Арт-обзор 21.10-28.10.21

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

В связи с осложнившейся эпидемиологической ситуацией заранее уточняйте условия посещения и приобретения билетов на официальных сайтах музеев.

Гоша Острецов
Достижения генной инженерии, 2021

21.10.21. В галерее ART & BRUT состоялась презентация новых работ Яна Тихоненко из серии «Reflection/Refraction». В представленной серии работ художник осмысляет проблему интерпретации в отношениях зрителя и искусства, используя лаконичную визуальную метафору. Отражающийся от глянцевой поверхности монохромных полотен и преломляющийся через нее свет изменяет визуальные характеристики картин-объектов, трансформирующееся вместе с окружающим пространством. Вглядываясь в работу, зритель видит в ней собственное отражение, просвечивающее в фактурных цветовых пятнах, меняющих собственные оттенки в зависимости от освещения, подобно тому, как интерпретируя искусство, он обнаруживает в нем лишь остатки собственного опыта, замкнутые в актуальных для своего времени контекстуальных рамках. Выставка работает по 04.11.21.

Фотографии Cabinet de l’art

22.10.21. В пространстве Агентства. Art Ru открылась выставка одного из зачинателей искусства новых медиа, российской арт-психоделики и клубной культуры в России Сергея Шутова. Сергей Шутов органично сочетая в своем творчестве приемы уличного искусства, обращается к всегда актуальной теме поиска своего места во Вселенной и к локальной микроистории. В экспозиции проекта «Гимны других людей» представлены как работы периода 1980-х гг., так и совершенно новые произведения. Сергей Шутов давно ставит перед собой задачу изобразить неизобразимое. На этом направлении он опирается на разные традиции — от христианской иконописи и дальневосточной живописи до европейского авангарда и концептуализма, используя практически все известные наработки и подходы прошлого. Именно поэтому его интересуют ангелы и прочие иномирные существа, богословские и космологические теории свертывания/развертывания вселенной, психоделический опыт и оптические иллюзии. Совокупная метафора серии – образ грядущего общества, где торжество искусственного интеллекта приводит к появлению цифровых помощников совершенных людей, а мир, скорее всего, совсем не таков, каким мы его себе буднично представляем. В этом смысле сияющие персонажи картин Шутова не приходят к нам из других измерений, иных реальностей или далеких планет. Они всегда были здесь, рядом с нами. Чтобы их заметить, нужно перенастроить наши инструменты видения – и не столько глаза, сколько разум. Но даже в этом случае все равно получается лишь отражение отражения, в чем художник прекрасно отдает себе отчет. Выставка работает до 26.11.21.

Диалог «Роботы»

Голова №1

25.10.21. ГМИИ им. А.С. Пушкина впервые представил современную графику из собрания Центра Помпиду. Выставка «Современная графика из собрания Центра Помпиду. Дар Флоранс и Даниэля Герлен» в семи залах первого этажа Галереи искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков демонстрирует часть обширного собрания Флоранс и Даниэля Герлен, которое в 2012 году знаменитые коллекционеры передали в дар Центру Помпиду – Национальному музею современного искусства. В экспозиции – более 200 произведений графики, в том числе работы Фабриса Ибера, получившего «Золотого льва» на Венецианской биеннале 1997 года, и Кики Смит, американской художницы, одной из наиболее заметных фигур феминистского искусства, а также рисунки Кристиана Болтански, Жерара Гаруста, Джузеппе Пеноне, Сильвии Бэхли, Павла Пепперштейна, Александра Пономарева и многих других представителей мира современного искусства. Талант коллекционера Даниэль перенял от деда, парфюмера Жака Герлена, обладавшего одним из крупнейших собраний полотен импрессионистов. Сегодня, вместе со своей супругой Флоранс, Даниэль продолжает традицию знаменитого предка – формирует коллекцию актуального искусства своего времени. Когда в 1994 году парфюмерный дом Guerlain был приобретен холдингом LVMH, у четы Герлен появились новые возможности: они создали фонд, а чуть позже учредили премию в области рисунка. Изначально Fondation d’Art Contemporain Daniel & Florance Guerlain располагался в загородном поместье семьи, в 40 км от Парижа. В специально построенном пространстве супруги экспонировали произведения из своего собрания, там же открыли литографскую и граверную мастерские.

Еще одна инициатива семьи Герлен – The Daniel and Florence Guerlain Drawing Prize – премия в области современного рисунка, учрежденная коллекционерами в 2006 году. Начиная с 2010 года она вручается ежегодно в рамках парижского Салона рисунка одному из трех современных художников, отобранных жюри, которое состоит из коллекционеров, музейных хранителей, директоров музеев и регулярно подвергается ротации. Из предложенных экспертной комиссией кандидатов выбираются 3 финалиста, имена которых объявляются каждый декабрь в залах Школы изящных искусств. В конце марта, после представления работ финалистов на специальном стенде Салона рисунка, объявляется победитель. Он получает денежный приз в размере €15 000, а его работа поступает в собрание графики Центра современного искусства имени Жоржа Помпиду. Российской публике представляется уникальная возможность не только познакомиться с образцовым частным собранием рисунка, но и узнать, как работает графический кабинет Центра Помпиду, один из богатейших отделов Национального музея современного искусства по количеству хранящихся в нем произведений, и в то же время – один из самых скрытых от глаз зрителя. Когда в 1977 году Центр Помпиду был торжественно открыт, в отделе графики хранилось около 5 000 произведений, сегодня же он насчитывает около 30 000 листов. По словам Йонаса Сторва, директора и хранителя графического кабинета Центра Помпиду, «с тех пор коллекция существенно изменилась, значительно обогатилась и действительно стала живой памятью творческой мысли графиков разных стран XX и начала XXI веков». Во Франции существует три важнейших собрания графики: кабинет графики Лувра, отдел эстампов Национальной библиотеки, являющийся эталонным, и графический кабинет Центра Помпиду. Как отмечает Йонас Сторв, «присутствие Национального музея современного искусства в этом списке свидетельствует о значении собрания произведений на бумаге – коллекции, сложившейся, впрочем, относительно недавно». Кураторская группа: Сурия Садекова, Анна Клочкова, Мария Хвалибова. Выставка работает по 30.01.22.

Фотографии Cabinet de l’art

26.10.21. На площадке Музея МХАТ в Доме-музее Станиславского состоялось открытие выставки «Я и Они. Три сестры», первой части двухчастного проекта «Борис Кочейшвили. Я и Они». Эта выставка, приуроченная к 120-летию первой постановки пьесы «Три сестры» А.П. Чехова, выстроена вокруг предметов из уникальных архивов музея МХАТ, а также скульптурных, живописных и стихотворных работ Бориса Кочейшвили, с 70-х годов разрабатывающего тему «Трех сестер». Пьеса «Три сестры» была написана А.П. Чеховым в 1901 году специально для Художественного театра и поставлена К.С. Станиславским. Для своего времени в спектакле было много новаторских решений. 120 лет спустя эта пьеса остается одной из самых востребованных как на российской, так и на зарубежной сцене. Ее ставили Олег Ефремов и Анатолий Эфрос, Юрий Погребничко и Петр Фоменко, Кристофер Марталер и Петер Штайн. Чем же она задевает режиссеров, чей способ мышления и язык бесконечно далеки от стилистики раннего МХАТа? Выставка «Я и ОНИ. Три сестры» в музее МХАТ – попытка ответить на этот вопрос. В экспозиции — автографы Чехова и Станиславского, фотографии и костюмы к постановкам и видео-инсталляции на тему чеховской пьесы, редкие записи спектаклей по «Трем сестрам» в трактовках самых разных режиссеров. Художник Борис Кочейшвили — один из наиболее значимых и любопытных интерпретаторов чеховской пьесы на арт-сцене. Он увлечен сюжетом «Трех сестер» с начала 1970- х годов, варьируя его в своей графике, живописи и рельефах. На выставке представлено около сотни работ художника, выполненных в разных техниках. Выставка в музее МХАТ – в Доме-музее К.С. Станиславского выступает своеобразным мультимедийным предисловием к персональной выставке художника Бориса Кочейшвили, которая открывается в Государственной Третьяковской галерее в ноябре 2021 года. Куратор проекта: Тамара Вехова. Выставка работает до 05.12.21.

Ирина — М,Ф. Андреева. Три сестры. 1901

Борис Кочейшвили. Перед грозой. 1988

Фотографии предоставлены Art PR INTERNATIONAL

27.10.21. Центр Вознесенского в историческом зале ожидания Казанского вокзала «Комфорт», построенном архитектором Алексеем Щусевым в начале ХХ века, представил выставку «Игра в города», посвященная сорокалетнему юбилею спектакля «Юнона и Авось». В центре выставки — инсталляция художницы и сценографа Ирины Кориной, представляющая собой проект музея «Юноны и Авось». Куратор: Вячеслав Шмыров.

В основе экспозиции поп-ап-музея лежит история создания спектакля, рассказанная через эпизоды из жизни шести авторов: поэта Андрея Вознесенского, композитора Алексея Рыбникова, режиссера Марка Захарова, художника Олега Шейнциса, балетмейстера Владимира Васильева и актера Николая Караченцова. Единое повествование в инсталляции художницы Ирины Кориной под кураторством Вячеслава Шмырова рассказывает о том, как «Юнона и Авось» стала легендарной постановкой с международной славой, и помещает ее в культурный контекст эпохи застоя.

Для обращение к знаменитой рок-опере не только дань уважения постановке «Ленкома» и поэме Андрея Вознесенского, но и попытка рассказать о «Юноне и Авось» как о произведении, преодолевшем границы искусств, жанров, государств, идеологий. Выставка «Игра в города» рассказывает о том, благодаря чему «Юнона и Авось» смогла объединить разных людей и разные континенты.

Уникальная судьба самого спектакля начинается в 1971 году, когда Андрей Вознесенский, находясь в Канаде, познакомился с историей любви Резанова и Кончиты и написал об этом поэму «Авось». Она и стала отправной точкой одной из самых красивых легенд о любви, выраженной сначала в рок-опере Алексея Рыбникова, а потом в спектакле театра «Ленком». Здесь образуется новая «игра в города»: от премьеры «Юноны и Авось» в Москве в застойном 1981 году через триумфальные гастроли в Париже в 1983 году, сделавшие спектакль достоянием мира, до нью-йоркских гастролей театра «Ленком» на закате горбачевской эпохи в 1990.

Ирина Корина, художник проекта: «Мы создаем проект музея «Юноны и Авось»: меняем местонахождение спектакля, его смысловое положение, рассматриваем этот проект как часть истории страны. Вспоминаем контекст возникновения, конец 70-х и 80-е и думаем о нем как о наследии, как о части музейной коллекции. Сама форма экспонирования на выставке «Игра в города» носит макетно-декорационный характер. Этот музей пока представляет из себя модель, эскиз.»

В рамках выставки пройдет сопроводительная перформативная и образовательная программа, которая в ближайшее время будет анонсирована на сайте Центра и в соцсетях. Среди готовящихся событий — перформансы, концерты, кураторские экскурсии, мастер-классы, лекции о «Юноне и Авось» и кинопоказы. Выставка работает до 15.12.21.

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра Вознесенского

27.10.21. Аукционный дом Sotheby’s представил уникальную выставку избранных работ художников XIX и XX вв. в Государственном музее архитектуры им. А.В. Щусева. Во Флигеле «Руина» показаны картины прославленных мастеров, среди которых Кузьма Петров-Водкин, Петр Кончаловский и Николай Рерих. Кроме того, на выставке экспонируются работы советских нонконформистов из известной частной коллекции – аукцион советского неофициального искусства состоится 01.12.21, на следующий день после торгов русской живописи. В последний раз предаукционная выставка Sotheby’s проходила в Москве в 2019 году. Топ-лотом торгов и центральным экспонатом выставки станет «Натюрморт с яблоками» кисти Кузьмы Петрова-Водкина. Созданная одним из ярчайших представителей русского искусства начала XX века, эта картина знаменует собой важный этап на творческом пути художника и стоит на пороге той самой сферической перспективы, которая впоследствии станет отличительной чертой творчества Петрова-Водкина. «Натюрморт с яблоками» был среди девяти работ художника, показанных на Балтийской выставке в Мальмё (1914 г.), наряду с картиной «Купание красного коня». В середине 1960-х представленный натюрморт приобрел советский скульптор и бывший ученик Петрова-Водкина Борис Евсеевич Каплянский; полотно участвовало в выставках в Москве (1966 г.) и Ленинграде (1969 г.). Также на выставке будет показан «Натюрморт с чайником и подносом» Петра Кончаловского. Еще одним украшением московской выставки станет картина Николая Рериха «Горница в тереме Садко», созданная художником к не случившейся постановке Сергея Дягилева и Томаса Бичема.

Листайте галерею>>>

Дмитрий Краснопевцев. Композиция. 1973
Кузьма Петров-Водкин. Натюрморт с яблоками. 1912.
Олег Целков. Портрет.
Петр Петрович Кончаловский. Натюрморт с чайником и подносом. 1910–1912.
Эрик Булатов. Городская картина. 1966

Фотографии предоставлены Аукционным домом Sotheby’s

27.10.21. Bonhams, международный аукционный дом, основанный в 1793 году, в преддверии аукциона русского искусства, который состоится в Лондоне 01.12.21., представил в Москве в Государственном историческом музее редкую работу Валентина Серова – «Портрет военного», датированный 1911 годом. Валентин Александрович Серов (1865–1911) в своем искусстве соединил лучшие традиции русской реалистической школы, уроки старых мастеров, новаторство современных западноевропейских художников. Его творческие устремления были близки передвижникам, живописцам общества «Мир искусства», объединения «Союз русских художников» и некоторым представителям авангарда. Для Серова в портрете главной была тенденция раскрытия психологии личности. Нередко, персонажи характеризовались через своеобразие мимики и жеста, необычного поворота или наклона головы, мимолетной усмешки или особым блеском в глазах. Среди череды поздних портретов Серова особенное место занимает загадочный «Портрет военного», датированный 1911 годом. На нем изображен офицер русской царской армии, одетый в гимнастёрку цвета хаки. Центром внимания Серова, как всегда в его портретах, остается проработка лица модели, через которую он старается передать характер позирующего полковника. Портретов, подобных этой работе, никогда не было в открытой продаже. Портрет выполнен в аналогичной манере, что и знаменитый «Портрет Николая II в серой тужурке»: взгляд на зрителя, простая военная форма и акцент не на регалии, а на лицо. Возможно, у героя картины было много других наград, но на портрете мы видим только Орден Святого Владимира, который никогда не снимается. Предаукционный показ в Государственном историческом музее проходит 28 -29.10.21.

Валентин Серов Портрет военного, 1911

Фотографии предоставлены аукционным домом Bonhams

27.10.21. ASKERI GALLERY представила выставку московского художника, входящего в ТОП-100, Павла Полянского – «Мираж». Полотна из новой серии, светлые и полные жизни, похожи на сладкий сон морозным зимним утром с мечтой о лете. Яркая цветная иллюзия блекнет, и сон рассыпается. Сочетание ярких цветовых пятен с монохромными элементами в работах Павла отражает разрыв и, в то же время, взаимопроникновение реальности и фантазии, а разбивка изображения на несколько частей, по типу комикса, придаёт работам повествовательность. Сознание современного человека полно навязанных клише и предубеждений, и очень часто вещи, которые нам просто сложно представить, переходят в разряд «бытовых миражей». Павел Полянский был последним штатным художником в галерее Айдан Салаховой. Она увидела работы Павла на Арт Москве, пригласила его в свою галерею в тот момент, когда художников уже не набирала. Айдан так понравились работы Полянского, что она решила сделать для него исключение – его работы сдержанны в цветовых решениях: доминируют серый и оттенки сепии – Павел работает в технике «гризайль» и с ее помощью достигает ассоциативной связи изображения с фотографией. Мир, который создает художник выглядит предельно реалистично, но полон саркастичных и ирреальных сюжетов. Дипломная работа Павла находится в коллекции ММОМА. Выставка работает по 12.11.21.

Осирис

Арбузы империи Цзинь

Фотографии предоставлены ASKERI GALLERY

27.10.21. Галерея «Триумф» представила персональную выставку Сергея Кузнецова «Падает свет», в состав которой вошло около ста работ, выполненных в технике акварели. Акварели Сергея Кузнецова — своеобразный визуальный дневник, в котором собраны объекты городских пейзажей в окружении их жителей и архитектурные виды, оставшиеся в памяти после поездок. «Я вспоминаю, что меня поразило, на что я обратил внимание <…> Бывает, это красивая тень, необычное сочетание цветов, объемов… Что угодно может быть в городской среде. И ты думаешь: да, это был интересный момент, это надо нарисовать» — Сергей Кузнецов. Особое место в творчестве Кузнецова занимает его родной город — Москва. Художественный подход, знания и многолетний опыт в проектировании и возведении зданий, а также опыт государственного управления делают взгляд Сергея Кузнецова уникальным и богатым по способу и манере изображения городских объектов. Куратор: Полина Могилина.

Фотографии предоставлены галереей «Триумф»

27.10.21. В Центре Гиляровского, филиале Музея Москвы, состоялось открытие выставки «Московская коллекция Бориса Косарева. Портрет на фоне города», приуроченная к 110-летию со дня рождения художника. В экспозиции представлена его московская фотохроника и важнейшие политические события 1950–1970-х годов. Борис Максимович Косарев, штатный фотокорреспондент ТАСС, получил известность как автор официальной советской хроники. Газеты и журналы печатали его фоторепортажи парадов, демонстраций, съездов ЦК КПСС, встреч лидеров государств и правительственных делегаций. Однако большая часть его работ долгое время оставалась неизвестной. На протяжении многих лет Борис Максимович снимал Москву, и именно эти снимки города показывает Центр Гиляровского. Благодаря семье Бориса Косарева, сегодня Музей Москвы обладает уникальным фотоархивом, который включает 600 цифровых фотографий.

28.10.21. В новом галерейном пространстве Е.К.АртБюро состоялось открытие персональной выставки Гоши Острецова «Динозавры искусства». Куратор проекта Елена Куприна-Ляхович: «Буквально ворвавшийся в художественное пространство перестроечной России, Гоша Острецов сразу занял в нем устойчивую нишу, сумев сохранить свой собственный стиль и в то же время гармонично вписаться в полифонию московского арт-сообщества». За долгие годы творческого пути Гоша Острецов работал в стилистике нью-вейва, комикса и академизма и, творчески преображаясь, всегда продолжал считаться одним из самых ярких молодых представителей московской арт-жизни. На протяжении многих лет оставаясь востребованным и актуальным художником, Острецов неожиданно обнаружил себя в возрасте заслуженного классика современного искусства. Выставка «Динозавры искусства» символизирует начало нового этапа в карьере автора. «Я сам себя чувствую, как некое древнее ископаемое по отношению к современной сцене. И это такой период, достаточно сложный. Я уже превратился в динозавра, но пока еще не в полное ископаемое, поэтому название проекта — это ирония над самим собой», — признается Острецов. Персональная выставка для художника — повод осознать себя в новом статусе и одновременно подвести некоторые итоги. В экспозицию входят произведения, созданные в различных техниках, от графики и живописи до объектов, скульптуры и книжной иллюстрации. На сегодняшнем этапе созданные ранее свои произведения Гоша в буквальном смысле делает основой для новых арт-объектов. Развивая метод, впервые опробованный в масштабном проекте — аукционе в помощь COSMOSCOW-2019, Острецов использует фрагменты своих старых работ и обрезки от полотен своих коллег, синтезируя из них новые произведения. «В последнее время я составляю калейдоскопы из разных работ, то есть это как бы ресайкл, переделка, переосмысление уже пройденного этапа. И я очень часто беру сейчас свои старые работы и переделываю их: режу, соединяю, пытаюсь, по-новому на это дело взглянуть», — Гоша Острецов. Таким образом, выставка «Динозавры искусства» представляет собой двойную ретроспективу внутри одного проекта, когда автор, последовательно восстанавливает и переосмысляет все этапы своего развития, а затем анализирует и прорабатывает старые идеи на принципиально новом, современном уровне. Выставка работает до 29.11.21.

Гоша Острецов

Блиц-интервью для Cabinet de l’art художника Гоши Острецова.

Ольга: Эта выставка – своего рода археологическое исследование, восстанавливающее главные события и впечатления вашей творческой жизни. Творческая жизнь классика всегда документирована, поэтому важнейшие факты вашей творческой биографии общеизвестны. Но личное восприятие всегда интереснее официально-публичной подачи. Что для себя лично вы отмечаете как главные события собственной творческой жизни?

Гоша: Я считаю, что одно из главных событий в моей жизни стало сотрудничество с Галереей Марата Гельмана. Безусловно, участие в выставке «Победа над будущим» в Павильоне России на 53-й Венецианской биеннале. Немаловажной для меня стала совместная работа с Галереей Саатчи в Лондоне, а также с Эльвирой Тарноградской. В 2017 году состоялся большой персональный проект «Меня похищали уже сто раз» во время Венецианской биеннале в Palazzo Nani Bernardo. Сейчас, на выставке «Динозавры искусства» я анализирую и исследую собственные этапы творчества через alter ego – динозавра. Вместе с ним зрители и я путешествуют и изучают мои произведения. Это тоже важная для меня выставка в Е.К.АртБюро.

Ольга: Существует ли определенная точка отсчета для вас лично – НАЧАЛО творческого пути или это условное понятие?

Гоша: Начало творческого пути, это, конечно, когда художник начинает ощущать себя самого и видеть направление в творчестве. Такой перелом в видении у меня произошел, когда я попал в объединение «Детский сад», где я встретил Тимура Новикова, Олега Котельникова и художников круга Новой Академии. Именно тогда для меня открылись новые горизонты.

Ольга: Куратор проекта Елена Куприна-Ляхович подчеркивает, что вы всегда сохраняли свой собственный стиль. В каком бы жанре вы не работали, вы остаётесь Гошей Острецовым. Ваш собственный стиль – это вы. Так кто вы, как бы вы представили свой стиль?

Гоша: Я считаю, что художник существует в своем времени, а время меняет стили, поэтому быть самим собой, это быть адекватным времени. Яркий пример – Пикассо, у которого есть голубой, розовый, кубистический и сюрреалистический периоды. Так сложилось, что я уже прожил несколько временных этапов и работал в разных стилях, всегда стремясь правильно свидетельствовать о своем времени.

Гоша Острецов. Костюмированный перформанс к коллекции “Звездный войны”. 1987 Фотограф Андрей Безукладников

Гоша Острецов и Тимур Новиков на фоне совместной работы. Арт-рок парад АССА. 1988

Ольга: Невозможно подводя, условно говоря, итоги долгого творческого пути, не смотреть в будущее. Дальнейший маршрут уже построен?

Гоша: Пока я полностью сконцентрирован на выставке «Динозавры искусства» и приглашаю зрителей ее увидеть. Вскоре будет и новый проект, но я его не раскрываю. Это как роман с продолжением, зрители должны прочитать первую главу, чтобы перейти ко второй части.