Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о выставках и арт-событиях на этой неделе.
Петр Кирюша. Без названия. 2025. Фотографии предоставлены MYTH Gallery
15.01.26. Галерея «Открытый клуб» представила выставку «Лазарь Гадаев. Скульптуры», посвященную яркому и самобытному российскомускульптору конца XX — начала XXI века. Лазарь Тазеевич Гадаев (1938—2008) — российский скульптор. Член Союза художников СССР, секции скульптуры Московского Союза художников. Лауреат Международной выставки малой пластики в Будапеште (Венгрия). Награждён медалью «Во славу Осетии». Персональные выставки проходили в Москве, в том числе в Государственной Третьяковской галерее и Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, в Орджоникидзе, Ульяновске, Саратове, Самаре, Волгограде, Липецке, Германии, Швейцарии. Произведения Гадаева представляют собой актуальный в современном искусстве сплав традиций: народной пластики Осетии, средневековой христианской скульптуры и экспериментов европейских скульпторов-модернистов. Экспозиция включает скульптуры, охватывающие период творчества художника с 1960-х по 2000-е годы. В галерее представлено три группы работ, объединенных по темам и материалам. Первая группа состоит из 15 бронзовых скульптур, многие из которых ранее не экспонировались публично. Вторая группа объединяет 8 монохромных деревянных скульптур, созданных на протяжении всей жизни художника и представленных по принципу материала. Они демонстрируют разнообразие техник и форм при работе с деревом. Третья группа формирует тематический цикл, связанный с мотивами судьбы, столь важными для творчества Лазаря Гадаева. Символы вороны, колеса судьбы, странника раскрывают философскую глубину творчества Гадаева, фокусируясь на пластическом выражении внутренних конфликтов и поиске равновесия. В рамках выставки 23 января пройдёт круглый стол, посвященный памяти Лазаря Гадаева, а 25 января состоится экскурсия в мастерскую скульптора. Выставка работает до 27.01.26.
Гадаев Л. Странник. 1982. Фотографии предоставлены галереей
15.01.26. Всероссийский фестиваль «Время, вперёд!» представил традиционный выставочный проект «Искусство труда». В течение 2025 года российские художники и скульпторы, профессионалы и любители, выезжали на действующие предприятия по всей стране, на заводы и фабрики, наблюдали реальный производственный процесс и создавали свои работы. «Искусство труда» – финальная экспозиция фестиваля. Работы участников фестиваля, отобранные для выставки, прошли экспертную оценку профессионалов отрасли. В экспозицию «Искусство труда» в новом сезоне вошли 170 работ: живопись, графика, скульптура, произведения декоративно-прикладного искусства, инсталляции. Всего в фестивале приняли участие 774 художников из 137 городов. В рамках выставки подготовлена параллельная программа проекта: лекции искусствоведов, бесплатные мастер-классы от художников, творческие встречи. Выставка работает на Хлебозаводе №9, Бойлерная до 15.02.26.
Нестерова Анастасия. Серия Высотники 1. 50х35. Фотографии предоставлены пресс-службой проекта
20.01.26. HSE ART GALLERY в ЦСИ Винзавод представила проект «Новая готика» — групповую выставку, посвящённую осмыслению «тёмной» чувствительности в современном искусстве и визуальной культуре. Термин «новая готика» был предложен западными кураторами на рубеже XX–XXI веков для обозначения художественных практик, работающих с темами аффекта, телесности, смерти и фрагментированного субъекта. Его истоки уходят в готическую литературу XVIII–XIX веков и формируются на пересечении романтизма, викторианской культуры, научной фантастики и панк-производных субкультур. В проекте Школы дизайна НИУ ВШЭ этот понятийный контекст переосмысляется применительно к сегодняшнему дню и локальному художественному полю. В фокусе — российское современное искусство 2020-х годов и то, что в культурной критике всё чаще называют «тёмными двадцатыми»: временем разлома, усталости и утраты опор. Выставка объединяет работы 19 художников — студентов, выпускников и преподавателей Школы дизайна НИУ ВШЭ, а также приглашённых авторов, последовательно работающих с тёмной и готической чувствительностью. Куратор выставки Илья Крончев-Иванов: «Замысел выставки состоит не в том, чтобы использовать «готику» как формальный ярлык для объединения художников. Скорее это попытка интерпретировать готическую оптику в российском художественном контексте и зафиксировать её актуализацию сегодня — в момент, когда подобное искусство набирает силу под воздействием сложных социальных и исторических процессов. В этом смысле готика становится не только эстетическим выбором, но и способом говорить о современном опыте: о нестабильности, уязвимости и разломах настоящего». Проект приурочен к выходу нового выпуска издания ART, посвященного исторической готике. Выставка работает до 24.02.26.
Фотографии Ольги Серегиной
20.01.26. BIS ART GALLERY открыла коллективную выставку «Стрелки вне времени». Каждый день человек балансирует между нажатием кнопки «отправить» и живым разговором. В эпоху технологий легко перепутать настоящее общение с виртуальной иллюзией близости. Участники выставки размышляют о том, как сохранить смысл диалога и человеческую искренность в мире, где все кажется одновременно далеким и навязчиво близким. Кураторы: Майя Абуэльэз и Анна Понамарева. Выставка работает до 03.02.26.
Фотографии Ольги Серегиной
22.01.26. MYTH Gallery совместно с образовательным проектом masters представили в Москве в пространстве masters:dom выставочный проект «MYTH. Unlimited». Экспозиция объединяет работы тринадцати художников MYTH Gallery, в том числе новые, созданные специально для выставки. Проект «MYTH. Unlimited» основан на идее, что миф не является фиксированным сюжетом, а понимается как процесс — система повторов и изменений, зависящая от контекста. Unlimited (с англ. «безграничный») отражает главный принцип выставки: отказ от окончательной интерпретации. Экспозиция не предлагает зрителю одну правильную контекстуальную рамку, становясь полем для множества версий и самостоятельного прочтения, где важнее всего — сосуществование разных, не сводимых к единому целому художественных мифов. Именно желание показывать индивидуальные мифы, складывающиеся на протяжении творческого пути художников, лежит в основе работы галереи. Каждый из авторов галереи формирует собственную систему образов, логику и внутренний язык, а выставка становится возможностью выборочно прикоснуться к этому многообразию. Вместо единого нарратива проект исследует несколько пересекающихся направлений: смерть и телесность, культурные коды и память, оптику цифровой эпохи. Эти траектории наслаиваются друг на друга, формируя подвижное поле пересечений, внутри которого выстраиваются принципы MYTH и логика «MYTH. Unlimited».
Экспозиция разворачивается на трех этажах masters:dom. Сайт-специфик инсталляция Алины Глазун работает с осколочно-блестящей красотой момента, живопись Петра Кирюши выстраивает мерцающие пространства из цветовых наслоений и разрастающихся форм, а сканограммы Кати Исаевой соединяют научный объект, исторический миф и цифровые техники. Живописные работы Анны Афониной используют пленочные образы как основу для искажения и контакта и соседствуют с инверсивными витражами Милены Стрелковой, исследующими жизнь и смерть, разноцветное изобилие и материализм. Текстиль Людмилы Барониной разворачивает мотив поиска и взросления во вселенной абсурда, ковры Вадима Михайлова работают с орнаментом, повтором и смещением культурных кодов, деревянная скульптура Ульяны Подкорытовой обращается к метаморфозе и вымышленной архаике, а объект Ирины Кориной – к разочарованию и утрате утопических надежд. Брезентовое полотно Егора Федоричева фиксирует следы времени, износа и остаточного образа, бетонный холст Никиты Селезнева работает с разрушением, нормативностью и постапокалиптикой, фотографическая серия арт-группы ПРОВМЫЗА фрагментирует видео-оперу на перформативные сцены, а фотография Александра Седельниковаэкспериментирует с интервенцией как способом работы с пространством. Выставка работает в masters: dom до 09.04.2026.
Милена Стрелкова. Мыши. 2025. Стекло, обжиговые краски, шпагат, латунь, стальные крепления. Фотографии предоставлены MYTH Gallery
22.01.26. Фонд Ruarts представил первую персональную выставку художницы Марины Бессоновой — «Переживание радости» как фундаментального чувства, построенного из хрупкости и вечности. Марина Бессонова специализируется на арт-объектах из керамики и бисквитного фарфора. С 2020 года она работает в направлении скульптурного дизайна. В своем проекте Бессонова связывает фарфоровую традицию пластического мышления с языком XXI века. По словам художницы, фарфор — экспрессивная субстанция, сравнимая с кистью на холсте: техника работы с тонкими элементами этого капризного материала превращает случайность в закономерность, рождая сюжеты спонтанно, без строгого плана. Одной из своих основных задач в работе Марина видит трансляцию русского наследия, желание культивировать образ русской сказки как нечто неизменное, ясное и праздничное. Художница делает главным героем сам материал. Фарфоровые образы Бессоновой — матово-белые, ясные, очищенные от лишнего напоминают о белокаменном орнаменте древних соборов. Марина Бессонова создала проект-«украшение» для эпохи минимализма, где довольство рождается не от изобилия красок, а от фактур и игры света на столе. Выставка работает до 08.03.26.
Марина Бессонова. «Странствия конька-горбунка». 2025. Фотографии предоставлены Фондом Ruarts
22.01.26. Sistema Gallery открыла две выставки
— Сергей Бугаев-Африка «РЕБУС», в рамках которой представлены работы от раннихэкспериментов 1990-х до монументальных полотен, созданных в 2020-е, таких как «КвРебус» — «квантовый ребус», где вихрь символов образует новую Вселенную, или «Четверичныйнеразгаданный ребус» — попытка найтиархетипический порядок в самом хаосе. Каждаяработа — не объект, а событие и территория.
Сергей Бугаев-Африка с детства увлекалсяразгадыванием ребусов и часто перерисовывал их из журналов. Со временем у него накопилсяогромный архив, который стал частью художественного метода. В основе проекта лежитряд фундаментальных вопросов, которыепревращают выставку из собрания артефактов в попытку провести философское и антропологическое исследование.
Первый вопрос — о природе языка послеисторической травмы. Как говорить, когда общийязык утрачен? Конец советской эпохи, которыйАфрика застал и остро прожил, был не простополитическим изменением. Это был коллапсреальности, построенной на определенных символах, образах и словах. Такое состояниекультурной травмы теоретики называют «великой афазией» — потерей способности к связномусамоописанию, распадом общего нарратива (в медицине афазия — расстройство или полнаяпотеря речи). Именно в этот момент ребус из развлекательной головоломки превращается дляхудожника в форму высказывания. Следующий вопрос — о границе между предметом, вещью иобразом. Когда знак перестает быть простообозначением и обретает магическую автономию?Советская культура стремилась превратить всё впредметы — в элементы идеологической машины.Серп и молот должны были означать только одно.Еще один вопрос — о памяти индивидуальной иколлективной, так как ребус — это всегда место встречи двух видов памяти. Африка, работая сэтими знаками, стремится вернуть им статус вещей — загадочных, многозначных, несущих в себе слои исторического времени и коллективного бессознательного. Художник создает «мета-ребус».Он берет готовые, расшифрованные образы иподвергает их сложной художественной обработке.Он не сочиняет новые загадки, он работает собломками уже отгаданного мира. Поэтому ребусы Африки принципиально неразгадываемы до конца. Его инструменты — медь, кислота, время и свет. Выставка работает до 08.03.26.
Сергей Бугаев. Правая часть Большого трехчастного ребуса, 1999. Фольгированный текстолит, травление
— Southside Grooven «Go. Went. Gone.», в рамках которой калмыцкий художник Southside Grooven поднимает темы идентичности, культурной принадлежности, роли памяти поколений и личного опыта в жизни человека. Произведения, представленные на выставке, выполнены в период с 2024 по 2025 год, они разделены на три секции: графика, живопись и инсталляция. Графическаясерия отражает жизнь в Калмыкии в 1990-х и 2000-х годах, на которые пришлось детство автора. В этих работах художник исследует свои непростые отношения с калмыцким языком — вопрос, актуальный для многих представителей его поколения. Художник не владеет калмыцким языком свободно, хотя и считает его родным. Работы секции живописи продолжают темуобразования и посвящены «культу знаний», укоренившемуся в коллективном сознании жителей Калмыкии со второй половины прошлого века.Тотальная инсталляция «Дорога в один плейлист» переносит зрителя на борт «Последнего экспресса». Инсталляция построена на ощущении диссонанса, которое создается при просмотре телевизора без звука, но с музыкой в наушниках. Длительность плейлиста, подобранного для инсталляции, составляет 22 часа — примерное время следования пассажирского автобуса изЭлисты в Москву. Автор покинул родной дом вавгусте 2011 года, поэтому плейлист состоит из актуальной на тот момент музыки «эры блогов».
Southside Grooven «Сүл хоңх» (Последний звонок) 2025
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
Выставки работают до 08.03.26.
22.01.2026
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
