Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
Тише, 2021
13.10.22. В пространстве Cube.Moscow состоялось открытие семи новых выставок. 19 октября для гостей заработали еще пять новых проектов. С 14 по 16 октября в большом зале пространства арт-платформы Cube.Moscow прошла первая выставка искусствоведа Анастасии Постригай «Искусство вне времени». Цель проекта – познакомить зрителей с работами современных авторов, и переосмыслить их творчество в диалоге с наследием старых мастеров. Kupol Gallery открыла выставку Катерины Lime Blossom «Атропос».
PA Gallery представляет персональную выставку «Олег Хвостов: морфология примитива. Ранние работы». Экспозиция состоит из работ, созданных с конца девяностых до середины нулевых. Константин Зацепин, куратор выставки: «… Хвостову удалось создать не просто оригинальный стиль, но индивидуальную живописную вселенную с устойчивым образным репертуаром, в котором вспаханные поля, цветущие сады и пасторальные коровьи стада соседствуют с пышными ню и плодами, парящими в невесомости. Его предметность тотально мягкая и гладкая, очищенная от шероховатостей вещного мира. А холодное равномерное освещение усиливает сходство с компьютерной игрой. К этой частной романтически-идеализированной утопии, похожей на планету-игрушку из рассказа Роберта Шекли «Заповедная зона», художник шел на протяжении полутора десятков лет. Унаследовав от «Товарищества Новые Тупые» антиинтеллектуалистский пафос высказывания, ставший одной из реакций искусства девяностых на высоколобость московского концептуализма, Хвостов все же присягнул на верность живописному медиуму. Аналитизм постмодернистской оптики Хвостова заключен в используемом им комплексе художественных средств. С примитивистской морфологией он обращается как с готовым художественным языком, давно ставшим хрестоматийной классикой и доступным для препарирования. Экспозиция состоит из работ, созданных с конца девяностых до середины нулевых. Она показывает лабораторию выразительных средств художника, из которых к 2010-м постепенно «кристаллизовалась» узнаваемая авторская эстетика.»
Автопортрет_100 х 74_1999_смешанная техника
Новая персональная выставка Сергея Никитина «2022» от галереи PLATO предлагает зрителю погрузиться во вневременной мир абстрактных персонажей, которые являются центральными фигурами его работ. По своей сути персонажи – это отражение мира вокруг, помноженное на наши страхи, беспокойства, сомнения. Проект назван «2022», так как все работы были созданы в этом году и связаны с событиями настоящего времени. «Мои персонажи, являя собой настоящее, неразрывно связаны с прошлым. Они живут в единой художественной реальности с героями работ Пикассо, Баския, Дюбюффе. Там они теряют свою первоначальную связь с настоящим и перестают быть носителями тех эмоций и смыслов, которые мы им придаем. Наша реакция на персонажей связывает нас с опытом всего человечества, но в первую очередь с самими собой», – Сергей Никитин. Художник использует новые медиа и перемещает персонажа с традиционного холста в новый контекст — в 3D (барельефы, изготовленные с использованием ЗD-принтера) и в диджитал мир (видео-арт). Кураторы: Надежда Пономаренко, Алена Васелькова.
Совесть власти, 2022
Most Wanted Gallery представляет коллективный проект «По самому вероятному сценарию» с участием художников Наташи Зотиковой, Светы Исаевой, Светы Мамонтовой Lota Lota и Лехи Q.Jay. Выставка «По самому вероятному сценарию» – это попытка современных российских художников осмыслить время и выдвинуть гипотезы о наиболее возможных сценариях развития событий в будущем. В экспозицию входят произведения в различных медиа, созданные специально для выставки, посвященной будущему и различным граням реальности, которые могут произойти. Название проекта отсылает к аналитической технике прогнозирования будущего «метод сценариев», в которой обычные и экстремальные возможные последствия описываются на основе текущего состояния и истории. В нынешних условиях турбулентности наблюдается почти полное отсутствие знакомого порядка вещей. Практически невозможно достоверно предсказать, что произойдет дальше, потому что ситуация постоянно меняется. Между тем текущая данность прямо влияет на нашу жизнь сегодня и возможности развития в будущем. Куратор: Виктория Буткова.
Realism
Галерея M.A.R.S.H. представляет персональную выставку Александра Стоцкого «Московское время 20 часов 22 минуты». В своих работах художник анализирует сознательное и бессознательное, случайное и закономерное, следуя принципу «всё связано и пересечено», автор выстраивает бесконечные сценарии личных историй, словно спрашивая себя – что это было и было ли это. Экспозиция объединяет работы из серий «Часы», «Материя», «Букеты», «Метро» выполненные в технике «реинкарнаж», первоначально разработанной автором для диджитал-искусства. Суть этой техники состоит в том, что точки/пиксели цвета фрагментов предыдущих работ растягиваются в линии и образуют полигоны следов краски на плоскости, по которой художник путешествует во времени и пространстве, фиксируя свои наблюдения и ощущения от происходящего. В серии «Букеты» картины собираются из рисунков, сделанных в бессознательном состоянии, иногда под действием солнечного удара, когда сознание отключено и рисунки рисуются сами собой — alla prima — «в один присест». Течение времени особенно чувствительно, когда жидкие краски чистого цвета текут на поверхность холста, переплетаясь тонкими прожилками друг с другом, образуя нерукотворные фигуры, знаки, символы, в которых определенно скрыта какая-то тайна, какой-то ответ на самый главный вопрос.
Ветка метро. Калужско-Рижская, 2020
Арт-объединение Art it Easy показывает персональную выставку Евгения Семенова «Алтарь-атлас метафизический». Возникновение этого произведения инициировано серией работ Виктора Пивоварова «Атлас животных и растений». Налицо стандартное для постмодернистской ситуации использование чужого художественного языка и превращение его в свой собственный через переосмысление в ином времени и цивилизационно-культурной ситуации.
Хорал пурпурный и меланхолия высокая
Выставки пространстве Cube.Moscow работают до 13.11. 22.
Фотографии предоставлены пресс-службой Cube.Moscow
15.10.22. Галерея «Квартира S» совместно с «Рынком на Ленинском» при поддержке журнала Cabinet de l’Art представила групповую выставку Киры Мрик, THeo.Dhozer, Константина S и Марии Тарасенко «Врата времени». «Абстрактные работы Киры Мрик выступают экспозиционным проводником, они затягивают и предлагают совершить полет во времени. Полотна THeo.Dhozer гипнотизируют и проецируют в подсознание картинки из прошлого и будущего. А работы Константина S и Марии Тарасенко представляют собой образ будущего, полного роботизации и экологических катастроф», – куратор выставки Анастасия Дмитренко. Выставка работает до 12.12.22.
Константин S «Бесконечность»
Фотографии предоставлены галереей «Квартира S»
15.10.22. В галерее «ЗДЕСЬ на Таганке» Объединения «Выставочные залы Москвы» открылась персональная выставка Аллы Перовой «ПРОБУЖДЕНИЕ». Куратор: Ксения Горбатюк. Идея выставки – представить зрителям визуальный рассказ о творческом пути автора. В экспозиции собраны работы из музыкальной серии, «внутренняя экология» – картины, созданные в период личного кризиса, «Сонный период» – картины, созданные в некой «эмоциональной клетке». В них был поиск ответов на волнующие художника вопросы: «почему я застряла? Что я могу, как творец?..» а также серия после «пробуждения» – костюмы, картины и текстильная инсталляция. Алле открылись яркие цвета и новые формы. Слушая музыку, тишину и свой внутренний голос, автор пыталась освободиться от лишнего и найти ответы – это был способ самоанализа «внутренней экологии». Помимо живописи творчество автора развивалось в таких направлениях, как костюм и перформанс. Их можно увидеть во вселенной «Planttronica», где обитают «Грибные люди», странные растения и другие удивительные существа. Художник стремится воплощать в своем творчестве свет, добро и красоту природы. «ПРОБУЖДЕНИЕ» – это возможность быть «здесь и сейчас», видеть, слышать, чувствовать и воплощать свои фантазии без оглядки на прошлое и в надежде на светлое будущее, воспевая в творчестве добро и красоту.
Фотографии Cabinet de l’art
15.10.22. В галерее ARTMAISON открылась персональная выставка художника ANSTAY «Тёмные сказки». В проектах ANSTAY настоящее переплетается с прошлым и будущим, при этом находясь вне пространства и времени, затрагивая вечные, глобальные темы и вопросы. «Сказки», «Грехи», «Театр» -личные проекты художницы, с авторскими персонажами, сюжетом и концепцией мира. В рамках выставочного проекта ANSTAY соединила в единое целое сюжетные анимации с музыкой, картинами, принтами цифровых работ. Куратор: Дмитрий Плоткин. Финисаж выставки пройдет 21.10.22. Выставка «Темные сказки» вдохновила другого куратора, Лизу Эшва, на личные переживания о сказках, а команду ArtMaison на идею использовать работы художницы, в оформлении праздника Хэллоуин. 29.10.22 в галерейном пространстве будет представлена обновленная экспозиция работ ANSTAY и состоится арт-вечеринка «Страшные сказки. Давай бояться вместе». Подробнее о программе на сайте галереи и в соцсетях: https://fb.me/e/2KzJSdIRG
Фотографии предоставлены кураторами Дмитрием Плоткиным и Лизой Эшва
18.10.22. В Выставочном зале фонда Андрея Чеглакова состоялось открытие выставки «Леонид Тишков. И тогда Даблус породил книги. Издательство как концептуальный проект». Долгие годы художник, издатель и куратор Леонид Тишков создает мифологический эпос, в котором переплетаются сны, видения и реальность. Шаг за шагом он выстраивает мифологическую Вселенную, в которую, как в водоворот, вплетаются чудесные истории вымышленных существ. Серии рисунков с текстами превращаются в альбомы, книги и портфолио. Серии о водолазах скоро исполнится полвека, – за это время художник прошел путь от карикатур до пьесы и книг, от огромных рисунков тушью до видео и бронзовых скульптур. В 1989 году художник создал эфемерное издательство «Даблус». И это тоже космогония. Как мифический персонаж Даблус породил даблоидов, так и книги художника в его Вселенной – живые существа, каждая из которых неповторима, как персонаж бестиария. Рядом шагают слоны, в хоботах которых прячутся люди, плодятся даблоиды, стоят в пустыне стомаки у ворот городов-космогоний. Леонид Тишков, начиная с 90-х годов прошлого века, был не только художником и издателем, но и куратором выставок книг художников и поэтов, которые прошли в Национальной российской библиотеке, тогда библиотеке им. В. И. Ленина, в 1993 году. В том же году выставка «Книги русских и советских художников. 1910–1993», организованная совместно с Национальной библиотекой Франции и Национальным центром искусства и культуры Жоржа Помпиду, прошла в Юзерше, Франция. После этого состоялись выставки в Эдинбурге, Бристоле, Лондоне, Оденсе, Дания, в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, Государственном центре современного искусства Нижнего Новгорода и в других музеях. Выставка «Книга как проект визуального искусства. Самиздат 80-90-х годов в России» состоялась в 1999 году в галерее «Графийон» в Праге и в музее Энди Уорхола в Медзилаборце, Словакия. На этой выставке Леонид Тишков показал книги художников и поэтов 90-х годов, назвав это явление Постсамиздатом, сфокусировав свой интерес, как художника, поэта и собирателя, к такой форме малотиражной книги. С конца 80-х и все 90-е годы художники и поэты на собственные средства печатали и распространяли свои творения, как это делали их предшественники в начале XX века. Тогда и возник Постсамиздат, который просуществовал более двух десятков лет, но с началом XXI века стал постепенно исчезать, так как в искусство и литературу пришли государственные институции, галереи и грантовая поддержка. Феномен Постсамиздата стоит того, чтобы мы его не забыли, так как он учит нас свободе, а это самое главное в искусстве и поэзии. «Вдохновляясь опытом русских футуристов, в частности, деятельностью поэта Алексея Крученых с его собственным издательством «ЕУЫ», я начал выпускать свои поэтические книги малыми тиражами, «Даблоиды», «Жизнь человечека», «Сон рыбака» и другие. Эти книги тиражом 150 экземпляров — поэзия с иллюстрациями автора, напечатанная офсетом и раскрашенная акварелью от руки. «Новые песни», «Отцемать», «Желудок в печали» — в технике литографии. Нерасторжимость текста и картинки, картинка как поэтический текст, — все это привлекало меня и в книгах других авторов, выпущенных издательством «Даблус». В разное время вышли книги Никиты Алексеева, Константина Звездочетова, Юлии Кисиной, Резо Габриадзе и других художников и поэтов. Так постепенно эти книги стали частью частного художественного проекта «Издательство Даблус». Изначально в моей мифологии Даблус — лучезарный и прекрасный андрогин, яйцевидный объект, профанная диванная подушка, прародитель даблоидов, фантомных объектов в виде красной ноги с маленькой головой, которые являются символами социализированного сознания человека. Так и книги — в этой категории также даблоиды, ибо являются порождениями сознания человека. Издательство началось в 1989 году как издательство для художников, и оказалось, что это был первый независимый художественный издательский проект в России после футуристических опытов 20-х годов XX века. В течение десяти лет было выпущено более двадцати книг как непосредственно «Даблусом», так и в сотрудничестве с другими фантомными издательствами. Можно сказать, что «Даблус» послужил примером художникам создать подобные издательства. «Даблус» при всей симулятивности был зарегистрирован как реальное издательство, а в 1993 году был преобразован в фонд Даблус. Задача фонда – организация художественных проектов, как персональных, связанных с моей частной художественной практикой, так и объединяющих художников, работающих с книгой и поэзией.», – Леонид Тишков. Выставка работает до 15.01.23.
Фотографии Cabinet de l’art
18.10.22. Галерея a-s-t-r-a представила выставочный проект Анны-Кати Тагути (Екатерины Козловой) «ARBOR: жизненная форма». В основе творчества Тагути лежит человеческая судьба, память и страдание, травмы постимперского сознания, многослойность и специфический информационный шум, в котором мы живем, пытаясь сохранить человеческое измерение. Тагути создает работы сериями и каждая ее выставка – это продуманный проект. Сознательно ограничивая себя в цвете, художник много работает с линиями, пластикой, многослойностью. Тагути избегает в своих работах явной реалистичности – «Тогда я закрашиваю всё белой краской. Что-то проступает сквозь этот слой. И вот это “что-то” я начинаю вытаскивать, начинаю снова рисовать, но не обводить старое, а проводить линии чуть-чуть рядом, создавая новую оптику. Я не знаю, что получится в конце – каждый раз это борьба с материалом». Живописные полотна «Деревья», представленных на выставке «ARBOR: жизненная форма», написаны на холстах акрилом, углем и сангиной. «Деревья как разрозненное войско ветеранов-солдат, призванное охранять и защищать нас, вдыхая углекислый газ и выдыхая кислород. Измученные боями и долгой дорогой, они ввинчиваются в твердую, неприветливую городскую землю, не стыдясь своих ран и увечий. Деревья будто перевернутые люди. Они думают, общаются с помощью корней, мы видим только небольшую их часть, основная масса скрыта в земле, где происходит тайная, и даже мистическая жизнь. Корни «мыслят» и подают сигналы верхней части растения. Стволы – человеческое тело, а корни – переплетенные руки, ноги, голени, колени, а иногда – наши внутренности. Иногда можно угадать спину, хвост, лапы или глаз таинственного чудовища. Деревья, как никто, заложники своей судьбы: они не могут изменить место жизни, и если покинут его, то навсегда – под натиском урагана или под беспощадной пилой. Как старые солдаты они продолжают спасать нас, вдыхая углекислый газ и выдыхая кислород», -Тагути. Выставка работает до 13.11.2022.
Фотографии предоставлены галереей a-s-t-r-a
18.10.22. Gallery Fine Art представляет персональную выставку Славы Ерещука «Спи. Автореферат на незаданную тему». «Спи. Невинный эвфемизм, должный заговорить страх перед неизбывным. Или призыв – терапия, привычка к кратковременному отказу от бытия уже при жизни, смягчающая скатывание в небытие. Проговаривание этого прижизненного небытия.… Я веду разговор о смерти в десакрализованном рафинированном пространстве. Моя действительность не подразумевает концепции спасительного потустороннего существования души. Души никакой нет. Но есть нечто большее: наши мысли, терзания и сомнения по этому поводу. Не существует необходимости для физических законов; нет причины, по которой вселенная может быть упорядочена только таким-то образом, нет причины, по которой она не могла бы быть иной. Серия “милые кости”, часть большого проекта “Спи”, – современный извод жанра vanitas, любование тленом, как самодостаточный творческий акт, размыкание границ любой интерпретации, коррумпированной хайдеггеровским “бытием к смерти”. Салонно-равнодушное принятие, входящее в бинарную оппозицию к работам из серии “Приближение”, проникнутым ощущениями о потенциально ином исходе. Как “торг” и “принятие” в хрестоматийной психологической модели.» – Слава Ерещук. Выставка работает до 20.11.22.
Слава Ерещук, из серии тлен No3, 2021, холст, бумаша, масло, акрил, 167х157
Слава Ерещук, из серии «Vanitas» No5, 2022 Холст, масло, акрил, смешанная техника, 220х150
Фотографии Gallery Fine Art
18.10.22. Галерея Atelier CHOUTKO представила обновленную выставку «Преображение» в рамках своего юбилейного сезона. Состоялась премьера двух гобеленов, созданных по диптиху абстракциониста Дмитрия Сухова Pervasive и презентация обновленной экспозиция с новыми работами авторов галереи, в том числе Сергея Гавина, Заслуженного художника Российской Федерации, автора десятков сложнейших монументальных работ и участника множества выставок, Наталии Цветковой, текстильного художника из Санкт-Петербурга, создателя сложных, объемных, часто инновационных произведений; в частности, она использует в своих работах технологию полого ткачества, обычно применяемую в техническом текстиле. Специфический характер живописи Сухова определил и нехарактерную для гобеленов технику, в которой Atelier CHOUTKO создавало работы по его диптиху. «… нам пришлось изобрести новую технику. То, что стало потом пряжей, мы сначала сваляли вручную методом ручного валяния, затем нарезали на тонкие веревочки, и уже их вплетали в тело гобелена. Неожиданная техника позволила создать фактурные гобелены, удачно передающие стиль Сухова», – Евгений Шутко, основатель ателье. Выставка работает до 27.10.22.
Pervasive 1 213 183
Фотографии предоставлены Atelier CHOUTKO
19.10.22. В Еврейском музее и центре толерантности открылась выставка «Мир как беспредметность. Рождение нового искусства: Казимир Малевич, Павел Филонов, Марк Шагал, Анна Лепорская и другие». Проект реализован совместно с «Энциклопедией русского авангарда» и Ельцин Центром. Кураторы: Андрей Сарабьянов и Наталья Мюррей. Научный консультант: Ирина Карасик. На выставке представлено 98 работ из Русского музея, Третьяковской галереи, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственного Эрмитажа, Научно-исследовательского музея при Российской академии художеств, Вятского художественного музея, Краснодарского краевого художественного музея, Томского областного художественного музея, Ярославского художественного музея, Витебского областного краеведческого музея, Музея-усадьбы «Кусково», а также частных коллекций. Среди художников, чьи произведения показаны в экспозиции, – Марк Шагал, Казимир Малевич, Лев Юдин, Константин Рождественский, Анна Лепорская, Илья Чашник, Николай Суетин, Валентин Курдов, Вера Ермолаева, Михаил Векслер, Павел Филонов, Михаил Матюшин, Эдуард Криммер, Роберт Фальк, Дмитрий Санников, Иван Гаврис и другие. Государственная Третьяковская галерея после проведенной реставрации предоставила на выставку пострадавшую в декабре 2021 года работу Анны Лепорской «Три фигуры». Впервые выставочный проект был показан в арт-галерее Ельцин Центра (5 ноября 2021 — 20 февраля 2022). Московская версия существенно дополнена и расширена, в том числе графикой из Третьяковской галереи, супрематистским фарфором из Государственного Эрмитажа и Музея-усадьбы «Кусково», живописью из Витебского областного краеведческого музея. Важнейшей частью московской выставки стал специальный проект «Я — Малевич» – новаторский эксперимент, сочетающий исследования, игровые элементы и цифровые технологии, который предлагает зрителям увидеть выставку глазами одного из десяти художников, чьи работы представлены в экспозиции. С помощью своего смартфона, наушников и QR-кода игры «Я – Малевич» посетитель сможет выбрать, от чьего лица посмотреть выставку. Специальный проект доступен по входному билету на выставку и рекомендован для зрителей старше 10 лет. Центральная тема выставки – история одного из наиболее ярких этапов деятельности Казимира Малевича по созданию новаторской школы авангардного искусства: от формирования объединения УНОВИС («Утвердители нового искусства») в Витебском художественном училище, куда Малевич был приглашен преподавать в 1919 году, до периода постсупрематизма 1930-х, когда около мастера остались только самые верные ученики. Трактат «Мир как беспредметность», написанный Казимиром Малевичем в 1921–1922 годах, подвел итог более чем десятилетней живописной эволюции художника. Супрематизм стал одной из основ авангарда, глобально определил путь его развития, сделал его уникальным и неповторимым, а для учеников и последователей мастера теория беспредметности превратилась в своего рода религию. Одним из главных источников информации о зарождении и развитии супрематизма являются дневники ученика Малевича, художника Льва Юдина, впервые опубликованные в 2017-м Ириной Карасик («Лев Юдин. “Сказать — своё…” Дневники. Письма. Документы. Свидетельства современников»). С опорой на исторические документы кураторы прослеживают формальные и неформальные связи художников, стремясь заполнить фактологические лакуны и детализировать представление о круге Малевича. К выставке издан каталог, статьи для которого подготовлены британским историком искусства и президентом Общества Малевича Кристиной Лоддер, историком искусства и автором-составителем «Энциклопедии русского авангарда» Андреем Сарабьяновым, профессором Института искусства Курто в Лондоне Натальей Мюррей, историками искусства Ириной Карасик (Государственный Русский музей) и Татьяной Горячевой (Государственная Третьяковская галерея). Выставка работает до 19.02.23.
Малевич Казимир Северинович. Супрематизм. 1915-1916 . Холст, масло. 80х80. Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А.Ковален
Шагал Марк Захарович. Вид в сад (Интерьер на даче). 1917. 46х61. Музей-квартира И.И. Бродского
Лепорская Анна Александровна. Три фигуры. 1932-1934. Холст, масло. 70х50. Государственная третьяковская галерея
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея
19.10.22. В Зверевском центре современного искусства открылась выставка «Антология русской хтони». Хтонь (от греч. χθών — «земля, почва») – изначально олицетворяла силы подземного царства. С землей, почвой в мифологии связаны загробные миры, где обитают чудовища, духи мертвецов. Среди особенностей хтонических существ традиционно выделяют звероподобие, наличие сверхъестественных способностей, оборотничество. Во тьме подземных недр постоянно происходят процессы, пугающие неконтролируемой загадочной и разрушительной силой. Хотя в то же время под землёй вызревают зерна злаковых растений, а подземные воды, пробиваясь из недр, становятся животворящими родниками, предрекая урожай. Устойчивое выражение «русская хтонь» – уже собирательный образ из «тоски неизбывной», оборотней всех мастей, заброшек, грязи нескончаемых дорог. Кураторская группа: «Однако, наше хтоничное вписано в мировой контекст, часто питается им, приобретая все новые визульные и смысловые формы в связи с культурными и политическими процессами. Антология русской хтони – собрание авторских высказываний в различных медиумах и техниках о сверхъестественном, экзистенциальном и странном в контексте здешнего бытования». В экспозиции представлены инсталляция, живопись, фотография, видеоарт, график, гравюра, ксилография, текстильные объекты. В параллельной программе выставки с лекциями примут участие профессор, заведующая кафедрой культурологии Института УНИК, Александра Баркова и исследователь мировой мифологии, художница и активистка Саша Старость. Кураторская группа: явь-куратор Женя Стерлягова, навь-куратор Женя Шарвина, ассистент: Катя Шишкова. Выставка работает до 31.10.22.
Аня Мирошниченко
Александр Гнутов-Баюн
Фотографии предоставлены куратором Женей Шарвиной
20.10.22. В Cube.Moscow открылись четыре новых выставки:
В большом зале Cube.Moscow галерея «Пальто» представила масштабную выставку-балаган «Мелочи и Курьезы» – более 500 работ 50 современных российских художников сложились в групповой проект без четкой концепции, ведь их творчество невозможно описать в нескольких предложениях. Среди участников балагана – Дмитрий Гутов, Паруйр Давтян, Владимир Дубосарский, Елена Елагина, Группа ЕлиКука, Константин Звездочётов, Дарья Коновалова-Инфантэ, Олег Кулик, Игорь Макаревич, Александр Меламид, Группа МишМаш, Гоги Тотибадзе, Валерий Чтак, Сергей Шутов и другие. Художник Александр Петрелли создател галерею «Пальто» в 1995 году вместе с группой «Перцы». «Пальто» – уникальное явление для арт-сцены, деятельность проекта можно определить и как перформанс, и как коммерческую художественную галерею. Александр Петрелли экспонирует небольшие по формату произведения на подкладке своего пальто, которое он распахивает перед публикой на вернисажах и других культурных событиях. Галерея «Пальто» за 27 лет стала знаковым явлением культурной жизни Москвы и получила признание во всем мире. Со своим проектом Александр Петрелли показал более 500 экспозиций, в том числе в рамках международных ярмарок современного искусства, таких как Cosmoscow и Viennacontemporary. В 2010 году проект Галерея «Пальто» был номинирован на Премию Сергея Курёхина в категории «Искусство в общественном пространстве». В 2015 году юбилейная выставка Галереи «Пальто» прошла в Музее Москвы. Традиционная форма показа выставок галереи в полах пальто сохранена, но представлена в увеличенном масштабе.
Олег Петренко-Перец (группа Перцы), из серии 365 видов сала, 1992-1993
Галерея «КультПроект» представила выставку художника Дарьи Коноваловой-Инфанте «Particulars». Дарья работает в области инсталляции, малой скульптурной пластики, медиа, мультипликации, фотографии. Многим знаком её арт-проект «Тайная жизнь вещей», который включает более 250 графических изображений. Впервые за последние 15 лет художница сделала серию живописных работ. На выставке представлены работы, как из уже нашумевшей серии «ТЖВ», выполненные на холсте, так и новая серия, напоминающая фракталы, в которых структуры пересекаются, образуя систему нового порядка. «Все в нашей жизни состоит из мельчайших частиц, как на химическом, так и на психологическом уровне, и, одновременно, являя собой что-то цельное. Все мы являемся частью чего-то несопоставимо большего, до конца далеко неизведанного. Эдакая фрактальная, бесконечная история. Мне захотелось разглядеть в предметах, устойчивых выражениях, сложившихся стереотипах образ того, из чего они, условно, могли бы состоять. Все это продолжение игры в альтер эго или совершенно очевидные вещи, например Давид-«время собирать камни…» – Дарья Коновалова-Инфанте. Серия маленьких картинок, разбитая на отдельные части, партиклы – своеобразная иллюстрация общечеловеческой истории в случайно взятых сюжетах.
Дискобол, 2021-2022
Arts Square Gallery представила персональную выставку Полины Филатовой «Белый шум» – проект о новом поколении, окруженном перенасыщенным информационным потоком. Впервые в истории человечества мы оказываемся в ситуации избытка возможных путей собственного развития, и, желая всего и сразу, просчитывая приоритетность вариантов, все равно находимся всё в большей власти сомнений и страхов, теряемся в пустоте и незаполненности собственного опыта, противопоставленного «полному спектру» нашей картины мира. Каждый из нас постепенно, порой на ощупь, учится различать свой внутренний голос в бесконечном слиянии звуков белого шума и выбирать собственный путь из многообразия представленных.
Пластмассовый мир, 2022
Состоиялась открытая презентация проекта «U-N-I-T-Y», созданного художником Мартином Венертом и благотворительным фондом «Образ жизни». Одна картина – одна из букв слова Unity, отражающая определенный смысл. После презентации проекта все желающие смогут принять участие в онлайн-аукционе на платформе Cube.Moscow, вырученные средства с которого будут переданы в благотворительный фонд «Образ жизни». Мартин Венерт родился в 1979 г. в Берлине. Всё своё детство он рисовал, закончил среднюю школу по специальности «Искусство», готовился поступать в художественную академию, но, решив изучать математику, стал банкиром и посвятил свою жизнь финансам. «Теперь, когда мне 43 года, я оглядываюсь на весь пройденный путь и спрашиваю: какое положительное влияние я оказал? После того, как я нес ответственность за миллиардные инвестиции по всему миру, я думаю, что наконец-то пришло время прислушаться к своему внутреннему голосу и сделать что-то своими руками, воплотить творческий потенциал на холсте. Итак, настало время открыть себя для чего-то нового, вернуться к истокам и начать рисовать», – художник Мартин Венерт. Так появился «U-N-I-T-Y», который объединил в себе искусство, личность и взаимопомощь. Создание каждой из пяти картин проходило в четыре этапа, через которые художник выражает себя и раскрывает тему: «Борьба рационального и иррационального». Первый этап — свобода, креатив, эмоции, второй — логика, структурность, третий — социальная среда, четвертый – объединяющий знак.
Выставки пространстве Cube.Moscow работают до 13.11. 22.
Фотографии предоставлены пресс-службой Cube.Moscow
20.10.22. В Музее русского импрессионизма открылась выставка «Александр Савинов. Миражи» представителя Саратовской школы живописи Александра Савинова (1881–1942) и спецпроект «Миражи. Саратовская школа», раскрывающий феномен Саратовской школы живописи через представленные в экспозиции работы Виктора Борисова-Мусатова, Кузьмы Петрова-Водкина, Петра Уткина, Александра Карёва и других. В экспозиции персональной выставки Савинова собраны работы, характеризующие разные периоды творчества Александра Савинова: от ученических экспериментов до зрелых произведений из фондов Государственного Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, Саратовского художественного музея имени А. Н. Радищева и других музеев России, а также редкие произведения из частных собраний. Выставку сопровождает просветительская программа для детей и взрослых. Музей выпустил каталог выставки. Куратор выставки и спецпроекта: Анастасия Винокурова. Выставка работает по 22.01.23. Интервью куратора: https://cabinetdelart.com/intervyu/anastasiya-vinokurova-intervyu-s-kuratorom/
Савинов А. Мальчик с собакой. Этюд. 1904–1907. Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств, Санкт-Петербург
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея русского импрессионизма
20.10.22. Галерея Ruarts представила первую персональную выставку работ молодого автора Гриши, выполненных в концепте Horror vacui (боязнь пустоты). В первую очередь Гриша является представителем уличного искусства, образы, увиденные автором на улице, как раз и создают новые нарративы на бумаге. Штрих Гриша сравнивает с ударом сердца. Варьирование плотности линий и насыщенности пигмента поглощает взгляд зрителя и ведет его по композиции – «Над большими рисунками я работаю понемногу каждый день. День ото дня меняется мое настроение, психоэмоциональное состояние и это видно по штриху, детали, которую решил привнести в рисунок. В большом рисунке отражается какая-то часть моей жизни со всеми ее радостями и страданиями, впечатлениями и опытом». Представленный в галерее Ruarts проект «НЕПОЗВОЛИТЕЛЬНАЯ РОСКОШЬ» – это серия произведений, созданных между 2012 и 2022 годами, пример новаторских полуабстрактных образов Гриши, в которых виртуозная графическая техника чернилами сочетается с элементами индивидуальной философии. Название выставки отсылает прежде всего к судьбе автора, к его личным переживаниям. Быть художников в современном мире – непозволительная роскошь. По признанию Гриши, рисунки для него – медитация, личный дневник, инструмент изучения реальности – «Еще будучи подростком, я мог подолгу сидеть и смотреть в одну точку до тех пор, пока мое восприятие не переходило из сферы обыденного, прагматического восприятия в нечто другое, отвлеченно-абстрактное. Мне нравится идея, что Вселенная жива, находится в постоянном изменении». Термином Horror vacui Аристотель объяснял движение ветра и воды, постоянно заполняющих пустоты. В искусстве страх перед пугающе пустым пространством нашел отражение в творчестве многих авторов разных столетий. Гриша использует нестандартный метод заполнения листа деталями – обычную гелевую ручку, именно благодаря тонкому начертанию создается впечатление бесконечного калейдоскопа с множеством подробностей, из которых глаз зрителя выбирает каждый раз новые образы. Медленный просмотр графических листов в галерейном пространстве, по сути, является ритуалом. Гриша позволяет зрителю ощутить бесконечность непосредственного момента, и это невероятная драгоценность, узоры действуют как зеркало, становясь отражением внутренней практики смотрящего. Выставка работает по 30.11.23.
Гриша. Без названия. 2020. Бумага, гелевая ручка.
Гриша. Без названия. 2012. Бумага, гелевая ручка
Фотографии предоставлены Галереей Ruarts
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
