Арт-обзор 10.11-17.11.22

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

13.11.22. В галерее ARTMaison открылась выставка «ВОСЕМЬ НЕИЗВЕСТНЫХ +1» объединения архитекторов «МАСТЕРСКАЯ-ТАФ» (ТАФ – Театра Архитектурной Формы). Придумал ТАФ, создал, и почти сорок лет ведёт Александр Ермолаев, профессор МАРХИ, искусствовед, член Национальной академии дизайна, почетный члена РАХ. Искусство ТАФа существует вне сегодняшних художественных тенденций. Художники выступают в роли почти анонимных посредников между красотой окружающего мира и зрителем. Это посредничество распространяется на всю деятельность мастерской, смещая акценты с индивидуальной успешности и узнаваемости на способность точно и полезно существовать в мире. Искусство ТАФа делает привычную реальность вновь «неизвестной» – насыщает открываемой визуальной и тактильной полноценностью. Мир, увиденный глазами «неизвестных», содержит многообразную красоту – тихую, незаметную, яркую, откровенную, брутальную, естественную, парадоксальную. Арт-объекты, предлагающие этот внимательный взгляд, обладают способностью прибавлять среде нашего существования «дыхание» нового открытия природы. Несмотря на общность интересов художники мастерской – Александр Ермолаев, Лариса Климова, Юрий Кузнецов, Сергей Садовсков, Марина Соколова, Светлана Тарасова, Константин Шулика, Ольга Халдеева, Татьяна  Шулика видят и чувствую разное и по-разному, вместе создавая гармоничное целое. Куратор: Лиза Эшва. Финисаж выставки состоится 18.11.22. Выставка работает до 18.11. 22.

Фото: Денис Лапшин

Фото: Денис Лапшин

Фото: Денис Лапшин

Фотографии предоставлены куратором

14.11.22. Музей современного искусства АРТ4 совместно с Limonov Art Foundation представил персональную выставку художницы из Екатеринбурга Matiush First «Настройка по умолчанию». Смешивая объекты реального и цифрового миров, Matiush создает смену акцентов с изображения как такового на сам процесс смотрения. Соединив искусство самых разных форматов и медиумов от скульптуры до анимации, Matiush размышляет о графике как основе современного визуального мышления, исследует что способен рисунок изобразить сегодня. Непосредственно изображенное – это настройка по умолчанию, нормализующая взгляд связью с традицией классического художественного средства. Однако изображенное в работах Matiush First ничего не изображает, а лишь указывает, направляет зрительский взгляд в сторону невидимого, скрытого, умалчиваемого. Каждый из нас видит мир по-своему. И вместе с тем, есть нечто общее в наших зрительных впечатлениях и их репрезентации. Ведь всякий художественный медиум воплощает в себе некоторый способ видеть. Matiush First показывает, как элементы используемых человеком систем визуализации информации, технических устройств и оптических приспособлений становятся частью индивидуальной картины мира, даже если они человеческому глазу недоступны. Зрение – это всегда фантазия о мире, и заимствованные человеком цифровые визуальные языки только усиливает присутствие воображаемого. Matiush First уподобляет выставку аппарату, который позволяет обнаружить это вымышленное место и выяснить, что единственное, где мы можем достигнуть полноты нашего восприятия, – это наше воображение. Куратор: Алексей Масляев.  Выставка работает до 10.12. 22.

Фотографии Cabinet de l’art

15.11.22. В Alina Pinsky Gallery состоялся вернисаж выставки «И как нам создавать свою красоту?».  Выставка объединяет работы 18 женщин-художниц – от Наталии Гончаровой до Наталии Турновой, от Лидии Мастерковой до Ирины Петраковой, с хронологией охвата почти в сто лет. Поднимаются вопросы о гранях и границах живописности, и в меньшей степени – о доле, собственно, «женского» в работах художниц. Гендерные дискуссии и связанные с ними социальные аспекты уходят корнями глубоко в историю. Действительно ли в рамках женских выставок транслируется традиционный «мужской» взгляд на изобразительное искусство? Или женщины все-таки ищут собственную нишу, свою достоверность, и, если перефразировать заголовок книги франко-бельгийской феминистки, лингвиста и философа Люс Иригарей – «создают свою красоту»? Пытаются ли художницы отвлечься от гендерного различия, исследуют ли его влияние, или хотят забыть о нем? К выставке издан каталог со вступительной статьей филолога и специалиста в области гендерных исследований Людмилы Бредихиной. Выставка работает до 30.01.23.

Фотографии предоставлены Alina Pinsky Gallery

15.11.22. Галерее Atelier CHOUTKO исполнилось пять лет, и галерея отмечает это событие очередной выставкой «Русский Робот» при участии КРОКИН галереи. Автор Кирилл Рубцов: «Вся эта история про «русского робота» начиналась в 2002 году. Я придумывал его из березового полена как земного персонажа, не в смысле «приземлённого», а связанного с планетой Земля, здешнего. По стилистике и по тому материалу, который всегда меня увлекал, это был «советский космос». Но самые впечатляющие для меня оказались фильмы 30-х. Особенно Клушанцев, про то, как советские учёные создали звездолёт, и на этом звездолёте улетают на Луну. Иногда то, что я делаю, воспринимается как вариант комикса. Но в отличии от комиксов, жизнь моего робота не выстраивается в одну большую историю. Каждая отдельная работа, это отдельная история про одного и того же персонажа, зачастую возникающая сразу напрямую на фанере». По эскизам одной из работ Кирилла Рубцова в Atelier CHOUTKO соткан ковёр ручной работы из шелка и шерсти с выстрижкой. Кроме того, на выставке представлено 11 работ из коллекции КРОКИН галереи «Планетарий» 2009 года. Выставка работает по 30.11.22.

Фотографии Cabinet de l’art

16.11.22. Московский музей современного искусства представил персональный проект художника Зака Кахадо «Существование-со-Cуществование». В своих работах американский автор черкесского происхождения обращается к национальной самобытной культуре Северного Кавказа, переосмысляя ее наследие в инсталляциях и полотнах, близких по стилю к американскому экспрессионизму второй половины XX столетия. Родившись и проживая в США художник непрерывно занимался архивным изучением истории своего народа. В каждом произведении отражен не только этнический контекст, но и личная история самого автора, его семейные ценности и непрерывная связь с предками. Соединение внимания к теме национального и семейного наследия с практиками современного искусства позволяют художнику связывать свое творчество с черкесским неоавангардом. Зак Кахадо использует материалы, приближающие его искусство к традиционным декоративно-прикладным мотивам – масляную краску автор смешивает с землей, привезенной с Северного Кавказа, на холсте он оставляет следы копоти и прожоги – следы огня. Черные трехмерные фоны дополняют внедренные артефакты также этнического происхождения – элементы национальных черкесских костюмов, кинжал, шичапшина (национальный музыкальный инструмент), фрагменты вышивки. Все названия работ Зака Кахадо так или иначе связаны с обращениями к семье, обозначая принадлежность личности к единому древу жизни. Дополнительные объекты, хранящие в себе память о прошлом тысяч людей, формируют пространство внутри залов, обрамляют произведения, становятся материалом инсталляции – это старые шпалы, вывезенные из Нальчика. Они воплощают концепцию вечного пути и одновременно служат напоминанием об исторических травмах народов Кавказа, в том числе о мрачных эпизодах депортаций. Проект Зака Кахадо – это результат исследования собственной идентичности, сочетающей черкесские корни, опыт взросления в американской среде и принадлежность к исламу и становящейся основой для разговора о глобальных исторических изменениях и проблемах современного общества. Этнические мотивы художник наделяет облаком универсальных смыслов и тем – мучительный поиск себя, смерть и возрождение, коллективная память, проживание исторической травмы и последующее исцеление. Работа над проектом продолжается с 2016 года.  Часть произведений выполнена автором специально для нового проекта в ММОМА. Выставка работает в ММОМА, ул. Петровка, 25 до 05.02.23.

 «Критические мысли», 2021 г. Чернозем, железнодорожные костыли, кожа, гвозди, джут, индустриальная краска, льняной холст

«Театр абсурда», 2016 г. Эмаль, обожженный двухслойный холст, акриловый маркер

Фотографии предоставлены отделом по связям с общественностью и СМИ ММОМА

16.11.22. В московской галерее современного искусства ASKERI GALLERY состоялось открытие выставки российской художницы Маши Руденко «Conference of the birds». Проект представляет собой мультимедийное пространство, сочетающее живопись, коллаж, видео, фэшн и NFT. Лейтмотивом выставки становится идея языка тела, понятие которого экстраполировано художницей с узкой формулировки «тактильности» до других органов чувств: зрения, слуха и даже так называемой виртуальной телесности. Название проекта – отсылка к классической поэме суфийского поэта и философа Аттара. Поняв, что у них нет царя, птицы отправляются на его поиски. Они преодолевают семь долин, символизирующих различные чувства, и в конце оказываются у озера, где не находят ничего, кроме своих отражений на водной глади. Так они понимают, что только они могут управлять самими собой и друг другом, объединившись в стаю. Царь не нужен тем, кто реалистично смотрит на мир и знает цену своих фантазий. Мир Маши Руденко – мир отражений и зеркал, в которых можно постичь свое истинное Я. Тело – наше главное отражение, поскольку истинное выражение телесности зиждется на совокупности других ощущений. Именно поэтому, глядя на обнаженную натуру в работах художницы, можно моментально считать его состояние и идею, заключенную в образе. Эстетика телесности в картинах Маши Руденко провозглашает новый язык тела, новую интерпретацию телесности, основанную прежде всего на погружении в свое собственное «Я» и концентрации на собственных чувствах. В видеоработе Mockingbird (2022) на тело художницы проецируются различные изображения: слова, жесты и образы. Таким образом Руденко поднимает тему конфликта между реальными переживаниями человека и чужими желаниями, и фантазиями, которые в него пытаются внедрить извне. NFT на основе видеоработы Mockingbird нашло свое отражение в виртуальном пространстве на платформе Super Rare в Decentral Art Pavilion в Венеции. Несколько картин из серии «Conference of the birds» участвуют на ярмарке современного искусства ART BASEL MIAMI ART FAIR в Майями, США. Выставка работает по 11.12.22.

Let it go, 137х113 см, холст, бумага, смешанная техника

Фотографии предоставлены ASKERI GALLERY

16.11.22. В галерее Milliart состоялось открытие выставки «Единство противоположностей», подготовленной галереей совместно с проектом развития керамики «4ceramics». В экспозиции собраны работы 30 художников-керамистов из разных городов России. Отобранные для выставки работы объединяет тема, над которой размышляют авторы – идея достижения баланса, гармонии мира через его дуальность. Наш мир очень многогранен. У всякого феномена существует несколько точек зрения. Но несмотря на это, противоположности взаимодополняют друг друга. Извечным стремлением человека было достижения гармонии и баланса. «Человеческая жизнь это перетекание из одной крайности в другую. Одно можно познать только через другое, противопоставляя и сравнивая», – участник выставки Оксана Афанасьева. Работы выполнены в разных техниках, где крайности сходятся в нечто единое. Художники обнаруживают свой внутренний конфликт, но пытаются найти гармонию и эстетику в нём, нечто, что соединяет их в общую форму. Или, наоборот, конфликт, который не может быть сведен к общему началу.
Автор проекта 4ceramics Елизавета Солоницына: «Искусство керамики всегда поражает многогранностью, в ней достаточно красоты для любого самого взыскательного зрителя. От самых ювелирных нюансов в фарфоре до крупных объектов в шамоте. Роспись, декорирование, сочетание текстур и глазурей – все это привлекает все больше и больше людей, которые знакомятся с этим видом творчества».  Кураторы: Елизавета Солоницына, Алиса Родичева. Выставка работает по 09.12.22.

Фотографии Cabinet de l’art

17.12.22. В Музее современной истории России состоялось открытие проекта Творческого союза художников России (ТСХР) и Фонда содействия развитию визуального искусства «Визарт» «Союз нерушимый. К 100-летию образования СССР: 1922-2022». По словам руководителя проекта Константина Худякова, проект ТСХР нацелен на кросс-дисциплинарный анализ исторического наследия ССCР в контексте творческого восприятия художников советской и постсоветской эпохи: «Его уникальность состоит в том, что вехи отечественной истории сопоставляются с наследием творческих союзов художников, возникших в советский период. Искусство в данном контексте становится подлинно историческим свидетельством, которое не просто визуализирует исторические факты, но позволяет проследить их влияние на судьбы последующих поколений». В экспозиции собрано более 100 художественных работ, отражающих историю со дня основания СССР, в том числе работы знаковых художников, которые олицетворяют временные периоды в искусстве, таких как Андрей Васнецов, Сергей Герасимов, Константин Юон, Кузьма Петров-Водкин, Оскар Рабин, Владимир Немухин, Илья Кабаков, Анатолий Зверев и других, так и произведения ныне живущих членов-корреспондентов и академиков Российской академии художеств, а также документы архивно-рукописного фонда из Государственного центрального музея современной истории России (ГЦМСИР), фотохроника. Информационное агентство «ТАСС» предоставило для экспозиции документальные материалы из своих архивов. В рамках выставки будут проходить лекции, экскурсии, творческие встречи с участием известных историков, искусствоведов, художников, деятелей театра и кино. Московский театр Олега Табакова проведет литературные чтения. Выставка работает до 15.12.22.

Фотографии предоставлены пресс-службой Творческого союза художников России

17.11.22. SYNTAX GALLERY представила выставку Георгия Острецова «Самоцветы инакомыслия», демонстрирующую широкий диапазон идей, в основе которых лежит взаимодействие автора с искусством разных эпох. В самом названии проекта угадывается намек на особый статус художника, существующего в отдельном мире и говорящем на своем неповторимом языке. Уже более двадцати лет Гоша Острецов визуализирует воображаемый мир, переводя его в понятные современному зрителю образы. На выставке представлено более тридцати произведений, большая часть которых появилась на свет в 2022 году. Однако некоторые работы, вошедшие в экспозицию, созданы еще в начале XXI века в рамках проекта-антиутопии «Новое правительство», посвященного размышлениям о роли политической власти в социуме и ее влиянии на массовое сознание. Настоящий проект Гоши Острецова наглядно демонстрирует тот факт, что механизм воздействия культового образа на общество выходит далеко за пределы сферы политики, как и проблема противостояния толпы и инакомыслящего индивида. Острецов создает сложный и вместе с тем узнаваемый мир, в котором зашифрованы визуальные коды нашего времени, основанные на приоритетах массовой культуры. Работая в технике живописи и графики, рельефа и ассамбляжа Гоша Острецов создает модель современного мироустройства, в котором, тем не менее, инакомыслие по-прежнему остается двигателем прогресса. Выставка работает в Cube, Moscow SYNTAX GALLERY до 19.12.22.

Фотографии предоставлены ArtPr International

17.11.22. Государственный музей Востока представил выставку «Дхокра: небесное и земное в традиционной бронзе индийских племён». На выставке показаны предметы из личной коллекции Сергея Витальевича Кармалито, журналиста-международника и дипломата, работавшего в Индии. В конце 1970-х годов он начал собирать произведения малых народов и племён, населяющих Индию, отлитых в технике дхокра, и за четверть века, в общей сложности проведенных в этой стране, у него скопилось более 300 образцов дхокры – от мелкой пластики до крупных скульптурных изображений. Слово «дхокра» переводится как «старейший» и произошло от названия группы мастеров-кочевников западно-бенгальского племени Дхокра Кармар, которые из поколения в поколение занимались обработкой металлов. В середине 20 века литейщики начали использовать имя дхокра как свое кастовое обозначение. Они свободно передвигались, доходя до Раджастхана и Кералы. С течением времени группы мастеров оседали в племенных территориях штатов Мадхья-Прадеш, Чхаттисгарх, Орисса, Западная Бенгалия, Джхарканд и Андхра-Прадеш. Тематика произведений ваятелей из индийских племён имеет очень широкий спектр, простираясь от возвышенного и небесного до вполне земного и обыденного: среди их изделий есть как божества и мифологические персонажи, так и композиции, запечатлевшие бытовые сценки, и забавные детские игрушки, и необычайно выразительные фигурки домашних животных, диких зверей, птиц. Экспозиция дополнена авторскими фотографиями Сергея Витальевича Кармалито. Куратор выставки: Екатерина Шинкарева. Выставка работает до 15.01.23.

Шива и Парвати с Ганешем на руках верхом на быке Нанди

Фотографии предоставлены Музеем

17.11.22. В галерее «Ходынка» Объединения «Выставочные залы Москвы» открылась мультимедийная выставка «Состояние погоды». В экспозиции представлены инсталляции, мультимедийные арт-объекты, гейм- и видеоарт. Совместный проект галереи «Ходынка» и Арт-кластера «Таврида» является размышлением над проблемами искажения информации и субъективности оценочных суждений. Название выставки «Состояние погоды» – ироничный кураторский парафраз известного философского труда Жана-Франсуа Лиотара «Состояние постмодерна» (1979). Разговоры о погоде – один из самых эффективных и простых способов занять время. Пустая, ни к чему не обязывающая болтовня без конкретной цели. Сегодня расширившееся почти до бесконечности и полностью утратившее структурность информационное поле напоминает именно такой тип разговора. Погода находится в состоянии постоянного изменения, а значит ее можно обсуждать непрерывно. Сводки новостей теряют свою актуальность еще до выхода в эфир, а значит нам остается лишь констатировать новые факты, но никак не делать из них выводы. Эта выставка – попытка найти способы заполнить «слепое пятно», созданное разрушением системы линейных нарративов и потерей общих критериев оценки для современного знания. Выставка работает до 15.01.23.

Фотографии предоставлены галереей «Ходынка»

17.11.22. В галерее современного искусства SISTEMA GALLERY состоялось открытие выставки молодых художников – учеников Айдан Салаховой, Сергея Оссовского, Натальи Гудович и Евгении Вороновой. Выставку «Если чувствуешь себя гвоздем все вокруг кажется молотком» арт-пространство SISTEMA GALLERY подготовила совместно с мастерской современного искусства Aidan Studio.  Представленные работы объединяет не тематика, а выражение представлений о пространстве, понимаемом как абстрактная и неосязаемая идея, тем не менее оказывающая на нас физическое и психологическое воздействие. Выставка рассматривает идею пространства через созерцательные и выразительные работы. На выставке представлены работы Светланы Савельевой, Дарьи Близнюк, Марии Тур, Анастасии Рыкуновой, Анны Канфер и других талантливых художников. Выставка работает по 12.12.22.

Дарья Фетисова – HOMO METOMORPHOSIS (Часть 2) – Оргалит, акрил, 125х600 см, 2019

Анастасия Рыкунова – Тишина – Холст, масло, 140×125 см, 2022

Мария Тур – Искажения реальности (Часть 1) – Холст, акрил, масло, 140х110 см, 2021

Фотографии предоставлены SISTEMA GALLERY

17.11.22. Галерея современного искусства К35 представила первую персональную выставку в Москве краснодарского художника Тенгиза Шамова. Проект «Замри» объединяет масштабные полотна c выхваченными, словно вырезанными из реальности жизненными сюжетами. В центре его внимания оказывается феномен «замедления» как реакции человека, которая возникает под воздействием внешних потрясений. Название буквально отсылает к детской игре «Море волнуется», для победы в которой необходимо принять статичную позу и не двигаться в течение заданного ведущим времени. Эта аллюзия к правилам игры становится для художника основой для размышлений о защитном механизме нашей психики – замедлении, который возникает под воздействием разнообразных внешних факторов. Она отражена не только в сюжетах, которые берет за основу живописец, но и в их интерпретации. Все сцены в работах Тенгиза напоминают вырезанные кадры артхаусной кинопленки. Герои его масштабных картин, выхваченные из интенсивного ритма жизни, словно повисают в воздухе и замирают на темном фоне, оставляя открытым вопрос о том, что было «до», и, что будет «после». Этот эффект способствует когнитивному искажению восприятия действительности. Благодаря ему художнику удается ухватить общее чувство времени, когда резкое изменение жизненных обстоятельств рождает ощущение исчезновения почвы из-под ног. Впоследствии приобретенный опыт сильнейшего потрясения продолжает жить внутри нас в виде сумрачного воспоминания, которое мы ещё долго пытаемся осмыслить. Именно этот момент общего процесса «замирания» объединяет все представленные работы Тенгиза Шамова, открывая путь для размышлений с корреляцией с настоящей действительностью. Выставка работает до 20.01.23. 

Тенгиз Шамов, Без названия, Холст, акрил, 160х240см

Тенгиз Шамов, Без названия, Холст, акрил, 160х240см

Тенгиз Шамов, Без названия, Холст, акрил, 160х180см

17.11.22. В галерее a-s-t-r-a состоялось открытие нового проекта петербургской художницы Надежды Косинской «Про себя». В экспозицию вошли работы в разной технике: живопись, графика и арт-объекты. Косинская работает с тканью, гипсом; особую известность ей принесли работы из гвоздей и металла. Совмещение академизма и приемов наивного рисования позволяют художнице говорить от первого лица на самые очевидные и от того трудные темы – отношения, быт, материнство, семья. В 2019 году Надежда Косинская начала создавать изображение гвоздями – так появилась серия «Гвозди 2019». Гвозди у Косинской утрачивают свой модернистский индустриальный пафос, превращаясь в нечто полностью себе противоположное: хвоинки, чешуйки, волоски, штришки. Переливающиеся и мерцающие металлические стержни создают особый образ, развоплощая изображаемое, делая его то ли тенью, то ли призраком. «Мне понравилась структура этого материала, графичная и живописная одновременно. Постепенно я стала мыслить этим материалом, он соответствовал моему внутреннему состоянию, позволял наиболее ясно выразить себя. Я автоматически «примеривала» эту технику к тому, что вижу, чувствую, что хочу изобразить. Некоторые работы выполнены экспрессивно, в порыве. Другие набраны методично, шаг за шагом, день за днем. Процесс работы превращается в медитацию, погружение. Поверхность из металла напоминает доспехи, своеобразную защиту от окружающего мира», – Надежда Косинская. Работа «Ребенок 3» из серии «Дети Нади», созданная в 2022 году, стала заглавной на выставке. За последние несколько лет к материалам, используемым в создании работ, добавились нити. С точки зрения художественного медиума, нити – связь между автором и произведением, матерью и ребенком. Изображения детей, выполненные в этой технике, полны тревоги. Вьющиеся линии скрепляются вместе, охраняют, но от этих усилий ощущение беззащитности только увеличивается. Творчество Косинской вписывается в живучую линию русского искусства: она лирический художник, болезненно проживающий травматичную безысходную повседневность, дающий общей немой тревоге визуальное воплощение. Выставка работает до 07.12.22.

Косинская Надежда. Семья, 2021, Фанера, акрил, гвозди, скобы, эпоксидная смола

Косинская Надежда. Перформативная постановка. Наташа, 2022, Бумага, ручка

Косинская Надежда. _Ребёнок 3_ из серии _Дети Нади_, 2022, Холст, нити, линер

Фотографии предоставлены галерей a-s-t-r-a

17.11.22. PA Gallery представила выставку Алисы Гореловой и Евгения Чубарова «Corpus Mundi».  Куратор выставки Ирина Горлова: «Пересечение в одном пространстве маленьких черно-белых листов Чубарова и монументальных холстов Гореловой обнаруживает общую точку происхождения, единый импульс, который формирует строение и ткань их живописи.  Их искусство «рисует» тело мира, или мир тел, мыслимые как основа бытия человечества и бытия искусства». В 1990-е годы из столкновения распавшихся на мельчайшие частицы тел, которые рассеялись в хаотичном потоке энергии, выталкивающей их за пределы холстов, произошли огромные абстрактные работы Чубарова, продемонстрировавшие новое ощущение мироздания. В 2020-е Алиса Горелова возвращает телам их очертания и объемы, но не самостоятельность, как будто демонстрируя утрату целостности тела как вместилища души, как единицы, как монады, в которой, согласно Лейбницу, заключена Вселенная. Так обрела визуальное вополощение высказанная Жан-Люком Нанси тридцать лет назад мысль о том, что на подходе «мир без Субъекта своего предназначения, имеющий место лишь как баснословная скученность тел». Выставка работает до 25.01.23.

Фотографии Cabinet de l’art 

17.11.12. Государственная Третьяковская галерея представила выставку «Игорь Грабарь. К 150-летию со дня рождения художника». В экспозиции собрано около 120 живописных произведений (из них около 90 – работы И.Э. Грабаря) из 15 музейных коллекций, включая, Государственный Русский музей, региональные музеи России, Национальный художественный музей Республики Беларусь, и из 14 частных собраний, а также более 100 книг и документов из отдела рукописей.  Крупный выставочный проект представляет ретроспективу Игоря Эммануиловича Грабаря (1871–1960), яркого представителя русского импрессионизма, основоположника советской школы искусствознания, директора Третьяковской галереи, ученого, создавшего структуру музейной работы. В своем творчестве Грабарь синтезировал опыт пейзажистов предшествующих поколений и создал собственный тип русского пейзажа, нашел новые возможности отображения родной природы в «послелевитановскую» эпоху. Широкое признание пришло к нему благодаря импрессионистическим пейзажам и натюрмортам. Творчество Грабаря существенно повлияло на развитие импрессионизма в России. В художественном развитии Грабарь прошел путь от импрессионизма к декоративной плоскостности и обобщенности сезаннизма, придя к соцреализму. Выставка занимает все экспозиционное пространство Инженерного корпуса и начинается с третьего этажа, где демонстрируются картины Грабаря дореволюционного и советского периодов. Первый зал оформлен как гостиная усадебного дома. Здесь представлены работы, исполненные в подмосковных имениях. Следующий зал решен как воображаемый парк-пленэр – место создания зимних пейзажей – и как мастерская, где художник писал портреты. Последний небольшой зал третьего этажа оформлен в виде реконструкции кабинета искусствоведа, в котором можно познакомиться с научными трудами Грабаря. Особенность кураторского решения экспозиции заключаются в том, что она представляет Грабаря в различных качествах не столько архивными документами, сколько художественными произведениями – результатами его разнообразной деятельности. Дизайнерское решение залов второго этажа раскрывает Грабаря как организатора в области музееведения, реставрации и охраны памятников. Выставку сопровождает обширная образовательная программа. Куратор: Ольга Атрощенко. Дизайн экспозиции: Евгений Асс, Ольга Аистова. Выставка работает в Инженерном корпусе Третьяковской галереи по 26.02.23.

Фотографии Cabinet de l’art 

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель