Арт-обзор 27.06-04.07.24

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

27.06.24. Музей «Гараж» объявил о новом направлении деятельности — коллекционирование современного российского искусства. Внимание будет сконцентрировано на произведениях, созданных отечественными художниками в 1980–2020-е годы. Коллекция формируется посредством закупок и даров и будет представлена в формате открытого хранения в основном здании Музея — павильоне «Времена года». Со временем экспозиция будет меняться и расширяться — таким образом, зрители смогут стать свидетелями формирования нового музейного собрания. Первый этап показа коллекции — проект «Открытое хранение. Пролог» — будет представлен осенью 2024 года и включит в себя большой корпус архивных материалов и подборку новых поступлений. В 2012 году Музей «Гараж» начал формировать архивное собрание, посвященное российскому современному искусству. По мере накопления свидетельств о художественном процессе последних 70 лет, структура архива стала усложняться, а некоторые материалы оказались проблематичными для классификации и использования. Желание вернуть таким свидетельствам объем стало импульсом для создания коллекции произведений современного искусства. Среди художников, которых представят в рамках первого проекта: Агентство Сингулярных Исследований, Никита Алексеев, Миша Ле Жень, Кирилл Глущенко, Михаил Максимов, Андрей Монастырский и др. Каталог коллекции с информацией о работах и художниках будет также доступен онлайн. Показ коллекции будет сопровождаться обширной просветительской программой, включающей в себя медиаторские сессии, лекционные циклы о коллекционировании, занятия для детей и многое другое.

Агентство Сингулярных Исследований Flower Power. Архив. Психоисторические видения (Grateful Dead в Ленинграде). 2018. Бумага, цифровая печать Музей современного искусства «Гараж», Москва

Фотографии предоставлены пресс-службой музея «Гараж»

27.06.24. КРОКИН ГАЛЕРЕЯ представила групповую выставку «Насекомые». Куратор галереи и выставки Александр Петровичев: «Бумага как особый материал, как носитель художественного высказывания стала основой программы акцентированной на произведениях графики. И если первая выставка проекта “Бумага”, состоявшаяся в прошлом году, не имела определённой темы, то нынешняя экспозиция обретает конкретное содержание и закономерное для летнего времени обращение к теме “насекомых”. Основу экспозиции составляют листы графики знаковых художников, творчество которых стало хрестоматией отечественного искусства 90-х – начала нулевых годов. Графика как таковая не раскрывает всей полноты искусства этих художников, но заключает в себе безусловную ценность и особый код доступа к восприятию их искусства, предстаёт неотъемлемой частью единого художественного организма. Насекомые реальные или вымышленные издревле присутствовали в пространстве, именуемом “культурой”, присутствовали органично, насыщая её исторические пласты вариативной семантикой и парадоксальной реакцией наблюдателя на поведение неприметного «соседа». Содержательный план выставки, состоящей из полусотни произведений, сообразован из очень личного восприятия и трактовки заявленной темы. Перед зрителем разворачивается особый мир кровососущих, порхающих и ползающих, запечатлённых в неожиданной версии “Энтомологического атласа”». Выставка работает до 28.07.24.

Александр Джикия. МАЙСКИЙ ЖУК. 2024, бумага, карандаш. 30х42см, Courtesy Крокин галерея.

Владимир Ситников. Из серии ОКРЕСТНОСТИ. 2019. бумага, тушь, фломастер. 100х150см. Courtesy Крокин галерея — копия

Фотографии предоставлены галереей

28.06.24. В пространстве HSE ART GALLERY на Пионерской запущен цикл парных персональных выставок: на одной площадке демонстрируются проекты «учителей и учеников» Школы дизайна НИУ ВШЭ. Первым проектом цикла стала совместная выставка «Черепки, веретена, радость и тягость» Владислава Ефимова и Александры Замуруевой. Серия авторских работ, созданных специально для выставки, складывается в архив размышлений о феномене человеческого труда. Для авторов выставки важно воспроизвести каждую деталь в незамысловатых практиках: выточить веретено или сплести между собой несколько нитей. В пространстве современной галереи ремесло вновь обретает статус искусства — как в опытах «учеников», так и в поисках «учителей». Выставка работает до 31.08.24.

Владислав Ефимов, Черепки и веретена, 2024

Александра Замуруева, РЕЖ, 2023

Фотографии предоставлены галереей

29.06.24. В Серпухове впервые в Подмосковье открылась биеннале визуальных искусств. Тема биеннале 2024 – «Искусство видеть. Авангард». В ее рамках представлены взаимосвязи отдельные видов и жанров искусств – синтез живописи, фотографии, театра, дизайна, мультимедиа, кино, графики. Главной площадкой биеннале стал Серпуховский, где работает выставка «Авангард: мастерская будущего». В течение трех месяцев биеннале будут проходить экскурсии, лекции, кинопоказы и мастер-классы. Ключевым фактором, определившим выбор места проведения биеннале, стала коллекция авангарда от художников первого ряда из фондов историко-художественного музея. На выставке вместе с работами признанных мастеров русского авангарда Наталии Гончаровой, Давида Бурлюка, Михаила Ларионова, Роберта Фалька, Элия Белютина из фондов музея на выставке представлены современные авторы: Ирина Корина, Роман Ермаков, Дмитрий Шабалин, Екатерина Емельянова. Отдельная линия посвящена авангарду в дизайне. Сформирована образовательная программа Биеннале, нацеленная на создание понимания, как авангард влияет на различные сферы жизни, включая архитектуру, моду, литературу, медиа и рекламу. В числе спикеров – известные журналисты, художники и эксперты. Каждую субботу в рамках биеннале во дворе музея будут проходить кинопоказы. От классики – «Андрея Рублева» Андрея Тарковского и «Человека с киноаппаратом» Дзиги Вертова – до молодого авторского кино. Также по субботам в музее будут проходить мастер-классы с художниками и мастерами: живопись и графика, коллаж, рисунок, основы дизайна, мобилография. В рамках Биеннале в Серпухове также организовано несколько спецпроектов. Фонд ArtVisioner, авторский проект Екатерины Чаркиной, направленный на поддержку молодых художников и их творческих проектов, и проект Граффити-Азбука, продвигающий культуру России и кириллицу через стрит-арт, представляют работу художника Владислава Дакеса, вдохновленную Кандинским. На фасаде здания по улице Ворошилова художник создает музыкальный сценарий в нотной тетради из линий и фигур в подобии танца, формируя новый визуальный язык. Куратор биеннале: Алина Сапрыкина, сокуратор биеннале Марина Федоровская. Поддержку проекту оказали Московский музей дизайна, Энциклопедия русского авангарда, Art Visioner Foundatoin, проект Граффити-Азбука, Фонд Ruarts, галерея Марины Гисич, Галерея 11.12, ЕКАртБюро, ГУМ-Red-Line и BoscoVesna. Серпуховская биеннале визуальных искусств работает по 29.11.24.

«Авангардина» Владислав Дакес. Фотография предоставлена Фондом ArtVisioner

Фотографии Ольги Серегиной

30.06.24. В пространстве Котельная на Хлебозаводе состоялась первая сессия проекта IMPROMPTU при участии композитора и философа Владимира Мартынова. Концепция проекта сосредоточена на музыкальной и хореографической импровизации и создана в коллаборации с танцевальной компанией «САД» Альбины Вахитовой. В основе импровизации лежит свобода от любой фиксированной формы. Музыкальная импровизация зародилась одновременно с появлением музыки. IMPROMPTU – это импровизация в разных видах искусства. Первая сессия проекта состояла из 5 самостоятельных электроакустических концертов: выступления Владимира Мартынова, Troekurovo Recordings, Федора Веткалова и Артёма Цёся, а также музыкального перформанса Павла Михайлова (P.MHLV) и премьеры проекта Tool Things скрипачки Аси Соршневой и мультиинструменталиста Юры Гинзбурга. В хореографической части проняли участие танцовщики Александр Носов и Даша Чермянина. Создатель проекта Петр Новиков, режиссер и основатель креативного агентства Peter and Wolf: «проект, посвященный магии импровизации в контексте разных видов искусств. Наиболее явно импровизация проявляется в музыке и танце, чему и будет посвящена первая сессия проекта. Но имея за плечами опыт и кинорежиссуры, и театральных постановок я могу с уверенностью сказать, что элемент импровиза может оживить любой жанр и вид творчества. Импровизация – это инсайт, интуиция и озарение. Это ток, внезапно пронизывающий сознание иррациональным предчувствием, и оно редко оказывается ложным». Проект разработан креативным агентством Peter and Wolf в партнерстве с живым городским пространством Хлебозавод.

Фото: Кристина Пороник. Фотографии предоставлены IMPROMPU

01.07.24. Соединяющая цифровой и физический мир фиджитал-выставка «Природа предмета. Современный дизайн и традиции» открылась в Западном крыле Новой Третьяковки. Проект подготовили Московский музей дизайна и Государственная Третьяковская галерея совместно с проектом «Трын*Трава. Современный русский стиль». В центре проекта — современный дизайн, основанный на традициях, обычаях и истории России. Вглядываясь в процесс соприкосновения человека с природой, организаторы проводят параллель между природным миром и пространством выставки, осуществляя тотальное взаимодействие арт-объектов экспозиции с органами чувств зрителей. Кураторы стремятся по-новому раскрыть само понятие предметного дизайна, который помимо эстетической и утилитарной функции, все чаще становится предметом глубокой рефлексии. Экспозиция построена как путь через девять разделов: «Начало времен», «Солнце как источник жизни», «Ткачество», «Народная смекалка в общении с миром», «Мифология», «Религии в искусстве», «Народный быт как источник вдохновения», «Передача знаний», «Сохраняя традиции». Среди участников фиджитал-выставки: коллекционный и массовый дизайн, а также высокое декоративно-прикладное искусство арт проекта «Трын*Трава. Современный русский стиль», работы из коллекции Московского музея дизайна, арт-объекты от художника Анастасии Дубач, саунд-дизайн от (DIGITAL MOSS), видео-инсталляции цифрового художника Серёжи Паршакова, аромат проекта BY KAORI. В экспозиции представлены AR-объекты от патрона выставки, компании Upside Development, и мультимедиа-художницы Анны Полани. В рамках выставки «Природа предмета. Современный дизайн и традиции» запланирована обширная образовательная программа по двум направлениям: традиционное и цифровое искусств, которая продлится до конца лета. Кураторы выставки: Александра Санькова, Светлана Попова, Ирина Батькова. Кураторы цифрового контента: Олег Миронов и Мария Оськина. Выставка работает до 30.09.24.

В рамках открытия фиджитал-выставки «Природа предмета. Современный дизайн и традиции» был дан старт конкурсу фестиваля цифрового искусства «Час цифры», итогом которого станет показ paбoт мeдиaxyдoжникoв нa digital экpaнax городов- участников. Фестиваль призван расширить рамки медиаискусства в городской среде. Фестиваль «Час цифры» станет площадкой, где художники смогут реализовать свое высказывание в пяти номинациях: «IT science-art», «Новые грани реальности», «Гopoдa будущего», «Вселенная киборгов», «Парки будущего», «Наследие в цифре». Заявки на участие в «Часе цифры» принимаются с 1 июля по 16 сентября, затем наступит этап отбора финалистов. 4 октября, в «Ночь инноваций», одномоментно на экранах Москвы и городов России на 1 час запустятся медиа работы финалистов open call. Организаторы фестиваля: Агентство инноваций Москвы и SAS Metagallery.

Анастасия Коптева и Александр Браулов Вазы «Собор»

Ирина Батькова зеркало «ВолгаРа» метеорит

Фотографии предоставлены пресс-службой проекта

02.07.24. Московская школа современного искусства (MSCA) и галерея Ruarts представили групповую выставку «Соединение прервано. Восстановить.» – междисциплинарный проект выпускников MSCA: художников, кураторов, арт-менеджеров. Произведения 27 художников стали отражением поиска способов справиться с травмирующими событиями в жизни и обретения способности уверенно двигаться вперед. На выставке представлены инсталляции, объекты, видеоарт, скульптуры и живописные работы. Выставочный проект расположен на двух этажах галереи и поделен на пять смысловых разделов: «Турбулентность и неопределенность», «Поиск и принятие Я», «Внимание к телу. Заземление», «Связь с окружающим миром» и «Связь с другим». Все блоки объединяет главная идея познания собственной личности и исследования мира вокруг с помощью телесных практик и укрепления социальных контактов. Кураторы выставки: выпускники MSCA Евгения Гольман и Этери Орджоникидзе. Выставка работает до 04.08.24.

Бёрч Анна. Жили-были

KK. Без названия

Фотографии предоставлены пресс-службой Ruarts

02.07.24. Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» представили проект Полины Полнимер «Таинство иных». Выставка проходит в рамках Программы поддержки молодого искусства ММОМА. Школа современного искусства «Свободные мастерские» — просветительская платформа Московского музея современного искусства для молодых художников и кураторов была основана в 1992 году группой художников и искусствоведов. В рамках представленного на выставке проекта Полина Полнимер обращается к миру микроорганизмов как к существующей модели возможного сосуществования, в которой не существует жадности или дискриминации, но есть истинные симбиотические отношения между видами. Таким образом, «Микромир» здесь выступает как существующая параллельная реальность, Утопия, Эдем, Земля Обетованная. Помимо керамических скульптур на выставке представлены видео, снятые с микроскопов, которые напоминают, что человеческое превосходство в размерах и то, что мы можем увидеть микроорганизмы только с помощью специальных устройств, не означает господство над этими существами: человек и другие животные зависимы от микрофлоры, существующей внутри нас самих. Выставка работает до 11.08.24.

Полина Полнимер. Борзая и Щенки. 2023. Предоставлено автором

Полина Полнимер. Колючий Божок. 2022. Предоставлено автором

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

04.07.24. Еврейский музей и центр толерантности в рамках ежегодного летнего фестиваля фотографии «Скрытая перспектива» представил выставку «Истоки советской фотографии. 1920–1930-е годы» из коллекции Галереи Люмьер. Экспозиция посвящена первым десятилетиям истории советского фотоискусства — периоду смелых экспериментов, когда новаторские решения в области композиции, ракурсной съемки, кадрирования, фотоколлажа стали основой нового визуального языка, отвечали всему спектру агитационных задач советского государства. В это время стремительно развивалась репортажная фотосъемка — фотокорреспонденты становились главным рупором перемен. Выставочный проект объединяет знаменитые и малоизвестные кадры классиков фоторепортажа: Аркадия Шайхета, Якова Халипа, Марка Маркова-Гринберга, Эммануила Евзерихина, Михаила Прехнера, Наума Грановского. Их работы для ведущих официальных газет и журналов формировали образ первого в мире социалистического государства. Выставка состоит из шести монографических разделов, раскрывающих творчество каждого фотографа посредством серий и фотоочерков. В экспозицию вошло более двухсот работ, отобранных куратором Галереи Люмьер Натальей Григорьевой-Литвинской специально для проекта в Еврейском музее и центре толерантности. К фестивалю подготовлена публичная программа: мастер-классы по фотографии, лекции известных искусствоведов, круглые столы и кинопоказы. Кураторы: Мария Гадас, Валерия Шишканова. Выставка работает до 29.09.24.

Аркадий Шайхет. Экспресс. 1939. © Галерея Люмьер

Михаил Прехнер. Авиамоделист. 1930-е гг. © Галерея Люмьер

Фотографии предоставлены пресс-службой

04.07.24. В Cube.Moscow были представлены новые выставки современного искусства. В большом выставочном зале арт-пространства Cube.Moscow галерея M.A.R.S.H. открыла коллективную выставку [minimalia] под кураторством Романа Шалганова. В центре проекта лежит концепция «ничтожно малого», которое находится на периферии нашего внимания в обыденной жизни, но обретает совершенно новое звучание в работах современных художников. В рамках выставки куратор Роман Шалганов совместно с художниками обращается к той зоне, которая располагается на пересечении художественных практик минималистов и концептуалистов, которые создавали свое искусство в 60-е годы прошлого века. Ключевое место в экспозиции занимает скульптура художника Романа Ермакова «Вперед за билетом!», созданная в коллаборации с МТС Live. Скульптура изображает зрителя, спешащего за первым билетом. Радость от события искусства захватывает его задолго до начала представления. В объекте легко прочитывается общее настроение жажды эмоций и новых впечатлений.

Среди новых проектов открытия также:

– Коллективная выставка «Пути им ведомы», галерея «Небеса», куратор Роман Куценко. Выставка не навязывает однозначные, четкие символы, знаки и образы, но обращается к самым сильным влияниям, оказывающим непосредственное воздействие на становление человека: сказки, былины, понятия о добре и зле, национальные и религиозные традиции, которые неизбежно вплетаются в бессознательное и есть в каждом из нас.

– Коллективная выставка «Тишина пробела», галерея КультПроект, кураторы Юлия Манусевич и Ирина Солнцева. Тема выставки — движение от лирической абстракции к реалистическому пейзажу и воспоминаниям о несуществующих ландшафтах.

– Персональная выставка Марины Пчеляковой «По дороге домой», Cube.Market. Особое место в творчестве Марины Пчеляковой отдано воспоминаниям. Практика художницы похожа на эксперимент, в котором каждая боль и радость преображаются в яркие краски на холсте. В новой серии «По дороге домой» Марина Пчелякова обращается к своей рефлексии на темы дома и цикличности человеческой жизни.

– Коллективная выставка «Идеальный материал», MSCA Gallery, кураторы Жанна Бобракова, Михаил Левин. В экспозиции представлены работы выпускников Московской школы современного искусства на различные темы: от обманчивости добродетели, поиска своего «я», до желания перестроить события прошлого. Каждый из художников по-разному проявляет свою идентичность и метод.

– Коллективная выставка Future-in-the-past, галерея Artocratia.ru. Выставка посвящена влиянию прошлого на будущее, согласованию времен в нашем физическом и ментальном процессах, наложению различных образов, чтобы попробовать представить: а из чего формируется наш образ будущего сегодня? Насколько сильно мы программируем себя опытом, страхами, вопросами, пришедшими из прошлого?

– Персональная выставка Серафимы Сажиной «От нашего взгляда не могут укрыться улыбки», галерея «Триптих». Серафима Сажина в своем новом проекте рассказывает историю неких Существ, с которыми происходит странная трансформация. Некогда умиротворенных и спокойных, их в прямом смысле начинают разрывать улыбки, они смеются до слез и покрываются улыбающимися цветами.

– Коллективная выставка «Неготовое», галерея Mon Art, куратор Инна Мурашева. Концепт цвета — сложная ментальная единица, существующая в сознании человека. Цвет сразу же ассоциируется с предметами и явлениями окружающего мира, и часто реальность мы воспринимаем именно через цвет. В языке закрепились мыслеформы относительно цвета: например, белое и черное ассоциируется с добром и злом, красный — красивый, золото — больше свет, чем цвет, а бесцветный означает отсутствие каких-либо ярких качеств.

– Персональная выставка Сергея Ратчина «Границы чудес», Kupol Gallery. Каждый холст является путеводителем в мир ностальгии и фантазии, где старые игрушки, уютные уголки дома, фрагменты детских воспоминаний переплетаются с фантасмагорическими образами и сюжетами. Сюрреалистические пейзажи и мистическая архитектура возвращают нас на страницы детских книг, где все окутано тайнами и волшебством.

Выставки работают до 11.08.24.

Артемий Роккель. «Имеет место быть». MSCA Gallery

Марина Пчелякова «Баланс». Cube.Market

Роман Ермаков. «Мотивирующая композиция». галерея M.A.R.S.H. [minimalia]

Екатерина Попченко. «Solntceetosolntce». 95х60 см Холст, темпера. 2022. Галерея «Небеса»

Фотографии предоставлены пресс-службой Cube.Moscow

04.07.24
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

365

Новости

Арт-обзор 29.08-05.09.245/9/24

03.09.24. В галерейном пространстве Atelier Choutko представлена выставка работ российского художника, автора математических абстракций, представителя второй волны русского авангарда Александра Панкина (1938 – 2020). Выставочный проект графики Александра Панкина«Метаабстракция» собрал в единую экспозицию математические абстракции 1998 – 2001 годов. Александр Панкин рассматривал творчество как художественно-аналитическое исследование связей классического авангарда и новейших научных достижений. Интерес галереи текстильного искусства Atelier Choutko к творчеству Панкина не случаен – ковер ручной работы можно рассматривать как исторический прообраз цифрового файла, где каждый узел – это пиксель с присвоенным уникальным цветом. «Творчество – это таинственный процесс, рождающий не менее таинственные, парадоксальные объекты, которые могут быть сведены к математическим формулам», – Александр Панкин. Аналитические картины не являются эстетическим произволом художника, а выступают как конструкция смыслов, как визуальный образ невидимого. Исследовательский опыт дал толчок к реализации метаабстрактных математических объектов в пространстве искусства. Числовые ряды, иррациональные и трансцендентные числа, научные представления и идеи стали импульсом для формирования новой художественной формы. Его творчество формирует так называемое «научное искусство», которое направлено в пограничные с наукой зоны и обращено к интеллектуальным формам духовности. «Говоря образно, я пытаюсь сконструировать самолет, но не для полета в физическом пространстве, а для полета в пространстве сознания», – Александр Панкин. Начальный период его творчества характерен созданием абстрактных композиций, посвященных теме пространства. В 70-80-е годы творчество художника было направлено на поиски новой фигуративности. Активная выставочная деятельность началась в 1988 г. с персональной выставки в Москве «Реальность, знак, искусство». Одной из основ его произведений стал геометрический и пропорциональный анализ супрематических композиций Казимира Малевича. Тема «Малевич и визуальное мышление» стала своеобразным диалогом художника с искусством русского авангарда 20-х годов. Работы входят в собрания Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного центра современного искусства (Москва), а также в другие государственные и частные коллекции в России и за рубежом. Выставка работает по 15.09.24.

Малевич – Геометрия имени 73 51 1999

Цветовое поле 77 56 2000

Фотографии предоставлены Atelier Choutko

04.09.24. Центр Вознесенского представил выставку «Мир искусства Бориса Усова», посвященную феномену творчества одного из лидеров московской андеграундной сцены 90-х годов, назвавшихся «Формейшн». Борис Усов (Белокуров, 1970–2019), поэт, художник, писатель, лидер нескольких музыкальных групп, в первую очередь известен как идеолог проекта «Соломенные Еноты». Визуальное искусство Усова до сих пор не было исследовано и представлено в полной мере. Выставка в Центре Вознесенского представляет его и как поэта, и как художника — автора графики, остроумных коллажей и самиздатовских журналов «ШумелаЪ Мышь», «Связь Времен» и «Мир Искусства». В экспозицию также входят личные вещи и фотографии Усова. Экспозиция впервые представляет архив поэта в полном объеме. Кураторы: Максим Парфенчиков, Макар Ушаков.Выставка продолжает череду инициатив Центра Вознесенского, посвященных пограничным явлениям книжной культуры — изобразительной поэзии, лирике, пришедшей с территории панк- и рок-музыки, перформансу, книге художника и открывает новую серию проектов Центра, которые будут посвящены поэтам-музыкантам. Выставка работает по 03.11.24.

Угостись

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра

05.09.24. Московский музей современного искусства совместно с Фондом Ruarts представили проект «Город сказка» — выставку двух современных российских фотографов Сергея Борисова и Михаила Розанова. Экспозиция демонстрирует два совершенно разных подхода в работе с архитектурой и жизнью Москвы и дает возможность проследить за развитием разных стилей в истории фотографии. В экспозицию вошло более 40 работ Михаила Розанова из 8 разных серий, которые создавались на протяжении 10 лет, и более 50 работ Сергея Борисова — от 1987 года до настоящего времени.

Глазами двух известных фотографов разных поколений показан город, в котором может случиться всё: это место мечтаний, потрясающих историй и безграничных возможностей, запечатленных в черно-белых изображениях. Михаил Розанов, известный своим монохромным минимализмом и академической строгостью, представляет работы, которые подчеркивают архитектурную красоту Москвы, в то время как Сергей Борисов, известный как «певец Москвы и ее богемы», привносит дух времени, отражая исторические периоды и события города через людей.

В центре внимания Сергея Борисова всегда человек, воплощающий дух столицы. Борисов не фиксирует реальный мир, а скорее напоминает о загадочности города, он создает живые, эмоционально насыщенные образы, в которых человек и его история становятся центром внимания. Работы Сергея Борисова полны романтики и гротеска, что позволяет зрителям увидеть Москву как место, где каждая улица может рассказать свою собственную сказку.

Михаил Розанов, с другой стороны, предлагает более строгий и минималистичный подход, через призму неоклассицизма акцентируя внимание на архитектуре Москвы. Лишенные человеческого присутствия фотографии подчеркивают величественные сооружения города, превращая их в молчаливых свидетелей происходящего. Это привносит ощущение спокойствия и глубины, позволяя зрителям воспринимать привычные формы как нечто возвышенное. Работы Розанова передают суть Москвы как города сказки, где сами здания рассказывают истории прошлого и настоящего.

Вместе Борисов и Розанов создают захватывающий и многогранный образ столицы, где лирика и архитектурная элегантность переплетаются, формируя богатую палитру эмоций и смыслов. Выставка «Город сказка» предлагает увидеть Москву не просто как физическое пространство, но и как волшебное царство, полное чудес и приключений.

Проект «Город сказка» является частью многолетнего сотрудничества ММОМА с Фондом Ruarts, основанном коллекционером и меценатом Марианной Сардаровой в 2003 году, на сегодняшний день являющимся одним из крупнейших частных фондов содействия развитию современного искусства в России. Выставка работает в ММОМА Гоголевский бульвар, 10/2 до 20.10.24.

Сергей Борисов. Северный ветер. 1995. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. Из серии Мечта. 2019. Предоставлено Фондом Ruarts

Сергей Борисов. Туманное утро. 2021. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. ВДНХ. Из серии Ясность цели. 2015. Предоставлено Фондом Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

05.09.24. Центр «Зотов» совместно с Театральным музеем имени А. А. Бахрушина представили выставку «От утопии к театру» к 150-летию Всеволода Мейерхольда. Проект продолжает серию персональных выставок, посвященных главным именам авангарда и их восприятию повседневности и пространства. Выставка «От утопии к театру»рассматривает «конструктивистский» период творчества одного из главных реформаторов театральной сцены XX века, режиссера Всеволода Мейерхольда. Выставочный проект знакомит с пятью его спектаклями, поставленными с 1922 по 1924 годы, — «Великодушный рогоносец», «Смерть Тарелкина», «Земля дыбом», «Д. Е.» и «Лес», который был в репертуаре Театра им. Мейерхольда вплоть до его закрытия в 1938 году. Эти постановки ярче всего отражают принципы нового подхода к игре актера, использованию декораций и взаимодействию со зрителем.

Мейерхольд никогда не переставал экспериментировать, находился в постоянном поиске актуального театрального языка. Режиссер видел свою творческую революционную задачу в том, чтобы «раздеть» театр и избавить его от украшательств прошлого, бутафории и декоративности, и сконцентрировать внимание зрителя на игре актера. Увлекшись главной идеей времени, Всеволод Мейерхольд разработал не только теоретическое, но и практическое основание конструктивизма в своем театре. Режиссер придумал комплекс техник, в том числе биомеханику, которые, с одной стороны, стали продолжением его исканий в театре, а с другой, — вышли за пределы сцены и стали частью жизни и быта нового человека. В этот период Мейерхольд начинает работать с новаторами русского авангарда — художницами Любовью Поповой и Варварой Степановой. Вместе с ними он придумывает трансформирующуюся мебель, прозодежду, «оголяет» сцену, впервые показывая зрителям кирпичный задник и кулисы, а затем и вовсе выходит за пределы театра, используя «внесценные» декорации, которые легко перемещались по городу, что позволяло играть спектакли в скверах и парках по всей Москве.

Экспозиция выставки представляет из себя два круга — внешний и внутренний. Внешний круг посвящен самим спектаклям, а внутренний — биомеханике, технике воспитания актера, которую Мейерхольд впервые вводит в практику в работе со своими студентами. Важной частью выставки является «архив» — место с документами, рассказывающими о том, как театр, в отсутствие доступного кинооборудования, сохранял и записывал спектакли, а также, как на ход представлений могло влиять мнение и впечатление зрителей, на выставке представлены реконструкции и эскизы костюмов; живопись; графика; фотографии сцен, спектаклей и конструкций; рисунки-чертежи; негативы рукотворных титров и афиши. Среди реконструкций, созданных центром специально к выставке, — реквизит к спектаклю «Великодушный рогоносец», макет декорации к спектаклю «Земля дыбом» и основной элемент декорации — «дороги» — к спектаклю «Лес».

Всего в экспозиции собрано 270 экспонатов. Помимо работ из Театрального музея имени А. А. Бахрушина в экспозиции представлены работы из Третьяковской галереи, Российского государственного архива литературы и искусства, Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства, Мультимедиа Арт Музея, Музея МХАТ, Музея «Гараж», Дома культуры «ГЭС-2», Музея кино, Краснодарского краевого художественного музея имени Коваленко, Собрания И. и Т. Манашеровых. Куратор выставки: Анна Ильдатова, театровед, куратор театральной программы фонда V–A–C и Дома культуры «ГЭС-2». Научный консультант выставки: Вадим Щербаков, кандидат искусствоведения, заведующий сектором изучения и публикации наследия В. Э. Мейерхольда Государственного института искусствоведения, главный редактор журнала «Вопросы театра. Proscaenium». В рамках параллельной программы к выставке будет работать лекторий от театроведа Анастасии Паукер, которая расскажет о театральном языке режиссера и его актуальности; а также пройдут лекция-концерт музыковеда, композитора, кандидата искусствоведения Федора Софронова; семейные театральные мастер-классы, в «Зотове» состоится третья читка в рамках проекта «Неснятые сценарии» в постановке Саввы Савельева, пластический интенсив и повтор семейного спектакля Александра Горчилина «Никак не называется, или Бим в поисках Бо». Выставка работает до 10.01.25.

Л. Попова. Монтаж плаката к спектаклю. Театр имени Вс. Мейерхольда. ‘Земля дыбом’. 1921 г

Всеволод Эмильевич Мейерхольд. Портрет. 1925

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»

05.09.24. Всероссийский музей декоративного искусства представил выставку современного лакового искусства «Новые сказки». В экспозиции собраны произведения участников Творческой группы «4+1», созданные за последние 25 лет. Лучшие мастера своего поколения представляют четыре основных школы русской лаковой миниатюры – Мстёру, Палех, Холуй иФедоскино. Их творчество, разное по стилевым особенностям, художественным приемам и технике, объединяет поиск новых путей миниатюрной живописи в современном мире, разработка нестандартных форм предметов, новый взгляд на традиционные сюжеты и переосмысление наследия лаковых промыслов для их сохранения и дальнейшего развития. Одним из значимых экспонатов выставки является эпическое полотно, написанное за 600 дней мстёрским династийным художником Денисом Молодкиным по мотивам «Слова о полку Игореве». В отдельном зале представлены работы художников – учителей и предшественников, проложивших художественные ориентиры для членов Творческой группы. Архитектурная концепция выставочного пространства предполагает новый, продуманный подход к экспонированию. Произведения размещены максимально близко к стеклу витрин, что позволяет комфортно рассматривать тончайшую миниатюрную живопись на небольшом расстоянии. Куратор выставки: Олег Мареев. Выставка работает до 24.09.25.

Молодкин Денис Панно ‘Слово о полку Игореве’. Мстёра, 2024 (фрагмент)

Комаров Михаил Шкатулка ‘Неборека’. Холуй, 2018

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

05.09.24. East Meets West Gallery в содружестве с Государственным музеем-культурным центром «Интеграция» имени Н. А. Островскогопредставили персональную выставку Александра Олигерова с участием художника-керамиста Елены Гамбарян «Я в волшебном лесу собираю летний ветер…». Творчество Александра Олигерова тесно связано с природой, духовной гармонией, стремлением к сохранению баланса между деятельностью человека и окружающей средой. Многообразный мир природы, более или менее фигуративный, фантазийный или опосредованный, отражает в его произведениях близость автора к христианским и восточным традициям. Серия «Сад камней» несет на себе почти все основные черты творчества Александра Олигерова: соединение традиционной и абстрактной живописи на холсте с элементами графики, внесение автором нечитаемого текста как составляющей его произведения. Олигеров использует текст как графический элемент, без которого уже трудно представить произведения художника. «Кто знает, возможно, наша вселенная – это всего лишь сад заветных камней, расставленных Создателем в космической пустоте в идеальном порядке и гармонии, место для Его медитации. Нужно только немного сосредоточиться, прислушаться, и мы услышим Его далекий низкий голос «оммммм, омммммм», – Александр Олигеров. В серии «Летний ветер» ведущую роль играет энергия и движение воздуха. Самая новая серия работ Александра Олигерова «Волшебный лес» – это личное видение Александра – «возможно, его Волшебный лес – это и есть тот мир, который мы потеряли. Этот мир, насыщенный грезами, иногда лишь сверкает нам отдаленными, зовущими огнями в наших ночных снах…».

Выставку дополняют близкие по мотивам работы художника-керамиста Елены Гамбарян. Ее пластические работы в жанре анималистики и флоры выходят за рамки простого реалистического отображения, часто превращаясь в символы и знаки вечных человеческих ценностей.

Куратор выставки: Татьяна Палеева. Выставка работает в Музее Николая Островского по 05.10.24

Александр Олигеров. Четвертое измерение. 2023. Холст, масло. 110х260. ©Александр Олигеров

Елена Гамбарян. Смотри, млечный путь. 2. 2020. Шамот, глазурь©Елена Гамбарян

Фотографии предоставлены пресс-службой East Meets West Gallery

05.09.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо – светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий – заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами – вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора – использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

«Ячейка общества»: о нежном и хрупком13/8/24

В своей новой картине «Ячейка общества» режиссер Алена Званцова с осторожностью, пониманием и сочувствием исследует феномен семейного благополучия, показывая, насколько зыбким может быть счастье и как тонка нить доверия, связывающая любящие сердца. Редактор раздела «Кино» Юрий Аверченков посетил премьерный показ и рад поделиться впечатлениями от просмотра.

Положенная в основу фильма «Ячейка общества» история проста и повседневна, но это только добавляет картине убедительности и шарма. Будничность и понятность повествования немедленно вовлекает в происходящее на экране – мы в уютной съемной квартире одного из домов «старой» Москвы, здесь живет молодая семья: папа Кирилл (Кузьма Котрелев), мама Александра (Анастасия Красовская) и дочь Варя (Герда Пугачева). Шесть лет декрета привязали Александру к ребенку и к дому. С одной стороны, большой мир манит свободой и разнообразием вариантов, с другой – совершенно непонятно, как заново в него встраиваться, ведь рабочих навыков нет, а с дипломом генетика не устроиться в первую же попавшуюся компанию. Пытаясь удержать равновесие, Александра отчаянно цепляется за дочь, но понятно, что вечно сидеть с ней не получится, ребенку давно пора социализироваться и отправляться в детский сад. Завидуя устроенности мужа-программиста, стеная и тревожась, Александра все же преодолевает сомнения и отправляется на собеседования, однако работу не получает. Найти занятие удается в детском саду Вари. В составе родительского комитета Александра берется за подготовку спектакля к ближайшему утреннику и неожиданно для себя увлекается не только пьесой, но и Глебом (Семен Шкаликов) – брутальным отцом одной из девочек, участвующих в постановке. Став очевидицей невинного флирта между мамой и дядей Глебом, в растерянности и ревности Варя по секрету сообщает о случившемся папе…

Режиссер Алена Званцова внимательно и подробно рассматривает каждую деталь назревающего конфликта, давая понять, как именно – от сомнения к недовольному взгляду, от мелкой лжи к упреку, от эмоции к действию – зарождается (точно собирается буковка к буковке слово в любимой семейной игре Scrabble) болезненная готовность к разводу. Завораживающие сверхкрупные планы, когда играют даже не актеры, а только их губы, глаза, брови, дарят такое глубокое сопереживание, что желание оценивать (еще хуже – судить) кого-либо из персонажей просто не возникает. Каждого совершенно четко можно понять, каждому посочувствовать. И в то же время, запутываясь в клубке очевидностей и субъективных правд, внезапно оказываешься вместе с героями на пороге, увы, ставшей привычной, ошибки, из-за которой больно всем – особенно маленькой Варе. Ссора, расставание, возможный развод… И вроде бы на экране не по годам умные, чуткие, современные люди, готовые разговаривать, работать над отношениями, беречь психику ребенка, идти на компромиссы… Но почему-то даже этого недостаточно. Сомнения подогревают эмоции, они закаляют клинки слов, и те, вспарывая плоть самолюбия, бьют точно в самые чувствительные точки, которые за время семейной жизни уже хорошо друг другу известны, а потому беззащитно обнажены. Уколы болезненны и безжалостны. Да, казалось бы, это просто слова. Но к чему в итоге они приведут?

Удастся ли заживить эти раны? Получится ли потом не замечать шрамы? Забудется ли с годами обида? Об этом режиссер приглашает совместно поразмышлять в своей картине, а заодно насладиться органичной актерской игрой, классными костюмами и очень уместным музыкальным сопровождением. И кто знает, может, просмотр фильма поможет кому-то удержаться от собственной ошибки?