Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
Франц Родвальт. Без названия. 1995 (с) Предоставлено галереей ГУМ-Red-Line
09.09.21. Галерея «Е.К.АртБюро» представила персональную выставку «Лаврентий Бруни. Остановка», приуроченную к 60-летию художника. В экспозицию входят произведения Лаврентия Бруни разных лет, в том числе работы на бумаге конца 80-х – начала 90-х годов ХХ века. Центром экспозиции выступает масштабное шестиметровое полотно, созданное специально для выставки. Лаврентий Бруни – представитель девятнадцатого поколения художников, чей предок приехал из Италии в Россию еще в эпоху царствования Павла I. Для творчества всех мастеров этой династии характерно ярко выраженное эстетическое начало.
Юбилейной ретроспективой Лаврентия Бруни «Е.К.АртБюро» отмечает новоселье в новом пространстве в Малом Кисельном переулке. Партнер галереи Елена Еременко: «На ближайший сезон наша выставочная политика формируется из проектов не только “наших” постоянных авторов и классиков московского искусства, но и уже заявивших о себе молодых перспективных художников. Мы также начинаем эксперимент по сотрудничеству с галереями, у которых пока нет своих площадок, это будет программа Guest galleries». Выставка «Лаврентий Бруни. Остановка» работает до 17.10.21.
Блиц-интервью художника Лаврентия Бруни для Cabinet de l’art
Автор фото: Сергей Шеставков
Ольга: Лаврентий, конечно, первые слова – это не вопрос, а самые теплые поздравления от меня лично и от редакции. Наверное, будет правомерно сказать, что это не только ваш личный юбилей, но и всего клана Бруни. Недавно темой печатного номера журнала Cabinet de l’art была «Отцы и дети» и я делала материал со своими добрыми знакомыми художниками – родителями и детьми о плюсах и минусах «семейственности». Таких длинных «художественных» родословных не было ни у кого. Вы – потомок знаменитой династии Бруни. Как вы лично с детства ощущали эту принадлежность к знаменитой фамилии художников – это ограничивало свободу выбора, сковывало и обременяло или было определенным козырем в становлении художника Лаврентия Бруни?
Лаврентий: Я очень рад, что родился в семье с такой прекрасной древней фамилией. С детства всегда чувствовал ответственность за свое будущее, т. к. какое-то время был единственным продолжателем рода (и мне об этом часто напоминали). Давление родословной не давало покоя. Став художником, я решил начать собственную историю и стал подписывать свои работы Лаврентий Б.
Ольга: Ваше личное мнение – что вы переняли в своем творчестве от представителей вашей династии художников, а что привнесли своё, уникальное?
Лаврентий: Я вырос в художественной среде. Мои предки привили мне уважение к традиции в искусстве, любовь к красоте, поэзии, чувственности. Думаю, поэтому я в конце концов не стал авангардистом, хотя довольно много работал с экспериментальным искусством. Меня увлекла простота изображения, за которой стоит волшебство.
Ольга: Общеизвестно – об этом всегда пишут, подчеркивают и упоминают в интервью с вами – вы «неизменно отдаете предпочтение одной теме — красоте». Наверное, это наследственное по итальянской линии. Но ведь так же общеизвестна расхожая фраза – «Красота в глазах смотрящего», и создающего художественное полотно, я бы сказала. Например, по отношению к женскому телу понимание красоты менялось очень сильно. Это и вопрос общественного мнения, в наше время это понимание зачастую формируется, подчиняясь законам рынка. А ваше личное убеждение, видение или понимание, как хотите, – что такое Красота? В вашем понимании каковы здесь критерии? Это константа или переменная величина?
Лаврентий: Я считаю, что тема красоты в искусстве – это самая сложная тема. Очень легко свалиться в кич. Должны быть начитанность, насмотренность, чувство меры. Именно эта сложность меня и привлекает. Красота неуловима, она – сама бесконечность и попытка ее поймать невероятно увлекательна. Красота цветка и красота женщины вне времени. Каноны менялись, но тема остается неизменной. Я изображаю цветок или женский образ, так как вижу его в современном мире, а не в древнегреческом или средневековом. И именно это, как мне кажется, останется навсегда и будет интересно будущему поколению.
Ольга: С этой же темой связана центральная работа экспозиции вашей юбилейной выставки, работа эта создана вами специально для этого события и галереи «Е.К.АртБюро». Буквально несколько слов – рождалась ли работа легко или это результат долгих раздумий? Это определенный итог-конечная остановка или краткая остановка?
Лаврентий: Если говорить об основной идее выставки, то она в самом определении слова «остановка». В переводе с итальянского – это ctanza. Отсюда же стансы в литературе. Как жанровая поэтическая форма, стансы – это когда каждая строчка несет свою cмысловую нагрузку. На выставке будут представлены мои работы разных периодов. Тематически они не связаны между собой, но по задумке, должны сложиться в одно стихотворение. Что касается центральной работы – я назвал ее «Дыхание». Образ картины возник в моем воображении, когда я оказался в пространстве «Е.К.АртБюро». Вообще, именно галерея и есть та самая остановка. Ничто не стоит на месте, но именно искусство, на мой взгляд, останавливает время. Я надеюсь, что выставка станет определенной остановкой и для зрителя.
Автор фото: Григорий Галантный
Ольга: Всё, о чем мы говорили, это все-таки итоги, свершившийся факт, пройденный этап… Самое интересное – это то, что будет завтра и послезавтра и потом – подéлитесь самой большой пока еще не осуществленной мечтой и своими планами?
Лаврентий: Сегодня сложно строить долгосрочные планы. Что касается большой мечты, да и самого факта «мечтаний», то с детства я не относился к этому серьезно. Для меня процесс реализации задуманного намного важнее достижения цели.
Осторожно, двери закрываются, следующая остановка …)
Фотографии предоставлены ArtPr International
10.09.21. Мультимедиа Арт Музей, которому в этом году исполняется 25 лет, представляет 7 выставок нового, юбилейного сезона:
Сара Мун «Однажды где-то, но не здесь…» – в рамках XII Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии – 2021». Куратор: Анна Зайцева.
С Сарой Мун музей сотрудничает с 1998 года, показав за это время семь ее проектов. Новая выставка является своеобразным конспектом творчества замечательного французского фотографа и видеохудожника. В выставку вошли знаковые работы автора, демонстрирующие все многообразие ее творчества: портреты, фотографии моды, серия «Цирк», портреты животных, несколько проектов по классическим сказкам Андерсена, натюрморты, пейзажи, индустриальные съемки последних лет и др. Выставка работает до 21.11.21.
Сара Мун
“Танцуй-танцуй 3” 2001 г. Предоставлено автором
Никита Алексеев «Ближе к смыслу». Куратор: Анна Зайцева, консультант: Ольга Свиблова. Музей, сделавший с Никитой Алексеевым несколько проектов и поддерживавший его в последние, очень непростые для него годы жизни, посвящает выставку «Ближе к смыслу» памяти классика российского современного искусства. Команда Музея старалась сделать ее так, как задумывал художник. Никита Алексеев попал в больницу в тот день, когда был намечен перевоз его работ в первую в жизни собственную мастерскую художника. Работы переехали, когда Никита уже ушел из жизни. Музей описал то, что находилось в его мастерской, а именно: около шести тысяч работ, в основном созданных в последние годы. На первой посмертной выставке Никиты Алексеева команда Музея постаралась максимально аккумулировать его работы, выполняя последнюю волю художника – «…Мне бы очень хотелось, чтобы на выставке было очень много картинок, как можно больше. Так много, чтобы зритель почувствовал себя погруженным в этакую ванну, чтобы он себя спросил с недоумением: „А зачем так много? А затем, что время такая штука, что его ни много, ни мало быть не может, так что пускай уж будет побольше“». Никита Алексеев был художником и писателем. Никита Алексеев внедрял в свои работы тексты на многих языках – и эта полиязычность, жонглирование смыслом, звуковыми формами слов и их нелинейными связями с изображением носили для него принципиальный характер. Несводимость мира к единой универсальной системе – мысль, фундаментальная для Никиты Алексеева как художника и писателя. Выставка работает до 15.11.21.
Никита Алексеев.
“Дождь в Роверето.”
2007
Олег Целков «Я не здешний, я чужой». Куратор: Мария Лаврова. Мультимедиа Арт Музей, Москва и Tsukanov Family Foundation представляют выставку классика российского и мирового современного искусства, одного из лидеров советского нонконформизма. «Я не здешний, я чужой» – говорил о себе Целков. Эти слова предельно точно отражают его бескомпромиссный характер. На выставке в МАММ можно увидать фильм Tselkov Walk («Путь Целкова») французского режиссера Николя Идиро, в основу которого легло эссе лауреата Гонкуровской премии Эмманюэля Каррера. В кинозале музея 25 сентября, 16 октября и 20 ноября в 17:00 пройдут показы документального фильма «Я не здешний, я чужой» (режиссер: Александр Шаталов) о жизни и творчестве художника. Выставка работает до 15.11.21.
Олег Целков. “Групповой портрет с арбузом”. 1963. Холст,
масло. Предоставлено Tsukanov Family
Foundation, Лондон
Сергей Шутов «Чужие здесь не ходят». Куратор: Анна Зайцева. В экспозиции представлены знаковые произведения Шутова, созданные в 1990—2000-х годах, когда художник активно исследовал возможности новых компьютерных и звуковых технологий. Шутов принадлежит к поколению, выросшему на советской фантастике и научно-популярных иллюстрированных журналах о покорении космоса, среди которых знаменитые издания «Техника — молодежи» и «Знание — сила». Выставка работает до 15.11.21.
Сергей Шутов. Кадр из видео
«Вместо Минотавра». 2004
Собрание Мультимедиа Арт
Музея, Москва
«Первоцвет. Ранний цвет в российской фотографии. 1860—1970-е годы». Кураторы: Ольга Свиблова, Елена Мисаланди. Более двадцати лет музей приобретает в специальную коллекцию своего собрания фотографии, которые можно отнести к раннему цвету. Этого материала вообще сохранилось немного.
В новую выставку вошло 248 работ и слайд-шоу Бориса Михайлова. Научные сотрудники МАММ проделали большую работу, подготовив тексты об авторах фотографий, о событиях, отраженных на снимках, а также об истории фотографических техник, которые использовались на разных этапах развития цвета в фотографии. Выставка является кратким конспектом истории русской фотографии на протяжении столетия (от Сергея Левицкого, Алексея Мазурина, Елены Мрозовской, Карла Бергамаско, Петра Веденисова до Василия Улитина, Петра Клепикова, Александра Гринберга, Александра Родченко, Якова Халипа, Георгия Петрусова, Всеволода Тарасевича, Дмитрия Бальтерманца, Бориса Михайлова, Александра Слюсарева и др.). Экспозиция позволяет проследить, как менялась жизнь в стране, переживавшей исторические и социально-политические катастрофы, и то, какую разную роль в течение этого периода играла фотография. Выставка работает до 15.11.21.
Петр Веденисов.
Таня, Наташа, Коля и Лиза Козаковы,
Вера Николаевна Веденисова и Елена Францевна Базилева.
Ялта, 1910 – 1911
Автохром
Мультимедиа Арт Музей, Москва
Арт-группа ЕлиКука (Олег Елисеев и Евгений Куковеров) «Сила искусства. Просроченный юбилей». Куратор: Анна Зайцева. С неизменной иронией, присущей авторам и пронизывающей все без исключения выставки, показанные в Музее, они озадачивают зрителя десятком вопросов, например: «Можно ли измерить силу искусства в ньютонах?», «Сколько она может составлять в пересчете на лошадиные силы?», «Как прилагаемая к искусству сила сказывается на его стоимости?», «А может быть, искусство точнее уподобить электричеству и измерять его силу в амперах?». Чтобы помочь публике ответить на эти вопросы, арт-дуэт «ЕлиКука» специально для выставки изобрел тренажеры. Выставка работает до 15.11.21.
Группа «ЕлиКука» (Олег Елисеев, Евгений Куковеров). Сила искусства. Эскиз. 2021 Предоставлено авторами
Группа МишМаш «День за днем». Куратор: Мария Лаврова. Группа «МишМаш» (Миша Лейкин и Маша Сумнина). «МишМаш» – творческий и супружеский дуэт, в 2019 году по версии Cosmoscow дуэт стал «Художником года». В 2011 году музей уже показывал персональную выставку «МишМаш» под названием SEE YOU, включавшую инсталляцию «Будь мягче. Будь тверже». Часть этой инсталляции вошла в коллекцию МАММ. В новой работе Over&over, представленной на выставке, «МишМаш» продолжают ироничную игру с наслоением материалов и смыслов. Английское over имеет множество значений, в том числе «поверх», «снова», «в течение» или «на протяжении». Этот проект объединяет общая с другими работами «МишМаш» идея — наблюдение за изменениями.
На выставке в МАММ представлена фотодокументация объекта в его реальном размере, существующая на сегодняшний день. В экспозиции оставлено пространство из пустых белых листов, которые будут заполняться новыми изображениями меняющейся скульптуры. Каждую пятницу на протяжении работы выставки инсталляция будет обновляться, показывая, как объект трансформировался день за днем за прошедшую неделю. В январе 2022 года законченный объект будет выставлен в МАММ. Выставка работает до 15.11.21.
Группа «МишМаш». Из проекта Over&over. 2021 Предоставлено авторами
Фотографии предоставлены pr-службой МАММ
10.09.21. В «Зарядье» представлена Выставка номинантов 2 Московской Арт Премии. Московская Арт Премия (МАП) – первая городская премия в области современного искусства, созданная для поддержки широкого круга авторов всех направлений и жанров. Экспозиция собрала знаковые проекты и ключевые работы 2020 года, созданные, согласно регламенту премии, «в Москве, о Москве, для Москвы». Премии адресованы тем, кто в период с 1 января 2020 года по 1 апреля 2021 года создал произведения в любом из жанров и направлений современного искусства. Экспертный совет выбирает победителей в пяти номинациях: «Изобразительное искусство и архитектура», «Театр», «Кино», «Литература» и «Музыка». Медиацентр парка «Зарядье» выступает в роли главной представительской площадкой 2 Московской Арт Премии. Здесь можно познакомиться с произведениями, представляющими все пять номинаций. Экспозиция в выставочном зале и холле Медиацентра вместе с объектами на территории парка – номинантами в категории «Изобразительное искусство и архитектура» – включит в себя работы более 50 авторов. В Медиацентре представлены фрагменты значимых экспозиционных проектов и художественных серий, звуковые скульптуры и масштабные инсталляции. Среди них: Серия «К Ночи» Франциско Инфанте и Нонны Горюновой, особенно ярко раскрывающая важную для дуэта тему «необъятности и непостижимости универсума» (Галерея Алины Пинской); Ретроспективная выставка Игоря Макаревича и Елены Елагиной «Обратный отсчет», ставшая для самих авторов поводом «оглянуться назад и проанализировать сделанное и пройденное за последние тридцать лет» (Московский музей современного искусства); «Закрытая рыбная выставка. Реконструкция» Дмитрия Хворостова и Яна Гинзбурга – оммаж классикам московского концептуализма Игорю Макаревичу и Елене Елагиной, показанный в Центре Вознесенского в рамках VII Московской международной биеннале молодого искусства; Выставка Паруйра Давтяна «Откровение чудесного пруда» как продолжение близкой художнику концепции Сада, отсылающая названием и пространственным устройством к наследию Клода Моне (Мультимедиа Арт Музей); Выставка Павла Отдельнова «Русское нигде», продолжившая исследование художником периферийных районов больших и малых городов — «немест», в которых «не происходит ничего, а попасть намеренно в них невозможно» (Галерея «Триумф»), фрагменты проекта Тимофея Парщикова Sad.O.K.Super, ставшего для художника попыткой отрефлексировать изменения эмоционального восприятия во время карантина, и объекты из серии Bulky Biceps Александра Кутового – античные скульптуры, приспособленные художником под спортивные нужды современного пользователя, звуковые инсталляции Сергея Филатова («Две точки на гладкой прямой») и ::vtol:, объекты и видео Аристарха Чернышева из проектов «Критически важное обновление» и PiO 2.0, фотодокументация проекта «Временный ландшафт» Елены Артеменко, графика Ирины Кориной для проекта «Музейный маршрут», в рамках которого художница оформила троллейбус на последнем оставшемся маршруте Т, произведения Александра Повзнера, Аллы Урбан, Сергея Браткова и других авторов. На открытых пространствах парка размещены объекты масштабного лэнд-арт. Выставка работает до 30.11.21.
Фотографии Cabinet de l’art
13.09.21. В Доме-музее К.С. Станиславского открылся выставочный проект Музея МХАТ и галереи Роза Азора «Фамильные драгоценности», посвященный творческим династиям. Особняк в Леонтьевском переулке хранит более чем трехсотлетнюю историю своих жильцов, самым известным из которых был легендарный режиссер – Константин Станиславский. На протяжении всей жизни главным для него были семья и театр. Выставочное пространство объединяет две творческие династии, такие разные, но связанные общими вечными ценностями. В старинные стены цокольного этажа, представляющего собой палаты конца XVII века, атмосферу своего дома временно переносит семья художников – Игорь Гурович, Лиза Ольшанская, Миша Гурович и Лиза Федермессер. Каждый член семейства работает отдельно, создает свой мир, строит собственную артистическую карьеру. Никогда прежде они, делающие самые разные вещи, не выступали вместе, в одном выставочном пространстве. Выставка в Доме-музее К.С. Станиславского стала первым опытом. В экспозиции также представлены реликвии семьи Константина Станиславского, который поселился в Леонтьевском переулке в 1921 году. Здесь в Онегинском зале он репетировал с актерами Оперной студии, встречал гостей, здесь жила семья режиссера, его жена, актриса МХАТ Мария Лилина, дочь Кира. В экспозиции представлены архивные фотографии, графические работы из фондов Музея МХАТ. Кураторы выставки: Любовь Шакс, Наталья Сидорова. Выставка работает до 21.10.21.
Листайте галерею >>>
Фонды Музея
Миша Гурович
Лиза Федермессер
Лиза Ольшанская
Игорь Гурович
Фотографии предоставлены pr-службой Музея МХАТ
15.09.21. Музей русского импрессионизма представил выставку-исследование «Другие берега. Русское искусство в Нью-Йорке. 1924» о крупнейшем в США показе русской живописи, скульптуры и графики сотни лучших авторов в Большом Центральном дворце в центре Манхэттена, позже выставка посетила ещё двадцать городов США и Канады. Спустя почти сто лет посетители смогут увидеть более 70 знаковых работ из музейных коллекций и частных собраний России и мира, в том числе из Галереи Альбертина в Вене. В 1924 году на Выставке русского искусства в Нью-Йорке было представлено более 1000 работ. Эта экспозиция является уникальным срезом русского искусства первой четверти XX века – выставка предполагала продажу произведений, поэтому ее участники отправляли за океан свои лучшие творения. Среди покупателей были дизайнер Луис Комфорт Тиффани, бизнесмен Чарльз Крейн, Фёдор Шаляпин и Сергей Рахманинов. Со временем работы были рассеяны по разным странам. Музей разыскал многие из них в коллекциях США, Канады, Великобритании, Швейцарии, Испании, Франции, Германии, Австрии, Армении, Таджикистана и других стран.
Билет на Выставку русского искусства в Нью-Йорке. Российский фонд культуры
На территории России картины оказались разбросаны от Хабаровска до Ростова-на-Дону. Поиск работ занял у кураторов больше года. Искусствоведам удалось установить судьбу нескольких сотен произведений, некоторые из них заново открыты для зрителей. В экспозицию входят работы Льва Бакста, Игоря Грабаря, Бориса Григорьева, Михаила Ларионова, Ильи Машкова, Петра Кончаловского, Бориса Кустодиева, Зинаиды Серебряковой и других художников из собраний Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, коллекций Виктора Шкулёва, Анатолия и Майи Беккерман, Романа Бабичева и других. Подтвердить участие того или иного полотна в американской выставке помогли сотни архивных документов, каталогов аукционных торгов, консультации с музейными хранителями, а также переговоры с коллекционерами и сотрудниками аукционных домов, газеты и журналы двадцатых годов прошлого века. К выставке подготовлено фундаментальное издание с информацией о более чем 200 произведениях с американской экспозиции, значительную часть которых пока невозможно привезти в Россию. Продолжает тему исследования выставочный проект «Гипотезы». На третьем этаже музея расположены работы Виктора и Аполлинария Васнецовых, Станислава Жуковского, Бориса Кустодиева и других художников, участие которых в заокеанской эпопее по-прежнему остается под вопросом. Обе экспозиции позволяют представить, как могла выглядеть выставка в Нью-Йорке в 1924 году. Подготовлена обширная просветительская программа для детей и взрослых. Куратор выставки: Ольга Юркина, специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма. Выставка работает до 16.01.22.
Архипов А. Молодая крестьянка. 1920. Частное собрание
Захаров Фёдор по мотивам картины Бориса Кустодиева. Афиша Выставки русского искусства. 1924. Частное собрание, Москва
Фотографии предоставлены pr-службой Музея
15.09.21. К 165-летнему юбилею со дня своего основания Третьяковская галерея подготовила специальный проект – выставку-маршрут «Отвергнутые шедевры. Вызов Павла Третьякова», который проложен по постоянной экспозиции в историческом здании музея в Лаврушинском переулке. Выставка предлагает посетителям пройти по залам классического искусства Галереи и увидеть самые неоднозначные, острые и обсуждаемые в России во второй половине XIX – начале XX века произведения, которые нашими современниками воспринимаются как хрестоматийные шедевры. Из 20 полотен, включенных в состав проекта, 15 были куплены самим Третьяковым. Три картины по разным причинам он не приобрел, две были созданы и приобретены уже после его смерти Советом Галереи, который продолжил политику коллекционера. Маршрут выставки начинается в 16 зале и на всем его протяжении возле экспонатов расположены специальные стойки с информацией о том, почему тот или иной шедевр был отвергнут современниками. На них же размещены QR-коды с более подробной историей о каждом произведении. Включенные в состав маршрута произведения отмечают высшие достижения отечественного искусства. Значительная часть этих работ была приобретена Третьяковым именно в тот момент, когда большинство их не принимало и критиковало. В этом смысле факт покупки картин демонстрирует верность поставленной цели, удивительное художественное чутье и смелость коллекционера, воспринимается как своего рода вызов московского купца обществу, прежде всего чиновничьему Петербургу. Среди отобранных для экспозиции картин такие шедевры, как «Боярыня Морозова» (1887) В.И. Сурикова, «Сельский крестный ход на Пасху» (1861) В.Г. Перова, «Неизвестная» (1883) И.Н. Крамского, «Березовая роща» (1879) А.И. Куинджи. Идея проекта – показать, как были встречены современниками избранные полотна и как менялись эстетические представления и предпочтения публики на протяжении ста с лишним лет, сколь разнообразно и неоднозначно может быть истолкование той или иной картины критиками, писателями, общественными деятелями. Выставка работает по 13.03.22.
Фотографии Cabinet de l’art
15.09.21. Галерея Люмьер представила первую в России выставку легендарного американского фотографа Мелвина Соколски. «Мы активно изучаем и показываем жанр модной фотографии, эволюция которого пришлась на XX век. Вдвойне важно использовать возможность работать с авторскими отпечатками при жизни фотографа. Шанс увидеть работы Мелвина Соколски в Москве, конечно, уникален, как для коллекционеров, так и для тех, кто только начинает открывать этот жанр для себя» – основатель и директор Галереи Люмьер, Наталья Григорьева-Литвинская. Соколски стал настоящим революционером в фэшн фотографии – он создавал портрет женщины своей эпохи. В 1960-х, когда вторая волна феминистского движения начала набирать обороты, Соколски настаивал, что женская красота и жест самой модели были так же важны, как и одежда, которую она демонстрировала. На выставке «Высокий полёт Мелвина Соколски» галерея показывает самые узнаваемые работы автора, включая культовую серию «Bubbles», сделавшую тридцатилетнего Соколски знаменитым на весь мир. В 1963 году молодой Мелвин Соколски создал беспрецедентную серию работ с моделями, парящими над улицами Парижа в огромных прозрачных сферах. Вдохновленная образами с полотна «Сад Земных Наслаждений» Иеронима Босха, серия Соколски сочетает в себе сюрреализм и мир высокой моды, а также растущую в те времена популярность уличной фотографии в модной индустрии. Главная работа серии «Пузырь над Сеной, 1963» запечатлела французскую модель Симону Д’Айлленкур в костюме от кутюр, застывшую в сфере из плексигласа над гладью Сены. Именно этот кадр стал одним из самых влиятельных и знаковых модных образов, вошедших в историю. Сегодня работы Мелвина Соколски входят в постоянные коллекции Музея Виктории и Альберта (Лондон, Великобритания) и Музея Пола Гетти (Лос-Анжелес, США). В 2017 году работа «Пузырь над Сеной, 1963» Соколски была отобрана кураторами Музея Виктории и Альберта, как самый культовый модный образ за последние 100 лет. «Арт-директор Harper’s Bazaar, Генри Вульф, дал мне тогда полную концептуальную свободу. Его интересовало только мое личное, авторское видение. Главной задачей было, чтобы, увидев мои работы, читатель сказал – это Соколски», – вспоминает фотограф. Выставка организована при поддержке Посольства США в Москве и Форума культурного взаимодействия. Выставка работает до 16.01.22.
Bubble on Seine, 1963 © Melvin Sokolsky
Simone Fini, 1966 © Melvin Sokolsky
Tooker Lips, 1965 © Melvin Sokolsky
Фотографии предоставлены Галереей Люмьер
15.09.21. Фонд Ruarts представил персональную выставку «Форма» российского мультидисциплинарного художника с уличным бэкграундом Petro. Petro, один из самых известных представителей движения искусства «уличной волны», рисует на стенах более 20 лет. Основатель и участник пост-граффити дуэта Aesthetics group. Сегодняшний эклектичный стиль художника построен на сочетании различных направлений прикладного искусства и архитектуры. Персональная выставка Petro стала частью большого книжного проекта «Граффити-Азбука», участники которого – 33 граффити-художника и представителя «уличной волны» из России, разработали в своей стилистике дизайн русского алфавита от «А» до «Я», а также по одной букве алфавита, которая рандомным образом досталась каждому. Масштабный проект, кураторами которого выступили Андрей Бергер (Aber) и Дмитрий Аске, демонстрирует широкий спектр стилей и подходов современных райтеров, их интерес к культуре шрифта и его использованию в визуальном поле. Развивая концепцию формы, Petro придал своим оригинальным графическим изображениям архитектурный объём: фанерные элементы вырезаются лазером, склеиваются, шлифуются, затем выкрашиваются и собираются воедино. Форма букв является определяющей для всего ритма, выверенность линий позволяет детально изучить процесс архитектурного проектирования, строгости добавляет сочетание локальных цветов – красного, белого и черного. Отсылка к знаковым цветам русского авангарда, прямого источника вдохновения Petro, лежит в основе всего творчества художника. Выставка «Форма» показывает, что почерк является выражением личности и, благодаря видению райтеров своего идеального визуального языка, мы можем оценить алфавит в целом как новую форму художественного произведения. Экспозиция из 33 скульптур, 16 ассамбляжей, детально проработанной буквы «Ф», которая выпала Petro, – итог продолжительного исследования уличного художника конструкции буквы, диапазона возможностей оформления и восприятия шрифтов. Выставка работает до 03.10.21.
Фотографии предоставлены pr-службой Фонда Ruarts
16.09.09. Галерея ГУМ-Red-Line впервые представила в Москве работы андеграундного петербургского объединения «Инженеры искусства». Выставка «Школа инженеров искусства. Вдали от равновесия» показывает тридцатилетний срез творчества одного из самых ярких явлений петербургского андеграунда, практически неизвестного московской публике. Кураторами выставки выступают Николай Маргиев и Екатерина Юшкевич. Основанная в 1989 году школа «Инженеры искусства» объединяет Инала Савченкова, Франца Родвальта, Сергея Енькова, Григория Стрельникова и Владислава Балаклейского. «Инженеры искусства» тесно вплетены в историю петербургского андеграунда: они выставлялись в коллективных проектах «Новых художников», участвовали в оформлении первых в России технорейвов, были частью перформансов «Поп-механики» Сергея Курёхина. Сегодня участники объединения работают совместно и приглашают к участию новых членов, проводят выставки в России и за рубежом. Один из основателей объединения Инал Савченков сегодня разрабатывает новые подходы к живописи. Его младший брат Сергей Еньков сотрудничает с крупнейшими российскими театральными и музейными проектами, в том числе с Большим театром и ЦВЗ «Манеж». Проживающий в Берлине Франц Родвальт как художник-скульптор активно работает с известными голливудскими режиссерами, среди которых сестры Вачовски, Квентин Тарантино, Уэс Андерсон, Терри Гиллиам. Участники объединения «Инженеры искусства» стремятся к созданию универсального художественного языка через эстетический анализ окружающего мира и применение средств искусства для познания научно-технических открытий, гуманитарных наук, философии и медицины. Свой метод художники назвали петербургским постреализмом. Произведение у «Инженеров» существует не автономно, а учитывает пространство и время. Работы школы отличает многообразие техник, коллажность и интерес к физическим свойствам материалов: масляных и акриловых красок, грунта, холстов, бумаги, пластика, пенопласта, фотографии, видеокадра. Среди знаковых работ, которые показаны на выставке, – литография Франца Родвальта и Инала Савченкова начала 1990-х годов «Мысль — это химическая реакция», являющая собой синтез «инженерности» и «искусства», полотно Инала Савченкова «А вы не забыли ключи?» (1989-2021) на основе украденной городской афиши, экспрессионистский городской пейзаж «Линден — столица Англии» (1989) Григория Стрельникова, живописная работа Сергея Енькова «Без названия» (2016) из серии «Хозяин лампы» иллюстрирует структурную аналитическую работу с образом и цветом в сочетании с коллажными практиками художника. Выставка работает по 20.11.21.
Франц Родвальт. Без названия. 1995 (с) Предоставлено галереей ГУМ-Red-Line
Сергей Еньков. Без названия. 1995 (с) Предоставлено галереей ГУМ-Red-Line
Григорий Стрельников. Без названия. 1994 (с) Предоставлено галереей ГУМ-Red-Line
Фотографии предоставлены pr-службой проекта
15.09.21. Галерея «ЗДЕСЬ на Таганке» Объединения «Выставочные залы Москвы» открыла два выставочных проекта: второе ПЕРКИННАЛЕ современного искусства «И СНОВА ТУФЛИ В ПЫЛИ» (куратор Вова Перкин) и выставку «LOVING BULGAKOV» художника Алексея Гурского (куратор Филипп Киркоров). Арт-директор галереи «ЗДЕСЬ на Таганке» – Андрей Бартенев.
«И СНОВА ТУФЛИ В ПЫЛИ» – групповой проект объединения молодых художников «Наша Утопия», инициированный художником Вовой Перкиным. Вместе с художниками Димой Макондой, Сережей Фили и Геной Жуком, занимающимися граффити и стрит-артом, Перкин в 2015 году организует группу «Наша Утопия», а в 2016 году приходит в галерею «ЗДЕСЬ на Таганке» к Андрею Бартеневу, под чьим руководством группа начинает заниматься живописью. В мае 2021 года Перкин вошел в рейтинг «30 самых перспективных россиян до 30 лет» в категории «Искусство» по версии Forbes (Россия). Первая «ПЕРКИННАЛЕ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА» прошла в декабре в 2019 года, представленные работы отличались буйством живописных красок и обилием выдуманных персонажей вселенной «перкинистов». Во ВТОРОЙ ПЕРКИННАЛЕ сделан акцент на диалоге поколений: проект имеет постоянный состав участников, но сейчас приглашены новые авторы: художники в расцвете сил и классики современного искусства. В этом году вместе с коллективом «Наша Утопия» (художники Гена Жук, Дима Маконда, Маратка, Вова Перкин, Лиза Плакса и Сережа Фили) в проекте принимают участие молодые художники Юра Забсе и Карина Садреева-Нуриева и такие известные авторы, как Андрей Бартенев, Сергей Борисов, Виктор Гоппе, Роман Ермаков и Игорь Шелковский. На выставке представлены живопись, поэтические тексты, графика, офорты, деревянная скульптура, объекты, перформансы. Впервые на ПЕРКИНАЛЕ выстраивается цепочка из художников разных поколений, работающих с деревом: Роман Ермаков – Виктор Гоппе – Игорь Шелковский. ВТОРАЯ ПЕРКИННАЛЕ – это продолжение знакомства с миром «Наша Утопия» через поэзию и путешествия. Картины разворачиваются как истории, рассказывающие о давно существующей чудесной вселенной. Главная идея выставки «И снова туфли в пыли» – это фантазийное совместное путешествие художников в Нашу Утопию, заселяемую персонажами и локациями, которые выдумываются путешествующими. ПЕРКИНИЗМ «Перкинизм» – термин, придуманный Вовой Перкиным для обозначения художественного языка группы «Наша Утопия».
Дима Маконда. Охотники за Угаром. Холст, акрил, 130х180, 2020
Вова Перкин. Космический мужик, кто ты Холст, акрил, 120х180, 2020
«LOVING BULGAKOV» – выставка Алексея Гурского в Малом зале под кураторством Филиппа Киркорова. Эта выставка реализует мечту арт-директора галереи «ЗДЕСЬ на Таганке» Андрея Бартенева начать диалог и сотрудничество поп-звезд с мастерами поп-арта и современного искусства в широком прочтении. Алексей Гурский – график и художник из Молдовы, превращающий живопись в современный кинематографический комиксарт в стиле Marvel. К 130-летию со дня рождения М. А. Булгакова Алексей Гурский создал серию акриловых полотен – иллюстраций к «Мастеру и Маргарите» и представил в виде персонажей великого романа звезд современной российской и западной поп-культуры, превратив текст одного из самых популярных произведений русской литературы в так называемый графический роман и кинематографический комикс. Выставки работают до 07.11.21.
Фотографии предоставлены галереей «ЗДЕСЬ на Таганке»
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
