Арт-обзор 2.12-9.12.21

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

*В связи с осложнившейся эпидемиологической ситуацией заранее уточняйте условия посещения и приобретения билетов на официальных сайтах музеев и галерей.

Евгения Дудникова

06.12.21. Московский музей дизайна, постоянный резидент в Западном крыле Новой Третьяковки, представил первую масштабную экспозицию, исследующую отечественный дизайн за прошедшее столетие – «История российского дизайна. Избранное. 1917-2022». В четырех разделах экспозиции (авангард, ар-деко и сталинский ампир, послевоенный дизайн, современный дизайн) представлены объекты, иллюстрирующие инновационные идеи дизайнеров, и изделия массового производства. Это макеты, эскизы, чертежи, реконструкции знаменитых невоплощенных проектов, концептуальные разработки из музейных и частных собраний. В течение 2022 года планируются три реэкспозиции проекта. Многие предметы, включенные в экспозицию, демонстрируются впервые. «Выставка – результат десятилетней исследовательской работы, история дизайна ни разу не была показана так широко. Как правило, яркие эксперименты показывают вне контекста реальностей массового производства. Эта выставка определяет парадигму российского дизайна, рассказывает реальные истории о том, как и почему промышленные продукты выходили в том или ином дизайне, запускались в производство или оставались на стадии проектов. Мы нашли проекты и работы, которые никогда раньше не выставлялись в музеях, которые долгие годы хранились в семьях и в архивах советских НИИ, мы собрали фото- и видеохронику, создали десятки макетов так никогда и не осуществленных проектов. Все эти уникальные материалы вступают в диалог (стоят в паре) с предметами, которые штампуют на заводах миллионными тиражами», – куратор выставки и директор Московского музея дизайна Александра Санькова. Практически все проекты художников-конструктивистов 1920-х так и остались экспериментами. В 1930-е годы дизайн массовой продукции был за рамками грандиозных планов и новых стилей; теоретические и методологические прорывы 1960-х, как правило, сохранились только на бумаге. Сегодня такие проекты называют концептуальными: они не предполагают немедленного воплощения, но показывают возможные решения проблем ближайшего и отдаленного будущего, прогнозируют, а иногда и определяют развитие проектной деятельности и технологий. Например, в первой части экспозиции, посвященной авангарду, минималистичная кухня для дома Наркомфина, одного из самых известных памятников конструктивизма, противопоставляется простым деревянным табуретам. Реплика кухни была создана специально для выставки и показывается впервые. Среди экспериментальных работ 1930-х годов – оригинальные проекты интерьеров, мебели и осветительных приборов для редакции газеты «Правда», выполненные в Мастерской № 12 Моссовета, а рядом с ними представлена типовая кабинетная мебель той эпохи. В разделе послевоенного дизайна представлен 3D-макет малолитражного автомобиля «Белка», спроектированного В.А. Арямовым.  Вместо «Белки» на улицах появился «Запорожец». В последнем разделе, посвященном современности, кураторы показывают, не противопоставляя, два основных направления в актуальном российском дизайне – инновационные проекты и уже успешно реализованные. Партнером выставки стала кафедра музыкальной звукорежиссуры Российской академии музыки им. Гнесиных. Студенты 2 курса под руководством Марины Карпенко подготовили звуковое сопровождение выставки. Кураторы: Александра Санькова и Ольга Дружинина.  Выставка работает до ноября 2022.

Набор шахмат и шашек «10,16» Дизайнер_ Тимофей Журавлев

Эскиз шейного платка к Олимпиаде-80 Дизайнер_ Т. Андреева

Фотографии предоставлены пресс-службой Фотографии предоставлены PR-агентство «Бедуш & Маренникова»

07.12.21. Ruarts Gallery представила выставку «Trading» Александра Егорова, российского художника, работающего с фотографией. В своей практике Егоров объединяет фотографию и цифровые технологии, используя прием деконструкции. Основной тезис представленной на выставке серии – художественное осмысление потребительской культуры и переизбытка цифровых изображений. По словам автора, чрезмерное потребление и производство относятся не только к товарам, но и к визуальной информации, неизбежным следствием которых является манипуляция коллективной памятью. Егорова занимает эффект избыточного выбора, азартного поведения и их влияния на образ мышления: «Иногда при большом количестве вариантов определиться с выбором особенно сложно, а когда он сделан, появляются сомнения в правильности принятого решения и мысли об упущенных возможностях». На каждом снимке из серии «Trading» плотность визуальной информации доведена до максимума, раздражая оптические рецепторы зрителя, стремящегося охватить всё разом. Как только статичный кадр достигает вирусного повторения, транслируется новый образ. От этого гипнотические фотографии Егорова больше напоминают произведения абстрактного экспрессионизма. Первые пробы к данной серии Егоров начал делать в 2018 году, к 2021 сложился полноценный проект. Все покупается и продается, усложняются схемы фетишизации товаров. Постепенно стихийный выбор торговых витрин приобрёл интуитивно-осознанный характер. При этом фотографу было важно сохранить узнаваемость товаров масс-маркета, с другой стороны – подчеркнуть цифровое вторжение. Использование камеры смартфона здесь не просто стилистический приём, а определённый способ построения связи с изображаемой «реальностью». Художник уподобляется одному из тысячи прохожих, неустанно снимающих, скачивающих и распространяющих бесчисленное количество кадров. Далее с помощью графического редактора Егоров намеренно разрушает исходный образ до состояния техно-трансового цифрового паттерна. «Я нарочито использую искажение, чтобы в результате получить своеобразный цифровой коллаж, но весь материал при этом берётся из одного кадра. Интересно идти по грани реалистичного и абстрактного изображения, исторически мы привыкли видеть в фотографии документ, но сегодня она работает в расширенном поле коммуникации». Выставка работает до 30.01.22.

Александр Егоров

Александр Егоров

Фотографии предоставлены Ruarts Gallery

07.12.21. Галерея pop/off/art представила новый проект Ольги и Олега Татаринцевых «Думаю: прочь». Татаринцевы работают как в дуэте, так и в качестве самостоятельных авторов: живописные работы носят исключительное авторство Ольги. В своем творчестве художники часто обращаются к темам философии, этики, истории, рассуждают над социально-политической проблематикой. За основу нового выставочного проекта Татаринцевых взята переписка философов 1925-1975 гг. Мартина Хайдеггера и Ханны Арендт, переросшая из любовной в дружескую, отразившая основные моменты жизни и творчества ее авторов и выдержавшая испытание господствующим режимом. Письма, в силу своей идеологической составляющей, стали доступны читателю только в 1998 году. В рамках проекта пространство галереи станет тотальной инсталляцией, раскрывающей отдельные моменты биографии Хайдеггера и Арендт. Татаринцевы чутко извлекают из текстов самые значимые, на их взгляд, идеи, способные охарактеризовать жизнь и творчество мыслителей, и переносят их в разные медиа. Проект включает в себя живопись, графику, скульптуру, видео и перформанс. Работы художников всегда отличает ясность форм, использование чистого цвета и безупречность технического исполнения. Трансмультимедийный формат выставки позволяет не только проследить за характерным методом работы художников, но и наиболее полно отразить объединение идей и убеждений философов. Отдельным экспозиционным решением является инсталляция со знаменитыми «Черными тетрадями», интегрированная с пространством галереи. Перформативная часть реализуется отдельными сессиями и позволяет зрителю стать свидетелем беседы, раскрывающей идеи, оказавшие влияние не только на судьбу двух влюбленных, друзей, мыслителей, но и на всю философскую и политическую мысль XX века. Выставка работает до 19.01.22.

Ольга Татаринцева. _Being, Мартин Хайдеггер, 2021

Фотографии предоставлены галереей pop/off/art
Фотографии Cabinet de l’art

08.12.21. Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА» открыл выставку «Другие пространства. Мастерские художников в объективе Георгия Кизевальтера».  Выставочный проект посвящён неофициальной художественной жизни Москвы 1980-х годов. В экспозицию входят сделанные российским художником-концептуалистом, фотографом и публицистом Георгием Кизевальтером фотографии мастерских художников-нонконформистов позднесоветского времени, а также работы самих мастеров, созданные в тот период. Выставка объединила как ранее незнакомые, так и хорошо известные публике произведения из собрания Екатерины и Владимира Семенихиных, коллекций Музея МАНИ, Михаила Алшибая, Елены Куприной-Ляхович и Максима Ляховича, Георгия Кизевальтера. Произведения Ильи Кабакова, Никиты Алексеева, Эрика Булатова, Франциско Инфанте и многих других в наши дни широко известны.  Работы художника создаются не в пустоте, а в пространстве мастерской, которая является неотъемлемой частью не только творческого процесса, но и личности её хозяина. В середине 60-х годов прошлого века французский философ Мишель Фуко ввёл в обиход понятие «гетеротопии» как некоего иного по отношению к окружающему миру культурного пространства, которое в чём-то является отражением внешней среды, но, одновременно противоречит ей и преобразует её. Это «мир внутри мира» с собственной микросредой и особыми отношениями между его обитателями. Мастерские советских неофициальных художников вполне можно представить в виде подобных гетеротопий, где, по меткому выражению искусствоведа и куратора Андрея Ерофеева, в пространстве «комнатной матрицы» рождались новые художественные и культурные смыслы, внесшие впоследствии немаловажную лепту в крушение советской идеологии и появление нового типа отечественной культуры. Именно поэтому главным героем выставки стала мастерская. Куратор: Елена Куприна-Ляхович. Выставка (18+) работает по 06.02.21.

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда культуры «ЕКАТЕРИНА»

08.12.21. Московский музей современного искусства совместно с галереей Майкла Вернера представил первую московскую ретроспективную выставку Маркуса Люперца – одного из самых известных представителей современного немецкого искусства.  Выставочный проект «Маленькая иррациональная ретроспектива под руководством художника» проходит в рамках Года Германии в России 2020-2021 при поддержке Гёте-института. На выставке в ММОМА представлено порядка 100 картин и скульптур, созданных с 1960-х годов до сегодняшнего дня и отобранных лично художником. Маркус Люперц обрел известность в 1960-х годах благодаря провокационным полотнам, наполненным военной символикой и отсылающим к недавнему трагическому опыту Второй мировой войны. «Последний немецкий денди», «enfant terrible», как именуют мастера критики, Маркус Люперц принадлежит к поколению авторов, к которому также причисляют Ансельма Кифера и Герхарда Рихтера. Именно они сформулировали при помощи обращения к традиционному языку живописи ключевые и наиболее травматичные, болезненные вопросы поствоенного немецкого общества – связанные с исторической памятью и проблемой «преодоления прошлого». Основным мотивом творчества Люперца стал аллегорический элемент, именуемый «бессмысленный объект» или «дифирамб». Последнее определение отсылает к концепции Фридриха Ницше о дионисийском начале в культуре – о восторге забытья и экстазе разрушения. Через него Люперц осмысляет античное наследие в гротескной пластике, сочетающей в себе древнегреческие формы и мультипликационные образы. Его неоднозначные, местами некомфортные работы посвящены размышлению об одном и том же круге вопросов – о природе живописного образа, о роли художника, о том, какое место прошлое занимает в настоящем – и что ждет его в будущем. Специально к открытию персонального проекта выпущен каталог произведений автора. Выставка работает в ММОМА ул. Петровка, 25 по 20.02.2022.

Голова прекрасного. 1955. Окрашенная бронза

Дифирамб. 1964. Холст, темпера

Немецкий мотив – дифирамбический II, 1973. Холст, масло

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

08.12.21. Центр Творческих Индустрий «Фабрика» представил коллективную выставку шведских художников и писателей под кураторством Андйеаса Эйикссона и Марии Линд. «Теле-трамплин: от детского телевидения к современному искусству и литературе», посвященную детским телепроектам 1960 – 80-х годов. Ведущие шведские художники и писатели изучили одиннадцать международных телепрограмм для детей, которые создавались в шестидесятых – восьмидесятых годах и тогда же транслировались на шведском телевидении. Результатом стала серия новых произведений искусства и литературных текстов. Среди них красочная игровая площадка, созданная по мотивам югославского мультсериала «Профессор Бальтазар», серия саамских барабанов со ссылкой на китайский детский фильм «Король обезьян», а еще канал на YouTube, где девочки-подростки снимают свою повседневную жизнь. Темы, с которыми работают авторы проекта: сила мифа, работа памяти, невербальная коммуникация, цензура, стойкость культуры, двойственность милого и очаровательного. На выставке представлены скульптуры, комиксы, видео, инсталляции, детская площадка, а также литературные тексты, один из которых превратился в целую книгу для детей. После окончания выставки в Центре творческих индустрий «Фабрика» проект переедет в Швецию, где будет представлен в Кальмарском художественном музее и в Художественном музее в Умео. Выставка проходит при поддержке Посольства Швеции в РФ. Выставка работает до 27.02.22.

BALSAM_KARAM_Merely_a_Memory_Vilse_textile.jpg

OLIVIA_PLENDER_Animal Kingdom_RU_page

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра Творческих Индустрий «Фабрика»

08.12.21. Pogodina Gallery совместно с Фондом культуры «ЕКАТЕРИНА» открыла кураторский проект Веры Погодиной «Открытки от художников. Зима». В экспозицию выставки представлено более двухсот произведений современных художников и творческих объединений разных поколений, большинство из которых создано для нее специально. В начале XX столетия в России сложился особый художественный стиль классической новогодней открытки, который просуществовал до середины прошлого века, пережив войны и революции. Уникальные произведения небольших форматов исполняли самые известные русские художники: Александр Бенуа, Иван Билибин, Игорь Грабарь, Борис Зворыкин, Мстислав Добужинский, Илья Репин и многие другие. В начале XXI века, благодаря участию актуальных художников в кураторском проекте Веры Погодиной, этот полузабытый жанр обрел новую жизнь и стал одной из форм современного искусства. Праздничный и нестрогий характер проекта предоставляет художникам большую свободу в выборе тем и сюжетов, однако в каждом случае небольшая открытка оказывается проекцией основного и неизменно узнаваемого зрителем стиля автора. Проект, основанный в 2008 году, проходит в четырнадцатый раз и, по традиции, объединит творчество многих представителей современной художественной сцены, большинство из которых специально создали работы для выставки. В этом году в нем также принимают участие молодые художники – студенты Владимира Дубосарского и Айдан Салаховой. Еще одной особенностью нового проекта Веры Погодиной стали тематические произведения большого формата, впервые включенные в экспозицию, наряду с камерными работами. Куратор проекта: Вера Погодина. Выставка работает до 09.01.22.

Александр Захаров- Funicular

Фотографии предоставлены Art Pr International

09.12.21. Галерея JART открыла первую персональную выставку Евгении Дудниковой. На выставке «Кочевники» представлена новая серия живописных объектов, картин, а также инсталляция, созданная специально для пространства галереи. Куратором проекта стал Алексей Корси. Евгения ставит перед собой задачу разработки символического языка, на котором она обращается к теме внутреннего путешествия и трансформации. Произведения Евгении на выставке «Кочевники» можно разделить на три плана: обыденный мир, мир явлений и порталы, соединяющие эти две реальности. Первая группа представляет мир повседневной реальности, наполненный амбициями и желаниями. Проходами в мир явлений почти всегда оказываются окна, рамы зеркал и дверные проемы, однако порталы могут принять и иную форму, проявляющую себя как сбой реальности – сдвоенной тени, прозрачного кота, радужного пера, синей вспышки или сияющей чайки. И наконец третья, самая обширная группа работ, посвященная миру чистых явлений, представляет собой потусторонний мир феноменов, обеспечивающих порядок и возможность существования мира повседневной реальности. Эти силы могут материализоваться как в форме объектов, так и в виде колебаний воздуха, вспышек и различных сверхъестественных явлений. Каждая из работ этой серии представляет собой сложную комбинацию этих сил, организующих вместе особое пространство символического порядка: Беседку Вечности, Мистическую Хижину, Лабораторию Алхимика, Комнату Встреч. «Мотив путешествия и приходящих вместе с этим вызовов и внутренних изменений – ключевой для работ автора. Так, одними из главных героев картин оказываются лошади, которые, кажется, могут свободно перемещаться между мирами. Кочевником или Наездником же оказывается тот, кто смог через согласие (Кочевник) или подчинение (Наездник) обрести силу к свободному дрейфу и трансформации», – Алексей Корси. Выставка работает по 30.01.22.

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи JART Adaskina Buro

09.12.21. Галерея «Триумф» представила две персональные выставки

–  Кристины Аксентовой «Однажды в городе N». Выставка в галерее «Триумф» – своеобразный итог долгого поиска собственного живописного языка, который Кристина Аксентова прошла за годы своей художественной практики. В новом проекте художница совершает путешествие в условный российский город и знакомит зрителей с локальным контекстом и местными жителями. Сюжеты картин Кристины – типичные жизненные ситуации и бытовые сцены, рассказанные языком живописи. Каждая работа – самодостаточный нарратив, микроистория, заимствованная из воспоминаний художницы. Сама она при этом остается сторонним наблюдателем, лишь реагирующим на те или иные сюжеты повседневности. Пропущенные через призму персонального восприятия и опыта, они предстают в виде паттернов, существующих вне времени и неизбежно находящих отклик у зрителя. Эти уютные, сентиментальные и трогательные сцены становятся почвой для рефлексии и ностальгических переживаний. Память – главное поле исследования Аксентовой. По словам художницы, воспоминания из детства и персональный опыт – основные маркеры ее визуального дискурса. Живописный язык Кристины подчеркивает их неуловимость – эти воспоминания ускользают от нас, растворяясь в памяти, словно утренний сон. Куратор: Полина Могилина. Выставка работает по 16.01.22.

– Анки Ахалая «Прозрачно будет небо поутру». В своих работах художница обратилась к теме сновидений, стремясь визуализировать эмоции, испытываемые от переживаемого во сне. Тема, которая существует в искусстве с древнейших времен, получила в творчестве Анки оригинальное воплощение. В течение нескольких лет художница вела дневник, в который записывала свои сны. Когда текстовый формат исчерпал свой потенциал, она почувствовала необходимость дополнить его визуальными образами. Желание масштабировать записи и графические скетчи подтолкнуло ее к идее печатать фрагменты дневников на тканях. Анку вдохновляют мягкие природные формы и естественные цвета, а ее живопись создает ощущение телесности. Художница тяготеет к воздушным, полупрозрачным композициям, чем продиктован ее выбор основы — тонкой белой бязи или кальки. Легкий фон и широкий спектр материалов — акрил, акварель, тушь, мелки и угольный карандаш — позволяют создавать разнообразные многослойные текстуры, затягивающие внутрь взгляд зрителя. На выставке также представлена серия графики, выполненная на чертежных кальках. Ахалая убеждена, что ее работы не должны восприниматься зрителем как фиксация сновидений. Для нее не важно, поймет ли зритель заложенный художницей смысл; куда более ценным становится то, что он найдет или увидит в ее работах сам. Анка закладывает в произведения своеобразные ребусы, в которых верна любая отгадка, предложенная зрителем. Куратор: Полина Могилина. Выставка работает по 16.01.22.

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи «Триумф»

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель