Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
19.02.21. В Alpert Gallery художник Виктория Удалова представила свой новый проект «Провинция», над которым она работала в период вынужденной изоляции в 2020 году. В его основу вошли картины реальной жизни в родном городе Виктории — «Серия работ состоит из изображенных мной случайно встреченных на рынке, но не случайно выбранных мной для работ людей, относящихся к судьбе как к абсолютной предопределенности. Настроение серии подчеркивается фрагментами пейзажей, заброшенных остановок, стай собак, разложенной на земле поношенной обуви, старья, домашней снеди, тряпок. Идея серии родилась во время вынужденного карантина в провинциальном городе Волгоград. Выполнены работы в единой технике, суть которой в том, чтобы трем временам соответствовали три вида техники: то, что эти люди остались в прошлом, подчеркивается черно-белыми частями фигур и пейзажей; то что они присутствуют сейчас — цветными фрагментами наиболее выразительных деталей: лиц, рук, кукол; отсутствие будущего выражается в закатанных кистью или валиком частях работ, что может быть как аллегорией стирания их временем, так и невидимого, но очень прочного забора и социальной дистанции между нищетой и обеспеченностью.» Выставка работает до 05.03.21.
Виктория Удалова,Продавщица подушек, 2020
Виктория Удалова, Лена-дура, 2020,
Фотографии предоставлены автором Викторией Удаловой
23.02.21. В арт-пространстве U—Space петербургский художник Олег Маслов представил свой новый выставочный проект «Кампаспа-2021». Олег Маслов — один из основателей и Профессор кафедры живописи Новой Академии Изящных Искусств. Участвует в выставках с 1985 года. С 1993 по 2005 год работал вместе с Виктором Кузнецовым. Участник творческих объединений «Новые дикие», «Новые художники», «Клуб друзей Маяковского». Работы Олега Маслова находятся в собраниях Государственного Русского Музея, Государственной Третьяковской Галереи, Stedelijk Museum (Амстердам), в Московском Музее Современного Искусства, в частных коллекциях в России и за рубежом. В каждой представленной работе ощущается очарование и загадка вдохновившей художника на их создание легендарной Кампаспы (др.-греч. Καμπάσπη) — желанной возлюбленной юного македонского царя Александра Великого.
Фото Cabinet de l’art
24.02.21. В Москве в пространстве бывшей типографии легендарного советского издательства «Правда» открылась новая галерея. Фотографическое пространство PENNLAB Gallery ставит перед собой задачи развития и поддержки фотографов и художников, работающих с фотографией в России. По замыслу ее учредителей Михаила Краснова и Николая Дмитриева, галерея будет способствовать формированию и активному развитию российского рынка фотоискусства. «Мы занимаемся фотографией с 1990-х годов и являемся большими поклонниками современной фотографии. Идея создания галереи родилась несколько лет назад и была обусловлена тем, что в столице ощущается заметная нехватка художественных фотогалерей. Мы видим свою цель не только в развитии рынка художественной фотографии, но и в том, чтобы поддержать творчество молодых фотографов, предоставляя им новые возможности для реализации их замыслов» — Николай Дмитриев. Название галереи родилось не случайно. Михаил Краснов — «Я очень рад, что, назвав наше пространство PENNLAB Gallery, я сумел исполнить свою давнюю мечту — увековечить имя моего прадеда Юделя Пэна, живописца и основателя первой Школы рисования и живописи в Витебске, которая открыла дорогу в жизнь талантливой молодежи, в том числе Марку Шагалу, а после революции способствовала тому, что Витебск превратился в подлинный центр современного искусства. Мы надеемся, что при поддержке PENNLAB Gallery наших молодых фотографов, так же как когда-то учеников Пэна, ждет интересное творческое будущее». Пространство PENNLAB Gallery открылось выставочным проектом «Гербарий». В проект вошло около 70 работ, созданных 16 художниками, работающими с фотографией и фиксирующими современность. У каждого автора сформировались собственный язык и темы, с которыми они работают, однако не все они известны широкой публике. Их работы объединяет хрупкость, искренность, нежность, интуитивность, сочетающиеся с критическим подходом. В роли кураторов выставки «Гербарий» выступили художники Анастасия Цайдер, Елена Аносова и Петр Антонов, совмещающие собственные художественные практики с курированием фотографических проектов в Москве и регионах. Архитектор проекта Лиля Сабирова. Возрастное ограничение: 18+. Выставка работает до 26.03.21.
Residential housing on the edge of the city. Mitino, Moscow
Ольга Воробьёва «GIRL WHO USED TO BE» 2016–2018
Михаил Краснов и Николай Дмитриев
Фотографии предоставлены Art PR INTERNATIONAL
25.02.21. К столетнему юбилею ВХУТЕМАСа (Высших художественно-технических мастерских) Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева подготовил выставку «Иллюминаторы завтрашних городов. ВХУТЕМАС-100. Архитектурный факультет», рассказывающую о жизни архитектурного факультета и деятельности его знаменитых преподавателей. ВХУТЕМАС – многопрофильное высшее учебное заведение, появившиеся в 1920-м году на волне реформирования художественного образования в стране. Созданная здесь система преподавания кардинально отличалась от ранее существовавшей и транслировала идею универсальности художественных законов. В структуре ВХУТЕМАСа особое место занимал архитектурный факультет, все преподаватели которого были практикующими архитекторами. Главная идея выставки Музея архитектуры — рассказать о творческих методах преподавания архитекторов через их собственные проекты различных сооружений, созданные за период 10-летнего существования ВХУТЕМАСа (с 1927 года — ВХУТЕИНа). На выставке представлено более 200 предметов, среди которых архитектурная графика и живопись, макеты, фотографии и другие подлинные материалы из фондов музеев и архивов. Кураторы выставки: Полина Стрельцова, Ирина Чепкунова.
М.П. Коржев. Производственное задание на выявление массы и веса. Склад. 1922. Планы. Разрез. Фасады. Перспектива. Аксонометрия.
А.А. Веснин. Проект оформления здания ВХУТЕМАСа к 10 годовщине Октябрьской революции. Эскиз. 1927.
Фотографии предоставлены пресс-службой Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева
24.02.21. В Гоголь-Центре вокруг премьерного спектакля «Человек без имени» — коллективного сочинения Петра Айду, Александра Барменкова, Никиты Кукушкина и Кирилла Серебренникова, — вырос целый «Фестиваль Одоевского». По сюжету герой проводит девять дней на «карантине», и только загадочный посыльный привозит ему посылки с едой. Герою предстоит вспомнить свое имя и происхождение — это писатель Владимир Одоевский, которого называли «русским Фаустом». Композитор и исполнитель — Петр Айду. Весь «Одоевский.FEST» посвящён одному из самых таинственных и интересных персонажей русской культуры XIX века – писателю, музыканту, мистику и визионеру Владимиру Одоевскому. Куратор фестиваля – искусствовед Сергей Хачатуров. В рамках фестиваля пройдёт не только премьера но и цикл лекций от Сергея Хачатурова, Валерия Печейкина и Петра Айду, показы фильма «Кабинет Одоевского»а, а также выставка Тани Пеникер (с 24. 02 до 08.03.21). Вход на мероприятия фестиваля свободный. Расписание:
24.02
18:30 Лекция Сергея Хачатурова “От готики к веб-панку.
Одоевский – пророк гибридного знания миллениалов” + разговор с Таней Пёникер о выставке.
19:00 Показ фильма “Кабинет Одоевского”.
19:30 Лекция Валерия Печейкина.
25.02
18:30 Лекция Петра Айду.
19:00 Лекция Сергея Хачатурова
“От готики к веб-панку. Одоевский – пророк гибридного знания миллениалов”.
19:00 Показ фильма “Кабинет Одоевского”.
19:30 Лекция Валерия Печейкина.
26.02
18:30 Лекция Сергея Хачатурова “От готики к веб-панку.
Одоевский – пророк гибридного знания миллениалов” + разговор с Таней Пёникер о выставке.
19:00 Лекция Петра Айду.
19:00 Показ фильма “Кабинет Одоевского”.
19:30 Лекция Валерия Печейкина.
27.02
18:30 Лекция Сергея Хачатурова “От готики к веб-панку.
Одоевский – пророк гибридного
знания миллениалов”.
19:00 Лекция Петра Айду.
19:00 Показ фильма “Кабинет Одоевского”.
19:30 Лекция Валерия Печейкина.
28.02
16:30 Лекция Сергея Хачатурова “От готики к веб-панку.
Одоевский – пророк гибридного знания миллениалов”.
17:00 Лекция Петра Айду.
17:00 Показ фильма “Кабинет Одоевского”.
Фотографии предоставлены пресс-службой Гоголь-Центра
25.02.21. Галерея Алины Пинской представила выставку «Артефактов» Франциско Инфанте и Нонны Горюновой. Новая серия называется «К Ночи» и создана летом 2020 года. Франциско Инфанте — классик современного российского искусства, одна из ключевых фигур советской неофициальной культуры. Но его можно назвать и художником мира, вне привязки к географии, ко времени, выше политики. Его творческий подход неповторим: метафоры бесконечности, поиски гармонии человека и природы в вечном противостоянии индивидуума и мироздания. Инфанте — один из главных героев большой выставки о кинетическом искусстве, проходящей до 10 мая 2021 года в Новой Третьяковке.
История становления Инфанте-художника хорошо и подробно описана. В начале 1960-х определяется его основной интерес — исследование бесконечности космоса и структуры вселенной. В первой половине 1960-х он создает основополагающие для понимания сути его изысканий вещи — речь идет о таких работах как «Рождение вертикали», «Спирали», а также «Красная бесконечная линия», представленная на предыдущей сборной тематической выставке Галереи — «Четкие контуры». С 1968 года Франциско Инфанте в соавторстве со своей женой Нонной Горюновой работают над инсталляциями под открытым небом. «Артефакты» — это некое соприкосновение материализованных объектов с природой. Одноименный цикл приобретет свою окончательную концепцию в середине 1970-х. С тех пор Инфанте и Горюнова используют и развивают свой художественный метод, заключающийся, помимо прочего, в том, что выбирается единственная идеальная точка съемки вручную сконструированных инсталляций для создания зрительных метафор — артефактов. Серия «К Ночи» ярко раскрывает тему необъятности и непостижимости универсума. Ночью мир будто возвращается в первозданное состояние, как бы отрицая эмпирическое — дневное. В этом запечатленном фазовом переходе и показывается вечность. На выставке представлено более 50-ти фото-артефактов. Выставка работает до 15.04.21.
1. Франциско Инфанте , Нонна Горюнова Артефакты , из серии « К ночи » , 2020
1. Франциско Инфанте , Нонна Горюнова Артефакты , из серии « К ночи » , 2020
Фотографии предоставлены pr-службой галереи
25.02.21. Фонд Stella Art Foundation представил персональный проект скульптора Алексея Панькина. В экспозиции выставки «Дом родной ему песенка о майском жуке» представлены 12 новых скульптурных работ. Название выставки — цитата из творчества немецкого поэта Пауля Целана (1920–1970). В стихотворении книги «Роза никому» (1963) Целан отсылает к немецкой фольклорной песне XVII века. Алексей Панькин работает с разнообразными материалами и их комбинациями, при этом его излюбленным материалом является дерево.Выставка работает до 16.05.21.
Фото Cabinet de l’art
Блиц-интервью Алексея Панькина для Cabinet de l’art
Ольга: Алексей, я обычно ни только не люблю вопросы «что художник хотел сказать?», но и подробное объяснение этого в кураторских текстах. Но название вашего нового проекта, очевидно все 12 работ создавались вами именно как единый проект, довольно необычно. И, хотя Пауль Целан был номинирован на Нобелевскую премию по литературе в 1969 году, и считается одним из значимых и хорошо исследованных поэтов двадцатого века, не уверена, что его произведения у всех на слуху. Так как же родилось это название проекта? И почему?
Алексей: Когда появился «чёрный» том Целана, в голове сразу застряла фраза «Дом родной ему песенка о майском жуке». Это одно из притягивающих и вдохновляющих событий, которые и дают мне возможность заниматься скульптурой. Вероятно, тревожащий эффект этой фразы заключается в крайней степени отчаяния (речь идет о старинной детской песне об ужасной войне). Эта крайность позволяет эволюционировать до жизни внутри грезы. Внутри окончательного бастиона. Запретить существовать человеку в этом месте можно, только лишив его жизни. И к этой выставке фраза хорошо подошла, потому что работы стали менее размашистыми, скажем так, их построение перевелось на внутренний план. А Целан кроме всех его достоинств еще и вплотную приближается к сверхзадаче по выталкиванию человека из сфер автоматического предзаданного действия.
Ольга: Вы называете главным источником своих художественных интересов «вопросы генеалогии телесности, долгую историю представлений о теле». Наверное, речь идет о систематическом накоплении поколениями сведений о происхождении, преемственности понимания, ведь в более широком смысле генеалогия — это наука о родственных связях. Если говорить об античных нормативах – то это явное воспевание женского и мужского тела, телесность всегда несла в себе информацию о гендере. А что вы думаете о том, что сейчас очень широко укрепляется идея небинарных людей, идет разговор о гендерно-нейтральном обществе людей, которые не хотят идентифицировать себя ни как «мужчина», ни как «женщина»? Как вы думаете это будет развиваться дальше и гендерно-нейтральное общество сменит традиционную бинарную систему? Затрагиваете вы гендерную тему в своем творчестве?
Алексей: Тело настолько близко и непонятно, что его, наверное, можно увидеть и почувствовать только через искусство. И очень интересно, как в искусстве появляются разные тела: живые и мертвые, голые, спящие, одурманенные, влюбленные. Как эти конфигурации претерпевают постоянное возвращение и взаимовлияние, как переживают пышную пресыщенность и как терпят лишения абстрагирования. Я гендерную тему не затрагиваю, обычно для меня пол скульптуры не важен. Например, друзья могут обсуждать женские признаки в какой-то работе, а это как раз скульптура, в которой я «вспоминаю» давно умершего отца (смех)..Конечно, то, что сейчас происходит, очень классно для оздоровление вида. Я за движение в сторону «становления женщиной»! За пребывание в слабом мерцающем теле! И против перенимания политик и целеполаганий «узурпаторов».
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
