#Арт-обзор за неделю 10.09-17.09.20

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

10.09.20. В галерее ГУМ-Red-Line открылась персональная выставка Николая Филатова. В название выставки – «Половецкие пляски» – художник заложил ключ к эстетическому и историческому прочтению не только своих новых произведений, представленных в выставочном пространстве с видом на Кремль, но и всего своего стиля в целом. Филатов создает монументальные живописные работы синтезирующие экспрессивную подачу и элементы конструктивистской формы. Отличительные черты его живописи сродни базовым чертам живописи авангарда и языку современного искусства. Для него характерны яркие и насыщенные, захватывающие в плен разнообразием цветовой гаммы высказывания.  Произведения весомы и по глубине звучания и по физическим габаритам полотна. Мэтр русской живописи Николай Филатов говорит, что его живопись – дикая, древняя, яростная, как половецкие пляски. По его собственному определению — он хотел бы быть беленьким и пушистеньким, но это не получается, а получается быть большим, шумным и страшным, как половецкие пляски. Николай Филатов родился в 1951 году во Львове. Получил образование во львовском Институте прикладного и декоративного искусства и в Московском высшем художественно-промышленном училище. В 1984 году совместно с Андреем Ройтером и Германом Виноградовым создал в расформированном детском саду уникальное художественное явление в московской андеграундной среде – «Детский сад», за несколько лет своего существования успевший стать легендарной точкой пересечения многих авангардных деятелей того времени. Выставка работает до 25.10.20.

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены галереей ГУМ-Red-Line

Блиц-интервью Николая Филатова для Cabinet de l’art

Николай Филатов Фото: предоставлено галереей ГУМ-Red-Line

ОЛЬГА: Николай, вы много выставлялись в разных странах, жили в разных городах. Какие ощущения от географического разнообразия вашей жизни?

НИКОЛАЙ: Я знаю многие столицы, города, я долго жил в Нью-Йорке, был в Австралии, мне комфортно в Лондоне, Москве, но я не знаю, чем люди живут. Я потратил много денег на этот «отдых», чтобы узнать простых людей.

ОЛЬГА: Вы пришли к каким-то выводам?

НИКОЛАЙ: Нет, в конце концов, это странный выбор, экспериментировать с крестьянами, пытаться войти в их мир после Нью-Йорка. Город, мегаполис — совсем другой мир, я пришел к выводу, что это огромная дистанция.

ОЛЬГА: Согласна, но и в самом городе существуют разные группы людей – и это тоже разные планеты. У вас есть своя аудитория?

НИКОЛАЙ: В самой глубине моих картин гнездятся детские страхи перед внешним миром, его чуждой детскому воображению реальностью, а эта встреча неизбежна происходит по мере взросления у каждого человека.

ОЛЬГА: Вы создали работы «Половецкие пляски», считаете ли вы что они закончены или будете дальше эту тему развивать?

НИКОЛАЙ: Понятия не имею, я ничего не планирую, больше доверяю интуиции, чем логическим, философским построениям. Главное, чтобы у меня была эмоция, в процессе которой появляется осмысление.

ОЛЬГА: Какие эмоции вызывают Половецкие пляски?

НИКОЛАЙ: Это ирония, сарказм, отстранение от высокой культуры, все сделано левой ногой, вызов зрителю. Я нуждаюсь в культурном изощренном любителе.

ОЛЬГА: Если не подчеркивать авторскую позицию, что это сарказм, получились работы интересные, тонкие, даже изящные но не бросается в глаза сарказм.

НИКОЛАЙ: Тонким, изящным мой путь не назовешь. На меня обрушились, когда ко мне пришел успех. Был 1988 год, мы жили коммуной, на Басманной, больше всего я получил шлепков, когда был Sotheby’s (Аукцион «Сотбис», прошедший в Москве 7 июля 1988 года). Причем так, что я был в полном эмоциональном упадке, нервы не выдерживали. Обрушилась критика, критика шла от достаточно умных, философски — образованных критиков, художников.

ОЛЬГА: Считается, что многочисленные сложности и неурядицы закаляют и опыт освобождает от волнений и тревог. Но это только теоретически, а на самом деле — волнительно, нервно после длительного перерыва выставляться в галерее напротив Кремля?

НИКОЛАЙ: Это случайно, неожиданно, но я здесь в своем контексте. Я крепко стою на ногах, на Красной площади. У меня есть определенная культурная миссия, с серьезной полемикой XIX века, с тем же композитором Бородиным («Половецкие пляски» из оперы А. Бородина «Князь Игорь»). Откуда появилась такая моя позиция? Меня обидели в Лондоне. Я оделся на свою выставку балтийским матросиком. Это был такой шок для них, в результате денег я не заработал, карьеры не сделал, но жест был отличный! И я понимаю, что ничего сделать с собой не могу. Я крестьянин в лаптях, а там всё глянцевое, люди как боги.  А с другой стороны, а с какой стати? Кто они? Обычные клерки, которые каждый день ходят на работу. Такая смесь чувств была! Для меня образ эталонности заграницы сразу поблек. Надо мной довлела мысль что у нас плохо, а там хорошо. Для меня это было потрясение.

ОЛЬГА: Ответ на вопрос «Что такое хорошо и Что такое плохо» изменился?

НИКОЛАЙ: Загадка, постоянным рефреном идет — что же это такое «Хорошо-Плохо». Мне русский язык очень нравится, он не имеет виктимности, нет давления над другими, как у англичан. Современная Россия совершенно другая. От современной России я в шоке. Меняется язык, появляются мыслящие люди.

ОЛЬГА: У вас есть творческие планы в этом меняющемся мире?

НИКОЛАЙ: Я хочу дерзко противопоставить философиям и дискурсам свою личность, какой я есть, такой я есть, что хотите, то и делайте. Кто-то должен поддержать эту дерзость. Именно искусство дает шанс, я почти не интерпретирую. Для меня искусство — это церковь, это молитва, исповедь.

Фотографии предоставлены галереей ГУМ-Red-Line

14.09.20. Галерея-мастерская современного искусства ГРАУНД Солянка представила выставку — победитель Первого конкурса музейно-выставочных грантов Российского еврейского конгресса. Выставка-книга «Найди еврея» пытается ответить на вопрос о «главной тайны Советского Союза». Эта таинственность связана с их неуловимостью, точнее, неопределимостью.За десятилетия советского государственного антисемитизма «еврейское» превратилось в субстанцию, существующую одновременно нигде и везде. После короткого периода «политики интернационализма» 1920-х, начиная с середины 1930-х годов и вплоть до горбачевской перестройки советская цензура вымарывала отсылки на еврейскую культуру, быт и религию из искусства и литературы. Еврейские (да и не только еврейские) писатели, поэты, композиторы и кинематографисты стали «замаскировано» цитировать в своих произведениях еврейскую культуру и религию, использовать неочевидные для цензоров аллюзии и заимствования. Такая «контрабанда» еврейской культуры оставила значительный след во вполне официальной советской культуре.  Куратор Анна Наринская написала 6 текстов-глав, посвященных советскому пониманию «еврейского». Каждая глава-инсталляция располагается в отдельной комнате и снабжена цифровыми «иллюстрациями» с артефактами послевоенной советской культуры. Проект выставки стал одним из победителей Первого конкурса грантов Российского еврейского конгресса на развитие музейных и выставочных проектов в области еврейской культуры, который РЕК проводил с декабря 2018-го по февраль 2019 года. На конкурс было прислано более 70 заявок от некоммерческих организаций – институтов, музеев, общинных центров — из 36 городов России. Победителей в апреле 2019 года определило жюри во главе с куратором конкурса историком и социологом Анатолием Голубовским. Автор идеи  Анна Наринская. Кураторы: Анна Наринская, Катя Бочавар. Научная работа: Мария Гончарова. Дизайн: Игорь Гурович. Выставка работает до 11.10.20.

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены PR-агентством «Бедуш & Маренникова»

14.09.20. Московский музей современного искусства при поддержке Фонда содействия развитию современного искусства Ruarts представил персональную выставку Саши Фроловой «Fontes Amoris». Куратор проекта — бельгийский историк искусства Йоанна Де Вос. Через скульптуры, костюмы и различные образы, которые используются в перформансах и видеопортретах, представленных на выставке, художница доносит до зрителя ключевые для ее творчества мотивы духовного пробуждения и любви. В течение выставки экспозиция будет частично меняться и трансформироваться, превращаясь в единую живую скульптуру. Центральным элементом выставки становится тело, точнее, скульптурное тело художницы. Через него утверждается философия ее искусства — материализация эмоций и мифологическая игра с явлениями природы, — создающая особое фантастическое, иллюзорное пространство. Саша Фролова известна своими латексными костюмами с объемными надувными прическами. Для нее это преображение подобно замене своей кожи на новую, искусственную, которая, с одной стороны, защищает от столкновения с реальностью, а с другой — позволяет передать весь возможный спектр эмоций. Важную роль в искусстве Саши Фроловой играют яркие цвета, которые изменяют сам смысл формы, придавая ей дополнительные значения. В её понимании, цвет способен управлять сознанием без нашего контроля, а его интенсивность компенсирует невидимость эмоций и чувств.

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены PR-отдел ММОМА

15.09.20. Московский коллекционер Максим Боксер представил новую часть своего экспериментального выставочного проекта «Мечты коллекционера. Wish List Максима Боксера» в выставочном зале фонда IN ARTIBUS.  Эта выставка – тотальная инсталляция предстает в форме рассказа коллекционера Максима Боксера о своей коллекции, состоящей из    произведений живописи, графики, прикладного искусства разных эпох и разных стран, и о тех мечтах и поисках новых приобретений, которыми живет увлеченный собиратель искусства. Новая часть выставки «МАЙОЛИКА+100» представляет скульптуры Николая Кошелева, что стало неожиданным, но очень достойным внимания, экспериментом по славам самого Максима Боксера в связи с вынужденным изменением планов, продиктованных эпидемиологической обстановкой.  Выставка работает до 04.10.20. 

Листайте галерею >>>

Фотографии Cabinet de l’art

15.09.20. East Meets West Gallery в Центре дизайна ARTPLAY представила выставку «Натюрморт жив или мертв?» из проекта «Живая и неживая природа». Куратор выставки Татьяна Палеева задавая вопрос: жив ли натюрморт сегодня, и в каких тематических вариантах, исторических и современных трансформациях представлен он сегодня в произведениях российских художников? — создавая экспозицию выставки предлагает ответ – «Говоря о группе художников, занятых в сегодняшнем проекте, очевидно, что они прошли новаторскую школу, учебный полигон ХХ столетия… Они в большинстве своём встали на сторону интеллектуального освоения мира вещей, синтеза анатомического исследования предмета и широких фантазийных экстраполяций – при сохранении и углублении уникального личностного компонента. Некоторые пошли дальше. Разложили натюрморт на геометрические элементы, предложили новую пространственную реальность» (Н. Иванов «Похвала натюрморту»). В выставке принимают участие: Ашот Киракосян, Алексей Ланцев, Анатолий Пурлик, Виктор Корнеев, Владимир Чибисов, Дмитрий Иконников, Елена Белякова, Екатерина Кудрявцева, Константин Инал-Ипа, Ольга Оснач.  Выставка работает в Центре дизайна «ARTPLAY» по 15.10.20.  

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены куратором Татьяной Палеевой

15.09.20.  В Центре Вознесенского открылась выставка известного кинорежиссера Артура Аристакисяна. Центральным образом проекта «Фотоувеличение» становится образ женщины в «мужском» мире насилия и посвящен он преодолению коллективных травм XX века. Зоя Кошелева, куратор проекта — «”Фотоувеличение” — это пример того, как современное искусство находит способы реабилитации трагедии реальности, преодоления травмы, укорененной в коллективном подсознательном, в ситуации постпостмодернизма»

Специальный видеопроект для выставки создан режиссером Артемом Фирсановым и драматургом Валерием Печейкиным. Куратор — киновед Зоя Кошелева, куратор кинопрограммы Центра Вознесенского. 

Центр Вознесенского представляет первый выставочный проект создателя фильмов «Ладони» (1993) и «Место на земле» (2001),обладателя призов крупнейших мировых киносмотрав, включая Каннский, Берлинский и Московский кинофестивали.

Выставка в Центре Вознесенского — художественный эксперимент по созданию «пространственного кинематографа». Арт-объекты построены на соединении хроникальных и бытовых фотографий с отчужденными текстами или целыми историями, которые автор пишет сам или заимствует. Визуальный образ обретает новый смысл, соединяясь с новым текстом: автор освобождает их от навязчивого исторического контекста и восстанавливает справедливость, уничтоженную войной или тяжелыми социальными обстоятельствами.  

Внимание художника сфокусировано на женских образах в обстоятельствах военного плена или угнетения со стороны общества, которое по сути репрессивно по отношению к женщине. 

«Когда я смотрю на старую любительскую фотографию, я понимаю, что ничего этого уже нет. И тогда я обнаруживаю в себе взгляд персидского поэта Омара Хайама, который озвучивал мир «с той стороны». Он погружал в самое страшное — смерть, в завесу, в которую упирается взгляд. Ради этого я переснимаю фотографии «камерой» Хайяма» — Артур Аристакисян, автор проекта. Экспозиция имеет трехчастную форму. В первом зале рандомно представлена история ХХ века в черно-белых женских образах, которые сопровождаются строчками Омара Хайяма и текстами Артура Аристакисяна. Во втором зале представлен видеопроект в жанре мокьюментари — вымышленный документальный фильм, снятый режиссером Артемом Фирсановым и драматургом Валерием Печейкиным. Фильм предлагает посмотреть на природу мужчин в «перевернутом мире» победившего матриархата. В этом вымышленном мире творцами истории становятся женщины, а мужчины объективируются, становясь объектом желания и изучения. Известные кадры хроники меняются при помощи DeepFake — методики синтеза изображения, построенной на искусственном интеллекте, создавая гротескную картину, в которой тотальный матриархат оказывается столь же разрушительным, как и ничем не ограниченный патриархат. В третьем зале представлены фотографии наших современниц из соцсетей.

Реальность, которая запечатлевает сама себя. Часто она бывает неприглядной и внешне отталкивающей. Но тексты Артура Аристакисяна побуждают зрителя проделать внутренний путь от отторжения к эмпатии. Каждая фотография превращается в историю, которая могла бы стать фильмом Аристакисяна, но мы видим только один кадр этого не случившегося кино, а все остальное превращено автором в текст. «Фотоувеличение» — интерактивный проект, предполагающий от зрителя не только эмоциональной вовлеченности, но и осознанного участия и взаимодействия, в которое входит и чтение текстов, заключенных в арт-объектах, представленных в экспозиции. По выставке зрителей будут сопровождать медиаторы. Специальный видеопроект для выставки создан режиссером Артемом Фирсановым и драматургом Валерием Печейкиным. Куратор — киновед Зоя Кошелева, куратор кинопрограммы Центра Вознесенского.  Сопроводительная программа: 17 и 24 сентября демонстрация фильмов Артура Аристакисяна «Ладони» и «Место на земле», обсуждение фильмов с автором. 26 сентября лекция. Выставка открыта для посетителей до 11.10.20. 

Фотографии предоставлены pr-службой Центра Вознесенского

15.09.20. Галерея-мастерская ГРАУНД Солянка представила в рамках VII Московская международная биеннале молодого искусства музыкальный онлайн марафон «Мыльная опера». Специальный проект – перформанс «Мыльная опера» прошел в реальном времени в галерее на Солянке 15 сентября 2020 с 17:00 до 22:00. «Мыльная опера» является многокомпонентным произведением, состоящим из девятнадцати музыкально-танцевальных номеров и перформансов, реализуемых внутри сайт-специфик инсталляции Семёна Мотолянца «Ненадежная конструкция из хозяйственного мыла». Авторы проекта предоставили молодым авторам возможность установить связи и наладить творческое взаимодействие, как между собой, так и с профессиональной художественной средой, а также презентовать свои творческие инициативы в рамках масштабного проекта в области современного искусства. В перформансе принимает участие более сорока молодых музыкантов, танцоры, перформеров и

вокалистов разных направлений. Участники были отобраны по итогам опенкола. Автор идеи и постановщик — Катя Бочавар.

Посмотреть проект – перформанс «Мыльная опера» можно по ССЫЛКЕ  . 

VII Московская международная биеннале молодого искусства проходит до 06.12.20 и состоит из конкурсной программы Основного проекта, специальных проектов, образовательной программы, региональной программы портфолио-ревю и проектов параллельной программы. Площадка Основного проекта — Музей Москвы. В период Биеннале на территории Музея Москвы будет работать инфопойнт, в котором можно получить всю необходимую информацию о проекте и мероприятиях. Расписание образовательной онлайн программы, а также даты открытия проектов биеннале — на сайте http://youngart.ru/ 

Листайте галерею >>>

Фотографии Cabinet de l’art

16.09.20. На территории Реабилитационного центра для детей с пороками сердца ФГБУ ННПЦССХ им. А.Н. Бакулева Минздрава России главным событием юбилейного 10-го, социально-художественного проекта «Другая Атмосфера» (ДА) стало шествие-перформанс с яркими арт-плакатами и транспарантами, которые изготовили сами дети. Чтобы творить, необязательно иметь кисти и холст, уверен автор пространственной инсталляции художник Сергей Катран, можно рисовать даже дождем. Именно об этом 10-й акт «ДА» – о свободе и бесконечности творчества. Здесь искусство превращается в искреннее действие, из образа мыслей ребенка, в живой эксперимент. Четвертый год проект «Другая Атмосфера» меняет больничный быт и даже ландшафт в больнице им. Бакулева — в парке центра вырос небольшой музей современного искусства, придуманный детьми в соавторстве с профессиональными художниками. В проекте своими работами и мастер-классами с детьми приняли участие Максим Татаринцев, Екатерина Игошина, Гарри Зух, Мила Долман, Наталья Хлебцевич, Евгений Борец, Алексей Иорш, Дмитрий Гражевич. 16.09.20 в день презентации выставки детских работ состоялись два мастер-класса, получившие продолжение  в перформанс-шествие среди  «Акварельных луж» Сергея Катрана. Кураторы проекта – Мария Москвичева и Дмитрий Гражевич. Организатор проекта  – Фонд поддержки современного искусства «Артпроект». Спонсор

проекта – компания «Шерон Нефтегаз Инк». «Другая Атмосфера» –  интерактивный социально-художественный проект, который̆ проводится в детских больницах и парках Москвы c 2012 года, и дает детям возможность стать соавторами современных художников – людей с нестандартным мышлением. Увидеть мир в других красках — научиться воспринимать любые ситуации через призму искусства. Дети – не под руководством, а в соавторстве с профессиональным художником – становятся создателями выставки. 

Листайте галерею >>>

Фотографии предоставлены куратором проекта Марией Москвичевой

17.09.20. В галерее Ruarts открылась персональная выставка известного московского фотографа Сергея Борисова. В экспозиции представлены его знаковые работы перестроечной эпохи, а также совсем новые снимки, которые по композиции и содержанию напоминают ранние фотографии автора, но сегодня приобретают новые смыслы.
Существенно изменился социально-политический и культурный контекст, в котором существуют эти работы, из-за чего они начинают восприниматься совершенно иначе. Катрин Борисов так рассказывает о своей кураторской концепции: «Сергей Борисов известный и очень уважаемый в России автор. Неудивительно, что еще с начала 90-х многие фотографы пытаются копировать сюжеты и знаменитые «борисовские» точки. Работая с Сергеем уже много лет, я заметила, что он и сам подсознательно возвращается к тем или иным историям. Как мне кажется, это всегда попытка переосмыслить, продолжить начатый разговор, увидеть, что же поменялось и поменялось ли вообще. После успеха выставки «Zeitgeist» в ММОМА Борисов закрепил за собой позицию чуткого наблюдателя – художника, улавливающего едва проявляющийся «дух времени» – поэтому я и предложила ему посмотреть на свое наследие по-новому, найти и сопоставить снимки 80х-90х годов и совсем новые, визуально схожие работы, чтобы попытаться ответить на вопрос: так что же изменилось?» Нагота моделей уже не работает как провокация, выступая скорее как легитимная часть исследования телесности и эстетики обнаженного тела. Яркие художественные жесты сегодня утрачивают свой радикальный характер, становясь распространенным и вполне привычным явлением в арт-среде.

Поэтому и в портретах Борисова на смену звездам андеграунда и контркультуры приходят состоявшиеся и успешные современные артисты, художники, музыканты, представители светских кругов Москвы. Если в 1987 году в его студии 50А Жанна Агузарова хулигански пинает подушку и кажется, что она сама вот-вот оторвется от земли и начнет кружить в невесомости, то в 2014 году перед объективом фотографа, позирует телеведущая Эвелина Хромченко. А на место «чемпиона мира» Гии Абрамишвили, парящего на фоне гостиницы «Украина» и опьяненного «ветром перемен» 1988 года, приходит новоиспеченный вундеркинд художественного мира – юный Вова Перкин.
Заметив эту тенденцию в творчестве Сергея Борисова, Катрин Борисов предложила автору продолжить эксперименты в области «автокопирования» и поиска новых значений в знакомых сюжетах. Для выставки «Новые смыслы» было подготовлено около 30 пар фотографий, одна из которых принадлежит к ушедшей эпохе и свидетельствует о недавнем историческом прошлом, а другая относится к текущему моменту и рассказывает об актуальной России. Диалог старого и нового, их схожесть и различие, смесь преемственности и взаимного отрицания – все это нашло отражение в новом проекте Сергея Борисова.

Листайте галерею >>>

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель