Арт-обзор 19.09-26.09.24

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

19.09.24. Галерея фиджитал-искусства VS Gallery в день своего рождения открыла выставку Symbiosis. Галерее исполнился год и в экспозиции представлено больше 30 работ художников-резидентов: Кирилла Рейва, Rinatto L’Bank (Рината Абдрахманова), Данилы Карамушкина, Юлии Низамутдиновой. Каждый из них предложит свой взгляд на фьюжн, симбиоз природы и технологий. Свой созданный мир Кирилл Рейв называет «Цифровым техногенным местом для эскапизма» — это пространство, где вода становится символом бесконечных возможностей и перемен. Вода также занимает особое место и в творчестве другого художника-резидента галереи – Rinatto L’Bank (Рината Абдрахманова). Ее уникальные свойства – искажение света, преломление и метаморфозы изображений – открыли перед автором новые горизонты в создании визуальных образов. Продолжают экспозицию созданные в керамической лаборатории «Цветы» Данилы Карамушкина. Они символизируют непрерывный цикл эволюции, объединяя естественные, созданные человеком элементы. Другая серия работ Данилы – Curly – это исследование перехода от цифрового к физическому, создавая скульптуры в тот момент, когда глина, еще мягкая и податливая, позволяет ему формировать сложные драпировки и уникальные текстуры. Процесс фиксирует движение и форму, которые напоминают ткани, остановленные во времени. Дополняет экспозицию работа Юлии Низамутдиновой «Щелковый червь». Неантропоморфное «Иное» существует вне человеческого мира, его законов, неподвластно нашему пониманию и описанию. Выставка 16+ работает до 24.11.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи

20.09.24. Первый проект нового сезона в HSE ART GALLERY на Пионеркепродолжает цикл парных персональных выставок «учителей и учеников» Школы дизайна НИУ ВШЭ. Персональные выставки Владимира Потапова и Саши Подгородской на первый взгляд несопоставимы по художественным методам: например, Владимир Потапов чаще всего работает с фигуративной живописью, Саша Подгородская, наоборот, — с абстрактной. Но, в сущности, оба автора занимаются ревизией живописи как вида искусства, её параметров и способов перехода в другие пластические возможности. Формат двойных персональных выставок позволяет, во-первых, представить срез созданных за годы учебы наиболее значимых работ молодых авторов, а во-вторых, соотнести оптику учеников и их учителей.

Название проекта Владимира Потапова — «Длительность распада» — отсылает к персональной выставке художника «Момент распада» в пространстве Агентства Art Ru в 2011. Для него это был не только первый соло-проект в Москве, но и первая попытка выйти за пределы классической живописной конвенции «холст и масло». Экспозиция позволила наметить путь и показала перспективы поиска практических ответов на вопрос «Жива ли сегодня живопись?». Представленные на выставке произведения относятся к разным сериям, созданным Потаповым с 2012 по 2022 год. Такой диапазон позволяет охватить широкий инструментарий автора и радикально отличающиеся друг от друга методы, которые формировались на протяжении десятилетия.

Закончила магистратуру под наставничеством Владимира Потапова в этом году, на выставке Подгородская представит свой дипломный проект «Почуй. Полесье». Серия работ посвящена истории родной области, расположенной «по лесу» на территории четырех современных государств. За многовековую историю Полесья одна и та же земля переживала разные правления, разделы территорий, междоусобицы. Природа оставалась неподвластна человеку. «При создании своих работ Саша использует природные материалы и нехарактерные для традиционного живописца инструменты: стеки, подушечки своих пальцев, пучки сушеной травы. Холсты тоже подготавливаются особым способом: художница грунтует их с помощью натуральных составов и в отдельных случаях дополняет вручную созданной бахромой — и тогда они уподобляются старинной домашней скатерти, накидке, покрывалу или ковру», – куратор кандидат искусствоведения Дарья Пыркина. Выставка работает до 27.10.24.

Саша Подгородская, «Алые маргаритки», 2024

Саша Подгородская, «Первый свет весны. Лесная поляна», 2024

Владимир Потапов, Unite №7, 2011

Фотографии предоставлены галереей

24.09.24. Центр «Зотов» в рамках Международной биеннале графического дизайна «Золотая пчела»представил выставку современного плаката«Степанова — 130. Посвящение художнице». Кураторы: Сергей Серов,Екатерина Лаврентьева. Московская международная биеннале графического дизайна «Золотая пчела» проводится с 1992 года и традиционно представляет лучшие образцы графического дизайна со всего мира, осмысляя современную визуальную культуру и способствуя ее развитию. На первом этаже Центра «Зотов» собраны плакаты, вдохновленные творчеством Варвары Степановой — живописца и дизайнера, одной из создателей конструктивизма как универсальной художественной практики. Выставочный проект приурочен к 130-летию со дня рождения художницы. Образ Варвары Степановой складывается из множества черт — это и узнаваемая типографика из ее ранней визуальной поэзии, и пляшущие человечки-марионетки, и созданные, за десятилетия до официального возникновения оп-арта, геометрические орнаменты с оптическим эффектом, проекты спорт-одежды. Также это фотопортреты художницы, сделанные ее мужем и соратником Александром Родченко, на которых она предстает в самых разных амплуа — художника-конструктора, героя рекламы Госиздата и модели. В экспозиции представлено 17 плакатов дизайнеров-графиков из семи стран — России, Беларуси, Кыргызстана, Венгрии, Швейцарии, Португалии и Мексики. В их основе — конструктор элементов, каждый из которых отсылает к знаковым проектам Варвары Степановой и создает узнаваемый набор образов русского авангарда. Выставка работает до 31.10.24.

Александр Родченко. Варвара Степанова в платье, сшитом из ткани, изготовленной по её эскизу на Первой ситценабивной фабрике. 1924

Предоставлено пресс-службой Центра «Зотов». Фотограф Михаил Гребенщиков

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»

25.09.24. Музей имени Андрея Рублева открыл выставку «Русский антиминс. Гравюра на ткани XVII-XIX веков». На выставке представлены практически все иконографические варианты гравированных антиминсов с начала их появления в России в 1655 году и до середины XIX века, когда на смену гравюре пришла новая техника печати. Среди экспонируемых произведений – редкие памятники иконописи, а также гравюры и литографии с видами монастырей и портретами церковных иерархов из собрания Центрального музея древнерусской культуры и искусства имени Андрея Рублева и Музея христианского искусства «Церковно-археологический кабинет» Московской духовной академии.

На Руси антиминсы известны с XII века – на протяжении нескольких столетий их изготавливали рукописным способом. На выставке представлены несколько таких ранних образцов с изображением Креста. История гравированных (печатных) антиминсов связана с реформами патриарха Никона. Сразу после Московского собора 1655 года последовал указ патриарха о подготовке первого гравированного антиминса. В качестве изображения для него была выбрана композиция «Оплакивание Христа», известная в антиминсах Православного Востока. В XVIII веке над созданием антиминсов работали выдающиеся мастера – знаменитые граверы петровской эпохи братья Иван и Алексей Зубовы, с именами которых связано окончательное утверждение антиминсов Нового времени, известный живописец и рисовальщик А.П. Антропов, гравер И.А. Соколов и другие.Автором последнего рисунка для гравированного антиминса стал академик живописи Ф.Г. Солнцев (1855 год). После этого для изготовления антиминсов начинают применяться новые полиграфические технологии, в частности, гальванопластика. Кураторы выставки: О.Р. Хромов, доктор искусствоведения, главный научный сотрудник научно-исследовательского отдела; Л.И. Антонова, кандидат искусствоведения, ведущий научный сотрудник научно-исследовательского отдела. Выставка работает до 24.11.24.

Антиминс церкви Благовещения. (Голгофский Крест). Неизвестный автор. 1630 год& Холст, чернила, перо, кисть. 22,5 х 19,5 см. Музей христианского искусства «Церковно-археологический кабинет». Московской духовной академии

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

24.09.24. Галерея pop/off/art в своем пространстве в Большом Палашёвском переулке представила персональную выставку отохудожника Владимира Куприянова «Архив. Лаборатория. Поиск». Владимир Куприянов – один из пионеров независимой художественной сцены 1980-1990х годов, его индивидуальный метод сложился в кругу Д. Пригова, А. Монастырского, Р. Лебедева и других. Мастер выработал совершенно новый подход к фотографии и ее репрезентации: отказываясь от идеи фотографии как аналога картинной плоскости, он создавал инсталляции и объекты, в которых использовал различные эффекты, такие как отражение, засвечивание, деление на части, кадрирование, наложение нескольких слоев, имитирующих мультиэкспозицю и т.д. Экспозиция знакомит зрителя с творческим методом мастера и раскрывает некоторые секреты его «авторской кухни». Экспозиция включает в себя эскизы, рабочие материалы художника и серии его камерных произведений. В основу выставки легло исследование архива Куприянова, который формировался на протяжении нескольких десятилетий и оказался забыт после смерти автора в 2011 году. Проект «Архив. Лаборатория. Поиск» задуман как вступление к большой ретроспективной выставке мастера «Владимир Куприянов. Возвращение времени», которая пройдет этой осенью в Московском музее современного искусства. Куратор: Анастасия Котельникова. Выставка в pop/off/art 2.0 работает до 23.11.24.

Владимир Куприянов. Из серии Выпускники. 1996-1999. Печать на полиэфиров пленке.

Автопортрет Владимира Куприянова. 1980е

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи

24.09.24. Состоялась презентация нового художественного пространстваSEREBRO SPACE, созданного скульптором Айдыном Зейналовым. Пространство SEREBRO SPACE в самом центре Москвы совмещает традиции и современность и служит местом встреч и дискуссий для художников и ценителей искусства, экспертов и критиков, практиков и теоретиков. Объединяя разные формы и направления искусства, науки и культуры, площадка работает в формате экосистемы, основная цель которой – поиск ответов на злободневные вопросы, изучение прошлого и настоящего, решение нестандартных задач, создание нового. Айдын Зейналов профессиональное образование получил в Московском государственном академическом художественном институте им. В. И. Сурикова под руководством известного скульптора Александра Рукавишникова. В 2005 году окончил Московский архитектурный институт, факультет «Дизайн архитектурной среды» по профессии дизайнер;
академик Российской академии художеств, член-корреспондент Российской академии художеств, награжден Золотой медалью Российской академии художеств (2001), кандидат искусствоведения, учредитель и директор Фонда поддержки научно-образовательной деятельности «Институт междисциплинарных исследований “INTER-ESSE”». В 2018 году А. Зейналову было присвоено звание академика флорентийской Академии изобразительных искусств и рисунка (Accademia delle Arti del Disegno). Произведения Айдына Зейналова представлены в Московском музее современного искусства, Государственной Третьяковской галерее, Галерее Академии во Флоренции, итальянском Музее современного искусства (MOCA), дворце Медичи во Флоренции. Памятники и скульптурные композиции украшают города России, Италии, Австрии, Германии, Азербайджана и Черногории, Сербии. Первая экспозиция в пространстве SEREBRO SPACE представит произведения Айдына Зейналова разных лет. В октябре 2024 года в пространстве SEREBRO SPACE стартует авторский цикл лекций «История развития скульптуры. От первобытного искусства до ХХI века «Натальи Кортуновой, старшего научного сотрудника Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, хранителя коллекции скульптуры XIX-XX вв.

Айдын Зейналов, из серии «Игрушки», 2023, бронза

SEREBRO SPACE, фотография Айдына Зейналова

Фотографии предоставлены пресс-службой

26.09.24. Галерея «Открытый клуб» представила выставку графика и живописца Лидии Наумовой (1902—1986). В 1915—1919 гг. Наумова училась в Императорском Строгановском центральном художественно-промышленном училище, после чего поступила во ВХУТЕМАС — сначала на текстильный факультет, а затем на театральный, который окончила в 1925 году. Наумова работала в разных областях: в книжной и плакатной графике, в качестве оформителя массовых празднеств, но наибольшую известность ей принесла работа художника-оформителя, художника-постановщика и художника по костюмам для театра и кино. Выставка «Весь мир – театр… и кино» в «Открытом клубе» ретроспективна по своему характеру и охватывает большой временной срез. В экспозиции собраны и ранние ученические эскизы Наумовой 1910-х годов, и её поздние живописные работы конца 1970-х гг. Основную часть экспозиции составляют эскизы костюмов и декораций, наиболее значимыми из которых являются работы Наумовой к фильму «Иван Грозный», подписанные самим Сергеем Эйзенштейном. Наумова сумела в своих работах воссоздать ушедшие эпохи и чётко обозначить характеры персонажей, одинаково талантливо проявляя себя в разных видах искусства. Выставка работает по 24.09.24.

Фотографии предоставлены галереей

26.09.26. Галерея «Квартира S» представила выставку работ Аниты Романовой «Ностальджи». Анита Романова стремится запечатлеть на холсте воспоминания о конце 1980-90-х годах – времени, которое пришлось на её детские и юношеские годы. Художница заимствует знаковые сюжеты из детства и наблюдает за тем, как память разных людей хранит одинаковые образы. Отталкиваясь от своих воспоминаний, Анита Романова воспроизводит многообразие символов, соединяя личную и историческую память. «Я рождена в СССР, отсюда и тема моей выставки. Миллениалы – классное поколение! Мы росли на «Девчатах», танцевали под Backstreet Boys, плакали на «Титанике», а сейчас с легкостью приспосабливаемся уже к своим детям с их «крашами, имбами и кринжами». В каждом времени есть свои проблемы и кризисы. Конечно и в 80-90 х они были… Но сейчас это все вспоминается с улыбкой. Отсутствие электроники, гаджетов, «казаки-разбойники», гаражи, «скакалочки» и «классики», одна-две плюшевых игрушки, которые были затисканы до дыр…Одним словом ностальгия. Вот про это и выставка». Выставка в пространстве «Рынок на Ленинском» работает до 20.12.24.

Фотографии предоставлены галереей

19.09.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

171

Новости

Арт-обзор 29.08-05.09.245/9/24

03.09.24. В галерейном пространстве Atelier Choutko представлена выставка работ российского художника, автора математических абстракций, представителя второй волны русского авангарда Александра Панкина (1938 – 2020). Выставочный проект графики Александра Панкина«Метаабстракция» собрал в единую экспозицию математические абстракции 1998 – 2001 годов. Александр Панкин рассматривал творчество как художественно-аналитическое исследование связей классического авангарда и новейших научных достижений. Интерес галереи текстильного искусства Atelier Choutko к творчеству Панкина не случаен – ковер ручной работы можно рассматривать как исторический прообраз цифрового файла, где каждый узел – это пиксель с присвоенным уникальным цветом. «Творчество – это таинственный процесс, рождающий не менее таинственные, парадоксальные объекты, которые могут быть сведены к математическим формулам», – Александр Панкин. Аналитические картины не являются эстетическим произволом художника, а выступают как конструкция смыслов, как визуальный образ невидимого. Исследовательский опыт дал толчок к реализации метаабстрактных математических объектов в пространстве искусства. Числовые ряды, иррациональные и трансцендентные числа, научные представления и идеи стали импульсом для формирования новой художественной формы. Его творчество формирует так называемое «научное искусство», которое направлено в пограничные с наукой зоны и обращено к интеллектуальным формам духовности. «Говоря образно, я пытаюсь сконструировать самолет, но не для полета в физическом пространстве, а для полета в пространстве сознания», – Александр Панкин. Начальный период его творчества характерен созданием абстрактных композиций, посвященных теме пространства. В 70-80-е годы творчество художника было направлено на поиски новой фигуративности. Активная выставочная деятельность началась в 1988 г. с персональной выставки в Москве «Реальность, знак, искусство». Одной из основ его произведений стал геометрический и пропорциональный анализ супрематических композиций Казимира Малевича. Тема «Малевич и визуальное мышление» стала своеобразным диалогом художника с искусством русского авангарда 20-х годов. Работы входят в собрания Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного центра современного искусства (Москва), а также в другие государственные и частные коллекции в России и за рубежом. Выставка работает по 15.09.24.

Малевич – Геометрия имени 73 51 1999

Цветовое поле 77 56 2000

Фотографии предоставлены Atelier Choutko

04.09.24. Центр Вознесенского представил выставку «Мир искусства Бориса Усова», посвященную феномену творчества одного из лидеров московской андеграундной сцены 90-х годов, назвавшихся «Формейшн». Борис Усов (Белокуров, 1970–2019), поэт, художник, писатель, лидер нескольких музыкальных групп, в первую очередь известен как идеолог проекта «Соломенные Еноты». Визуальное искусство Усова до сих пор не было исследовано и представлено в полной мере. Выставка в Центре Вознесенского представляет его и как поэта, и как художника — автора графики, остроумных коллажей и самиздатовских журналов «ШумелаЪ Мышь», «Связь Времен» и «Мир Искусства». В экспозицию также входят личные вещи и фотографии Усова. Экспозиция впервые представляет архив поэта в полном объеме. Кураторы: Максим Парфенчиков, Макар Ушаков.Выставка продолжает череду инициатив Центра Вознесенского, посвященных пограничным явлениям книжной культуры — изобразительной поэзии, лирике, пришедшей с территории панк- и рок-музыки, перформансу, книге художника и открывает новую серию проектов Центра, которые будут посвящены поэтам-музыкантам. Выставка работает по 03.11.24.

Угостись

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра

05.09.24. Московский музей современного искусства совместно с Фондом Ruarts представили проект «Город сказка» — выставку двух современных российских фотографов Сергея Борисова и Михаила Розанова. Экспозиция демонстрирует два совершенно разных подхода в работе с архитектурой и жизнью Москвы и дает возможность проследить за развитием разных стилей в истории фотографии. В экспозицию вошло более 40 работ Михаила Розанова из 8 разных серий, которые создавались на протяжении 10 лет, и более 50 работ Сергея Борисова — от 1987 года до настоящего времени.

Глазами двух известных фотографов разных поколений показан город, в котором может случиться всё: это место мечтаний, потрясающих историй и безграничных возможностей, запечатленных в черно-белых изображениях. Михаил Розанов, известный своим монохромным минимализмом и академической строгостью, представляет работы, которые подчеркивают архитектурную красоту Москвы, в то время как Сергей Борисов, известный как «певец Москвы и ее богемы», привносит дух времени, отражая исторические периоды и события города через людей.

В центре внимания Сергея Борисова всегда человек, воплощающий дух столицы. Борисов не фиксирует реальный мир, а скорее напоминает о загадочности города, он создает живые, эмоционально насыщенные образы, в которых человек и его история становятся центром внимания. Работы Сергея Борисова полны романтики и гротеска, что позволяет зрителям увидеть Москву как место, где каждая улица может рассказать свою собственную сказку.

Михаил Розанов, с другой стороны, предлагает более строгий и минималистичный подход, через призму неоклассицизма акцентируя внимание на архитектуре Москвы. Лишенные человеческого присутствия фотографии подчеркивают величественные сооружения города, превращая их в молчаливых свидетелей происходящего. Это привносит ощущение спокойствия и глубины, позволяя зрителям воспринимать привычные формы как нечто возвышенное. Работы Розанова передают суть Москвы как города сказки, где сами здания рассказывают истории прошлого и настоящего.

Вместе Борисов и Розанов создают захватывающий и многогранный образ столицы, где лирика и архитектурная элегантность переплетаются, формируя богатую палитру эмоций и смыслов. Выставка «Город сказка» предлагает увидеть Москву не просто как физическое пространство, но и как волшебное царство, полное чудес и приключений.

Проект «Город сказка» является частью многолетнего сотрудничества ММОМА с Фондом Ruarts, основанном коллекционером и меценатом Марианной Сардаровой в 2003 году, на сегодняшний день являющимся одним из крупнейших частных фондов содействия развитию современного искусства в России. Выставка работает в ММОМА Гоголевский бульвар, 10/2 до 20.10.24.

Сергей Борисов. Северный ветер. 1995. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. Из серии Мечта. 2019. Предоставлено Фондом Ruarts

Сергей Борисов. Туманное утро. 2021. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. ВДНХ. Из серии Ясность цели. 2015. Предоставлено Фондом Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

05.09.24. Центр «Зотов» совместно с Театральным музеем имени А. А. Бахрушина представили выставку «От утопии к театру» к 150-летию Всеволода Мейерхольда. Проект продолжает серию персональных выставок, посвященных главным именам авангарда и их восприятию повседневности и пространства. Выставка «От утопии к театру»рассматривает «конструктивистский» период творчества одного из главных реформаторов театральной сцены XX века, режиссера Всеволода Мейерхольда. Выставочный проект знакомит с пятью его спектаклями, поставленными с 1922 по 1924 годы, — «Великодушный рогоносец», «Смерть Тарелкина», «Земля дыбом», «Д. Е.» и «Лес», который был в репертуаре Театра им. Мейерхольда вплоть до его закрытия в 1938 году. Эти постановки ярче всего отражают принципы нового подхода к игре актера, использованию декораций и взаимодействию со зрителем.

Мейерхольд никогда не переставал экспериментировать, находился в постоянном поиске актуального театрального языка. Режиссер видел свою творческую революционную задачу в том, чтобы «раздеть» театр и избавить его от украшательств прошлого, бутафории и декоративности, и сконцентрировать внимание зрителя на игре актера. Увлекшись главной идеей времени, Всеволод Мейерхольд разработал не только теоретическое, но и практическое основание конструктивизма в своем театре. Режиссер придумал комплекс техник, в том числе биомеханику, которые, с одной стороны, стали продолжением его исканий в театре, а с другой, — вышли за пределы сцены и стали частью жизни и быта нового человека. В этот период Мейерхольд начинает работать с новаторами русского авангарда — художницами Любовью Поповой и Варварой Степановой. Вместе с ними он придумывает трансформирующуюся мебель, прозодежду, «оголяет» сцену, впервые показывая зрителям кирпичный задник и кулисы, а затем и вовсе выходит за пределы театра, используя «внесценные» декорации, которые легко перемещались по городу, что позволяло играть спектакли в скверах и парках по всей Москве.

Экспозиция выставки представляет из себя два круга — внешний и внутренний. Внешний круг посвящен самим спектаклям, а внутренний — биомеханике, технике воспитания актера, которую Мейерхольд впервые вводит в практику в работе со своими студентами. Важной частью выставки является «архив» — место с документами, рассказывающими о том, как театр, в отсутствие доступного кинооборудования, сохранял и записывал спектакли, а также, как на ход представлений могло влиять мнение и впечатление зрителей, на выставке представлены реконструкции и эскизы костюмов; живопись; графика; фотографии сцен, спектаклей и конструкций; рисунки-чертежи; негативы рукотворных титров и афиши. Среди реконструкций, созданных центром специально к выставке, — реквизит к спектаклю «Великодушный рогоносец», макет декорации к спектаклю «Земля дыбом» и основной элемент декорации — «дороги» — к спектаклю «Лес».

Всего в экспозиции собрано 270 экспонатов. Помимо работ из Театрального музея имени А. А. Бахрушина в экспозиции представлены работы из Третьяковской галереи, Российского государственного архива литературы и искусства, Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства, Мультимедиа Арт Музея, Музея МХАТ, Музея «Гараж», Дома культуры «ГЭС-2», Музея кино, Краснодарского краевого художественного музея имени Коваленко, Собрания И. и Т. Манашеровых. Куратор выставки: Анна Ильдатова, театровед, куратор театральной программы фонда V–A–C и Дома культуры «ГЭС-2». Научный консультант выставки: Вадим Щербаков, кандидат искусствоведения, заведующий сектором изучения и публикации наследия В. Э. Мейерхольда Государственного института искусствоведения, главный редактор журнала «Вопросы театра. Proscaenium». В рамках параллельной программы к выставке будет работать лекторий от театроведа Анастасии Паукер, которая расскажет о театральном языке режиссера и его актуальности; а также пройдут лекция-концерт музыковеда, композитора, кандидата искусствоведения Федора Софронова; семейные театральные мастер-классы, в «Зотове» состоится третья читка в рамках проекта «Неснятые сценарии» в постановке Саввы Савельева, пластический интенсив и повтор семейного спектакля Александра Горчилина «Никак не называется, или Бим в поисках Бо». Выставка работает до 10.01.25.

Л. Попова. Монтаж плаката к спектаклю. Театр имени Вс. Мейерхольда. ‘Земля дыбом’. 1921 г

Всеволод Эмильевич Мейерхольд. Портрет. 1925

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»

05.09.24. Всероссийский музей декоративного искусства представил выставку современного лакового искусства «Новые сказки». В экспозиции собраны произведения участников Творческой группы «4+1», созданные за последние 25 лет. Лучшие мастера своего поколения представляют четыре основных школы русской лаковой миниатюры – Мстёру, Палех, Холуй иФедоскино. Их творчество, разное по стилевым особенностям, художественным приемам и технике, объединяет поиск новых путей миниатюрной живописи в современном мире, разработка нестандартных форм предметов, новый взгляд на традиционные сюжеты и переосмысление наследия лаковых промыслов для их сохранения и дальнейшего развития. Одним из значимых экспонатов выставки является эпическое полотно, написанное за 600 дней мстёрским династийным художником Денисом Молодкиным по мотивам «Слова о полку Игореве». В отдельном зале представлены работы художников – учителей и предшественников, проложивших художественные ориентиры для членов Творческой группы. Архитектурная концепция выставочного пространства предполагает новый, продуманный подход к экспонированию. Произведения размещены максимально близко к стеклу витрин, что позволяет комфортно рассматривать тончайшую миниатюрную живопись на небольшом расстоянии. Куратор выставки: Олег Мареев. Выставка работает до 24.09.25.

Молодкин Денис Панно ‘Слово о полку Игореве’. Мстёра, 2024 (фрагмент)

Комаров Михаил Шкатулка ‘Неборека’. Холуй, 2018

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

05.09.24. East Meets West Gallery в содружестве с Государственным музеем-культурным центром «Интеграция» имени Н. А. Островскогопредставили персональную выставку Александра Олигерова с участием художника-керамиста Елены Гамбарян «Я в волшебном лесу собираю летний ветер…». Творчество Александра Олигерова тесно связано с природой, духовной гармонией, стремлением к сохранению баланса между деятельностью человека и окружающей средой. Многообразный мир природы, более или менее фигуративный, фантазийный или опосредованный, отражает в его произведениях близость автора к христианским и восточным традициям. Серия «Сад камней» несет на себе почти все основные черты творчества Александра Олигерова: соединение традиционной и абстрактной живописи на холсте с элементами графики, внесение автором нечитаемого текста как составляющей его произведения. Олигеров использует текст как графический элемент, без которого уже трудно представить произведения художника. «Кто знает, возможно, наша вселенная – это всего лишь сад заветных камней, расставленных Создателем в космической пустоте в идеальном порядке и гармонии, место для Его медитации. Нужно только немного сосредоточиться, прислушаться, и мы услышим Его далекий низкий голос «оммммм, омммммм», – Александр Олигеров. В серии «Летний ветер» ведущую роль играет энергия и движение воздуха. Самая новая серия работ Александра Олигерова «Волшебный лес» – это личное видение Александра – «возможно, его Волшебный лес – это и есть тот мир, который мы потеряли. Этот мир, насыщенный грезами, иногда лишь сверкает нам отдаленными, зовущими огнями в наших ночных снах…».

Выставку дополняют близкие по мотивам работы художника-керамиста Елены Гамбарян. Ее пластические работы в жанре анималистики и флоры выходят за рамки простого реалистического отображения, часто превращаясь в символы и знаки вечных человеческих ценностей.

Куратор выставки: Татьяна Палеева. Выставка работает в Музее Николая Островского по 05.10.24

Александр Олигеров. Четвертое измерение. 2023. Холст, масло. 110х260. ©Александр Олигеров

Елена Гамбарян. Смотри, млечный путь. 2. 2020. Шамот, глазурь©Елена Гамбарян

Фотографии предоставлены пресс-службой East Meets West Gallery

05.09.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо – светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий – заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами – вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора – использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

«Ячейка общества»: о нежном и хрупком13/8/24

В своей новой картине «Ячейка общества» режиссер Алена Званцова с осторожностью, пониманием и сочувствием исследует феномен семейного благополучия, показывая, насколько зыбким может быть счастье и как тонка нить доверия, связывающая любящие сердца. Редактор раздела «Кино» Юрий Аверченков посетил премьерный показ и рад поделиться впечатлениями от просмотра.

Положенная в основу фильма «Ячейка общества» история проста и повседневна, но это только добавляет картине убедительности и шарма. Будничность и понятность повествования немедленно вовлекает в происходящее на экране – мы в уютной съемной квартире одного из домов «старой» Москвы, здесь живет молодая семья: папа Кирилл (Кузьма Котрелев), мама Александра (Анастасия Красовская) и дочь Варя (Герда Пугачева). Шесть лет декрета привязали Александру к ребенку и к дому. С одной стороны, большой мир манит свободой и разнообразием вариантов, с другой – совершенно непонятно, как заново в него встраиваться, ведь рабочих навыков нет, а с дипломом генетика не устроиться в первую же попавшуюся компанию. Пытаясь удержать равновесие, Александра отчаянно цепляется за дочь, но понятно, что вечно сидеть с ней не получится, ребенку давно пора социализироваться и отправляться в детский сад. Завидуя устроенности мужа-программиста, стеная и тревожась, Александра все же преодолевает сомнения и отправляется на собеседования, однако работу не получает. Найти занятие удается в детском саду Вари. В составе родительского комитета Александра берется за подготовку спектакля к ближайшему утреннику и неожиданно для себя увлекается не только пьесой, но и Глебом (Семен Шкаликов) – брутальным отцом одной из девочек, участвующих в постановке. Став очевидицей невинного флирта между мамой и дядей Глебом, в растерянности и ревности Варя по секрету сообщает о случившемся папе…

Режиссер Алена Званцова внимательно и подробно рассматривает каждую деталь назревающего конфликта, давая понять, как именно – от сомнения к недовольному взгляду, от мелкой лжи к упреку, от эмоции к действию – зарождается (точно собирается буковка к буковке слово в любимой семейной игре Scrabble) болезненная готовность к разводу. Завораживающие сверхкрупные планы, когда играют даже не актеры, а только их губы, глаза, брови, дарят такое глубокое сопереживание, что желание оценивать (еще хуже – судить) кого-либо из персонажей просто не возникает. Каждого совершенно четко можно понять, каждому посочувствовать. И в то же время, запутываясь в клубке очевидностей и субъективных правд, внезапно оказываешься вместе с героями на пороге, увы, ставшей привычной, ошибки, из-за которой больно всем – особенно маленькой Варе. Ссора, расставание, возможный развод… И вроде бы на экране не по годам умные, чуткие, современные люди, готовые разговаривать, работать над отношениями, беречь психику ребенка, идти на компромиссы… Но почему-то даже этого недостаточно. Сомнения подогревают эмоции, они закаляют клинки слов, и те, вспарывая плоть самолюбия, бьют точно в самые чувствительные точки, которые за время семейной жизни уже хорошо друг другу известны, а потому беззащитно обнажены. Уколы болезненны и безжалостны. Да, казалось бы, это просто слова. Но к чему в итоге они приведут?

Удастся ли заживить эти раны? Получится ли потом не замечать шрамы? Забудется ли с годами обида? Об этом режиссер приглашает совместно поразмышлять в своей картине, а заодно насладиться органичной актерской игрой, классными костюмами и очень уместным музыкальным сопровождением. И кто знает, может, просмотр фильма поможет кому-то удержаться от собственной ошибки?