Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
24.06.22. В Музее русской иконы имени Михаила Абрамова состоялось официальное открытие выставки «Россия в ее иконе. Неизвестные произведения XV – начала XX века из собрания Игоря Сысолятина». В выставки «Россия в ее иконе» участвуют 320 икон из личной коллекции Игоря Сысолятина, которые показывают становление русской иконописи в течение пятисот лет. Большая часть работ представлена широкой публике впервые, так как основу коллекции составили произведения, проданные или вывезенные за границу многие десятилетия назад и вернувшиеся в страну усилиями коллекционера. Выставка показывает многообразие русской иконописи от классических средневековых памятников до стилистических экспериментов предреволюционных десятилетий, отражающих изменение древних традиций в новых культурных условиях. В экспозицию вошли оригинальные иконы, представляющие практически все русские школы и художественные стили: иконы, написанные в столицах искусства Руси XV-XVI веков, новооткрытые иконы строгановских мастеров, работы изографов Оружейной палаты и их последователей̆, яркие провинциальные образцы XVII столетия, представители эпохи барокко из Москвы, Великого Устюга и Кинешмы, произведения из старообрядческих регионов, искусство иконников Палеха и Мстёры и работы мастеров второй̆ половины XIX-начала XX века. Коллекция Игоря Сысолятина – одно из крупнейших частных собраний икон, которое насчитывает более тысячи произведений, охватывающих многообразие течений русской иконописи, обладающих высокой исторической или художественной ценностью. Куратор выставки: Александр Преображенский, специалист по истории иконописи, кандидат искусствоведения, доцент кафедры истории отечественного искусства исторического факультета МГУ, старший научный сотрудник сектора древнерусского искусства Государственного института искусствознания. Выставка работает до 01.10.22.
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея русской иконы
27.06.22. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представил выставку «Брат Иван. Коллекции Михаила и Ивана Морозовых», главный проект Пушкинского музея 2022 года, продолжающий рассказ о великих династиях московских коллекционеров. Участники выставочного проекта: ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственный Эрмитаж, Государственная Третьяковская галерея. В экспозиции собрано всего более 600 экспонатов – около 260 произведений живописи, графики и скульптуры; предметы декоративно-прикладного искусства, книги, фотографии, архивные материалы. Выставка рассказывает о влиятельном роде промышленников Морозовых, в конце XIX века, давшем России сразу двух братьев – коллекционеров современного искусства: эксцентричного экспериментатора Михаила и вдумчивого знатока Ивана. Экспозиция реконструирует собрания французской и русской живописи, составленные на рубеже столетий братьями Морозовыми. Коллекция безвременно скончавшегося в 1903 году Михаила Морозова, неоднородная и эклектичная, тем не менее включавшая в себя первые в России работы Гогена, ван Гога и Мунка, станет прологом к «идеальному музею» его младшего брата.
Монтаж
Монтаж
Иван Морозов тщательно и последовательно отбирал произведения великих импрессионистов (Моне, Сислея, Ренуара и других) и постимпрессионистов (ван Гога, Сезанна и Гогена). Он заказывал монументально-декоративные ансамбли ведущим мастерам своего времени – Дени, Боннару и Матиссу. Ему принадлежали работы Серова, Левитана и Врубеля, Ларионова, Гончаровой, Машкова, которые он приобретал одновременно с французским искусством. В предлагаемом распределении произведений по залам отражены основные смысловые центры коллекции брата Ивана и главные этапы ее истории. Важнейшая черта этого собрания – равнозначное присутствие в нем французского и русского искусства: отражение новаторского взгляда, свойственного именно молодому поколению коллекционеров рубежа XIX и ХХ веков. Впервые за столетие в Москве вместе показаны работы французских и русских мастеров, некогда составлявшие единое собрание. Кураторы: Марина Лошак, Александра Данилова, Алексей Петухов, Анна Познанская, Наталья Александрова. Выставка работает до 30.10.22.
Пьер Огюст Ренуар Портрет актрисы Жанны Самари 1877
Клод Моне Бульвар капуцинок (Бульвар в Париже) 1873
Фотографии предоставлены пресс-службой Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
27.06.22. Музей-заповедник «Царицыно» открыл выставку «Основные элементы», посвященную уникальной 20-летней эпохе в истории советского авторского декоративного искусства и его роли в художественном процессе. «Наш музей обладает редчайшей коллекцией авторского декоративного искусства 1960–1980-х годов, наследованной нами у Музея декоративно-прикладного искусства народов СССР. В новой музейной экспозиции мы показываем около 400 произведений из керамики, фарфора, стекла, металла и текстиля – работы талантливых художников, принадлежавших московской и ленинградской школам, работавших в центральной России, Прибалтике, Белоруссии, Украине, Армении, Грузии и Казахстане», – генеральный директор музея-заповедника «Царицыно» Елизавета Фокина. Советское декоративное искусство в послевоенные годы находилось на особом положении. Художники-прикладники не испытывали идеологического давления и пользовались бесплатными мастерскими, производством и государственными заказами. В те же годы декоративное искусство впервые прямо заявило о своей автономии и равнозначности живописи, графике и скульптуре. Художники-прикладники доказывали свое право на самовыражение и эксперименты, об успехе которых свидетельствуют призы на международных выставках художественной керамики в Валлорисе (Франция) и в Фаэнце (Италия), текстильного искусства в Лозанне (Швейцария) и Лодзи (Польша), авторского ювелирного искусства в Яблонце-над-Нисой (Чехословакия). «За прошедшие с момента коллапса СССР тридцать лет многое растворилось, и пришло время заново обо всем рассказывать. Выставка не подразумевает системного анализа огромного пласта истории искусства. Это авторский и очень личный проект, главную задачу которого я видела в том, чтобы показать художественный предмет и помочь начать с ним коммуницировать…», – куратор выставки, заместитель генерального директора музея-заповедника «Царицыно» по научной и экспозиционно-выставочной деятельности Ольга Докучаева. Куратор создала рассказ «о том, каким было авторское декоративное искусство второй половины XX века, почему именно тогда оно переживало небывалый подъем и какие великолепные и совершенные произведения были тогда созданы». Выставка занимает десять залов, девять из которых посвящены «вечным темам», образам и средствам выразительности, которыми пользуются художники. Это и есть «основные элементы». В залах выставки собраны работы, посвященные природным стихиям и живой материи, дню и ночи, свету и цвету, движению и статике. Выставка работает в Хлебном доме в музее-заповедник «Царицыно» до 12.03.23.
Марина Лисицина. Объект «Графический калейдоскоп». Лыткаринский завод оптического стекла. Россия, Московская обл., Лыткарино. 1994. Стекло оптическое цветное, стекло оптическое, гравировка
Феликс Кузнецов . Композиция «Черный тетраэдр». Россия, Москва. 1990. Сталь, эмаль
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея-заповедника «Царицыно»
28.06.22. Третьяковская галерея представила расширенную экспозицию произведений, связанных с именем выдающегося поэта начала XX века, прозаика, драматурга и одного из основоположников футуризма в России – Велимира Хлебникова (1885–1922). На выставке «Велимир Хлебников. Король времени», приуроченной к 100-летию со дня смерти поэта, представлены его прижизненные и воображаемые портреты, изображения членов семьи, а также иллюстрации к стихам и поэмам Хлебникова. Хлебников вошел в историю русской литературы как реформатор поэтического языка, гений словотворчества и один из основоположников футуризма в России, придумавший для русской версии этого направления название «будетляне». Его творчество оказало большое влияние на В. Маяковского, М. Цветаеву, Б. Пастернака, Н. Заболоцкого. С 1915 года Хлебников разрабатывал утопическую идею Правительства Земного Шара из 317 председателей, способных установить справедливый миропорядок. Велимир Хлебников высоко ценил новаторские достижения близких ему по духу художников, полагая, что именно в живописи рождаются наиболее радикальные эстетические принципы, которые могут быть использованы в других областях творчества. «Живопись всегда говорила языком, доступным для всех… На долю художников мысли падает построение азбуки понятий, строя основных единиц мысли, – из них строится здание слова», – писал он. Изображения Хлебникова, включенные в экспозицию, раскрывают дружеские и внутрицеховые связи поэта. Эпиграфом к галерее представленных на выставке портретов, созданных как его современниками, так и нынешними почитателями его творчества, можно поставить хлебниковские строки «Моих друзей летели сонмы. Их семеро, их семеро, их сто!». «Королем времени», как нарекли драматурга друзья-футуристы, он предстает в загадочном символическом портрете Б. Григорьева «Хлебников в будущем» (1916). Свидетелем последних дней Хлебникова стал известный график прошлого столетия П. Митурич, создавший скорбные портреты поэта на смертном одре. Еще до личного знакомства с Хлебниковым Митурич стал страстным поклонником его творчества, делал графические композиции по мотивам его произведений, работал над циклом «Пространственная графика», пытаясь создать визуальные образы поэзии своего кумира. После смерти Хлебникова художник занимался изданием его стихов и прозы. Отдельный раздел выставки посвящен семье Велимира Хлебникова. Портреты отца и сестры поэта, выполненные П. Митуричем, также включены в экспозицию. В разделе иллюстраций представлены рисунки соратников Хлебникова к его стихам, поэмам и пьесам, а также коллекция футуристических книг из библиотеки Третьяковской галереи. Куратор выставки: Татьяна Горячева. Выставка работает в Новой Третьяковке, зал 10 по 18.09.22.
Н. Гончарова. Вила и Леший. Иллюстрация к поэме В.Хлебникова «Вила и Леший» для книги А.Е. Кручёных, В. Хлебникова «Мирсконца» (М., 1912). 1912.
Государственная Третьяковская галерея
Фотографии: Третьяковская галерея
28.06.22. Московский музей современного искусства представил выставку «Копи смех к зиме…» – значимый проект по обмену культурного наследия с особенным, не имеющим аналогов в мире регионом страны – Якутией. Выставка подготовлена совместно с Фондом поддержки современного искусства AyarKut и при поддержке Центра культуры и современного искусства им. Ю.А. Гагарина. Выставка «Копи смех к зиме…» посвящена современному искусству Якутии и дает возможность проанализировать и найти общее выражение «народного» в различных художественных практиках трех поколений Якутских художников, где старшие являются учителями или идейными вдохновителями последующих. Работая с темой этнонациональной и современной символикой Севера, авторы разрабатывают новые подходы к репрезентации индивидуального опыта через искусство. В своих произведениях, выражая внутреннюю потребность фиксировать меняющийся культурный ландшафт, художники транслируют взаимопроникновение природы и родовой памяти региона в современные реалии. Название проекта цитирует строки молодого поэта и философа Габбы (Глеба Габаева): – «Копи смех к зиме, Как зверь копит мех и сало…», которые отражают целый пласт северной культуры – в рамках сурового климата появляется необходимость накопления тепла и радости как метода выживания и поиска жизненной силы. На выставке представлен широкий диапазон техник – начиная с живописи, заканчивая предметами декоративно-прикладного искусства и инсталляциями. Кураторы: Александр Бланарь, Елена Васильева. Выставка работает в Образовательном центре ММОМА до 14.08.22.
Наталья Николаева. Красный день календаря. 2022
Йэн Сур. Генерация. 2022
Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА
28.06.22. В Выставочном зале фонда Андрея Чеглакова была представлена выставка русского художника и графика Дмитрия Петровича Плавинского, посвященная 85-летию со дня его рождения. Дмитрий Плавинский одна из главных фигур московского нонконформизма второй половины XX века, создатель собственной символической философии. Один из ведущих мастеров московского художественного андеграунда. Выставочный проект «Музыка. Звук. Знак» – собрал работы художника, напрямую связанные с музыкой. «В продолжительных поисках образов Времени я не мог не обратить внимания на музыку, как на пространственно-звуковую организацию Времени, где звук выражал числовую гармонию вселенной…» – Дмитрий Плавинский, всем работам которого присуща музыкальность в той или иной степени. Он музыку любил. И знал неплохо. Основа была заложена отцом, водившим его в консерваторию с раннего детства. Дипломная работа 19-летнего художника в училище памяти 1905 года была эскизами декораций к опере «Аида» Джузеппе Верди. Все последующие работы на разные темы, в каких бы техниках они не были исполнены, наполнены музыкальной гармонией. На рубеже 1950х – 60х годов сложилась его концепция «Структурного символизма» – целостное представлением о Времени и Мироздании, о соотношении микро- и макромира на основе математического представления о Вселенной, геометрической структуре Космоса, символов и знаков. «Принято думать, что художник раскрывает себя в своих произведениях. Совсем обратное: художник шифрует свое „я“ системой иероглифов. Прочесть их дано не каждому, и последний из символов прочтению не поддается», – рассказывал художник. В экспозиции представлены живопись, графика, коллажи и объекты из собраний Музея АЗ, Музея Актуального Реализма, фонда Андрея Чеглакова, Марии Плавинской, Петра Плавинского и частных коллекций. Выставка работает до 19.08.22.
Слово о _Эль_. Живописный образ поэмы В. Хлебникова
Дмитрий Плаинский, Скрипка с нотами
Утро в Африке
Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Андрея Чеглакова
29.06.22. Каждый год Школа дизайна НИУ ВШЭ проводит масштабный конкурс среди нескольких тысяч своих студентов, выпускников и преподавателей на участие в итоговой выставке с общей кураторской темой. В этом году участники проекта переосмысляют действительность с позиций постгуманизма и постантропоцентризма и занимаются поисками возможностей для мирного и равноправного сосуществования всех живых существ и сущностей, населяющих нашу планету. В названии выставки «В некотором царстве» соединены два значения слова «царство». С одной стороны, это понятие из области биологии, обозначающее иерархическую ступень в научной классификации биологических видов, с другой, – метафора чудесного, сказочного мира, оптимистичного и фантастического варианта будущего. Выставка объединяет проекты представителей различных направлений обучения: от коммуникационного дизайна и иллюстрации до художников театра и дизайна среды, от гейм дизайна и комикса до современных художников. Идея человека как меры всех вещей и центра вселенной была сформирована эпохами Возрождения и Просвещения, но уже в начале 70-х годов ХХ века французский философ Мишель Фуко говорит о «смерти человека», обозначая тем самым эпоху постгуманизма. Последние несколько десятилетий исследователи, философы, художники и экоактивисты предлагают изменить нашу оптику и способы взаимодействия с миром. Человек больше не центр мира, на его месте теперь нечеловеческие агенты – грибы и плесень, бактерии и вирусы, роботы, кибераватары, цифровые сети и так далее. Благодаря новому витку развития социальных и фундаментальных наук, естествознания и современной философии эти не-человеческие сущности теперь не просто пассивные объекты или инструменты для реализации желаний и воли человека, их признают акторами, способными действовать, влиять на мир и преобразовывать его. Такая расстановка сил свидетельствует о приближение конца эпохи антропоцена – времени, когда в глобальной деятельности человека преобладали практики подчинения, колонизации и грубого, пользовательского отношения к экосистеме Земли. Подобный устаревающий подход показал себя как разрушительный и ведущий к глобальным катастрофам. Участники проекта не только размышляют об этих процессах, но и ищут возможности для новых позитивных сценариев перехода человечества в новую эру. Куратор выставки: Александра Кузнецова, руководитель магистратуры «Практики современного искусства» Школы дизайна НИУ ВШЭ. Выставка в HSE ART GALLERY работает до 14.08.22.
Маргарита Варакина
Полина Сергеева
Фотографии предоставлены PR HSE ART AND DESIGN SCHOOL
29.06.22. Государственный музей архитектуры имени А. В. Щусева открыл выставку фотографий современной архитектуры «Москва. Реальное», которая фиксирует изменения, произошедшие со столицей за последние 10 лет. В экспозиции представлены фотографии 14 архитектурных фотографов Москвы; среди них Юрий Пальмин, Илья Иванов, Михаил Розанов, Алексей Народицкий, Сергей Пономарев. Организаторы выставки: Москомархитектура и Правительство Москвы. Куратор проекта: Елизавета Лихачева, директор Музея архитектуры имени А. В. Щусева. Для выставки отобраны монохромные фотографии 33 знаковых зданий столицы, построенных в течение последних 10 лет, а также новые объекты, планируемые к открытию, в том числе отреставрированный̆ Дом Наркомфина, Музей русского импрессионизма, Парк «Зарядье», ГЭС-2, Большая спортивная арена «Лужники». Более половины фотографических работ ранее не показывались широкой публике. Отобранные к выставке проекты отражают тенденции в современной российской архитектуре. Архитектура выставки: бюро Planet 9. Выставка работает до 04.09.22.
Рустам Шагиморданов. ММДЦ _Москва-Сити_
Алексей Народицкий. Парк _Зарядье_ с концертным залом. Сергей Кузнецов, консорциум Diller Scofidio + Renfro, Hargreaves Associates, Citymakers, _ТПО Резерв_, МА
Космический Центр. UNK.2023
Южный Речной Порт. Консорциум Nikken Sekkei и Genpro. 2032
Фотографии предоставлены пресс-службой Государственным музеем архитектуры имени А. В. Щусева
29.06.22. Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и галерея ASKERI GALLERY представили совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». Музей-усадьба «Люблино», архитектурный комплекс начала XIX века, расположен в черте города Москвы на территории Люблинского парка. Знаменитым владельцем усадьбы стал Н.А. Дурасов, именно при нем она обрела черты, которые сохранились до наших дней. Кураторский проект Полины Аскери, подготовленный Музеем совместно с ASKERI GALLERY, формирует диалог между классикой и современностью. Оказавшись в пространстве, хранящем историю и эстетику XIX века, работы современных авторов приобретают новое звучание и одновременно фиксируют преемственность между идеями, смыслами и вечным процессом духовного поиска. Все участники выставки ориентированы прежде всего на декоративные и пространственные решения. Московский художник и скульптор Тема Сюлев, черпая вдохновение в живой природе, использует в работе принципы промышленных чертежей и создает свои объекты из самых современных материалов. Московский художник Павел Полянский говорит со зрителем на языке футуризма и фантазии. Потомственная столичная художница Дарья Котлярова пользуется традиционными средствами художественной выразительности, однако созданные ей работы современны, фантазийны и глубоко философичны. Мультикультурная художница Маша Руденко выбирает телесность и чувственность для разговора со зрителем. Выпускник мастерской Айдан Салаховой и Сергея Оссовского, Глеб Скубачевский считает себя исследователем, создающим новые формы жизни – сложные по технике арт-объекты, представляющие собой сочетание научного исследования и художественного высказывания. Сибирский дизайнер Владимир Иванов работает с традиционными материалами – керамикой, гипсом, деревом и металлом. Экспозиция проекта занимает все уровни дворца Дурасова. «Я надеюсь, что этот проект позволит по-новому взглянуть не только на живопись, объекты и скульптуры современных авторов, но и открыть для себя прекрасно отреставрированную московскую усадьбу», – Полина Аскери. Выставка работает по 22.07.22.
Маша Руденко
Павел Полянский
Тема Сюлев
Фотографии предоставлены ArtPr International
29.06.22. Галерея ARTSTORY представила выставочный проект «Боб Кошелохов. Предельный экспрессионизм». Выставка приурочена к 80-летию со дня рождения Бориса (Боба) Кошелохова (1942–2021) и включает живопись и пастели из собрания галереи ARTSTORY и частных коллекций. Большинство работ показываются впервые. Яркий, харизматичный представитель ленинградского андерграунда Борис Кошелохов является признанным классиком новейшего искусства. Можно сказать, что он являл собой самостоятельное направление. Не обладая ни художественным, ни философским образованием, он страстно увлекался философией, особенно Камю и Сартром, а затем с той же страстью увлекся искусством. Кошелохов начал свой творческий путь с создания ассамбляжей, так называемых «концептов», собранных им из вещей, которые были выброшены жителями города. Но стал действительно заметным художником, когда обратился к живописи, сделав цвет своим главным выразительным средством. На протяжении всей жизни Кошелохов ставил перед собой бесчисленные вопросы, отвечая на них картинами в стиле, как обозначал его сам автор, «предельного экспрессионизма». Куратор проекта, искусствовед Анна Апресян, подготовила цитаты автора, которые наравне с картинами являются полноценными «участниками» выставки и вовлекают зрителя в разговор с художником. Борис Кошелохов прошел путь от хаотичных проявлений чистой экспрессии цвета к космической гармонии выверенных линий, и только одно было неизменно. На всем протяжении этого пути он стремился установить особую связь: между собой и миром, между людьми, его окружающими, между своими работами и зрителем чтобы встряхнуть, «разбудить» их, дать возможность удивиться. Ведь, как неоднократно говорил сам Кошелохов: «С самого первого своего шага я был уверен: все люди художники. Только дело в том, что многие из нас спят». Выставка работает в два этапа: 30.06. – 31.07.22. и 06.09. – 02.10.22.
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
30.06.22. В центре Москвы открылось новая галерея современного искусства SISTEMA GALLERY выставкой «Рефлексия визуального». Деятельность нового арт-пространства направлена на продвижение российского арт-рынка, открытие новых имен и популяризацию современного искусства. На первой выставке галереи «Рефлексия визуального» представлены произведения представителей разных поколений отечественных художников: Дмитрия Шорина, Елены Кулик и Игоря Кулика, Светланы Чимитдоржиной. Все авторы, отобранные куратором проекта генеральным директором SISTEMA GALLERY Анастасией Волковой, работают в технике масляной живописи, однако их произведения далеки от традиционного фигуративного искусства. «Хрупкая, в традиционном представлении, визуальность в их произведениях оказывается способной “держать удар” новой реальности… Лидерство визуального не обеспечивает тотального эскапизма, но обнаруживает столь необходимые сегодня терапевтические свойства живописи, позволяющие ослабить назойливость социальной коммуникации и снизить агрессивность вездесущей медийной картинки.», – характеризует их работы искусствовед Антон Успенский. Выпускница мастерской Айдан Салаховой и Сергея Оссовского в МГАХИ имени Сурикова, Светлана Чимитдоржина внимательно исследует свой внутренний мир, используя понятие телесности как инструментарий для постижения и принятия собственного «я». Петербургских художников Елену Кулик и Игоря Кулика когда-то причисляли к представителям нового поп-арта. Однако сегодня оба мастера предпочитают вовлекать зрителя в визуальную игру, соединяющую клише академической живописи с подлинными или фейковыми цитатами из современной жизни, элементами авангарда, футуризма и китча. Уроженец Новосибирска, Дмитрий Шорин считается уже вполне состоявшимся художником. За его плечами персональная выставка в Мраморном дворце Государственного Русского музея и участие в 55-й Венецианской биеннале. Уникальный авторский стиль Дмитрия Шорина строится на бесконечном обыгрывании клишированных образов современного глянца и рекламы с их яркой, узнаваемой эстетикой, в которую порой вторгаются элементы сюрреализма и психоделического трипа. Шорин называет этот процесс «диалогом с самим собой по поводу блуждания на внутренней эстетической и психологической территории». Выставка работает по 27.08.22.
Елена Кулик, Море, 100×120 cm, холст, масло, 2022
Шорин Д. Барашки, 195×195, Холст, масло, 2016
Игорь Кулик, Березовая Роща, 140×190 см, холст, масло, 2022
Фотографии предоставлены ArtPr International
30.06.22. Московский музей современного искусства и Галерея «Триумф» представили выставку Никиты Чернорицкого «Край», посвященную пограничным состояниям человека и изучению понятия внешних и внутренних границ и пределов. Выставка проходит в рамках совместной программы поддержки молодого искусства «Молодые львы». Проект «Край» стал продолжением выставки Никиты Чернорицкого «Метод. Грани» (2018) и следующим шагом в работе с восприятием пространства. Живописные работы художника выполнены на глухом черном фоне, а все изображенные предметы резко выступают из него яркими локальными цветовыми пятнами, словно выхваченные направленным лучом света. Все изображенные художником фигуры обезличены, лишены индивидуальности – идентифицировать их можно по очертаниям, сами же объекты скрыты за изображенными драпировками ткани и глянцевой материи. Здесь, наконец, раскрывается тема пограничного состояния – как знакомые объекты меняют в глазах зрителя свою идентичность на черном фоне, ассоциирующимся с «краем», вбирающим в себя все сущее, находящимся вне времени и места и являющимся по своей сути пустотой. Тему продолжает и серия видеоработ, в которых персонажи, вновь действующие на черном фоне, облачаются в маски, скрывая собственную идентичность. Статичность кадров и отсутствие контекста заставляют зрителя усомниться в реальности существования объектов, подчеркивает безжизненность героев видео. Никита Чернорицкий специально отказывается от названий для своих работ, указывая на отсутствие авторской интерпретации. Кураторы: Полина Могилина, Дарья Камышникова. Выставка работает в ММОМА, Петровка, 25, 1-ый этаж до 21.08.22.
Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
