Арт-обзор 28.09-5.10.23

 

 

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

А.В. Щусев. Проект гостиницы «Москва». Перспектива со стороны Тверской улицы. 1930-е

02.10.23. Государственная Третьяковская галерея представила новый выставочный проект работ Николая Милиоти. Экспозиция избранных произведений художника знакомит с произведениями, которые он создавал со своими молодыми друзьями на рубеже XIX и XX столетий, эпоху, которая вошла в историю отечественного искусства с названием «Серебяный век». Николай Милиоти участвовал в создании атмосферы московской художественной жизни начала XX века вместе со своими друзьями и единомышленниками, Павлом Кузнецовым, Петром Уткиным, Николаем Сапуновым, Сергеем Судейкиным, Мартиросом Сарьяном, мастер учился одновременно с ними и участвовал на одних выставках. Его учителями были Сергей Иванов, Абрам Архипов, Валентин Серов, Константин Коровин, Исаак Левитан. Сильное влияние на творчество художника оказали работы символиста Д. Уистлера, у которого он занимался. Произведения мастеров этого направления заключали в себе таинственную связь реальности и духовного мира художника, скрытого от поверхностного и стороннего взгляда. В 1907 году Милиоти стал одним из организаторов выставки кузнецовского круга «Голубая роза», эта выставка во многом определила стилистику времени. В полотнах Милиоти художественную критику привлекала неординарная индивидуальность живописца, его работы раскупались с выставок и уходили в коллекции Морозовых, Остроухова, Гиршманов, Третьяковскую галерею. Жизненные обстоятельства вынудили Милиоти эмигрировать в Париж, с 1923 года он стал его местом жизни и творчества. В Париже художник написал много портретов, прежде всего деятелей русской культуры, оказавшихся в эмиграции. Некоторые из них представлены на выставке: Александр Зилоти, Тэффи, Марина Цветаева. Особую часть наследия мастера составляют графические работы, рисунки сопровождают тексты его дневников, которые он вел с юности. Исключительной по значимости группой являются автопортреты художника. Почти за 40 лет жизни, которые Милиоти прожил в Париже, он перподавал в Русской художественной академии Т. Л. Сухотиной-Толстой, Институте декоративного искусстве, вместе с Н. Гончаровой и М. Ларионовым, оформлял спектакли марионеток в «Театре деревянных комедиантов», сотрудничал в различных журналах. Помимо Третьяковской галереи и Русского музея картины художника хранятся во многих музеях России и других стран. Выставка работает по 10.03.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ГТГ

02.10.23. Московский музей современного искусства совместно с Limonov Art Foundation представили персональный проект «Дорожное кино» мультидисциплинарного художника, автора тотальных инсталляций и вещей-объектов Ивана Чемакина. Чемакин, живущий в деревне Антропшино Ленинградской области, работает в широком диапазоне техник и создает свою особую мифологическую систему, в своем творчестве он исследует феномен «окраины», невидимой и неразличимой для взгляда «из центра». Его искусство наделено мифами и собственной внутренней логикой развития, которая зачастую отличается от привычной для столичного зрителя. Произведения художника, намеренно выстроенные в сложные и запутанные маршруты, наполненные загадками, создают впечатление присутствия некоего экзотического провинциального гостя в столичном музейном пространстве.

В отличие от «ресайклинга», который старается вернуть старой вещи привлекательность и новизну, художник в своем творчестве использует старые объекты, давно потерявшие свой товарный вид, в качестве почти сакральных, наделенных собственным характером и подлинной ценностью. Поэтизируя и переосмысляя простые или использованные предметы, художник видит их как значимые артефакты, не имеющие ничего общего с их утилитарным назначением в бытовом современном мире. Название проекта «Дорожное кино» обосновывает построение экспозиции, состоящей из пересобранных и переосмысленных инсталляций художника, относящихся к разным проектам, объединенных с объектами, созданными специально для выставки. Все они, дополняясь фото- и видео документацией, организуются в «смонтированную» хронологию творческого пути «художника-визионера». Выставка работает в ММОМА Гоголевский бульвар 10/1 по 19.11.23.

Иван Чемакин. Радар

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

02.10.23. В Малом зале Российской государственной библиотеки для молодежи состоялось открытие выставки выпускника факультета реставрации монументальной живописи РГХПУ им. С.Г. Строганова и мастерской видеоарта Школы фотографии и мультимедиа им. А. Родченко Ильи Колесникова «Май name из Elijah, май wheel из on файр». Используя возможности мультимедийных технологий и брендинга как инструментов конструирования образа, художник создал в одной из соцсетей «цифрового гомункула». Представленные работы – живопись, видео и объекты – посвящены исследованиям функционирования массовой культуры и социальных взаимодействий на интернет-платформах. Рекламные технологии и инструменты брендинга превращают обычных людей в поп-идолов и рок-звезд, а утилитарные вещи – определенные модели автомобилей, сумок, часов – становятся волшебными артефактами, которые транслируют окружающим нужный образ. Предельно обобщенный графически, Elijah Wheel одновременно и цифровое alter ego художника, и маскот проекта, это – «пустой шаблон человека», blank template man, как его называет сам автор. Куратор проекта: Алена Райхер. В рамках выставки разработана образовательная программа, график лекций представлен на сайте РГБМ. Выставка работает до 29.10.23.

Фотографии Ольги Серегиной

03.10.23. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева при поддержке Министерства культуры Российской Федерации представил первую за последние 50 лет монографическую выставку, посвященную творчеству выдающегося архитектора Алексея Викторовича Щусева (1873 – 1949) – «Алексей Щусев. 150», приуроченную к его 150‑летнему юбилею. Выставка «Алексей Щусев. 150» – самый масштабный проект Музея за последние десятилетия. Наталья Шашкова, директор Музея архитектуры им. А.В. Щусева, куратор выставки: «Гениальность архитектора проявляется в том, чтобы, не поступаясь художественными принципами, в конкретных обстоятельствах места и времени создавать произведения, точно отвечающие потребностям общества. Алексей Щусев – гениальный архитектор. Он жил и работал в потрясающую эпоху: экономический подъем в Российской империи начала ХХ века, революция и утверждение нового социального строя, две мировые войны, все эти события сопровождались радикальными переменами художественного курса. Неиссякаемый творческий азарт и высочайшее мастерство позволяли Щусеву при каждой смене главенствующего архитектурного стиля создавать произведения исключительного уровня и оставаться лидером профессионального сообщества на протяжении десятилетий. Более 80-ти реализованных проектов редкое достижение, однако благодаря необыкновенной одаренности и работоспособности Щусев проявил себя и во многих других сферах. До последних дней он сохранял энтузиазм и свежесть взгляда. Музей впервые за 50 лет решился на масштабное высказывание о мастере. Для нас важно показать его таким, каким мы увидели его сами: ярким, талантливым, многогранным, преданным делу и своей стране человеком».

А.В. Щусев в мастерской на Казанском вокзале, 1914 (Архив наследников А.В. Щусева)

На выставке представлено более 600 произведений из фондов Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева, 18-ти государственных музейных и архивных собраний, частных коллекций и архива наследников А.В. Щусева. Среди экспонатов – проектная архитектурная графика, эскизы и рисунки Алексея Щусева и художников, с которыми он сотрудничал (М.В. Нестерова, К.С. Петрова-Водкина, Н.С. Гончаровой, Е.Е. Лансере, Н.Я. Тамонькина и других), авторские модели, макеты, документы, письма, архивные фотографии, видеохроника – материалы к ключевым и малоизвестным проектам, часть из которых показана впервые. Архитектура выставки, разработанная Сергеем Чобаном и Александрой Шейнер, отражает основной замысел кураторов проекта: представить невероятно объемное и многослойное творчество Алексея Щусева во всем его многообразии и масштабе, расставив важные акценты на малоизученных и наиболее важных темах. Сергей Чобан, архитектор выставки: «Работая над дизайном экспозиции, мы сформировали собственный художественный прием для каждого зала, последовательно раскрывающего Щусева как архитектора определенной эпохи, будь то модерн, конструктивизм или неоклассика, а также как градостроителя и значимого музейного деятеля. Надеемся, атмосфера выставки поможет посетителям лучше понять разные, подчас контрастные периоды творчества Щусева, объединенные общими чертами его почерка и высокого мастерства».

Проект занимает два главных выставочных пространства: экспозиция в Анфиладе посвящена проектам гражданской архитектуры, в Аптекарском приказе представлено храмовое зодчество мастера. Алексей Щусев – архитектор уникального дарования, блестяще проявивший себя в разных архитектурных стилях и направлениях конца XIX – первой половины XX веков. Состоящая из двух частей выставка «Алексей Щусев. 150» в Музее архитектуры представляет около 200 архитектурных проектов, созданных Щусевым за его более чем полувековую карьеру. В экспозицию включено почти 600 предметов: проектные графические листы дополнены ученическими и художественными работами мастера, архивными фотографиями, письмами, документами и личными вещами Алексея Щусева, моделями и макетами. Выставка позволяет взглянуть на известного зодчего как на человека, художника, градозащитника, ученого, реставратора, основателя и первого директора Музея русской архитектуры.

В залах Анфилады раскрывается история становления зодчего: от его ученических работ в Академии художеств, через первые самостоятельные проекты к главным творениям – Казанскому вокзалу в Москве, Мавзолею В.И. Ленина, Государственному театру оперы и балета имени Алишера Навои в Ташкенте. Хронологическая последовательность выставки, с акцентом на наиболее известные сооружения Щусева, помогает проследить, как происходила трансформация творческого метода архитектора. Отдельный зал посвящен железнодорожным проектам Алексея Щусева. Раздел «Новая Москва» зрители знакомит с произведениями, созданными в первые советские годы. Путь от авангардных исканий 1920-х годов к торжеству неоклассики 1930-х иллюстрируют конкурсные решения памятника Христофору Колумбу, Библиотеки имени В.И. Ленина и Центрального телеграфа, реализованные проекты санатория в Мацесте, гостиницы «Интурист» в Батуми, зданий Наркомата земледелия на Садовом кольце и Наркомата внутренних дел на Лубянской площади в Москве и другие. Особое место в экспозиции отведено двум знаковым произведениям архитектора: гостинице «Москва», работа над которой сопровождалась скандалом, породившим большое количество легенд, и Государственному театру оперы и балета им. Алишера Навои в Ташкенте – одной из признанных вершин творчества Алексея Щусева. Наряду с архитектурной графикой в зале представлены уникальные предметы декоративно-прикладного искусства. Большое внимание в экспозиции уделено деятельности Алексея Щусева в годы Великой Отечественной войны. Главной задачей мастера в это сложное время стала работа по восстановлению разрушенных городов и сохранению поврежденных памятников архитектуры в Истре, Новгороде, Сталинграде, Кишиневе, Туапсе. Творческое наследие 1940-х годов также представлено проектами зданий научных учреждений по всей стране, работу над которыми возглавляемая Щусевым с 1937 года мастерская «Академпроект» продолжала в военные и послевоенные годы. Завершает экспозицию в Анфиладе рассказ о последнем детище Алексея Щусева – Музее русской архитектуры, созданном по его инициативе в 1945 году. Документы, повествующие о ранних годах существования музея и подготовке первой выставки 1948 года, представляют Щусева как выдающегося ученого и мудрого организатора. Уникальные произведения искусства: гравюры, акварели, живопись, а также книги и материалы научных экспедиций, включенные в собрание Музея, когда Щусев был его директором, свидетельствуют о тонком художественном вкусе мастера. 

Вторая часть выставочного проекта, представленная в Аптекарском приказе Музея архитектуры, раскрывает тему храмового зодчества Алексея Щусева: от первого проекта научной реставрации храма святого Василия в Овруче до заказов, выполненных зодчим для императорской семьи. В экспозиции представлена проектная графика и архивные материалы, связанные с созданием ансамбля Марфо‑Мариинской обители милосердия в Москве, церкви святого Сергия Радонежского на Куликовом поле, Храма святителя Николая вместе со странноприимным домом в Бари, Троицкого собора Почаевской Лавры, церкви Всемилостивого Спаса  в имении  Натальевка и многих других. Отдельное внимание уделено совместной работе Алексея Щусева с его именитыми соавторами-художниками: Кузьмой Петровым-Водкиным, Павлом Кориным, Михаилом Нестеровым и другими.

Н.Я. Тамонькин
Покровский собор Марфо-Мариинской обители
в Москве.
Фрагмент северного фасада
1946
Государственный музей архитектуры имени
А.В. Щусева ©

Глубокая исследовательская работа, предшествовавшая выставке, позволила кураторам переосмыслить страницы биографии и творчества архитектора. Итогом стали несколько изданий, подготовленных сотрудниками Музея архитектуры и приглашенными исследователями. Наряду с каталогом выставки в рамках юбилейного проекта в партнерстве с Фондом «Связь Эпох» и при поддержке Президентского фонда культурных инициатив были выпущены: научное издание «Творческая биография А.В. Щусева» в двух томах – «Статьи» и «Воспоминания»; первая книга о зодчем для детей и подростков «Алексей Щусев: архитектор, который покорил время» и документальный фильм «Алексей Щусев. Архитектор трех эпох». Кураторы выставки: Наталья Шашкова, кандидат искусствоведения, директор Музея архитектуры им. А.В. Щусева; Ксения Смирнова, искусствовед, заместитель директора Музея архитектуры им. А.В. Щусева по просветительской деятельности; Анатолий Оксенюк, кандидат исторических наук, заместитель директора Музея архитектуры им. А.В. Щусева по научной работе; Юлия Ратомская, искусствовед, ученый секретарь Музея архитектуры им. А.В. Щусева. Выставка работает в пространствах «Анфилада» и «Аптекарский приказ» Музея архитектуры по 21.01.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой Государственного научно-исследовательского музея архитектуры имени А.В. Щусева

04.10.23. Фонд Stella Art Foundation представил первый выставочный проект в новом пространстве Фонда. Новое пространство открыла выставка «Парсуны нон грата» художников Бориса Орлова и Сергея Шеховцова. Выставка объединяет более 60 работ авторов, среди которых никогда прежде не экспонировавшиеся произведения классика соц-арта Бориса Орлова и скульптуры Сергея Шеховцова, охватывающие 25-летний творческий путь художника.
Связанных многолетней дружбой авторов объединяет обращение к темам исключенного, подавляемого и скрытого. Название выставки «Парсуны нон грата», остроумно отсылающее к одному из ключевых проектов выставки, указывает нам на фигуры (персоны) умолчания, вытесненные в область коллективного бессознательного.  

В каком-то смысле Борис Орлов – художник-реалист, «всего лишь» фиксирующий и описывающий систему функционирования механизмов работы непристойной изнанки идеологии. Начиная с середины 70-х он разрабатывает строгую систему функционирования подсознательного советской идеологии. Стоящий у истоков соц-арта Борис Орлов: «Меня больше всего интересовал феномен империи, а тогда этого слова даже произнести вслух нельзя было. А я, такой молодой и смелый, вдруг стал в своем творчестве эту тему разрабатывать. И изучая весь опыт и принцип работы машины советской пропаганды, я увидел, что весь визуальный опыт Советского Союза базируется на визуальном наследии всех мировых империй, от Александра Македонского через Рим, Наполеона, сталинский стиль и прямиком к Брежневу. Тема власти всегда была для меня очень важна, но сам я никогда политикой не занимался, так что сказать, что я политический художник, неправильно. Я, скорее, исследователь, наблюдатель, художник-политолог.»

Несколько иная оптика на исключенный объект у Сергея Шеховцова, обращающегося к отброшенным и отвергнутым низовым образам массовой культуры и обыденности. Выполненные из «неблагородных» промышленных материалов, часто покрытые хаотичными граффити, обманчиво лёгкие sculptura secunda Шеховцова кажутся незавершенными. Бесконечно мутируя и сливаясь, предметы и герои работ Шеховцова не могут поделить между собой единое пространство и изгоняются в бесконечную пустоту означающего, дрожащего перед зрителем изломом пластикового бока. Сам художник о своих работах: «В 2001 году возникло ощущение мира как мягкой, аморфной, обманчивой материи. И первый проект хотелось сделать о том, что окружающий мир — это иллюзия. В целом это было поп-артистское высказывание, а обработка материала граффитистским инструментом усиливала ощущение иллюзии. Важны были фактура, история про мягкость и твердость…» Излюбленными героями художника стали исключённые и бесправные жители города, homo sacer городской фауны – голуби и бродячие собаки. Выставка работает до 31.01.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой проекта

 

05.10.23. Фонд Ruarts представил первую персональную выставку Nootk – современного российского художника-графика, объединившего в своем стиле влияние уличной культуры с интересами в области иллюстрации и мультипликации. Уличное искусство – мощный инструмент для общения, размышлений, Nootk поддерживает разнообразие и эксперименты, фиксирует дух современности. Замысловато переплетающееся столпотворение мультяшных существ заставляет задуматься о современном обществе, искусственной природе города и о том, куда мы движемся – миру, где мы ищем способ сохранить человеческий облик. 

Проект «Гештальт» – это 10 работ, эскизы для которых были сделаны в разное время, но закончены только в 2022 и 2023 годах. «Идея сделать персональный проект родилась несколько лет назад. Я активно готовился и за месяц, путешествуя по Азии, отрисовал целую скетч-тетрадь. Идеи часто рождались спонтанно, эскизы получались живыми, выразительными. Персонажи жили в ярких красках тайских городов. Но по приезду рюкзак постирали, не проверив отделения. Все эскизы превратились в бумажную кашу. Выставка была отложена на неопределенный срок. Говоря языком современной психотерапии, я понимал, что, не сделав выставку, я не закрою этот гештальт», – Nootk. В пространстве фонда Ruarts затянувшаяся история Nootk обрела «целостность», «форму», «структуру», тот самый гештальт. «Абсурдные сценарии», как их называет сам художник, представляют некий перекресток комического и абстрактного искусства. Каждая работа – новая жизнь. Помимо мультяшных персонажей, часто складывающихся в цветной паттерн, важной составляющей визуального языка Nootk является линия, контур. В первую очередь, его волнуют форма и композиция, а сюжет вырисовывается в процессе создания эскиза. Представленные на выставке работы отсылают к пляжным вечеринкам, таиландским жарким вечерам. Яркие персонажи с оживленной мимикой сохраняют идеальный баланс детского удивления и озорства взрослого. Самая большая работа на выставке – четырехметровая доска «Wild Style». По словам Nootk, «одна форма диктовала следующую, я даже не заметил, как они переплелись в узкую ленту. Чтобы уравновесить композицию, я придумал офисное пространство с клетчатым потолком и полом, и сюжет сложился – тусовка в закрывшимся офисе. Название – дань граффити-культуре». Выставка работает в выставочном пространстве Фонда на 5-м этаже по 12.11.23.

Nootk “White Sox” 120 х 200 см. Влагостойкий МДФ, фрезерная резка, нитро-эмаль, матовый лак 2022 г.

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда

05.10.23. В Галерее «Китай-город» Объединения «Выставочные залы Москвы» открылся выставочный проект «Люся Воронова. Цветочный джаз». На выставке представлено около 30 крупноформатных живописных произведений Люси Вороновой, в которых автор стремиться переосмыслить своё прошлое творчество – «Моя мечта с детства – стать художником. Сколько себя помню – рисую. Рисую и рисую. Училась я у истории искусств, природы и жизни. Корни уходят в иконопись, народное искусство и наскальную роспись…».. Люся Воронова начинала в 1970-е с узоров и орнаментов, занималась керамикой, текстилем, работала с этнографическими предметами. Сохранились ее текстильные работы 80‑90‑х годов, выполненные в традиционной гобеленной и коллажной техниках. Сейчас, уже на другом профессиональном уровне, художница по спирали пришла к тому, с чего когда-то начинала – геометрические мозаичные узоры, абстрактные, растительные мотивы, лоскутные врезки. Искусствовед Александр Боровский: «Люся Воронова – художник многообразных, в том числе драматических, реакций на реальность, работающий с различными состояниями сознания, рефлексирующий выразительные средства модернистского искусства». На выставке представлены работы из собрания Фонда Люси Вороновой и частной коллекции Руслана Мамедова. Выставка работает по 29.10.23.

Л_Воронова_Цветочный_джаз,2023_Х_М_Частная_коллекция

Фотографии предоставлены пресс-службой выставочного проекта

05.10.23. В галерее ARBUZZ открыта выставка «Ее зов всегда узнаю» художницы Тани Клят.  Видео-арт для проекта создан художницей Женей Шарвиной, автор саунда – Лилия Баласанова. Выставка посвящена феномену материнства и задумана как возможность увидеть не только естественные, но и сущностные связи порождаемого и порождающего. В экспозиции представлены инсталляции, скульптуры, графика, видео и саунд арт, погружающие зрителя в реальность, сотканную из неясных ощущений и размытых воспоминаний, где нет линейной логики, а есть нечетко очерченное безвременье. В рамках параллельной программы выставки проходят мастер-классы, паблик-токи и перфомансы. Куратор: Евгения Стерлягова. Выставка работает по 20.10.23.

Фотография Евгении Стерляговой

Поделиться: