Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о выставках и арт-событиях на этой неделе.
Иван Плющ. Illuminate. 2020. Выставка «Комнаты». Фотографии предоставлены галереей pop/off/art
02.07.26. В Доме Наркомфина состоялась презентация новых проектов из серии «Тающий дневник» Музея современного искусства «Гараж». В летнем сезоне представлены инсталляции «Прогресс. Нептун. Остров» Алёны Троицкой и «Теразут» Ксении Маркеловой. Отправной точкой для создания проектов стал опыт их проживания в Доме Наркомфина и повседневного взаимодействия с ним. Звуки, материалы и отдельные детали интерьера стали связующим звеном между пространством Дома и личным восприятием. При этом, обладая разным жизненным опытом и художественным языком, художницы независимо друг от друга пришли к одинаковым выводам: любое обещание свободы или общего счастья сопровождается строгими правилами и регламентами. Так, квартиры-ячейки с продуманной эргономикой и вынесенными служебными функциями оказываются тесными, а крушение «внешней» инфраструктуры требует радикального пересмотра проекта — и авангардный утопический быт превращается в малогабаритное мещанское гнездо. Для Троицкойшум за окном и устройство здания стали поводом для обращения к детским воспоминаниям о жизни на берегу Новосибирского водохранилища. Для Маркеловой отдельные пространства дома — прежде всего комната привратника — превратились в источник телесных ощущений и фантазий о внутренней жизни утопического организма. Интерес художниц сосредоточен на том, каким образом Дом Наркомфина воспринимается сегодня, а его пространство во многом сформировало художественные решения. Познакомиться с авторами и особенностями их практики возможно на событиях публичной программы, встречах с художниками и мастер-классах. Посмотреть проекты можно в составе группы с медиацией до 18.10.26.
Фотограф: Варвара Топленникова
© Музей современного искусства «Гараж»
Фотографии предоставлены пресс-службой Музея современного искусства «Гараж»
02.07.26. На Поклонной горе состоялась презентация «Галереи Виктори» – нового культурно-общественного кластера общей площадью 44 000 м². Проект архитектора Сергея Скуратова откроет свои двери в 2027 году. Ядром выставочной деятельности мультифункционального комплекса станет «Территория искусств» под руководством искусствоведа, куратора выставок Зельфиры Трегуловой. По планам организаторов «Территория искусств» объединит классическое и современное искусство, перформансы, световые инсталляции, образовательные и социальные инициативы для всех возрастов.
Фотографии Ольги Серегиной
07.07.26. ТОН-ЦЕНТР провел пресс-конференцию, посвященную началу работы в статусе культурной институции с собственной событийной программой. Здание Кругового депо архитектора Константина Тона открывается для широкой публики и станет местом встречи искусства, движения и эксперимента. Художественным руководителем первого сезона работы ТОН-ЦЕНТРа стала художник и куратор Катя Бочавар. Программа открывается серией концертов «Земля маршрутов» Владимира Горлинского. Перформанс написан специально для ТОН-ЦЕНТРа для трех голосов и 16 перкуссионистов. «“Земля маршрутов” — это внутреннее путешествие. Внутренний вокзал, через который мы можем двигаться не только по земле, из города в город, но и метафизически. И одновременно — расщелина в земле, куда мы спускаемся к древним пра-источникам. Чтобы достичь того, что не слышно и не видно в сегодняшнем дне, нужны усилия. Маршруты — это внутренние путешествия, а Земля — их пристанище», — Владимир Горлинский. Параллельно с музыкальной программой ТОН-ЦЕНТР представляет выставку «Временные конструкции» совместно с художниками Леной Соловьевой и Дмитрием Запылихиным. В пространстве Кругового депо представлены два художественных метода — два взгляда на то, как индустриальная среда перерождается, оставляя следы, которые продолжают жить.
Фотографии Ольги Серегиной
07.07.26. Галерея современного искусства a—с—t—р—а представила выставку Алины Утробиной«мотор. камера. свет». Куратор: Анна Якубова. Выставка работает до 07.09.26.
Специально для Cabinet de l’art блиц-интервью Алины Утробиной
Ольга: Алина, в искусстве вы говорите на своем языке, как бы вы определили выбранный вами медиум? Как и почему вы сделали такой выбор и постоянны ли вы в нем?
Алина: По образования я художник станковой графики, но параллельно всегда занималась цифровой фотографией, так что я долгое время искала способ объединить эти два медиума. Я люблю как быстрый момент создания фото, когда ты максимально сосредоточен и возбужден, так и спокойную работу в мастерской за станком, когда вся импульсивная и творческая часть уже выполнена и остается только кропотливый ремесленный труд. Основой моей практики остается фотография, но она не заканчивается для меня в момент съемки. Меня интересует изображение как материальный объект, чтобы его можно было печатать, переносить, повреждать, наслаивать, превращать в почти графический лист. В этой технике ручной печати я работаю уже около полутора лет, чувствую, что еще не все в ней сказано и есть потенциал для следующих серий.
Ольга: Если говорить о первой ассоциации, которая возникает у меня при взгляде на ваши работы – это момент пробуждения, когда еще не совсем проснулся, что-то помнишь из сна, чувствуешь, что это было что-то очень важное, но оно уже потеряло целостность, уже ускользает. Остается мучительный иногда пугающий вопрос — что это было? Вы сами четко понимаете, что происходит, что вы изображаете, ведь вы визуальный художник – для вас ваши образы, ваш месседж конкретны?
Алина: На самом деле я всегда хорошо понимаю, что именно изображаю и почему меня привлекает тот или иной образ. Каждая работа начинается с вполне конкретного внутреннего интереса, который я могу четко назвать, будь то ситуация, жест, состояние, ощущение. В процессе печати изображение трансформируется, альтернативные техники печати всегда добавляют случайности и ошибки, именно они создают ощущение зыбкости и то состояние между сном и пробуждением, что вы описали. Мне нравится эта ассоциация, хотя она возникает благодаря медиуму, а не исходному замыслу. Я знаю что меня привлекло и что я хочу показать, но я не могу диктовать зрителю, что он должен почувствовать и это здорово!
Ольга: Мне кажется, что в работах есть тревожность, беспокойство, сомнения, страх – это так? Или это мои личные ощущения проецируются на работы?
Алина: Многие считают мои работы мрачными и даже пугающими. Я не стараюсь показать драму ради драмы, искусственно нагнетая эмоциональное напряжение. Скорее произведение неизбежно несет в себе черты автора, а сама я довольно тревожный человек, склонный к постоянной рефлексии, поэтому эти интонации естественным образом проявляются и в художественной практике. При этом мне действительно важно ощущение внутреннего напряжения в изображении. Мне интересны кадры, в которых что-то словно не дает взгляду успокоиться, где есть недосказанность или ощущение, что вот-вот что-то произойдет. Без этого работа кажется слишком предсказуемой, но это напряжение — не способ сделать произведение мрачнее, а наоборот, способ сделать его живым.
Ольга: — Как появилась идея проекта «мотор. камера. свет», в чем суть идеи? Завершенный ли это проект, поставили ли вы точку?
Алина: «мотор. камера. свет» — команды, с которых начинается съемочный процесс, произнесенные наоборот. Это прокрученные в обратную сторону действия, движение, замершее в секунде, жесткое искусственное вмешательство в естественную природу предмета и ее фальшивая постановочная интерпретация. Я бы не сказала, что поставила в этом проекте точку. Серия работ совершенно точно завершилась, но вопросы, из которых она выросла, продолжают меня занимать. Они изменяют форму и перейдут со мной в следующий проект.
Алина Утробина. Без названия, 2025. Бумажная литография, текстиль, 187 х 87 см. Фотографии предоставлены галереей
07.07.26. Галерея PENNLAB в коллаборации cгалереей Shift представила выставку «Перспектива сложности». В экспозиции объединены работыхудожников, исследующих различные способы взаимодействия с реальностью и ее художественного осмысления. По замыслу кураторов Владислава Ефимова и Анастасии Кузнецовой в центре внимания оказываются не только эстетические особенности изображения, нарративы, но и методы их создания: от простейших оптических приемов до работы со сложными химическими процессами, ручной доработки фотографий и использовании цифровых инструментов. Работая с разными медиумами и технологиями, авторы показывают, что любое искусство начинается с выбора точки зрения – способа видеть мир. Выставка работает до 13.08.26.
Анастасия Цайдер
Вера Лапонкина
Фотографии предоставлены галереей
07.07.26. Галерея pop/off/art представила групповой проект «Комнаты», обращенный к теме дома, «места обитания» художника. Проект объединяет работы восемнадцати резидентов галереи pop/off/art: от классиков отечественного искусства до ярких молодых авторов. В проекте важно зафиксировать место жительства и обозначить, где заканчивается осмысленное бытоописание и начинается бесконтрольное, стихийное включение реального образа. В экспозиции представлены более 20 работ — от советской кухни до временного места обитания, от документального взгляда до метафоры. Выставка «Комнаты» не иллюстрирует тему дома, а исследует механизм, с помощью которого реальное жилое пространство переходит в художественный образ. Куратор: Алиса Николаева. Выставка работает до 16.08.26.
Николай Касаткин. Лунная ночь (из серии Деревенские окна). 1997. Фотографии предоставлены галереей
07.07.26. Галерея XL представила выставку Кати Муромцевой «Как стать невидимым». Одноименная серия работ, созданная в период с 2020 по 2022 год, представляет собой размышление о невидимости и присутствии человека в контексте культурной сферы и глобальных исторических процессов.
В своих работах автор обращается к темам индивидуальной и коллективной памяти, динамике настоящего и прошлого, а также способам, с помощью которых они могут быть задокументированы и представлены. Серия «Как стать невидимым» была начата в Загребе. Муромцева в процессе работы над серией приглашала в свою мастерскую работников культуры из различных областей и разговаривала с ними об условиях их труда – незаменимого, но зачастую невидимого. «Культурная сфера чрезвычайно уязвима и нестабильна – в ней широко распространены неоплачиваемый труд, прекарность и эксплуатация ради возможности быть ближе к искусству. Многие сотрудники культурных институций, чья работа делает возможными выставки и художественные проекты, остаются без упоминания и признания и буквально остаются в тени» — Катя Муромцева. Именно тени гостей стали основой для данной серии акварелей, в которых «отсутствие» модели так же важно, как само изображение. Со временем серия расширилась, и возможность стать ее героями получили не только представители культурной сферы. Однако основной метод процесса создания произведений – интервью и «теневой портрет» – сохранился. Люди, тени которых стали основой для последующих работ, отвечали на один и тот же вопрос, заданный Муромцевой – «Когда вы впервые почувствовали, что живете внутри истории?». Их ответы становились частью произведений, а сама серия – архивом личных свидетельств о времени, памяти и переживании исторических событий. Выставка работает до 08.08.26.
Фотографии Ольги Серегиной
08.07.26. Государственная Третьяковская галерея представила выставку, посвященную Виктору Борисову-Мусатову (1870–1905) — одному из ярких представителей русского символизма рубежа XIX–XX веков. Его творчество стало своеобразным мостом между европейской и русской культурами, завершая «прекрасную эпоху» и открывая искусство XX столетия. Экспозиция выставки «Борисов-Мусатов. Гармония образа» объединяет более 140 произведений живописи и графики из собраний музеев и частных коллекций. Выставка дает возможность проследить творческий путь мастера от первых ученических опытов до зрелых шедевров, оказавших значительное влияние на целое поколение художников. Центральный раздел посвящен роли фотографии и фотоэтюдов в творческом процессе мастера: фотография и ее технологии стали для него неотъемлемой частью работы. Тема гобелена проходит через всю экспозицию. Особенности этого вида прикладного искусства, набиравшего популярность в Европе во второй половине XIX — начале XX века, дали импульс экспериментам с материалами, фактурами и новым прочтением техник темперы и пастели. Лейтмотивом экспозиции становится поиск гармонии — одна из важнейших тем творчества мастера. Стремление к синтезу искусств воплотилось в желании Борисова-Мусатова соединить архитектуру и живопись. Он мечтал украшать фресками общественные здания и особняки, однако при жизни не смог реализовать ни одного подобного замысла. Спустя столетие эта идея получила новое воплощение: во время реставрации особняка по проекту Андрея Мушты на его стенах были размещены напечатанные на полотне эскизы Борисова-Мусатова. Специальный раздел экспозиции посвящен эскизам монументальных росписей, в том числе панно для особняка Александры Дерожинской. Выставка работает в Третьяковской галерее на Кадашёвской набережной до 08.11.26.
Изумрудное ожерелье. 1903–1904 Холст, темпера, масло. Фотографии предоставлены пресс-службой ГТГ
09.07.26. Галерея Ruarts представила персональный проект Ивана Найнти – ‘10×17’, посвященный абстракции: изучению цвета, ритма и терапевтического потенциала визуального опыта. Коллаж остается ключевым методом в практике художника, но в данной серии он становится основой для живописи маслом. Важный поворот в эстетике Ивана связан с пребыванием художника в Рио‑де‑Жанейро в 2023–2024 годах. Название выставки отсылает к формату исходных набросков – страниц скетчбука размером 10 на 17 сантиметров. Именно эти крошечные коллажи стали опорой для серии больших живописных и графических работ. Серия малых этюдов фиксировала цветовые импульсы, тактильные сочетания и структурные находки, которые позже перерабатывались и трансформировались. Дальнейшая работа в цифровой среде позволяла усложнять и деформировать композиции, вводя приемы разномасштабности. Выставка работает до 30.08.26.
Иван Найнти_«ТГНН (Там где нас нет)». Холст, масло, лак. 280 х 180 см. 2026. Фотографии предоставлены галереей
09.07.26. В Капустинском центре современного искусства работает групповая выставка «Овощи». КЦСИ – независимая самоорганизация художников, разделяющих любовь к современному искусству, разнообразию идей и творческому диалогу. Художникам КЦСИ близки идеи сохранения окружающей среды и существования человека в мире гармонии и согласия. Все представленные на выставке «Овощи» работы выполнены студентами Технологического университета им. А.А. Леонова и Института гуманитарного образования и информационных технологий (ИГУМО). Эта выставка стала четвёртой последовательной частью проекта «Новые монохромные». Куратор Евгения Стерлягова отмечает, что в последнее время чёрно-белая фотография переживает новый виток интереса со стороны молодых художников. Это довольно любопытная тенденция, отражающая восприятие и внутренний мир нового поколения фотографов. Выставки проекта «Новые монохромные» по-разному раскрывали видение молодых авторов. В этот раз авторы работали в жанре натюрморта. Участники выставки «Овощи» не реставрируют голландский натюрморт. Если в классическом натюрморте предметы на столе разложены с заботой композитора, то здесь они буквально «складированы». Зрителю предлагается роль не только наблюдателя, но и элемента экспозиции. Семнадцать авторов трансформируют, меняют мертвую природу, овощи перестают быть объектом, они начинают свою тайную иную жизнь. Кураторы проекта: автор идеи Евгения Стерлягова и основатель КЦСИ Сергей Катран. Архитекторы: Трифон Миляев и Никита Морёнов. Финисаж выставки 18.07.26.
Фотографии Ольги Серегиной
09.07.2026
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
