Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о выставках и арт-событиях на этой неделе.
Дмитрий Цветков, #9 из серии «Корабли», 76х158см, 2016. Фотографии предоставлены изданию пресс-службой Ruаrts
29.08.25. В Галерее на Трубной открылась выставка-размышление «Дом, в котором…». Это художественный проект группы «Плюс» о роли человека в эпоху цифровизации и развития прогресса. В проекте участвуют Даша Пустовойт, Леша Непетрович, Дина Цыпина и Антон Сидько. Проект «Дом, в котором» вдохновлен одноименным романом Мариам Петросян, но не является его иллюстрацией. Художники раскрывают тему через образ дома будущего, из которого выросли и ушли его жители. Дом выступает, как объединяющее начало и для человека, и для человечества. Экспозиция состоит из трех разделов, каждому из которых отведен свой зал — это Дом, Изнанка и Наружность. Изнанка – это сновидческое пространство, параллельный мир дома, переходное состояние. Наружность – это пространство за периметром дома, наше настоящее, в котором прогресс, сетевые структуры, цифровизация изменяют роль человека и гуманитарные ценности. Наблюдатели — это метафорический элемент, подчеркивающий таинственность и непредсказуемость Дома. Группа «Плюс» исследует особенности адаптации современного человека к меняющейся реальности существования. Во время проведения выставки запланированы экскурсии, лекции, встречи с художниками. Куратор проекта: Дина Цыпина. Выставка работает по 14.09.25.
Фотографии Ольги Серегиной
29.08.25. В московской галерее «ARTBOX ЭТАЛОН» в рамках выставки «ХОРОШО БЫТЬ МОЛОДЫМ. Ленинград. 80-е. Митьки» прошел арт-вечер «Митьки в кино». Показы фильмов состоялись также 30 и 31 августа. Сооснователь легендарной арт-группы «Митьки» Дмитрий Шагин провел авторские экскурсии по экспозиции и представил снятые «Митьками» фильмы: «Митьковская встреча Эры милосердия» – остроумный ремейк киноленты «Место встречи изменить нельзя» с Вячеславом Бутусовым в роли Жеглова – и добрую комедию «Митьки спасают экологию Финляндии». На выставке представлены работы арт-группы «Митьки», ставшей одним из ключевых явлений ленинградского искусства второй половины XX века. «Митьки» – больше, чем группа художников: это целая субкультура, возникшая в начале 1980-х в Ленинграде. Их философия, описанная в манифесте Владимира Шинкарева, сочетает добродушие и иронию. Участники арт-группы проявляют себя в изобразительном искусстве, прозе, поэзии и стиле жизни. Главные принципы стиля «Митьков» – это доброта, жалостливость и предельная простота. В состав экспозиции выставки вошли более 60 работ С. Баделиной, А. Горяева, В. Голубева, А. Кузнецова, А. Митина, В. Тихомирова, Вл. Тихомирова, А. Филиппова, Д. Шагина, В. Шинкарева, В. Яшке и других художников.
Фотографии Ольги Серегиной
31.08.25. В рамках биеннале частных коллекций галерея Anna Novaпредставила проект «Травма и перерождение». Это первая выставка частного собрания современного российского и зарубежного искусства мецената Зои Галеевой. Проект объединил 80 произведений, созданных в различных медиа — живопись, графика, фото, объекты, скульптура и керамика. На выставке экспонированы работы художников, представленных в галерее Anna Nova: Марии Агуреевой, Александры Гарт, Саши Кокачевой, Хаима Сокола, Ильи Федотова-Фёдорова и Димы Филиппова. В проект также вошли произведения Патриции Айрес, Исаака Чонг Вая, Дэвида Лашапеля, Евгения Антуфьева, Лизы Бобковой, Кирилла Гаршина, Ирины Кориной, Егора Федоричева и многих других представителей современной арт-сцены. В фокусе выставки находится понятие тени, разработанное Карлом Густавом Юнгом. Согласно философу, тень — отвергаемая часть психики человека. В этом контексте практика коллекционирования искусства становится способом встречи с бессознательным, а выбор произведений — не просто эстетическим решением, а актом самопознания, в рамках которого каждая работа отражает часть личности коллекционера. На трех этажах галереи последовательно раскрываются различные подходы к коллекционированию как практике трансформации: коллекция — как сад, коллекция — как Голем, коллекция — как сон. Проект проходит при поддержке фонда «Геометрия», основанного Зоей Галеевой в 2024 году. Деятельность фонда направлена на развитие художественной среды и поддержку молодых авторов, галерей и институций. Среди приоритетов — гранты для художников и галерей, издательские и образовательные инициативы, участие в международных ярмарках и развитие собственной коллекции. Выставка работает до 12.10.25.
Леонид Богданов. Статуя с пауком. 1978. Из коллекции Зои Галеевой. Фотографии предоставлены галереей
02.09.25. В Центре современного искусства Винзавод прошел Вечер Вернисажей: состоялось 11 открытий в галереях, экскурсия с ментором Алексеем Масляевым по итоговой выставке Открытых студий 12 сезона «Этого мало, этого слишком, этого достаточно» , танцевально-музыкальный перформанс «Внезапный рейв» от художника Андрея Soul и перформанс Кати Улитиной в рамках направления Винзавод.Эксперимент. В галерее XL открылся проект «Выбор» Игоря Самолёта. В галерее 11.12 состоялось открытие выставки «Кто мы друг другу?» Василия Слонова. Галерея a—s—t—r—a представила персональную выставку Валентина Коржова The way to Cronus. HSE ARTGallery представила проект Are you ready for the future? из коллекции Пьера- Кристиана Броше. В Вечер Вернисажей галерея Треугольник превратилась в открытую студию художника Йируй Фана. Галерея Totibadze открыла выставку «История одного лета» Юли Киракосян. Галерея FINEART представила выставку «Рукав 3/4» Александра Рукавишникова.
Галерея pop/off/art представила выставку «Вариант интерьера» Василия Кононова-Гредина. На время проекта площадка галереи стала тотальной инсталляцией, включающей новую серию фотографий, скульптуру и художественные объекты. Внутри пространства представлены измененные предметы, обладающие знакомыми каждому чертами. Они встроены в нарратив, отсылающий к культурному коду абстрактного обитателя интерьера, принадлежащего к поколению художника. Одной из ключевых точек проекта стала серия фотографий, включающая уникальный процесс работы с медиа носителями: художник делает на камеру смартфона снимок экрана компьютера с выведенной на него найденной в сети фотографией, после чего печатает кадр техникой оптической ручной печати. Растрированное изображение таким образом, с одной стороны, наталкивает зрителя на восприятие образов через пиксели, а с другой стороны, отсылает к живописному методу работы с изображаемым, когда краска наносится слоями и мазками. На крупноформатных снимках запечатлены анонимные персонажи из интернет-пространства, которое сегодня стало частью нашего интерьера, окружения, мышления.
Василий Кононов-Гредин (Фото: Денис Лапшин). Фотографии предоставлены галереей
В галерее FUTURO состоялось открытие выставки «Предметы о поверхности, пространстве и красоте» Даниила Антропова и Сергея Карева. В пространстве выставки встречаются два автора, которые обращаются к схожей проблематике: каковы пределы выразительных возможностей визуального искусства, где размываются границы между традиционными художественными формами и медиа? Особенность проекта заключается в том, что оба художника разрушают традиционные представления о художественных медиумах. Карев расширяет понятие живописи, перенося её с холста на неконвенциональные поверхности (бумага, ткань, гипс), а Антропов превращает декоративную вазу в скульптуру, или живопись в объеме. Сергей Карев делает упор на технику: игра текстуры, сложные цветовые сочетания, композиционная организация пространства, — визуальность становится для художника связующим звеном между внешним по отношению к искусству миром и тем, что скрывается за живописной поверхностью. На выставке эту поверхность формирует множество гипсовых плиточек. Каждая самостоятельна и имеет свою драматургию. Вместе же они образуют нечто большее, чем сумма отдельных составляющих – область трансцендентного. Повторение образа позволяет художнику расширять визуальное и смысловое пространство в бесконечность: от фрагмента через повторение формы, размера, приёма к бескрайнему полю живописи. Даниил Антропов в работе с керамикой акцентирует внимание на форме, мастерство исполнения определяет целостность высказывания. Изучая традиционные приемы работы с керамикой и фарфором в разных точках планеты (Япония, Франция, Китай), Антропов сформировал уникальный визуальный почерк. Скульптуры, которые художник создает с использованием индустриальных материалов, стекла, ткани, являют собой аффект, гимн красоте за рамками эстетики и дихотомии. Традиционная форма китайской вазы трансформируется, обрастает новыми слоями — этот процесс художник только направляет, но не контролирует, называя его метаморфозой печи. Куратор проекта: Кристина Горланова.
Даниил Антропов. Untitled. 2025, фарфор, глазурь, стекло, металл. 170х70х70 см (фрагмент). Фотографии предоставлены галереей
Галерея PENNLAB открыла выставку «Цифровые тени слов» Юлии Павловой — результат творческой экспедиции художницы в Чеченскую Республику, посвящённой наследию поэта Арби Мамакаева (1918–1958). Вдохновением для проекта стала судьба и творчество поэта, переводчика Лермонтова и Горького, чья жизнь сочетала творческие взлёты и трагические испытания. Современники называли Арби «чеченским Есениным». В экспозиции представлены авторская книга художницы — главный объект выставки, редкие архивные материалы из Литературно-мемориального музея (рукописи, письма, личные вещи, фотографии), оцифрованные документы, коллажи, цифровые фотографии, текстильные работы, видеодневники поездки и инсталляции с элементами культурной памяти, включая знаменитый советский ковёр. Проект ранее был представлен на фестивале «Аланика» (2024, Владикавказ) и в «Нерусском негосударственном музее» (2025, Санкт-Петербург).
Фотографии Ольги Серегиной
В галерее BIS ART состоялось открытие выставки «Посиделки» Shishik и Ophelia t., исследующей влияние домашнего пространства на человека. Дом — это место, где стены становятся свидетелями человеческой подлинности. Где люди снимают маски, надетые для улицы, и позволяют себе быть уязвимыми, странными, настоящими. Но что, если стены не защищают, а лишь напоминают о том, как сложно сохранить себя в мире, который требует постоянной игры на публику? Работы Shishik и Ophelia t. повествуют о бытовой обстановке, сепарации от городского крика и погружении в свой собственный. Куратор: Анна Понамарева.
Фотографии Ольги Серегиной
Галерея OVCHARENKO открыла новый выставочный сезон персональной выставкой Инала Савченкова «Комната смеха». Инал — настоящее имя художника Инала Савченкова, художника и мультипликатора, яркого представителя ленинградского авангарда и рок-культуры 1980-х. Инал входил в движение «Новых художников» Тимура Новикова, в юности основал арт-группу «Добрые волшебники», а позднее стал одним из лидеров «Инженеров искусств». Художник создавал анимацию и видеоролики для рок-группы «Кино», групп «Новые композиторы», «Колибри», «Два самолета», картины Инала находятся в коллекциях Третьяковской галереи и Русского музея. В своих работах Инал сохраняет узнаваемую манеру, сформированную еще в 1980-е с характерными для неофициальных художников периода перестройки неоэкспрессионизмом, протестом против серости комиксами и граффити. Его картины можно узнать по своеобразной мультяшности и характерным фантастическим персонажам. В своем творчестве он напоминает, что главное чудо искусства заключается прежде всего в радости. В новой серии работ Инал возвращается к своим собственным детским впечатлениям от отражений в кривых зеркалах традиционных комнат смеха и их последующему осмыслению. Со слов художника, идея и название выставки уходит корнями в детские воспоминания: «В детстве я никогда не понимал смысла Комнаты смеха, но, посетив её ребёнком, вышел непонятно кем». Искривление реальности поразило Инала и заставило задуматься: каким должен быть человек, чтобы в кривом зеркале отражаться и выглядеть как настоящий? Эти размышления стали отправной точкой для перекодировки реальности в его творчестве — от игры с пластической деформацией до поиска новых художественных измерений. На выставке в OVCHARENKO представлены новые работы художника с узнаваемыми фантастическими персонажами – существами, проникающими в привычный нам мир из других измерений.
Инал «Лучше, чем в кино», 2025. Фотографии предоставлены галереей
02.09.25. Галерея SISTEMA GALLERY в рамках биеннале частных коллекцийоткрыла выставку из собрания Дмитриф Коваленко «Восприятие красоты». Экспозиция отражает главный принцип формирования собрания: работа должна быть украшением жизни дома и в офисе. Дмитрий Коваленко начал собирать русское современное искусство в начале 1990-х годов. Поддерживал L Галерею, одну из первых, открывшихся в Москве, потом некоторое время XL Галерею. Коваленко — один из учредителей Клуба коллекционеров современного искусства. В его собрании находится около 700 произведений более чем 100 художников. В основном это работы, созданные в девяностые и двухтысячные годы. Ядро коллекции составляют произведения художников из легендарных сквотов в Фурманном и Трехпрудном переулках и художников XL Галереи: Константина Звездочётова, Юрия Альберта, Андрея Филиппова, Валерия Кошлякова, Александра Мареева, Александра Виноградова и Владимира Дубосарского, Владислава Мамышева-Монро, Айдан Салаховой, Ирины Кориной. В экспозиции также представлены созданные в этот период произведения классиков московского концептуализма и соц-арта Виктора Пивоварова, Игоря Макаревича, Бориса Орлова и Леонида Сокова, творчество вышедших на художественную сцену в 1980-е годы Сергея Мироненко, Бориса Матросова, Константина Латышева, Гоши Острецова и Павла Пепперштейна, бумажная архитектура Юрия Аввакумова, фотоработы Бориса Михайлова, живопись и графика Никиты Алексеева, Семёна Файбисовича, Константина Батынкова, Ростана Тавасиева, Анны Желудь, Василия Шумова, а также молодых художников, чей путь в искусстве начался в 2000-е. Выставка работает до 16.09.25.
Константин Латышев About NewWave, 1989. Фотографии предоставлены пресс-службой галерей
03.09.25. Центр «Зотов» и Музей AZ представили совместную выставку«Путь к авангарду: диалоги художников в журнале “А-Я”». Проект основан на исследовании раздела «Наследие» журнала неофициального русского искусства «А-Я», выходившего под редакторством Игоря Шелковского и Александра Сидорова с 1979 по 1986 год в Париже. Именно в «А-Я» впервые были опубликованы работы Эрика Булатова, Ильи Кабакова, Виктора Пивоварова, Олега Васильева и многих других. Помимо текстов о современном русском искусстве, на страницах издания публиковались манифесты и просветительские статьи об авангардистах 1910–1920-х годов, а также их произведения. Журнал «А-Я» не только знакомил западного зрителя с советским андеграундом, но и помогал художникам-авторам определить свое место в «истории искусства, выстроенной по магистральной линии движения авангарда». Начиная с середины 1930-х годов работы художников, сегодня считающихся авангардистами, нельзя было увидеть: их произведения постепенно исчезли из экспозиций музеев, альбомов по искусству и читальных залов библиотек. Развернулась борьба с формализмом, чуждым социалистическому обществу. И только спустя 20 лет про авангард вновь заговорили, но при этом — его не очень хорошо знали. С конца 1950-х начинается последовательное, но по большей мере кулуарное исследование художественных течений начала XX века. В этом отношении журнал «А-Я» является уникальным историческим документом. На страницах издания наследие русского авангарда было представлено в трех ракурсах: во-первых, через публикацию материалов первого русского авангарда в разделе «Наследие»; во-вторых, через так называемый «диалог» современных художников с историческим авангардом; в-третьих, через размышления об авангарде современного искусства. Здесь впервые увидели свет тексты Малевича, Филонова, Матюшина и Шаламова. Таким образом журнал способствовал переоткрытию многих теоретических и художественных концепций раннего авангарда в то время, когда советские журналы только начинали о нем писать.
Экспозиция выстроена вокруг диалога художников «первого» и «второго» авангарда, развернувшегося на страницах журнала, и объединяет более 350 экспонатов, среди которых работы Казимира Малевича, Эль Лисицкого, Павла Филонова, Игоря Шелковского, Эрика Булатова, Ильи Кабакова, Виктора Пивоварова, Франциско Инфанте, Олега Целкова, Ивана Чуйкова и других.
Архитекторы Александр Бродский и Наташа Кузьмина вписали в круглый план выставочного зала белоснежный «журнальный» куб. Разделы выставки «Комплекс Малевича», «Филоновская мифологема», «Случайная встреча», «Опять ангела нарисовал…», «Пора искусству вторгнуться в жизнь», «Окно расширенного смотрения», «Сам себя издат» и «Право слова» последовательно проводят по темам, волновавшим художников как в 1910–1920-х, так и в 1970–1980-х годах. Во внешнем периметре, за пределами куба, можно ознакомиться с историей создания журнала, его значением для мировой и отечественной арт-сцены, а также с причинами прекращения его выпуска. В экспозиции приняли участие почти 40 музеев и частных собраний, в том числе Государственный Русский музей, Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО», Московский музей современного искусства, Государственный музей В. В. Маяковского, Музей AZ, Архив Музея «Гараж», МИРА Коллекция, Stella Art Foundation, Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА», Alina Pinsky Gallery и другие собрания. К выставке издан каталог «Разговоры на бумаге: о наследии русского авангарда и неофициальном искусстве 1970–1980-х в журнале “А-Я”», в рамках параллельной программы к выставке пройдут образовательные лекции, посвященные истории исследования первого авангарда и художников-нонконформистов. Для посетителей запланированы лаборатории и практические курсы: по самиздату, живописи и созданию комиксов. По традиции к выставке запланирована музыкальная программа, концерт к проекту подготовит Студия новой музыки. Кураторы:Анна Замрий и Ирина Горлова. Выставка работает до 18.01.26.
Фёдор Семёнов-Амурский. Без названия. 1973 Рама выполнена Игорем Шелковским. Архив Фёдора Семёнова-Амурского Временное хранение Музея AZ, Москва. Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»
04.09.25. Галерея Ruаrts представила персональную выставку Дмитрия Цветкова «Я люблю жизнь много лет» – поэтичный, насыщенный образами живописный манифест о свободе, витальности, лете и отпуске, который всегда заканчивается, но остается в наших воспоминаниях.Начавшись в 2015 году, за десять лет проект оформился в сюрреалистичную, фрагментарную картину мира Цветкова, в котором пространство подчиняется не законам границ, а художественной логике. Люди путешествуют, чтобы наполнить свою жизнь историями. Открывать новые земли, искать смыслы и вдохновение – глубинная потребность человеческой природы. Дмитрий Цветков – не просто путешественник, он собиратель следов. Из России, Италии и Черногории художник привез десятки акварельных листов: на них моря, корабли, самолеты, архитектурные фрагменты – миниатюрный архив «личных прикосновений». Его «отрывочные виды» становятся метафорой современной реальности – ее расслоения и недосказанности. Специально для выставки были созданы объекты-бутылки. «Я собираю бутылки с кусочками счастья — это запах разогретой солнцем травы, звук волн о скалы, свет в листве, тень от облаков. Я ставлю их в своей памяти на полку — эти моменты, которые невозможно измерить деньгами … Я уезжаю из мегаполиса — туда, где в небе парят орлы, утром в воде плещутся дельфины… В тех краях нет инвестиций, Лувра и слова «симулякр», зато есть нечто другое, что зовётся простым и великим словом — Жизнь» — Дмитрий Цветков. На каждой бутылке наклеена индивидуальная этикетка с изображением диковинной птицы и узнаваемых авторских человечков. Этот «народ» летает, плещется в синих водах, гуляет среди руин. Акварели Цветкова – это художественная утопия, в которой телу возвращается право на движение без санкции. Свобода здесь – не абстрактное понятие, а жизненная позиция. Ключевая цветовая доминанта выставки – зеленый. В разных культурах он означает открытый путь, зону безопасности. У Цветкова это не просто эстетика – это визуальный код свободы. И в отличие от настоящих границ, эту невидимую черту может пересечь любой, кто готов войти в галерею. Выставка 18+ работает до 23.11.25.
Дмитрий Цветков, #1 из серии «Море», 108x177cm, 2015. Фотографии предоставлены пресс-службой Ruаrts
04.09.25. В выставочном пространстве Stella Art Foundation открылась выставка петербургской художницы Анастасии Климовой «КВАЗАР-ВАВИЛОН».
Ее путь характеризуется обращением к универсальным темам, крупным форматам, уходом от нарративности к максимальной абстракции и открытой эмоциональностью высказывания, взглядом на явления через призму культуры. Формирование художественного языка Анастасии Климовой началось в том числе во время работы в Эрмитаже и на пленэрах под руководством Владимира Кагарлицкого, учившего студентов видеть фундаментальные цвето-динамические основы живописи. Структурирование, обозначение внутренних планов, стягивающих и удерживающих композицию стали для художницы главнейшим принципом.
Предметом живописного анализа становятся как макро-, так и микромиры. «Мне хотелось бы увидеть и показать мир так, как если бы я влезла под кожу камней», — Анастасия Климова. Центральное место в экспозиции отведено масштабным работам, таким как трехметровые свитки «Вавилон», «Шумер», «Золото Скифов», где язык манифестирует свою структурность, а структуры обретают язык. Кураторы выставки: Александр Боровский иАнастасия Докучаева. Выставка работает до 21.09.25.
Анастасия Климова, «Газ». Холст, масло, 2023. Фотографии предоставлены
04.09.2025
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
