С постепенным переходом арт-жизни из онлайна в оффлайн мы возвращаемся к привычным Арт-обзорам.
Фото: Владислав Шатило
14.08.20. ГРАУНД Солянка, галерея-мастерская с фокусом на развитие и популяризацию инновационных направлений в сфере современного искусства и культуры, и активно внедряющая идею кросс-дисциплинарного подхода в деятельность галереи, представила несколько новых выставок. В числе новых выставок:
«Заземление. Выставка-опера» студентов курса «Сценография» Британской высшей школы дизайна. В рамках дипломного проекта они создали в пространстве галереи-мастерской Граунд Солянка «межвременную коммуналку», сочетая разные техники и подходы: инсталляцию, перформанс, саунд-дизайн, графику. Такое решение обеспечивает опыт погружения в альтернативное краеведение на стыке документа и мифа. Район Ивановской горки полон захватывающих историй и невероятных контрастов. Его многослойность стала отправной точкой для авторов выставочного проекта. Выставка работает до 06.09.20.
Листайте галерею >>>
Фотографии Cabinet de l’art
«Поствандализм» Сергея Катрана. Автор о своем проекте: «Американский «колумбопад» и украинский «ленинопад», облитые краской памятники и отпиленные фрагменты, изуродованный наполеоновскими артиллеристами египетский сфинкс, взорванные статуи Будды в Афганистане – всё это зловещие примеры идеологического экстремизма или просто варварского разрушения с элементами куража. В моей серии в противовес дикому и стихийному вандализму восстает осознанный и культурный поствандализм. Это не описанное и не сформулированное направление в искусстве, но оно имеет предысторию. Вспомним Марселя Дюшана. Пририсовав к изображению Моны Лизы изящные усики, он привнёс в ее образ «добавочный элемент», как сказал бы Казимир Малевич. Этим актом Дюшан не только апроприировал великое произведение Леонардо, но и изменил восприятие этой работы. Остроумный акт сбрасывает «снобистскую и культурологическую накипь», меняя оптику восприятия шедевра. И никто не попрекнет Дюшана, что он не уважает культуру. Он использует для решения эстетических целей репродукцию. Более радикальным актом культурного вандализма может стать пример художника Александра Бренера, который в Голландском музее нарисовал знак доллара на картине Казимира Малевича. Наконец, апофеозом абсурдного вандализма в массовой культуре можно считать Джокера в музее искусств Готэма. Но мой поствандализм – совсем о другом. Да, он отчасти использует «средства» и энергетику, присущие вандализму, и помещает трансформированные объекты в современный культурный контекст. Задача поствандализма состоит в том, чтобы изменить оптику наблюдателя, убрать наносное с произведения искусства. Он дает возможность взглянуть на художественное произведение под иным углом. При этом поствандализму свойственно живое и хулиганское действие, ирония, критика идеологии». Выставка работает до 20.09.20.
Листайте галерею >>>
Фотографии Cabinet de l’art
«Лето Ka.Бo.» Кати Бочавар – это выставка-продажа керамических объектов искусства, пригодных к употреблению в быту. Представленные экспонаты только что вышли из обжига. Вниманию зрителя представлены произведения, созданные этим летом, но явившиеся звеном давно задуманного графического цикла. Орнаментальные мотивы перерабатываются, находя новые линии и цвета, в зависимости от предлагаемых условий, будь то бумага, тарелка или стена здания. В этом смысле Бочавар остается верна себе, и этот проект, как и все её проекты, можно считать сайт-специфичным. Автор благодарит компанию «Дымов Керамика» в лице Евгении Зеленской и Вадима Дымова за всестороннюю поддержку в создании коллекции. Выставка работает до 20.09.20.
Листайте галерею >>>
Фотографии Cabinet de l’art
«Non testatum» Дениса Прасолова. В основу концепции положено интернациональное выражение «газетная утка», в большинстве языков означающее лживую информацию в СМИ. Желание уйти от стрессов и проблем повседневности породило стремление к бегству от реальности, что способствует росту популярности развлекательных средств массовой информации. «Пожелтение» СМИ как социальное явление оказало существенное влияние на изменение массовой психологии общества, формируя особый тип потребителя информации, а «желтые» средства массовой информации стали важной частью современной массовой культуры. Основные объекты инсталляции — это артефакты, найденные на складе устаревшего медицинского оборудования недалеко от Санкт-Петербурга. Медицинские утки более не соответствуют современным медицинским стандартам и принципам одноразовости. Но из-за бюрократического сбоя до недавнего времени старая фабрика продолжала выпуск стеклянных изделий по технологиям прошлого. У Дениса Прасолова зеркальная поверхность становится метафорой механизма манипуляции сознанием. Постоянное повторение и размножение одной и той же информации закрепляют нужные стереотипы в сознании людей, не имеющих ни времени, ни навыков для критического восприятия сообщений. Утки, готовые наполниться нечистотами, плывут регулярным строем. Этот мнимый порядок высмеивает покорность общества перед правилами, диктуемыми пропагандой в газетах и на телевидении, и одномерное мышление, которое насаждается в средствах массовой информации. Выставка работает до 20.09.20.
Листайте галерею >>>
Фотографии Cabinet de l’art
15.08.20. NIKOLSKAYA GALLERY и POP UP MUSEUM представили персональную выставку Севы Бойцова «Сотворение» – авторское прочтение книги Бытия, где художник изображает личное понимание и переживание священного акта сотворения мира. Автор вдохновляется русской культурой, художественной историей. Среди его любимых художников Андрей Рублев, Феофан Грек, Александр Дейнека и Кузьма Петров-Водкин. В своих работах Сева исследует поэзию человеческих образов и природных явлений русской земли, романтику обыденных вещей и событий, наделяя картины особой энергией и состоянием, которые он стремится разделить со зрителем. Сева Бойцов смешивает реализм и абстракцию, в частности, абстрактный экспрессионизм, его концепции балансируют между авангардом и постмодернизмом. Он не стремится отражать окружающий мир реалистично. По его мнению, это нивелирует ценность и романтику реальности. Для настоящего художника, считает Бойцов, важно не показать мастерство, но выразить духовную композицию, идущую из недр творческого восприятия. Экспозиция состоит из серий «Деревянная весна» и «Времена года». Крупные, гиперболизированные мазки краски использованы для придания объема картине при отсутствии перспективы. Концептуально они акцентируют внимание на материальности мира и многообразии его текстур. Бойцову удается передать глубину абстрактного пейзажа. В триптихе образа Спасителя и символов причастия Бойцов обращается к технике примитивизма, живопись выполнена на сколоченных деревянных досках. В противоречии стилей и техник он находит гармонию. Кураторы: Ирина Никольская, Юлия Пахомова. Выставка работает по 30.09.20
Листайте галерею >>>
Фотографии предоставлены автором Севой Бойцовым
18.08.20. В Osnova gallery был представлен проект Никиты Василенко и Алексея Щигалева при участии Ольги Широкоступ. Проект исследует амбивалентные отношения времени и происхождение первобытной техничности. Естественная история демонстрирует принципы техничности в изощренных эволюционных способах приспособления древних рыб и закрепляет результат. Акула-молот впервые описана в XVIII веке, и с тех пор ее «killer features» не претерпели существенных изменений, они актуальны как надежные атрибуты вида. Сейчас стало технически возможно фиксировать практически незаметные изменения. В проекте используются томограммы (КТ-снимки) акулы-молота. Сцены из анатомических театров, лабораторного операционального поля переносятся на экраны и другие носители. Именно технологии проникают внутрь тела и делают его доступным в виде изображений, в частности через такие медиаустройства, как ультразвук, МРТ, сканирование КТ и ПЭТ. В зале галереи работает собранный художником Алексеем Щигалевым ЧПУ-станок, который неустанно наносит графическое изображение, превращая КТ-снимок в карандашный рисунок. Станок может сколь угодно долго выполнять свою работу — он остановится лишь тогда, когда будет закончен цикл программы. Обслуживание и присутствие оператора практически не требуется. Периодически сотрудники галереи изымают уже готовые части изображения и размещают их в пространстве, превращая зал в своего рода исследовательскую лабораторию. Проект фиксируется на несколько камер, трансляция с которых будет эпизодически доступна в социальных сетях галереи.
Листайте галерею >>>
Фотографии Cabinet de l’art
20.08.20. Галерея «Квартира S» совместно с Центром дизайна «Artplay» представили выставку живописи петербургской художницы Анастасии Славновой «Наедине со стихией». В своих работах Анастасии не боится отказаться от привычного видения мира, сочетая абстракцию и фигуративность, стирая границы между обыденной реальностью и яркой фантазией. Сама художница называет свой стиль «психологическим пейзажем», где образы природы помогают уйти от внешнего и погрузиться в недра сознания, соединиться со своей внутренней первобытной сущностью. Автор о своем подходе: «Я не пытаюсь с документальной достоверностью скопировать ландшафт. Приступая к работе, я заглядываю внутрь себя. Иногда бывает, что наше устоявшееся представление о мире мешает движению вперед. Стоит добавить что-то новое, взглянуть на вещи под другим углом. Прорыв, трансформация никогда не бывает без разрушения, так я постоянно борюсь, пытаясь разрушить оковы своего сознания». На выставке представлены работы, созданные Славновой за последние пять лет, часть из них ранее была представлена на выставках в Лиссабоне, Берлине, Москве и Петербурге, часть –выставляется впервые. Куратор выставки: Александра Панченко. Выставка работает до 10.09.20.
Листайте галерею >>>
“На рассвете”
“Небесные водопады”
“Сквозь время”
Фотографии предоставлены галереей «Квартира S»
20.08.20. Московский музей современного искусства совместно с галереей pop/off/art открыл для посещения выставку «Против зерна» – первый персональный музейный проект Ивана Новикова, одного из наиболее заметных участников актуального художественного процесса в России. Впервые имя молодого художника прозвучало в начале 2010-х гг. Новиков совмещает в своей работе беспредметную живопись и инсталляции. Его интересуют социально-политические катаклизмы, которыми отмечена история стран Индокитая второй половины XX века, прежде всего, война во Вьетнаме, разделенном на два идеологических лагеря, и масштабное насилие, учиненное режимом «красных кхмеров» в Камбодже. Художник рассматривает эти сюжеты в свете современных постколониальных и экологических теорий и парадоксально соотносит их с проблематикой абстрактной живописи. Название выставки отсылает к вышедшей в 2017 году одноименной книге известного американского политолога и антрополога Джеймса Скотта (Against the Grain: A Deep History of the Earliest States), изучающего опыт низового сопротивления государственному угнетению, прежде всего, в горных частях Юго-Восточной Азии. Экспозиция объединила ряд проектов и инсталляций художника из собрания автора и частных коллекций, которые ранее уже демонстрировались на разных площадках и теперь переосмыслены для пространства MMOMA на Гоголевском бульваре. Среди них «Я хочу бояться леса» (2014), «Перевернутая корзина» (2015), «Льенсо» (2016), «Чемоданы без действия» (2017), «О двух концах» (2018). Также представлены новые, специально созданные работы. Выставка в MMOMA обобщает и в некотором роде подытоживает размышления Новикова о недавнем прошлом важного для него региона, о современном глобальном миропорядке и об этическом потенциале искусства.
В рамках выставки пройдет серия встреч с художником, который расскажет об экспозиции и дополнит опыт зрителей авторским комментарием. В течение работы выставки также планируется выпуск специального издания, в котором будут собраны все основные проекты Новикова, а также посвященные им тексты российских и зарубежных исследователей современного искусства — кураторов, искусствоведов, философов. Кураторы выставки: Анна Арутюнян, Андрей Егоров.
Листайте галерею >>>
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин
Фото: Иван Гущин. Фотографии предоставлены ММОМА
Интервью-комментарий Анны Арутюнян и Андрея Егорова, кураторов выставки Ивана Новикова «Против зерна», для Cabinet de l’art
Анна Арутюнян – старший научный сотрудник, куратор MMOMA.
Андрей Егоров – искусствовед, куратор, заведующий научным отделом ММОМА
Фото: Владислав Шатило
ОЛЬГА: Анна, Андрей, уверена, что совместная работа автора и кураторов – это всегда добровольный выбор и личное решение каждого. Почему вы взялись за эту выставку?
АННА, АНДРЕЙ: Мы были знакомы с Иваном, следили за его работой, и этот фактор личного контакта, конечно, имел определенное значение. Но главное, здесь был профессиональный вызов. Дело в том, что раньше отдельные свои проекты художник показывал в основном на независимых площадках в Москве и других городах, и нынешняя выставка – первый опыт демонстрации его ключевых работ 2010-х, собранных вместе, уже в пространстве музея. Кроме того, многие воспринимают его искусство как герметичное, адресованное скорее искушенному зрителю. Его многосоставные инсталляции-ребусы, которые включают и абстрактную живопись, и реди-мейды, и архивные материалы, содержат множество исторических и культурных аллюзий. Иван последовательно разрабатывает специфический круг сюжетов, связанных с экологической и постколониальной повесткой. Нам было интересно попробовать выстроить достаточно сложный нарратив экспозиции так (и так его прокомментировать в сопроводительных текстах), чтобы раскрыть художника и для более широкой музейной аудитории, драматургически выявить и артикулировать заложенные им универсальные смыслы. И наконец, всегда привлекает перспектива поучаствовать в продюсировании новых работ специально для выставки.
ОЛЬГА: У вас сложился тандем кураторов. Как вы работаете вместе, разделяете ли обязанности?
АННА, АНДРЕЙ: Поскольку мы пара не только в работе, но и в жизни, вместе учились в университете, а затем начали общий путь в профессии, у нас сформировались очень близкие взгляды на историю искусства в целом и на роль музейных специалистов-кураторов в частности. Творческие задачи мы не делим, решаем их сообща и даже по всем мелочам обязательно советуемся – в этом отношении у нас полный паритет и взаимное доверие. Скорее, наверное, мы дополняем друг друга по темпераменту и складу ума. Работа вдвоем иногда позволяет избегать не самых любимых обязанностей – например, кто-то охотнее выполняет социальные функции, а кто-то предпочитает не высовываться и педантично оттачивать детали. Вообще, совместная кураторская работа для нас – не только тот случай, когда «одна голова хорошо, а две лучше». Это полноценная форма общения и поддержки, и, конечно, источник творческой радости.
ОЛЬГА: Вы сами, как специалисты, прекрасно понимаете творчество Ивана, находитесь на волне его мышления и видения. И как одну из своих задач в рамках проекта, причин почему вы курируете выставку, вы назвали желание раскрыть художника и для более широкой музейной аудитории. Тогда скажите – чем интересна выставка зрителям, почему стоит ее посетить?
АННА, АНДРЕЙ: Причин более, чем достаточно. Можно увидеть работы одного из самых ярких молодых российских художников – как обновленные версии уже показывавшихся проектов, так и специально созданные для выставки серии. Можно много узнать об истории стран Индокитая в XX веке, нетривиально рассказанной языком искусства. Вместе с художником задуматься о взаимоотношениях природы и культуры, которые в период пандемии приобрели особую остроту, и об этических коллизиях нашего времени. Но прежде всего, выставка Ивана Новикова – это возможность вынырнуть из привычной цифровой реальности смартфонов, где социальная дистанция уже давно стала нормой, и приобщиться к переживанию искусства, которое требует осознанного присутствия, задействует и осязательное зрение, и кинетический опыт и даже обоняние – искусства, которое тонко сочетает интеллектуальное, созерцательное и аффективное.
Фото: Владислав Шатило
Интервью-размышление Ивана Новикова о проекте «Против зерна» для Cabinet de l’art
Иван Новиков (р. 1990) – художник, куратор и преподаватель. Выпускник живописного факультета МГАХИ им. В. И. Сурикова, Института «База» и Манчестерского Университета. Сооснователь независимой площадки Центр «Красный» в Москве. Член редакционного совета «Художественного Журнала». Заведующий кафедрой живописи в Институте «База».
Персональные выставки Новикова проходят с 2011 г. С 2008 г. его работы регулярно появляются на ведущих российских и европейских площадках в составе групповых выставочных проектов и международных биеннале. В 2015-2016 гг. дважды удостоился гранта программы поддержки молодых художников музея «Гараж», в 2017 г. гранта патронской программы фонда Cosmoscow. В 2015 и 2018 гг. стал финалистом конкурса Фонда V-A-C и Антверпенского музея современного искусства (M HKA) на приобретение работ молодых российских авторов для коллекции последнего. Номинант Премии Кандинского в категории «Молодой художник» (2015). Номинант Премии Инновация в категории «Кураторский проект» (2016).
ОЛЬГА: Иван, у вас богатая история участия в выставках, что отличает этот выставочный проект?
ИВАН: Да, справедливо, но с персональными выставками до этого я выставлялся в независимых пространствах, некоммерческих галереях. Это моя первая персональная выставка музейного уровня.
ОЛЬГА: И сейчас в Московском музее современного искусства представлен результат ваших исследований, работы как симбиоз размышлений над сложными и важными глобальными вопросами. Это касается интересующего вас региона – Индокитая, трагедии Вьетнама, Камбоджи. Вы также затрагиваете тему мирового глобального порядка и тему эстетического влияния искусства. Т.е. этот выставочный проект более многоплановый, чем предыдущие, в которых вы прорабатывали одну конкретную тему?
ИВАН: Каждый из этих вопросов так или иначе поднимался в предыдущих моих проектах. Но сам формат этой выставки строится на исследовании итогов предыдущих проектов. Эти вещи связаны исторически, но меня интересует с одной стороны их различие – как они эстетически влияли на культурное производство, на политику. А с другой стороны меня интересует, какой вывод из этого можно сделать – какие выводы можно сделать из довольно трагической истории Индокитая 20 века. И, поэтому, я обращаюсь в названии выставки к работе Джеймса Скотта «Против зерна». Он, как мне кажется, очень интересно пытался объяснить и понять интересующие меня вопросы с точки зрения наличия специфических оптик восприятия и культуры, и всего человечества. Есть государственная, иерархическая и бюрократическая точка зрения, а есть низовая. И они пересекаются, но они совершенно не тождественны. Мы, сами того не осмысляя, часто становимся на позицию государства, и видим так, как видят эти иерархические структуры. В рамках этой выставке на примере разных ситуаций я пытаюсь найти точки пересечения оптики иерархической и горизонтальной. Понятно, что отказаться от «государственнической» оптики практически невозможно, но один из интересных вопросов: «Как ее можно осмыслить?»
ОЛЬГА: А для себя вы пришли к какому-то выводу?
ИВАН: Это тот вопрос, который меня мучает. Я каждый раз пытаюсь как-то это представить. Но каждый раз – это не то, чтобы неудачный опыт, но я понимаю, что нужно продолжать искать и найти то самое пересечение. У меня пока не получается найти способ отказаться от иерархической оптики. Я все время ловлю себя на мысли, что я снова выстраиваю какие-то сложноподчиненные иерархические структуры.
ОЛЬГА: А вы допускаете, что это вообще невозможно? Многие пытались построить идеальное общество только с «горизонтальной оптикой», но теория на практике оборачивалась не тем результатом, которого ожидали.
ИВАН: Очень может быть, что это просто физически невозможно, но в этом и интерес. Интересно то, что кажется невозможным. И даже не результат, а сам путь и процесс.
ОЛЬГА: Получается, что искусство помогает вам размышлять над этой темой. Вы свободнее и многослойнее выстраиваете размышления, выходя за пределы инструментов языкового общения?
ИВАН: Да, я думаю искусством. Живописью в первую очередь. Это мой исследовательский инструмент.
ОЛЬГА: А какие выводы вы сделали для себя? Как сказались на искусстве трагедии в Индокитае?
ИВАН: Напрямую. Современное искусство как термин появляется только благодаря Вьетнамской войне. Никакого современного искусства не существовало бы без антивоенного протеста европейского и американского общества против войны во Вьетнаме, против военной империалистической политики, которая проводилась в Индокитае. Это касалось не только военной политики, но и культурной политики, против войны начали выступать и художники, и другие деятели искусства.
ОЛЬГА: Можно ли в таком случае сказать, что современное искусство – это протестное искусство.
ИВАН: Нет, я бы сказал, что оно критически настроено, но далеко не всегда это форма протеста. Зачастую это скорее просто холодный анализ или попытка отстраниться. Пример тому – очень важный для меня художник Леон Голуб, который активно делал художественные произведения против Вьетнамской войны, против американского вторжения во Вьетнам. Тем не менее, я бы не сказал, что это протестное искусство, потому что, во-первых, это живопись, и многие воспринимали его, как традиционного художника. С другой стороны, какой-то протестный элемент укоренен в искусстве, но это не всегда так. Чаще всего – это подозрение и скепсис по отношению к государственной оптике.
ОЛЬГА: Искусство, по вашему мнению, это всегда субъективная картинка того мира, который видит автор? И заключен ли в искусстве позитивный посыл?
ИВАН: Я думаю, что перенос реальности в сферу эстетического, даже кажущаяся фиксация – это все равно изменение смыслов, оттенков. Мне кажется, что в искусстве не всегда все документально и правдиво, объективно и честно. Я часто задумываюсь, возможно ли объективно и честно показать мир. Это правильная интенция, но непонятно, возможно ли это в принципе. Сам факт, что ты выбираешь и эстетизируешь именно этот кусок реальности уже меняет все. В этом смысле, я думаю, что искусство в целом несет позитивную программу, но это часто маскируется какими-то риторическими фигурами.
ОЛЬГА: Вы считаете, что можно показать объективно? С моей точки зрения у нас у всех свой мир, и не только внутренний, но и окружающий нас, т.е. всё от чего мы в размышлениях отталкиваемся – субъективно. А вот вопрос честности? Было бы интересно услышать ваше мнение. В чем заключается эта честность?
ИВАН: Я думаю, что вы абсолютно правы, потому что это скорее такая искомая идеальная цель, которую невозможно достичь. И никакой подлинной объективности и честности, наверное, и нет. Каждый раз это какая-то персональная интерпретация. Другой вопрос, что бывают случаи, когда художники намеренно заявляют, что не хотят допускать реальность в свое искусство. У них совершенно другая позиция. Но у них это скорее защитная функция. Любой художник, даже сам того не желая, создает свидетельства эпохи. И объективным там является то, что художник туда не закладывал. Я думаю, что вы правильно говорите о субъективности, но здесь также важна и сама интенция.
ОЛЬГА: Если художник честен и объективен в диалоге с собой, то его видение вопроса – не застывшее состояние? Оно меняется, трансформируется. Вы сами говорите, что многие темы этого проекта затрагивались в ваших других выставках, вы давно над ними размышляете. Вы можете сами для себя зафиксировать, что в каких-то вопросах ваша позиция и ваши взгляды изменились?
ИВАН: Да, разумеется. Даже в этой выставке я стараюсь показать, что какие-то старые проекты я по сути переделываю. Я говорю, что показываю старый проект, но, это не совсем верно – на самом деле, из элементов старых проектов я собираю новый. Например, в какой-то период времени меня очень интересовали взаимодействия. Потом я понял, что это лишь частный случай гораздо более широкой и сложной теоретической проблемы, которую сейчас описывают как проблему доколониальности знаний. Это я открыл несколько лет назад и понял это. Мое отношение после этого сильно поменялось. Даже в рамках этой выставки я постарался показать, что художественные аспекты каких-то старых проектов сегодня мной осмысляются иначе, и я расставляю акценты по-другому.
ОЛЬГА: У нас у всех есть проблемы и страхи, которые нас мучают. Какой вопрос представляется наиболее болезненным для вас сейчас?
ИВАН: Одна из самых болезненных тем для меня – ситуация с художницей Юлией Цветковой. Это не только проблема ареста художника за произведения, но гораздо более широкий вопрос. Вопрос того, как государство видит искусство, и как люди его видят. С точки зрения государства — это порнография, но с точки зрения зрителя и с точки зрения искусства – это что-то другое. Для меня это очень характерный пример. Я на стороне художницы, но мне важно понимать, как изменить видение государства. С одной стороны, это дикость, а с другой, мне непонятно, почему государство оценивает искусство такими мерами.
ОЛЬГА: Действительно, вопрос очень интересный. Кажется, что в принятии решений и законов должна быть логика. А часто логика не видна, и причина не понятна. Вы нашли какой-то ответ?
ИВАН: У меня есть рабочая версия. Проблема в том, что для государства произведения Цветковой, произведения художниц, которые пытаются раскрывать проблемы гендерной идентичности, переосмыслить их в произведениях, являются болезненными. И даже не сами произведения, а тематика. Интересно, что государство реагирует не на форму, а на содержательную часть. Можно сказать, что это форма цензуры. Почему же именно определенные темы попадают под цензурирование? Я читал некоторые версии политологов, но они не кажутся мне достаточно убедительными. Мне очень хочется помочь художнице, но я понимаю, что мы сталкиваемся не столько с дикостью государства, а с некой цепью системных ошибок в оптике государства.
ОЛЬГА: Я прекрасно вас понимаю. Вы сами работаете в этом поле, и вас это ущемляет как художника. Очень страшно, когда тебя подавляют и ущемляют. Насколько по вашему мнению возможно художникам быть свободными? И нужно ли это? Хочется сказать, что художник свободен в высказываниях и сам должен ставить фильтры и включать самоцензуру, но это опять идеальная формула – не все могут, не все готовы, не все хотят. Вы видите формулу решения?
ИВАН: Сложный вопрос. Конечно, идеала не существует. Но направление к идеалу – это супер высокая осознанность собственных действий со стороны художника. Тут я думаю, что этическая сторона искусства существенно важна. К примеру, такой одиозный пример, возможно, исторически не очень верный факт того, что Тарковский во время съемки фильма сжег корову. Я думаю, что сегодня это было бы невозможно и этически недопустимо. Художники в широком смысле этого слова все время проверяют границы допустимого, пытаются нащупать свою автономную территорию. Но я думаю, что это напрямую связано с этической осознанностью и ощущением моральной ответственности со стороны художников. Я не согласен с позицией художников, которые воспринимают себя гениями, которому можно все. Но мне кажется, что эта позиция рождается из очень сильного общественного запроса на такого деспотичного патриарха в нашей стране. Это уже скорее характерная черта российского искусства начиная с 90-х годов, что художник выступает в роли демиурга. Я не говорю, что это намеренно, но часто это повторение какого-то образа Сталина. Понятно, что я говорю про худшие проявления. Но я очень много такого видел в сфере искусства, которое называют официальным или традиционным искусством. Там это до сих пор активно выстраивается. Я считаю, что сама идея того, что художнику что-то можно, а что-то нельзя – она не является отдельной частью общества, а это общественный договор, который существует. В мире искусства, как мне кажется, все эти споры происходят раньше, чем в широком общественном поле. В этом смысле очень часто можно расценивать современных художников как исследователей. Они пытаются проверить, что вот здесь они заходят на этически неправильную территорию. Потом видно, как это происходит и в обществе. Но я не уверен, что правильно государству указывать художникам, на какую территорию им заходить неправильно. Я думаю, что более верным решением будет возложение персональной ответственности.
ОЛЬГА: Я так понимаю, что ваша выставка направлена не то, чтобы поразить визуально, а заставить задуматься? В поле вашего проекта как раз интересна и важна дискуссия. Мне кажется важным, чтобы родился диалог, разговор. Но сейчас существуют очень жесткие ограничения из-за эпидемиологической ситуации. Вы нашли альтернативы?
ИВАН: Да, так должно было быть – встречи, обмен мнениями…, но, к сожалению, у нас будут только лишь небольшие по численности экскурсии. Но это будет, и я готов обсуждать и комментировать. Мы нашли альтернативу в виде печатного издания. У нас будет буклет выставки. Также к выставке будет подготовлено издание с текстами – каталог. К концу выставки мы бы хотели сделать презентацию.
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
