно дополняет представление о стиле барокко, об искусстве Италии XVII–XVIII веков. Живопись итальянского барокко невозможно представить без натюрмортов, не только служивших для украшения городских палаццо и загородных вилл, но отразивших дух и мировосприятие той эпохи. В российских собраниях находится большое число произведений высокого художественного уровня, которые начали поступать в Россию еще при Петре I и Екатерине Великой. До настоящего времени они практически не становились предметом научного анализа, и значительная часть работ сохранила давно устаревшие определения авторства. Главная задача выставки – показать собранными вместе произведения из разных музеев и частных коллекций. Многие из них публично выставляются впервые.
Еще один чрезвычайно важный аспект выставки — определение авторства произведений, отвечающее сегодняшнему состоянию науки. Так, открытием стали картины неаполитанского художника Джузеппе Рекко, одного из крупнейших мастеров XVII века. Считалось, что на территории России нет ни одной его работы. В процессе реставрации произведения, находящегося в собрании Государственного Эрмитажа, была обнаружена монограмма, подтверждающая авторство Джузеппе Рекко.
Выставка «Цветы, плоды, музыкальные инструменты в итальянской живописи эпохи барокко» является выставкой-открытием. Это и открытие самого факта, что в Италии, стране классической культуры, натюрморт пользовался спросом и имел широкое распространение, и характер итальянского натюрморта, непохожего на то, как этот жанр понимали мастера северной Европы. Имена, представленные на выставке, новы для российского зрителя: это неаполитанцы Джузеппе Рекко, Джузеппе Руопполо, Паоло Порпора, римляне Микеланджело дель Кампидольо, Франческо Нолетти, прозванный Мальтезе, Микеланджело Черквоцци, флорентинец Якопо да Эмполи, а также художники, работавшие на севере Италии, в Генуе, Венеции, городах Ломбардии и Эмилии-Романьи.
Открывает экспозицию картина Джузеппе Арчимбольдо из частного собрания, представленная в центре Белого зала. В известном смысле Арчимбольдо предвосхитил появление натюрморта как самостоятельного жанра, но он был не одинок. Во Флоренции работал Якопо Лигоцци, автор картины на тему vanitas из собрания ГМИИ и четырех превосходных рисунков с изображением рыб из собрания Эрмитажа, которые на выставке экспонируются впервые.
В рамках выставочного проекта также подготовлены каталог, образовательная и инклюзивная программы. В настоящее время Виктория Маркова готовит к выпуску книгу «От Караваджо до Моранди. Истоки и развитие итальянского натюрморта». В качестве приложения в издании будет опубликован полный каталог итальянских натюрмортов, находящихся в собраниях России и бывших республик Советского союза, над которым автор работала на протяжении многих лет. Куратор: Виктория Маркова, доктор искусствоведения, главный научный сотрудник ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка работает до 26.05.24.
Беттера Бонавентура, Натюрморт с музыкальными инструментами, Италия, XVII век, Холст, масло. 92х115 см
Керкховен К., Торговка рыбой, Италия, Последняя четверть XVII века, Холст, масло. 98,5х142,5 см
Маджини К., Натюрморт с хлебом и ветчиной, Италия, Между 1740 и 1806, Холст, масло. 59,6 х 78 см
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея
05.03.24. В Центре «Зотов» открылась выставка «Работать и жить. Архитектура конструктивизма. 1917–1937». Кураторы: Полина Стрельцова и Ирина Финская. Масштабная выставка-исследование рассказывает об истории известного во всем мире архитектурного направления. Архитекторы-конструктивисты, чей внутренний импульс совпал с социально-политическим запросом общества, стали проектировать и создавать условия для нового быта через эргономичные рабочие и личные пространства, где люди наконец могли бы счастливо жить и работать. Принцип рациональной организации труда и досуга стал новаторским для своего времени и остается актуальным по сей день. Он также повлиял на утопичность многих грандиозных архитектурных проектов. В экспозицию входит свыше 500 экспонатов, хранящихся в более чем 30 музеях, фондах и личных собраниях, в частности: Государственном научно-исследовательском музее архитектуры имени А.В. Щусева, Государственном музее истории Санкт-Петербурга, Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Музее истории московской архитектурной школы (МАРХИ), архиве Александра Родченко и Варвары Степановой, МИРА коллекции, частном собрании Романа Бабичева и других. В фокусе выставки — архитектурные проекты, созданные для четырех крупнейших городов России: Москвы, Санкт-Петербурга, Екатеринбурга и Новосибирска. На двух этажах центра также показаны живопись, графика, скульптура, фотографии и кинохроника, которые позволяют объемнее раскрыть тему экспозиции и создают настоящую антологию жизни 1920–1930-х годов.
В одном пространстве собраны проекты знаменитых конструктивистов: братьев Весниных, Моисея Гинзбурга, Ивана Леонидова, Якова Чернихова, Эль Лисицкого, Ильи Голосова, Александра Никольского, раньше и дольше всех применявших функциональный метод, заключавшийся в решении конкретных утилитарных задач нового советского государства. А также их учеников и единомышленников — Михаила Барща, Николая Соколова, Григория Симонова и др. Выставка поделена на 9 разделов, связанных с двумя этапами становления новой архитектуры в 20-е годы прошлого века. Первый этап берет начало с зарождения и формирования конструктивизма с 1917 по 1928 годы. Второй этап начинается со стартом Первой пятилетки в 1928 году. Один из разделов экспозиции — «Урало-Кузбасс» — подготовлен совместно с кураторской группой из проектов «Территория авангарда» (Екатеринбург) и «Ново-Сибирск. Конструктивизм!».Кураторами раздела выступили: Лариса Пискунова, Александр Думчиков, Евгений Дубровин и Карина Ляникова. К выставке подготовлен каталог. В рамках выставки пройдет параллельная программа, которая будет условно поделена на два блока: «работать» и «жить», образовательное и досуговое направления, лекционный курс под кураторством искусствоведа и историка архитектуры Марка Акопяна; архитектурные мастер-классы и воркшопы от уральского проекта «Территория авангарда». Также к экспозиции «Работать и жить» будет организован тематический книжный клуб — читателиобратятся к классическим произведениям 1920–1930-х. Героями встреч станут Михаил Булгаков, Владимир Набоков, Евгений Замятин, Андрей Платонов, Ильф и Петров и другие культовые авторы. Специально к выставке «Работать и жить» запланирован новый выпуск междисциплинарного проекта «Музыкальное измерение» musicAeterna. Блок «жить» концептуально продолжит специальная программа «Зотов.Кино» — «Санаторий».Архитектура выставки: архитектурное бюро Treivas. Выставка работает до 14.07.24.
Яков Чернихов «Архитектурная фантазия. Тяжесть и устойчивость». Композиция No 116 из цикла «Основы современной архитектуры». Предоставлено Архитектурным благотворительным фондом имени Якова Чернихова 1925–1930
Михаил Черемных «Гляди в оба». 1931. Из Собрания Романа Бабичева
Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»
05.03.24. В Еврейском музее и центре толерантности состоялось открытие выставочного проекта «Еврейский авангард. Шагал, Альтман, Штеренберг и другие». Выставка посвящена одному из наиболее ярких периодов в культуре российских евреев.Революция 1917 года провозгласила равноправие всех наций, за которой последовала отмена черты оседлости. Талантливые еврейские художники и литераторы устремились в Москву и Петроград, где сыграли важнейшую роль в формировании и развитии советского авангарда. В то же время, благодаря обретенной свободе творчества, в еврейской культуре начался период небывалого национального подъема. Ведущие еврейские художники — Марк Шагал, Натан Альтман, Иосиф Чайков, Элиэзер (Эль) Лисицкий, Давид Штеренберг и другие, принадлежавшие к различным течениям авторы, успешно адаптировали формальные открытия модернизма к своим опытам по созданию «нового еврейского искусства». Выставка демонстрирует эволюцию еврейского авангарда в России — от актуализации еврейского народного искусства, адаптации его манеры и стилизации мотивов до авангардной стадии, выраженной в беспредметной абстрактной форме.
Крупнейшими экспериментальными площадками нового еврейского искусства были национальные театры, прежде всего Московский государственный еврейский камерный театр (ГОСЕТ). С ГОСЕТом сотрудничали такие ведущие деятели культуры, как Абрам Эфрос, Алексей Грановский, Иехезкиель Добрушин, Соломон Михоэлс и Марк Шагал. Представленный на выставке цикл произведений «Введение в еврейский театр» признан одной из бесспорных вершин творчества Шагала. В этот же раздел экспозиции вошли произведения Александра Тышлера и Марка Эпштейна, сотрудничавших с другим авангардным коллективом — с Театральной студией «Культур-Лига» под руководством Эфроима Лойтера. Выставки еврейских художников, проходившие в Москве в 1917, 1918 и 1922 годах, стали значимыми этапами в формировании еврейского авангарда. В залах музея представлена реконструкция выставки «Культур-Лига» 1922 года, на которой экспонировались произведения Натана Альтмана, Марка Шагала и Давида Штеренберга. Именно это историческое событие, по мнению кураторов проекта, может считаться высшей точкой развития авангардных тенденций в их творчестве и в еврейском художественном движении в целом. Отдельный зал экспозиции посвящен творчеству художников 1920-х годов: от смелых кубистических композиций Александра Лабаса, цветодинамических конструкций Александра Тышлера, аналитической скульптуры Иосифа Чайкова и супрематических проунов («проект утверждения нового») Элиэзера Лисицкого до произведений конца 1920-х годов, демонстрирующих постепенное затухание авангардных тенденций и интеграцию еврейского искусства в контекст советского «большого стиля». На выставке представлено более 100 живописных и графических работ Марка Шагала, Натана Альтмана, Давида Штеренберга, Эль Лисицкого, Роберта Фалька, Иосифа Чайкова, Александра Тышлера, Соломона Никритина, Якова Паина, Ниссона Шифрина, Иссахара Бер Рыбака и других. Произведения предоставлены крупнейшими российскими музеями, среди которых Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Государственный Русский музей, Государственная Третьяковская галерея, Музей истории евреев в России, Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Нижнетагильский государственный музей изобразительных искусств, а также частными коллекционерами. Кураторская группа: Кристина Краснянская, Мария Гадас, Светлана Амосова. Выставка работает до 09.06.24.
Иссахар Бер Рыбак. Симхат-Тора. Из альбома «Штетл» («Местечко»). Бумага, литография. 33,2 х 48,2. Музей истории евреев на территории бывшей царской империи
Давид Штеренберг. Натюрморт со свечой. 1919-1920. Холст, масло. 67,5х68. Екатеринбургский музей изобразительных искусств
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея
05.03.24. Галерея ARTSTORY представила выставочный проект «Михаил Жванецкий. А юмор – это жизнь!», посвященный 90-летию со дня рождения Михаила Михайловича Жванецкого (1934 – 2020). Экспозиция включает несколько тематических разделов и пластов, связанных с личностью и творчеством Жванецкого. Это и концертные афиши-плакаты, начиная с 1970-х годов; оригиналы рукописей и записок из зала; редкие личные фотографии; а также подаренные Жванецкому его другом сценаристом, режиссером, художником Резо Габриадзе рисунки и портреты; фотопортреты, сделанные фотографом и писателем Юрием Ростом, – они также дружили многие годы. Важной частью экспозиции стали некоторые личные вещи. Большинство экспонатов для выставки предоставил Культурный фонд Михаила Жванецкого, который возглавляют жена и сын писателя: Наталья и Дмитрий Жванецкие. В одном из разделов выставки представлены рисунки, которые художники и карикатуристы готовили для иронического журнала «Магазин Жванецкого».
Журнал издавался с 1991 по 2003 гг., там известные писатели и художники публиковали свои рассказы и рисунки. Среди авторов рисунков, представленных в экспозиции: Андрей Бильжо, Андрей Басанец, Владимир Буркин, Виктор Балабас, Виктор Богород, Сергей Горшков, Михаил Злотковский, Александр Ножкин, Леонид Тишков, Олег Теслер, Николай Кращин и другие. Михаил Михайлович был большим другом галереи ARTSTORY. Совладелец ARTSTORY Михаил Опенгейм в 2021 году установил памятник писателю на Новодевичьем кладбище. Автор памятника – известный скульптор Владимир Соскиев, чьи работы хранятся во многих российских музеях, включая Третьяковскую галерею и Русский музей. В рамках проекта предполагаются показы выступлений М.М. Жванецкого. Выставка работает до 24.03.24.
Виктор Балабас. Бумага, тушь, перо, гелевая ручка. 30х21
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
05.03.24. VLADEY совместно с OVCHARENKO представили персональную выставку Сергея Зарвы «Огонёк». В экспозицию вошли как новые, так и ранние работы одноименной серии. Ставшая знаковой серия началась в 2001 году с выставки «Play Огонёк Boy» в галерее OVCHARENKO. В 2011 году работы из серии «Огонёк» были представлены в New Museum в Нью-Йорке, а в 2013 году Массимилиано Джони включил их в основной кураторский проект 55-й Венецианской биеннале. В основе живописных произведений, многослойных ярких образов-матриц Сергея Зарвы лежит фотография. Однако он кардинальным образом преображает первичную реальность, и масштабы деформации образов, лиц и фигур приобретают у него гиперреалистические формы. В работах из серии «Огонек», Зарва пишет маслом поверх оригинальных обложек популярнейшего советского журнала 1950-х – 1960-х годов искаженные различными эмоциями лица, похожие на маски. Обложками этого крупноформатного издания многие советские граждане украшали стены своих квартир. Выставка работает в VLADEY Spaceдо 14.04.24.
Сергей Зарва, Из серии Огонёк
Фотографии предоставлены пресс-службой VLADEY
05.03.24. Галерея PENNLAB представила выставку «Умри, замри, воскресни» художницы из Санкт-Петербурга Юлии Павловой. Одним из главных медиумов, с которым работает автор, является книга художника. Эта форма высказывания стала очень популярна в современной ситуации и является характерным признаком времени. Выставка приурочена к выходу новой книги Юлии «Умри, замри, воскресни». В ней художница делится своим опытом проживания турбулентных времен в форме детской игры и спектакля. На выставке представлены так же несколько более ранних работ автора. Юлия Павлова: «Проект состоит из фотографий, коллажей, скульптурной группы и видео-арта. Основная идея строится вокруг поиска путей духовного спасения во время турбулентных и сложных времен. Для поиска спасения я, как автор, обращаюсь к своей земной (животной) сути — материнству и духовной (искусству). В качестве визуальной и реферальной формы я обращаюсь к театру абсурда. Театр абсурда зародился как реакция на эпоху тотальной войны, лагерей смерти, абсолютного оружия, террора — одним словом, под знаком апокалипсиса. Абсурдизм превратил своего героя в марионетку, абсурдный герой всегда объект, а не носитель воли. Озорство игры и брутальности ужаса сливаются, смерть становится игрой, а жизнь — нелепым кошмаром». Выставка работает до 11.04.24.
Юлия Павлова, Умри Замри Воскресни 2
Фотографии предоставлены галереей
06.03.24. Фонд Ruarts представил персональную выставку керамики Аннушки Броше«My body is a Cage». Тема выставочного проекта — философские и социальные темы, связанные c понятиями мнимой и подлинной свободы, телесной ловушки, контроля и внутренней воли. Процесс преображения и приобретения человеческого обличия стал основой экспозиции, Броше использует женское тело как символ, ассоциируя его с белым фарфором и фаянсом, отражая его красоту и хрупкость. Художник выражает идею о том, что истинная свобода не зависит от оков внешних обстоятельств, она рождается изнутри, а творчество выступает постоянной попыткой изобрести новые формы существования и освобождения. Обращение к японскому искусству шибари добавляет дополнительный слой значений, для автора шибари — практика достижения абсолютной социальной свободы через раскрепощение ума в условиях насильственного ограничения телесной свободы. Добровольное связывание парадоксальным образом дает возможность прийти к более осознанному восприятию собственной воли и свободы. «Тело — моя клетка, но внутри этой клетки есть место для абсолютной свободы, которая неизбежно вырвется вовне и взлетит», –Аннушка Броше. Керамические работы, представленные на выставке, созданы в рамках программы «Клуб друзей Сводов» мастерских Центра художественного производства «Своды» Дома культуры «ГЭС-2». Выставка работает до 14.04.24.
Аннушка Броше, Из серии «My body is a Cage», 2024, фаянс, шамот, веревки, белая полуматовая глазурь
Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Ruarts
07.03.24. Центр творческих индустрий «Фабрика» представил персональную выставку художницы из Лос-Анджелеса, скульптора и преподавателя Кристи Липпайр. Проект «Цвет как форма» представляет собой результат пребывания художницы в Москве, в рамках программы Центра творческих индустрий «Фабрика» — «Художник в резиденции» (Artist-in-Residence) в 2019 году. Во время пребывания в резиденции Кристи Липпайр изучала работы выдающейся советской художницы-авангардистки, дизайнера и яркой представительницы конструктивизма — Варвары Степановой.Выставка проходит в год 130-летия со дня рождения Варвары Степановой. Вдохновение от работ Варвары Степановой переросло у художницы в исследование конструктивизма, интерес к модернистской архитектуре и тому, как ее конструктивные формы могут быть (пере)сформированы с помощью цвета. Кристи Липпайр задается вопросом: что происходит с архитектурными формами, если добавить в них цвет. Липпайр предлагает превратить цвет в язык, чтобы создать динамическую систему, где два сосуществующих кода — форма и цвет — могут раскрыться в одной абстрактной системе. Насыщенные цветом работы Кристи Липпайр становятся самостоятельными агентами в сложной паутине структуры городского дизайна. В своей выставке Кристи Липпайр также осмысляет ранние графические и текстильные эксперименты Варвары Степановой и рассматривает текстильные дизайны, театральные декорации и костюмы, как пространство, где геометрический дизайн сочетается с функциональностью самым инновационным. Куратор выставки: Кристина Пестова. Выставка работает до 18.04.24.
KristiLippireStudio_FinalProject_KiaHarlanPhotography-34
Фотографии предоставлены пресс-службой ЦТИ «Фабрика»
07.03.24. Крокин-галерея представила выставку Александра Мареева (Лима)«Незавершенное и бесконечное». Куратор выставки Александр Петровичев:«Искусство Александра Мареева (Лима) сплавляет воедино виртуозное владение графикой и существующее на ментальном уровне нечто парадоксальное, воспроизводящее на поверхности листа отголоски ведомой только автору космогонии. Реальность в понимании автора многопланова, многопланово и пространство его произведений, его ощущение времени. Директория искусства Мареева (Лима) всегда неожиданна, как неожиданно пересечение с «цветущей сложностью» Константина Леонтьева, сопоставляющего общественное развитие, его рождение, расцвет и упадок с явлениями, происходящими в природе, в её организмах. Безусловно, мотивации Александра далеки от прямых аналогий с философией Леонтьева. Но на уровне интуиции он реализует нечто схожее в необычном для себя формате – в геральдике, оказавшейся смысловой платформой, на которой «цветущая сложность» фантазийных новелл автора становится доминантой его выставки «Незавершённое и бесконечное». Геральдика Александра подстать растению рождается в естественной среде, которой для автора становится советская реальность, «цветущая» в его сознании во всём своём многообразии и по сей день. Однако вся эта история с квазисоветскими гербами, атрибутами, семантикой и стилистикой выходит за рамки привычного мифотворчества. Искусство Мареева (Лима) имеет иную природу, иную механику появления на свет нежели у «человека играющего». Здесь всё иначе. Это не игра, а неожиданная форма самоидентификации и сопричастности «цветущей сложности» советской реальности, попытка пересобрать «уходящую натуру».
Мареев (Лим) не сочиняет собственной геральдики, он воспроизводит и развивает то, что, по его мнению, осталось незавершённым. Отсюда парадоксальное соединение узнаваемого символа и сгенерированного им нечто нового, позаимствованного из области флоры и фауны, заключающего в себе особое содержание и трактовку.
Пребывая в непрерывном, ничем не ограниченном процессе, Александр Мареев (Лим) скрупулёзно моделирует то, что содержит в себе витальную ценность, что проецирует контуры будущего и сохраняет аромат бесконечного «цветения». Выставка работает до 14.04.24.
Фотографии Ольги Серегиной
08.03.24. Галерея «Квартира S» совместно с «Рынком на Ленинском» при поддержке журнала Cabinet de l’Art подготовила выставку работ Веры Куликовой «Смена сезонов». В экспозиции представлена серию работ Веры Куликовой о моментах, точках отсчета, через которые мы фиксируем движение времени, переход от одного сезона жизни к другому, оставляя зрителю пространство для свободной интерпретации и домысливания. Основной инструмент художницы — это цвет, им она рассказывает истории об исследовании себя и мира. «Наша жизнь это калейдоскоп событий, чувств, эмоций, мест, людей. Все это наполняет нас каждодневно. Что-то остается в памяти навсегда, что-то исчезает. Каждая моя работа наполнена такими воспоминаниями. Художник может позволить себе менять сезоны, когда и как ему захочется. И мне часто зимой хочется писать более теплые, сочные, летневесенние работы. Я не смогу ответить на вопрос — Какое время года нравится мне больше всего», — Вера Куликова. Выставка работает до 05.05.24.
Вера Куликова, Девочка, 30х30
Фотографии предоставлены галереей
07.03.24
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
