Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
17.03.23. Галерея BURO ALL GALLERY подготовила выставку Дарьи Неретиной «Скрытые фигуры» – рассказ о хрупкости материалов, предметов, воспоминаний, жизни. Тотальная инсталляция художницы объединяет ее старые и новые работы. Художник-керамист Дарья Неретина обращается к разным медиа, комбинируя их, исследуя хрупкость и уязвимость человека через предметы и их истории. Живопись и графика, фарфор и вышивка, старые ткани и новые предметы, зеркала и стекло складываются в единое высказывание. Старый и новый бархат, украшенный вышивкой, создает особое пространство, вышивка из бисера и фарфора визуально «трансформируется» в скульптуру, в своеобразный диалог с узорчатой тканью вступают растительные формы из фарфора и работа студии флористики BURO ALL FLORA. Дарья Неретина стремится «остановить мгновенье» и увековечить момент между расцветом и распадом, делая акцент на сочетании двух цветов – белом, символизирующем чистоту и новое начало, и красном, напоминающем о торжественных церемониях, религиозных шествиях и театральных занавесах. Ключевым элементом инсталляции становятся произведения из фарфора, хрупкого, но вместе с тем стойкого. Все представленные на выставке работы и проект в целом – это разговор о личном пространстве, где человек чувствует себя безопасно и готов к внутреннему диалогу. Выставка работает по 02.06.23.
Фотографии предоставлены BURO ALL GALLERY
17.03.23. В Хлебном доме музея-заповедника «Царицыно» состоялось открытие выставки об истории промышленного стеклоделия в России, его развитии и бурном росте в ХХ веке. В экспозиции выставки «На грани. Искусство гранения и гравировки стекла» представлено более 200 предметов, многие из которых впервые покинули фондохранилище. Всего в коллекции «Царицына» собрано более четырех тысяч предметов из стекла, созданных на Ленинградском, Дятьковском, Гусевском и Борисовском и других заводах. В 2022 году музей-заповедник выпустил первую часть сочинения «Художественное стекло ХХ – начала XXI века», ставшего продолжением многотомного генерального каталога «Царицына». Вторая часть выйдет в 2023 году. Елизавета Фокина, генеральный директор музея-заповедника «Царицыно»: «На выставке мы представляем предметы XX века, созданные в техниках гранения и гравировки – пожалуй, главных способах работы со стеклом и хрусталём, которые используют художники. Одним из участников выставки стал Гусевской хрустальный завод им. Акима Мальцова, продолжающий работать в наше время».
Археологические находки подтверждают, что стекольное дело в Москве существовало уже в X–XII веках; есть свидетельства, что в те времена уже использовалось оконное стекло. Однако монгольское нашествие, раздробленность и общий упадок прервали историю отечественного стекла. В 1635 году по жалованной грамоте царя Михаила Федоровича шведом Елисеем Койетом было создано «скляничное дело» для нужд Аптекарского приказа. В 1668 году появился казенный завод в Измайлове, который обслуживал нужды царского двора и в 1751-м уже стал полноценным производством. Продукция Императорского стекольного завода была известна во всем мире, но из-за дороговизны была доступна немногим. К концу XIX столетия мировую известность обрели и мальцовские заводы, благодаря изощренному декору изделий, так называемой «мальцовской грани». Октябрьская революция и последовавшая за ней индустриализация свела на нет все эти успехи. История художественно стекла в России XX века, по мнению кураторов выставки, – это «история заново». Было создано управление стекольной промышленности «Главстекло», велось строительство заводов, открылся экспериментальный цех на базе Деминской зеркальной фабрики в Ленинграде под руководством скульптора Веры Мухиной. Это привело к тому, что в 1960-е годы советские художники-стекольщики успешно участвовали в международных конкурсах и ярмарках. Потом случился распад СССР, кризисы 1990- и 2000-х, которые большинство производств художественного стекла просто не смогли пережить. Сейчас в России из самых дорогих стекольных производств, хрустальных, работает всего один завод – Гусевской хрустальный завод им. Акима Мальцова.
На примере развития искусства гранения и гравировки выставка «На грани» рассказывает о становлении отечественного стеклоделия с послевоенных лет и до сего дня. Музейное собрание с полнотой охватывает искусство ХХ века, но экспозиция не заканчивается распадом СССР. Благодаря произведениям Гусевского завода и работам, предоставленным самим мастерами, экспозиция знакомит с современными тенденциями в гранении и гравировке. «Гранение работает со светом, гравировка — с тенью. Гравер затеняет прозрачность, для него стекольная масса — фон, на который он помещает свое произведение. Гранение выявляет блеск и игру света внутри стеклянной массы. И еще гранение — это всегда сотворчество технолога и художника, потому что без точно подобранного химического состава шихты, красителей невозможно создать ни “алмазную грань”, ни “русский камень” — орнаменты, ставшие отличительной особенностью русских, а позднее советских художников по стеклу», – сокуратор выставки, кандидат искусствоведения Александра Герасимова. Экспонировать стекло – задача повышенной сложности. Архитектор выставки Майя Фролова придумала радиусные витрины со скругленными углами и многоточечную подсветку для каждого предмета. В результате свет в экспозиции излучают будто сами экспонаты. Кураторы выставки: главный хранитель музей-заповедника «Царицыно» Елена Карасева, заведующая научно-исследовательского отдела музея Александра Герасимова, хранитель музейных предметов Светлана Парчак. Архитектор: Майя Фролова. Художники по свету: Владислав Обласов, Мария Горохводацкая, Станислава Котляр (Poisson Spot). Выставка в Хлебном доме работает по 25.08.24.
Фотографии предоставлены пресс-службой музея-заповедника «Царицыно»
17.03.23. Галерея Agency. Art Ru открыла выставку No Man’s Land. Проект представляет собой опыт коллективного осмысления – или, скорее, попытки такового – тех условий, в которых оказались арт-среда, культура и общество. Утрата привычного места обитания – феномен культурного, социального мира; при этом, коль скоро это явление часто описывается при помощи метафор «почвы», «корней», то ему явственно присуще и некое природное начало. Мотив вынужденной «пересадки» отсылает зрителя одновременно и к образу растения, перемещенного в новую среду, и к образу путешественника-изгнанника, меняющего города, страны и средства передвижения с тем, чтобы попытаться укорениться на новом месте и в результате «переприсвоить» себе окружающее пространство. Художники солидаризировались в поисках ответов на вопросы: территория выживания и творчества – где она находится сегодня? Существует ли она вообще? И если да, то какими свойствами она обладает? В контексте подобных размышлений с естественной многозначностью считываются понятие и образ «мира». Должен ли и может ли художник быть гражданином мира, лишившись привычной структуры локальных связей в ситуации, когда мир также оказался утраченным? Выстраивание новых структур, связей и сообществ – то есть, по сути, изобретение принципиально нового пространства для жизни – магистральный мотив проекта, в основе которого лежит размышление о возвращении автору субъектности и о возможности свободного художественного высказывания. Участники выставки: Сергей Шутов, Алина Глазун, Александр Гронский, Роман Сакин, Дмитрий Филиппов, Людмила Баронина, Павел Отдельнов, Александра Паперно, Гриша Брускин, Илья Кабаков, Михаил Рогинский, «Коллективные действия». Кураторы: Юлия Анненкова, Ева Вишневская. Выставка работает по 28.04.23.
Р.Сакин, Идеальный гражданин,-из коллекции-Ю.Анненковой
Дмитрий Филиппов, из серии «Следы», ручная печать на баритовой бумаге
Фотографии предоставлены галереей
18.03.23. В выставочном пространстве многофункционального художественного проекта ARBUZZ открылась групповая выставка «Найти Внутреннюю Монголию. Часть I».
– А где оно, это место? – В том-то и дело, что нигде. «Чапаев и Пустота», В. Пелевин.
В первой части проекта более 30 современных художников, работающих в разных медиа от живописи до видео-арта, дают ключ через телесное и природное к поиску мистического пространства вне реестров и официальных юрисдикций, описанного Виктором Пелевиным. Работы, вошедшие в экспозицию первой части проекта – это, во многом, эксперименты художников и куратора с границами знакомого, доступного, понятного и иного, личного, интимного, непереводимого в слова, выходящего за пределы исследуемого ареала. Куратор: Катя Финкельштейн. Выставка работает в ARBUZZ Gallery до 30.03.23.
Olga Sorokina
Makhno Olga
Eugeniya Sterliagova
Фотографии предоставлены галереей
20.03.23. Московский музей современного искусства совместно с ASKERI GALLERY представили новый проект Павла Полянского, который посвящен двум современным реалиям жизни: настоящей и виртуальной. Произведения Павла Полянского не просто анализируют прогрессивные перемены в обществе, но и раскрывают саму суть переплетенных машинных технологий с биологическими, социальными и духовными потребностями человека, помещая обе грани мира на единую плоскость. Ключевым персонажем картин художника становится женщина, которая в данном контексте предстает как олицетворение жизни, созданное природой. Помещенная в естественную среду или городской пейзаж, она окружена различными умными гаджетами: дроны летают над ее головой, словно птицы, принося посылки и подарки, а робо-псы сопровождают ее на прогулке. Поверхность холста зачастую покрыта трещинами, имитируя жидкокристаллический экран или же пиксельное размытие. Цифровой мир заметно становится частью реального. Живопись Полянского изображает уникальность нового мира, в котором человек ежедневно взаимодействует с различными девайсами. Многие работы художника, таким образом, представляют собой сатиру на общество потребления. Полянский не боится сталкивать человека и природу, природу и высокие технологии, эстетику и тепло человеческого тела и равнодушный холод металла. Куратор: Полина Аскери. Выставка работает в ММОМА на Петровке, 25 до 30.04.23.
Павел Полянский. Утренняя пробежка. 2022
Фотографии предоставлены отделом общественных связей ММОМА
21.03.23. Российская академия художеств представила юбилейный выставочный проект Народного художника РФ и академика РАХ Бориса Асафовича Мессерера «Темы и вариации». В состав ретроспективной экспозиции входит около 100 живописных и графических произведений автора, среди которых портреты, пейзажи и натюрморты, ранее не представленные широкой публике. Художественное мышление Мессерера позволяет ему одинаково свободно обращаться со всей системой пространственных искусств – театр, живопись, станковая и книжная графика, объемная пластика и инсталляция. Строгий отбор произведений, сделанный автором для своей юбилейной выставки, позволяет понять характер взаимодействия разных видов и жанров изобразительного искусства. Длительное время Борис Асафович работал в музыкальном театре, прежде всего, в Большом. Естественное погружение художника в особый мир образного звучания, понимание замысла композитора получили развитие в его творчестве, отразились в живописной структуре станковых произведений. Мессерера больше интересовала не воздушность классического танца, а ритмический рисунок сценического образа, т.е. отточенность и завершенность позы, жеста. Его знаменитые граммофоны стали героями многих произведений. Столь же выразительны интерьеры с изображением кресел и стульев, обладающих изогнутыми формами. К числу излюбленных предметов мастера принадлежат удлиненные бутылки прозрачного стекла, сквозь которые можно видеть фрагменты фона, а также необычные металлические детали, наложенные друг на друга или совмещенные с иными фактурами. Подобное соединение противоположностей напоминает о театральной природе мышления художника. Борис Мессерер, многие десятилетия отдающий себя театру, сложному делу сценографии, каждый раз предстает в неожиданных образах, создавая свой многоплановый мир живописи художника. Выставка живописи Бориса Мессерера дает возможность пунктирно представить путь художника. Впервые экспонируется его ранняя живопись, в том числе книжная иллюстрация. Выставка работает в Выставочных залах Российской академии художеств до 09.04.23.
Б.А.Месссерер. Натюрморт с бутылками, керосиновыми лампами, балясинами и раковинами.
Б.А.Месссерер. Балерина с гладильной доской и керосиновой лампой. Из цикла «Балерины».
Фотографии предоставлены пресс-службой Российской академии художеств
21.03.23. «Коллекцiонеръ Клуб» в Галерейном центре «Артефакт» представил выставку «Зеркало души. Портреты и образы в русском искусстве». Экспозиция включает более 50 живописных и графических произведений из частных собраний. Это подлинные шедевры портретного жанра, выполненные известными русскими художниками, среди которых Владимир Боровиковский, Илья Репин, Константин Маковский, Борис Кустодиев, Зинаида Серебрякова, Николай Фешин, Артур Фонвизин, Анатолий Зверев и другие мастера русской живописи ХVIII – ХХ вв. Многие картины впервые доступны для публичного просмотра. Для отечественной культуры портрет имеет особое значение – в русской живописи он первым оформился в самостоятельный жанр. Икона – Парсуна – Портрет – таким был уникальный путь зарождения светского портрета в России. Возникновение портрета неразрывно связано с необходимостью постижения человеком окружающего мира и самого себя, с развитием индивидуального и национального самосознания. В мировом искусстве, если речь заходит о самых дорогих и известных произведениях, созданных художниками, то, как правило, имеется в виду портрет. Портрет никогда не был просто отображением конкретного лица, он всегда наполнялся большим содержанием. Каждая эпоха выделяла в образе человека свои определенные качества, создавала представление о личности, в которой выражался идеал эпохи. Живописный образ неизменно транслирует ключевые идеи и ценности своего времени. Выставка работает до 09.07.2023
Орлов П.Н. “Портрет Е.Н. Ханыковой”
Орлов П.Н. “Портрет молодого человека с сигарой в руке”
Фотографии предоставлены «Коллекцiонеръ Клубом»
21.03.23. Галерея JART открыла выставку в жанре тотальной инсталляции «Место в себе», которая переносит с чердака доходного дома на Сретенском бульваре в пространство галереи мастерскую художников арт-группы «Россия» с её атмосферой девяностых годов, где будто зашифрованы ключи к пониманию целого живописного направления, целого мира символов и целой эпохи с 1990 по 2005 год,. Выставка объединяет более пятидесяти живописных работ символического реализма – направления, включающего в себя переосмысленные принципы языка реалистической живописи. Это визуальный опыт, который строится в соответствии с приемами барочного светотеневого моделирования, ориентируясь на традицию тоновой живописи, но затрагивающий тему российской повседневности в портретах, натюрмортах и бытовых сценах. В экспозиции представлен редкий портрет Людмилы Блок с выставки 1996 года «Москва‑Берлин. 1900–1950», картина «Вид от Кабаковской мастерской» 1990 года, забытые вещи и подаренные произведения Павла Пепперштейна, Сергея Ануфриева, Аркадия Насонова, Сергея Балашова, Евгения Кемеровского, Евгения Нестерова, Николая Колупаева и других. «Выставка-инсталляция “Место в себе” приглашает зрителя в увлекательное путешествие. Она постарается перенести нас во времени на тридцать лет назад. Но в то же время это путешествие внутри собственного сознания. Поэтому мы просим вас пристегнуться и занять место в себе. Полет начнется с темноты коридора и свиста проносящихся мимо вещей», – арт-группа «Россия». Доходный дом «Россия» на Сретенском бульваре – сакральный центр Москвы. Недалеко располагается училище живописи и ваяния, где учились Перов, Саврасов, Серов, Поленов. Рядом в 20-е годы работал легендарный ВХУТЕМАС, поблизости располагались мастерские Фалька и Кандинского. Мастерские на чердаке дома «Россия» устроил в 70-х годах архитектор Давид Коган, отдав первую из них художнику-концептуалисту Илье Кабакову. Сейчас здесь расположен музей Третьяковской галереи. Арт-группа «Россия» основала свою мастерскую в этом доме в 90-х годах. В этом пространстве в процессе встреч и обсуждений между художниками произошел синтез актуальных художественных движений: молодого поколения московского концептуализма в лице «Медгерменевтики» Ануфриева, Пепперштейна и питерского неоакадемизма в лице «Новой академии» и Тимура Новикова. Художники впустили поток идей в свой мир академической, реалистической живописи. Благодаря этим процессам арт-группа создала живописный стиль символического реализма. Как говорят сами авторы, «мы работаем с душой, делаем чистое искусство и служим только Аполлону». Название арт-группы было предложено Павлом Пепперштейном, оно несло в себе не только наименование доходного дома, но и вообще такого нового феномена, как Россия после только-только исчезнувшего СССР. «Это уникальное явление в современном московском искусстве можно, скорее, считать художественным сообществом или кругом единомышленников, нежели группой в общепринятом понимании. Постепенно сложился круг обсуждения искусства, ядро которого составляли Сергей Ануфриев, Людмила Блок, Иван Дмитриев, Егор Дмитриев, Евгений Кемеровский, Дмитрий Луканин, Аркадий Насонов, Андрей Соболев, Антон Смирнский, Павел Пепперштейн, Владимир Фёдоров и множество друзей, посещающих мастерские. То было время “Великого Путешествия” на Запад, когда российские художники оказались в мире бесчисленных музеев и галерей мира, но, прежде всего, Европы. Здесь они впервые увидели всё то, о чём мечтали всю жизнь. Классическое искусство перестало быть чем-то старым, пылящимся на складе или в витрине музея. Оно раскрыло художникам тайну, почему оно существует до сих пор и почему мы его видим. Оно показало им, как надо его видеть. Именно потому античность стала мерилом идеального в искусстве для общества “Россия”», – пишет Сергей Ануфриев. Выставка работает по 17.04.23.
Иван Дмитриев и Егор Дмитриев. Вид от Кабаковской мастерской
Иван Дмитриев. Овечка
Иван Дмитриев. Портет Людмилы Блок
Фотографии предоставлены галереей
22.03.23. Alina Pinsky Gallery подготовила выставку «True Colors» с произведениями художников галереи. Лейтмотивом экспозиции стал «цвет» как принципиальное средство художественной выразительности. На выставке представлены работы современных художников и художниц, чьи отношения с цветом выходят за рамки конвенциональной цветопередачи, и либо подчинены персональной мифологии экспрессионистического мышления, либо основаны на различных цветовых теориях. В английском языке существует идиома «someone’s true colors», которую можно перевести как «истинное лицо». Именно через свободную цветовую интерпретацию художники-колористы определяют себя, «своё лицо» и внутренний мир, конструируя новую реальность и достигая нужного эмоционального регистра. Для них живописность цветовых сочетаний становится принципиальным средством художественной выразительности и важным инструментом эффектного композиционного построения. В то же время Мишель Пастуро, французский исследователь и автор книг по исторической семантике цвета, замечает, что цвет – это ещё и сложная культурная конструкция, которая сопротивляется любой попытке обобщения, кроме анализа. Так, например, Наталия Турнова использует в своих монументальных работах яркие насыщенные локальные цвета для того, чтобы подчеркнуть внутренний драматизм и напряженность. Для Евгения Музалевского важно стихийное и спонтанное живописание, отчасти отсылающее к практикам автоматического письма: иногда в процессе создания картины он смешивает краски прямо на холсте. Для Вики Бегальской цвет – это хлесткое орудие, превращающее холст в едкое высказывание. Для минималиста Александра Юликова цвет является основой его рефлексивных опытов с формопостроением. А Игорь Шелковский зачастую компенсирует аскетичность рубленых форм красочной палитрой из чистого спектра. Также будут показаны работы из коллекции галереи, а том числе французского художника-абстракциониста Клода Бельгарда, которого называли «одним из последних колористов, но в истинном, почти философском смысле этого слова и выражения», и Жерара Шнайдера, одного из главных художников французской лирической абстракции, чьи отношения с цветом были эмоциональны и интуитивны. В состав выставки войдут произведения Игоря Шелковского, Михаила Чернышова, Наталии Турновой, Владимира Андреенкова, Игоря Скалецкого, Евгения Музалевского, Тимофея Парщикова, Вики Бегальской, Владимира Немухина, Юрия Злотникова, Александра Юликова, Виктора Вазарели, Жерара Шнайдера, Клода Бельгарда.
Игорь Шелковский из серии Цветы
Наталья Турнова Наблюдатель
Фотографии предоставлены галереей
23.03.23
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
