Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
16.02.23. Галерея Соль представила групповую выставку «WAVES». Любые попытки объяснить искусство кажутся весьма скудными методами репрезентации заимствованных систем знаний, не способных к полноценной интерпретации. Текст, как кураторское высказывание, способен лишь предложить зрителю вступить в диалог с искусством через призму языковых конструкций. Согласно Берроузу, «То, что мы видим, во многом определяется тем, что мы слышим». Волны, неощутимые с точки зрения фигуративного восприятия стали отправной точкой выставки. «Исследование ткани реальности основывается на достаточно скудном наборе существующего опыта и его анализа, формообразующих представлениях о культуре и истории, а также их последующих интерпретациях. Предполагая существование в отсутствии однонаправленности медиума действующих способов восприятия, искусство представляет собой некую деконструкцию стандартных моделей объяснения и понимания, опосредованность от любых костных структур, коммуникацию с иносказательным. В искусстве возможно отсутствие единого нарратива: формы и медиумы репрезентации пересекаются, переплетаются, иногда без взаимоотождествления, трансформируясь в аккорды воспроизведения партитуры реальности. Досубъективное и докогнитивное состояние, стирающее границы между органическим и неорганическим обоснованием составляющих целостных перцептов и превосходящих чувственный опыт переживаний предстали в виде метаморфозы диалога, коммуникации субъективного восприятия и плоскости объективной реальности», – куратор Аня Дёмина.
Саша Пучкова
Фотографии предоставлены куратором
19.02.23. В Collector Gallery прошел один из премьерных показов музыкального спектакля-променада Бориса Юхананова «Книга висячих садов» по одноименному вокальному циклу Арнольда Шенберга. Премьера подготовлена в рамках проекта THEATRUM. Куратор: Илья Кухаренко. Режиссер: Борис Юхананов. Художник-постановщик: Степан Лукьянов. Художник по костюмам: NN Nастя Nефёдова. Художник по свету: Сергей Васильев. Художник по видео: Илья Старилов. Хореография: Александра Конникова. Продюсер: Виктория Ненахова. Фортепианные партии: Елизавета Дмитриева и Александр Широков. В спектакле выпускники Молодежной оперной программы Большого театра исполнят одноименный вокальный цикл Арнольда Шенберга, написанный в 1908 году на стихи Стефана Георге. Илья Кухаренко: «В ХХ веке нет композиторской фигуры, ассоциирующейся с поисками и созданием нового музыкального языка более, чем Арнольд Шенберг (1894–1951). Меж тем его произведения в нашей стране до сих пор звучат до обидного редко и еще реже ставятся в театре. Тема «Всеобщего языка» в экспозиции ГМИИ дала нам повод придумать и осуществить совместно с Борисом Юханановым и его постановочной командой музыкальный спектакль-променад «Книга висячих садов» по одноименному вокальному циклу Арнольда Шенберга на стихи знаменитого поэта Стефана Георге. Это мировая премьера сценической версии и, скорее всего, первое исполнение всего цикла в России. «Книга висячих садов» – самый вавилонский вокальный цикл Шенберга. Не только потому, что название отсылает нас к висячим садам Семирамиды, но и потому, что созданные в 1908–1909 годах 15 песен 15-го опуса стали для Шенберга первой попыткой уйти от тональности в сторону додекафонии – нового принципа организации музыкального материала. В этом цикле все, что ранее казалось незыблемым – почва под ногами, отношения, эмоции, смыслы, все расшатывается, ломается и ускользает. Это словно наблюдение художника за процессом разрушения прежнего стройного здания классической гармонии, свидетельство падения Башни. В 1908 году у Шенберга, помимо всего прочего, были еще и очень личные причины чувствовать, что почва уходит из-под ног. Все началось с уроков живописи, которые чета Шенбергов стала брать у молодого и невероятно талантливого австрийского художника Рихарда Герстля. В итоге жена Шенберга Матильда оставила его с двумя детьми и ушла жить к Герстлю. Однако разрыв с Шенбергом и его кругом оказался для Герстля настолько невыносимым, что он покончил с собой перед зеркалом в мастерской, а Матильда вернулась к мужу. Герстль прожил всего 25 лет, а его работы надолго были забыты. Уже в 1930-х к его живописи возобновился некоторый интерес, и только в середине 1940-х Герстля стали считать одним из главных художников австро-немецкого экспрессионизма. «Книга висячих садов» – одна из первых рефлексий Шенберга на тему этой личной драмы, которая также слышна и в его моноопере «Ожидание», и в знаменитом Втором струнном квартете. Изначально цикл был написан для сопрано или высокого меццо, но в последние десятилетия его также исполняют и баритоны. В нашем спектакле 15 песен перекомпонованы и разделены между тремя исполнителями – двумя баритонами и меццо-сопрано. Солисты – Ульяна Бирюкова, Илья Кутюхин и Николай Землянских – молодые звезды, с которыми я познакомился еще в то время, когда они были студентами Молодежной оперной программы Большого, а теперь их зовут на лучшие сцены мира. Музыкальным руководителем постановки стала прекрасная пианистка и концертмейстер Елизавета Дмитриева. Когда мы вместе с Борисом Юханановым и его художниками Степаном Лукьяновым, Анастасией Нефедовой и Ильей Стариловым думали о ключевом для всего цикла ощущении сдвига в незыблемом, у нас возникла идея спектакля-променада, в котором зритель мог бы перемещаться от станции к станции и видеть разных героев этой истории в разных мизансценах и скользящих по стенам тенях и проекциях. Сохраняя сюжет трагического любовного треугольника, мы не хотели воспроизводить биографические детали этой истории, скорее следуя образам в стихах, нежели историческим реалиям».
Фотографии: Ольга Серегина
20.02.23. В Малом зале Российской государственной библиотеки для молодежи состоялась презентация «Розовой выставки». Авторами художественного высказывания стала группа молодых авторов. «Розовый цвет чаще всего ассоциируется с легкомыслием, наивностью и беззаботностью «Жизнь в розовом цвете», «смотреть сквозь розовые очки» – даже язык подсказывает нам, что розовый – это несерьезно и глупо», размышляют авторы. И в форматах живописи, коллажа, инсталляции и видеоарта пытаются опровергнуть этот стереотип. Кураторы выставки: Анастасия Секунда, Павел Шальнев. В рамках выставки пройдёт образовательная программа: 28 февраля: лекция Quirky кинематограф: взгляд через розовые очки. «Quirky-кино» (от англ. «необычный, причудливый») – новый способ рассказывать о сложных вещах через призму розовых очков. Наивность подобного рода кинематографа представляет собой ответ циничному постмодерну, который отвергает непосредственный и искренний взгляд на мир. 13 марта: лекция Розовый цвет: как носить и оставаться собой – о моде и самовыражению с помощью одежды. 6 марта: лекция Розовый – женский цвет: краткая история феминизма. приурочена к Международному женскому дню и посвященная борьбе с гендерными стереотипами. 26 марта: мастер-класс «Тай-дай». Выставка работает по 26.03.23
Абдуллина. I am not afraid
Фотографии предоставлены РГБМ
20.02.23. Открытые студии Винзавода представили участников девятого сезона. Ментор девятого сезона Открытых студий Винзавода Лера Конончук сосредоточится с резидентами на работе с разными художественными методологиями. Мотивы сезона: исследовательское искусство и воплощение знаний в ситуации гибридизации художественных стратегий. Лера Конончук – критик, исследователь, автор статей, вела лекции и семинары в НИУ ВШЭ, лектории ММОМА и других онлайн- и оффлайн школах и лабораториях. Возглавляет отдел медиации фонда V-A-C и Дома культуры «ГЭС-2». Работа резидентов Студий началась с выставки – свои экспозиционные стенды показали: Саша Пучкова, Виталий Тюрлик, FARANGIZ Ra, Vivato Eka, Жения Кузьма, Саян Байгалиев, Мара Пилясинская, Даня Пирогов, Марина Кошлина. «Открытые студии Винзавода – пространство роста для начинающих художников и трамплин для развития карьеры в искусстве. Студии сокращают многие дистанции – между художником и зрителем, между художником и галеристами, между художником и арт-критиками, а еще между художником и его профессиональными целями и стремлениями. Художники находят единомышленников, делятся и заряжаются новыми идеями, смыслами, включаются в профессиональное сообщество – это бесценный опыт», – основательница ЦСИ Винзавод Софья Троценко. До августа художники продолжат работать в группе, их стенды будут дополняться, меняться согласно выбранной ментором теме. За работой резидентов можно наблюдать в свободном режиме каждую неделю со вторника по воскресенье. В августе итоги своего творчества участники девятого сезона Открытых студий представят на итоговой выставке.
Виталий Тюрлик
Саян Байгалиев
Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда поддержки современного искусства Винзавод
20.02.23. Центр художественной экспертизы имени И. Е. Репина провел день открытых дверей – в этом году Центр отмечает девять лет с момента основания работы в Москве. Специалисты Центра рассказали о том, как обнаружили поддельную работу Архипа Куинджи и как проводятся химические исследования графических произведений. За последний год ЦХЭ провел более полутора тысяч экспертиз произведений живописи и графики. При этом одним из наиболее интересных развивающихся направлений стала экспертиза графики. К художественным произведениям графики обычно относятся работы, исполненные на бумажной основе и такими материалами, как графитный карандаш, уголь, сангина, пастель, тушь или чернила, акварель и т.д. Очень важно различать оригинальную и тиражную графику. Отличить гравюру или ксилографию от рисунка не трудно, однако офорты иногда напоминают линии туши, а акватинта – карандашный рисунок. Экспертиза графики проводится через стилистический, исторический и химический анализы. Одним из самых информативных источников для эксперта является изучение бумажной основы, в которое входит исследование филиграней, штемпелей и водяных знаков. В ЦХЭ основа и красочный слой произведения изучаются в стереомикроскопе, в ИК и УФ-спектрах излучения. Уже эти методы позволяют эксперту определить технику исполнения, провести атрибуцию и приблизительно датировать работу. Когда данных инструментов оказывается недостаточно для определения времени создания произведения эксперты проводят более углубленное физико-химическое исследование бумаги, которое позволяет определить тип и состав волокон, их структуру и плотность, состав использованной проклейки и примесей, а также метод создания бумажной основы, который может быть ручным или машинным. Например, в России масштабное внедрение машинного производства бумаги появилось в 1830-х годах. Это важно учитывать при оценке состояния и времени русской художественной графики. Наиболее существенным исследованием считается анализ взаимодействия бумаги и использованных красящих веществ, так как фальсификаторы могут использовать старую бумагу для современных подделок. Метод ИК-спектроскопии (НПВО), помимо состава бумаги и красок, также позволяет изучить степень окисленности художественных материалов и определить характер взаимодействия краски и бумажной основы. Это позволяет понять, как давно был нанесен рисунок. Сопоставление полученных данных с эталонной базой и историческими сведениями позволяет дать наиболее точную оценку степени старения использованных материалов и определить время создания художественного произведения. В случае, если работа выполнена акварелью или гуашью, рекомендуется также провести химический анализ красочного слоя, который также поможет уточнить датировку или выявить подделку. С первых дней своего существования ЦХЭ окончательное решение по атрибуции каждого произведения принимается коллегиально. Работа команды, разные точки зрения и комплексное исследование представляется особенно необходимым, что делает результат экспертизы более объективным и точным. Также именно принцип коллегиального решения страхует экспертов от ошибки.
Фотографии: Ольга Серегина
21.02.23. В Санкт-Петербургском Манеже состоялось открытие масштабной выставки «Первая позиция. Русский балет». Этой выставкой отмечают юбилей – 350-летие русского балета. 17 февраля 1672 года состоялся первый танцевальный спектакль при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном Преображенском. За 350 лет балет стал одним из символов России, а российская балетная школа одной из лучших и самых известных в мире. Специально к юбилею в Центральном выставочном зале «Манеж» в Санкт-Петербурге открылась выставка «Первая позиция. Русский балет» об истории этого вида искусства в нашей стране. Организаторами выступили ЦВЗ «Манеж» и бюро Planet9 при поддержке Президентского фонда культурных инициатив. Проект представляет собой рассказ-путешествие об истории танца в России, легендарных спектаклях и людях (балетмейстерах, хореографах, композиторах и танцовщиках), а также о знаменитой российской системе балетного образования. Эволюция балета раскроется в сложном многоуровневом пространстве экспозиции через историю страны и призму культурных и политических революций.
Среди почти 1000 представленных на выставке предметов – артефакты из истории русского балета, а также различные художественные образы, эмоционально сближающие зрителя с миром балетного искусства. В экспозиции представлены полотна Михаила Врубеля и Зинаиды Серебряковой, уникальные исторические костюмы, среди которых пачка Галины Улановой для партии «Умирающий лебедь» и пуанты Матильды Кшесинской, личные вещи Петра Чайковского, Агриппины Вагановой и Александра Бенуа, афиши «Русских сезонов», архивные видеозаписи и фотографии. Экспозиция также позволяет познакомиться со сценографией полуторавековой давности, восстановленной командой Манежа по заметкам, дневникам и архивным записям.
«350-летие – огромный срок, за который балет из некоего диковинного времяпровождения занял место одного из самых важных и популярных видов искусства в нашей культуре. В работе над этой выставкой для нас особенно важно было художественным языком рассказать зрителю историю развития и становления балета в России, останавливаясь на наиболее важных исторических вехах, значимых постановках и выдающихся мастерах», – автор концепции, директор ЦВЗ «Манеж» Анна Ялова.
Выставка строится на сочетании уникальных подлинных экспонатов из 40 музеев, архивов и библиотек Санкт-Петербурга, Москвы и других регионов России. Важным дополнением является аудио-сопровождение в исполнении артистов Юлии Рутберг и Игоря Миркурбанова.
«Много лет назад мы загадали сделать выставку, посвящённую балету, и вот сейчас, к 350-летию русского балета, она наконец получилась. Мы сложили вместе спокойный хронологический рассказ с территорией лабораторной работы. Получилось как в балете, где сочетание сильной традиции и постоянного обновления обеспечивает непрерывное движение, а только находясь в постоянном движении возможно претендовать на первую позицию», – Агния Стерлигова, архитектор проекта, основатель и генеральный директор бюро Planet9.
В рамках выставочного проекта команда Манежа также представит насыщенную просветительскую программу, включающую в себя лекции, открытые дискуссии, выступления артистов, мероприятия для детей и подростков. Авторы концепции: Анна Ялова (ЦВЗ «Манеж»), Агния Стерлигова (Planet9). Продюсер: Александр Кармаев (Planet9). Креативный куратор: Павел Каплевич. Выставка работает в Центральном выставочном зале «Манеж Санкт-Петербург» до 21.05.23.
Бенуа А.Н. Эскиз декорации I картины балета Петрушка. 1917 © Госдарственный Русский музей
Балетные туфли М.Ф. Кшесинской © ГА РФ
Серебрякова З.Е. Девочки-сильфиды. Балет Шопениана. 1924 © Государственная Третьяковская галерея
Фотографии предоставлены PR-агентством Бедуш & Маренникова
21.02.23. VLADEY открыл новое выставочное пространство в центре Москвы в знаменитом Сандуновском Пассаже на Неглинной улице. Первая выставка «Шедевры храма, или С легким паром!» представляет широкой публике произведения музейного уровня отечественного искусства. Основатель VLADEY Владимир Овчаренко: «Мы открываем новую страницу в истории искусства нашей страны. Время открытия нового выставочного пространства, представленные на нем произведения дадут пищу для размышлений о судьбе художника здесь и сейчас. И, конечно, вызовут волну споров. И это прекрасно. Приглашаем к диалогу. Но, в первую очередь, хотим поддержать художников, с которыми VLADEY работает. Они самые яркие и одаренные, присмотритесь и прислушайтесь. Им есть, что сказать своими работами. А мы будем их показывать любителям искусства и жителям нашего прекрасного города». Выставка подготовлена кураторским коллективом VLADEY, среди ее участников известные мастера и перспективная молодежь: Владимир Архипов, Пётр Белый, Сергей Братков, Олег Голосий, Алиса Горшенина, Михаил Доляновский, Сергей Зарва, Константин Звездочётов, Влад Кульков, Мария Серебрякова, Леонид Соков, Леонид Цхэ, Валерий Чтак, Дмитрий Шабалин, Нестор Энгельке и другие авторы. Вторая часть названия выставки – «С лёгким паром!» – отсылает к местоположению нового пространства VLADEY в легендарном здании на Неглинной улице, ранее носившим название «Сандуновский пассаж». Здание входило в комплекс Сандуновских Бань, в нем снимал жилье Антон Чехов, принимавший у себя в гостях Константина Станиславского, Максима Горького, Владимира Гиляровского, Ивана Бунина. Здесь же располагался магазин «Ноты» одного из крупнейших нотных издателей Европы Петра Юргенсона, а в начале 2000-х – «Московский центр искусств» под руководством Марины Лошак. В этом году VLADEY, первый в России аукционный дом современного российского искусства, отмечает десятилетний юбилей. Выставка работает по 24.03.23.
Фотографии предоставлены PR-службой VLADEY
21.02.23. Московский музей современного искусства представил выставку «О прозрачности: оптические среды» – первый полномасштабный и развернутый показ произведений Александра Григорьева, творческий метод которого восходит к ранним экспериментальным разработкам советского кинетизма. В экспозиции представлено более 150 работ автора, созданных в период с 1960-го по 2022 гг. Среди них живописные полотна и графические листы, фотографии, коллажи и объекты из собрания Романа Бабичева, а также избранные произведения из коллекции Московского музея современного искусства. Начало творчества Григорьева пришлось на вторую половину 1960-х годов, когда он присоединился к группе «Движение» – художественному коллективу, сыгравшему ключевую роль в становлении направления кинетизма. Возникшая на волне общей либерализации 1950-х и, с другой стороны, в русле присущей времени склонности к сциентизму, группа «Движение» к концу 1960-х сохранила импульс жизнестроительных, оттепельных ожиданий. Во многом ее члены связывали образы будущего с развитием науки и технологий, расширяющих возможности познания мира, его систематизации и дальнейшего прогрессивного изменения. В рамках коллективной практики Григорьев много занимался проектированием как архитектурных решений для городских событий, так и киберсред – эффектных футурологических театрально-игровых пространств. Совместно со Львом Нусбергом, Галиной Битт, Франциско Инфанте и другими авторами он участвовал в разработке и постановке кинетических игр. После распада группы в 1970-х годах художник продолжил заниматься конструктивно-кинетическим проектированием, но в большей степени сфокусировался на живописи, исследуя выразительные возможности картинного пространства и психофизиологические особенности зрительного восприятия. Занимаясь преимущественно разработками полифонических систем геометрического орнамента, что сближает его произведения с классическим западным оп-артом, в своих работах Григорьев сосредотачивается на детализированном рассмотрении ключевых законов зрительного эффекта. Границы и возможности реакций человеческого глаза и его связь с когнитивными функциями формируют центральный объект его интереса. Кураторы: Роман Бабичев, Мария Доронина. Выставка работает в ММОМА, Петровка 25 до 16.04.23.
Павильон Физика Цветная иллюстрация к проекту игрового городка «Остров цветов». 2000. Вариант работы 1968–1969
Композиция. Рельеф. 1975–1999
Двойная звезда №3. 2020. Вариант работы 1968 года
Фотографии предоставлены Отделом общественных связей ММОМА
22.02.23. Галерея современного искусства К35 представила новый выставочный проект «Осколки» – исследование темы памяти в работах молодых художников Вадима Леухина и Александры Кокачевой. Оба автора используют фотографию как основу для создания своих живописных сюжетов, но совершенно по-разному работают с запечатленными на пленке темами памяти и образов. Кокачева при создании новой серии работ обращается к собственным архивным фотографиям, сделанным в подростковом возрасте на семейных праздниках. Любительские снимки, «очищенные» от стилистических примет времени и перенесенные на большой бумажный формат, высвобождаются из тесных рамок фиксации определенной эпохи и превращаются в универсальные вневременные портреты. Леухин фокусируется на ускользающих образах, которые составляют «коллективное бессознательное» нашего общего прошлого. В силу возраста художник практически не застал советское время, поэтому «коллаж» воспоминаний складывается на основе личных ощущений, из фото и киноматериалов. Отсюда намеренный уход от реалистичного изображения к абстрактному нагромождению воспоминаний, снов, смутных образов людей и животных. Выставка работает до 15.04.2023.
Саша Кокачева, «19 окт. 2002 г. Надюхин ДР. Как много у меня винограда!», 2021
Вадим Леухин, «Рыбаки», холст, акрил, 2022
Фотографии предоставлены Галереей К35
22.02.23. В галерее коллекционного искусства «Тираж 1/1» открылась коллективная выставка молодых авторов: Никиты Паречина, Анастасии Литвиновой, Анны Лапшиновой, Кати Афониной, Льва Ефимова. Работы художников объединяет пограничное состояние между фигуративом и абстракцией. Форма, время и нарратив как будто перестают здесь существовать. Зритель видит не сами явления или объекты, а будто их образы. Такими они могут оставаться в сознании наблюдателя и приходить к нему во сне или воспоминаниях. Сдержанная цветовая палитра, минималистичность предметов, мягкая игра тонов окунает нас в мир, который только на первый взгляд кажется знакомым. Нестандартные живописные приемы, имитация и фальсификация, объединение материального и нематериального создает атмосферу полусна, пограничного видения, погружает в состояние рефлексии. Никита Паречин в своем творчестве опирается на классические техники, используя при этом различные медиа и современные инструменты. Творчество Анны Лапшиновой выходит за рамки одной конкретной техники. Для выражения своих идей художница использует не только живопись и графику, но и инсталляции. Анна затрагивает разные уровни мироздания: эмоциональный, культурный, физический. Среди творческих интересов Анастасии Литвиновой – тема личной и коллективной памяти, ностальгии. Художница сочетает проблематику памятных мест и современного восприятия городской эстетики. Катя Афонина родилась при создании работ использует смешанные техники. Работает с различными медиа: живопись, графика, скульптура, цифровые иллюстрации. В своей практике исследует, как различные детские психологические травмы человека, связанные с постсоветским воспитанием, проявляются в его дальнейшей жизни. Лев Ефимов – фотограф, художник, режиссер, скульптор. Лев экспериментирует с разными материалами – от металла до стекла. Вдохновение черпает в природе и 3D объектах, может быть поэтому, его скульптуры часто имеют обтекаемые биоморфные формы, что создает особую пластичность и мягкость. Основное направление – абстрактная скульптура. Выставка работает до 31.03.23.
Лев Ефимов. Без названия. 2022 стекло
Анастасия Литвинова. Haunted. 2022
Фотографии предоставлены галереей «Тираж 1/1»
23.02.23. «Открытый клуб» представил выставку «Страницы из альбома. Григорий Бобровский (1873—1942)», собравшую произведения живописца, графика, мастера пастели и преподавателя Григория Михайловича Бобровского. Основной корпус работ составляют наброски, эскизы и живописные этюды 1910-х годов из собрания С. В. Малютина. Получив великолепное образование в мастерской Ильи Репина в Академии художеств, Бобровский прожил насыщенную творческую жизнь. С начала 1900-х годов он активно преподавал, участвовал в выставках, стоял у истоков Союза русских художников. Был экспонентом Московского товарищества художников, Нового общества художников, «Мира искусства», группы «Шестнадцать». В 1904 -1905 годах художник совершил поездку в Париж, в 1910-х годах путешествовал по художественным центрам Италии. Неоднократно посещал остров Капри, где познакомился и сблизился с Максимом Горьким и создал серию работ с итальянскими городскими ландшафтами. Выставка включит этюды и карандашные зарисовки, созданные во время этих поездок. В работах Бобровского ощутимо влияние модерна и позднего импрессионизма – выполненные пастелью и графитным карандашом пейзажи, портреты и сюжетные композиции обладают характерной лёгкостью движения, изяществом линии и тонким колоритом. Работы Бобровского хранятся в Русском музее, Третьяковской галерее, во многих государственных и частных собраниях. Выставка работает по 07.03.23.
Григорий Бобровский. Капри. 1905—1910
Григорий Бобровский. В кафе. 1905—1910.
Фотографии предоставлены галереей «Открытый клуб»
23.02.23
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
