Арт-обзор 13.06-20.06.24

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

17.06.24. ГМИИ им. А.С. Пушкина представил выставку «Три времени Рима. Античность. Возрождение. Барокко». Ни один другой город мира не овеян таким количеством легенд, как Рим. В нем памятники разных эпох составляют единое целое. Кураторы предлагают проследить один из наиболее интересных процессов развития градостроительной мысли в период с конца XV до середины XVIII века, а также сущностную для Рима идею Вечного города как самого большого целостного произведения искусства. В экспозиции представлено более 150 произведений из коллекции Максима Атаянца, собраний ГМИИ им. А.С. Пушкина, Нижегородского государственного художественного музея и Дальневосточного художественного музея.

Исследуемый на выставке архитектурный феномен Рима возник в XVI–XVII веках, когда римские папы стали ощущать себя преемниками цезарей и загорелись идеей возрождения древнего города. В Средние века Рим лежал в руинах. Начиная с эпохи Возрождения сквозь опустевший город начали прокладывать длинные прямые улицы, соединявшие главные святыни города и предназначенные для торжественных шествий и потоков паломников. Ориентирами путникам становились древние обелиски, что по повелению понтификов ставились перед фасадами церквей — древнее соединялось с современным. Аналогичным образом триумфальные колонны древнеримских императоров увенчивались статуями христианских святых, а фигура архангела Михаила была водружена на бывший мавзолей императора Адриана, ставший папской цитаделью и получивший название замка Святого Ангела. В XVII веке великолепные барочные ансамбли Бернини и Борромини окончательно реализовали мечту о возрождении Вечного города.

Центральное место в повествовании о трансформации города занимает фигура итальянского архитектора и инженера Доменико Фонтана, выступившего и как урбанист, преобразовавший городское пространство. Покровителем Фонтаны был римский папа Сикст V (Феличе Перетти), имя которого получили спроектированные архитектором монументальный фонтан Аква Феличе и дорога Страда Феличе. Одним из программных архитектурных начинаний Сикста V была установка на площадях Рима древних обелисков, когда-то привезенных римскими императорами из Египта в качестве трофеев. Установленные в ключевых точках города, они завершали собой длинные и прямые улицы, ясной геометрической сеткой соединившие все паломнические места, и стали олицетворять власть церкви над всем гигантским пространством Рима — как нового, барóчного, так и древнего.

В XVI–XVIII веках Рим был самым изображаемым городом мира. Благодаря работам художников исследователи могут проследить последовательную трансформацию города и его образов: от меланхоличных руинных пейзажей XVI века до триумфальных городских видов эпохи барокко. Античные памятники почти неизменны, архитектурный пейзаж вокруг них преображается куда быстрее и радикальнее и, наконец, меняются и сами обитатели города — их внешний вид, статус, манеры. Венец многовековой традиции римской ведуты — знаменитые гравюры Джованни Баттисты Пиранези, ставшие главным портретом города, в котором Античность и барокко окончательно слились в единое целое. Изображая тот или иной памятник, Пиранези всегда старался показать его контекст, выстраивая вид так, что на дальнем плане оказывались какие-то другие значимые постройки, нередко изображенные в других листах одной серии гравюр. Тем самым он позволял зрителю путешествовать от одного здания к другому и подчеркивал связанность римского городского пространства.

Большинство представленных гравюр принадлежит собранию архитектора Максима Атаянца — одной из лучших и наиболее обширных мировых коллекций гравюр, посвященных Риму. Эти графические листы дополнены гравюрами и рисунками из ГМИИ им. А.С. Пушкина, а также живописными видами Рима XVIII века, созданными Джованни Паоло Панини и Бернардо Беллотто из собрания Пушкинского музея. Впервые показаны вместе четыре живописные работы Беллотто, написанные в одной серии и разделенные в 1930-х годах между собраниями ГМИИ им. А.С. Пушкина, Дальневосточного художественного музея и Нижегородского государственного художественного музея. Из особенно интересных экспонатов — гравюра Михаэля Вольгемута из «Всемирной хроники» Хартмана Шеделя — одна из первых панорам Рима. Кроме того, на выставке показаны редкие античные памятники из собраний М.Б. Атаянца и Пушкинского музея.

Среди ключевых экспонатов — планы Рима разных времен, наиболее показательно отражающие преображение города. План Антонио Темпесты (1593) показывает Рим, уже оправившийся от упадка времен Авиньонского пленения и разграбления 1527 года ландскнехтами Карла V. План Рима Джованни Баттисты Нолли (1748) — это первая географически верная карта, фиксирующая облик уже полностью построенного барочного города, в том виде в каком его центр по большей части сохраняется и по сей день. К выставке подготовлен каталог, образовательная и инклюзивная программы, включающие лекции, мероприятия, экскурсии. Кураторская группа: Елизавета Лихачёва, директор ГМИИ им. А.С. Пушкина; Максим Атаянц, архитектор; Василий Успенский, научный сотрудник отделения гравюр Государственного Эрмитажа; Александр Конев, научный сотрудник отделения гравюр Государственного Эрмитажа. Выставка работает до 15.09.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ГМИИ им. А.С. Пушкина

17.06.24. В Западном крыле Новой Третьяковки состоялось открытие выставки «Стена и Слово. Русский монастырь на границе с небом». Авторы проекта: Эдуард Бояков, Михаил Розанов. Выставка посвящена феномену русского монастыря. Авторы проекта представляют 10 действующих православных монастырей на территории России, следуя своему замыслу литературной и изобразительной концепций. Михаил Розанов: «… Почти год мы ездили, выбирая для каждого объекта время года. Поэтому какие-то обители запечатлены зимой, какие-то летом. Но это не отражается в цвете. Цвет я не люблю – он отвлекает от главной мысли. Все снимки выполнены в монохроме. Важным принципом было – снимать монастыри без людей. Это специальная концепция. Наша задача была запечатлеть вечность. Каждый монастырь предъявлен девятью изображениями: один панорамный вид, далее – отдельные части фасада, вписанные в природный ландшафт. Линии, архитектурные детали, графика стеновых конструкций рифмуются с графикой горизонта, парящими облаками, незримым, но ощутимым движением воздуха…». Выставка работает до 20.08.24.

Посольский Спасо-Преображенский монастырь. Республика Бурятия, Посольское

Спасо-Преображенский Соловецкий монастырь. Архангельская область, Соловецкие острова

Фотографии предоставлены пресс-службой ГТГ

18.06.24. В Москве в историческом здании XVII века на Маросейке состоялось открытие новой культурной институции — Центра современного искусства AZ/ART. Концепция первого проекта ЦСИ «Неочевидные пересечения» рассматривает парадокс очевидных и неочевидных связей музыки с работами художников, представляя субъективный взгляд на возможные точки сближения и сравнительную общность творческих методов, художественных средств, образного ряда, языка и сюжетов произведений советских неофициальных художников и композиторов второй половины XX века. В исследовании намечены лишь некоторые отправные точки, которые могут стать ориентирами для дальнейшего погружения в междисциплинарный дискурс советского неофициального искусства. Генеральный директор Музея AZ и ЦСИ AZ/ARTНаталия Опалева: «Продолжая линию переклички эпох, мы будем показывать в ЦСИ AZ/ART самые интересные, малоизвестные московской публике работы современных художников и уже ставшие музейным “золотым фондом” работы художников-шестидесятников из коллекции Музея AZ». Среди представленных на выставке «Неочевидные пересечения» художников — Анатолий Зверев, Юрий Злотников, Лев Кропивницкий, Валентина Кропивницкая, Лидия Мастеркова, Евгений Михнов-Войтенко, Владимир Немухин, Дмитрий Плавинский, Олег Целков, Михаил Чернышов. Список композиторов включает в себя такие имена, как Андрей Волконский, София Губайдулина, Николай Каретников, Галина Уствольская, Сергей Слонимский, Виктор Суслин, Борис Тищенко, Альфред Шнитке и других композиторов-шестидесятников. В течение лета состоится серия из 10 концертов, которые будут сопровождать временные выставки, сменяющиеся к каждому новому концерту и дополняющие музыкальную тему. Пространство ЦСИ во время первой выставки разделено на две части. В одной располагается основная экспозиция из работ десяти неофициальных художников. Во второй части, Музыкальном зале, выставки будут сменяться каждую неделю. Открываясь камерным концертом со специальной программой, они будут представлять творчество одного из десяти заявленных в основной экспозиции художников. Выставки в Музыкальном зале покажут расширенные экспозиции работ исследуемого художника, сопоставляя их с музыкой композиторов, звучащей в саундтреке каждой сменной выставки. При этом музыка не рассматривается как иллюстрация к картинам — так же как объекты, живопись и графика не рассматриваются в качестве визуализации музыкальных произведений. С 20 по 26 июня, в первую неделю работы AZ/ART, в Музыкальном зале пройдет выставка работ художников-нонконформистов из коллекции Музея AZ, демонстрирующая генетическую связь между Первым и Вторым авангардом. Музыкальная часть проекта будет представлена хрестоматийным произведением Гавриила Попова (1904—1972) — «Септетом» («Камерной симфонией», написанной в 1927 году). Цикл концертов помимо произведений композиторов-шестидесятников включает музыку Старого и Нового света разных периодов и направлений ХХ века. Программа формируется с помощью компаративного метода. Проект «Неочевидные пересечения» подготовлен совместно с Фондом композитора Николая Каретникова, кураторами выступили основатель Музея AZ и Центра AZ/ART Наталия Опалева, исполнительный директор фонда Николая Каретникова Антон Каретников и музыковед и куратор концертных программ Сергей Терентьев.

Центром современного искусства подготовлена лекционная и публичная программа, в которую войдут концерты, мастер-классы, творческие встречи и мероприятия для детей. Помимо трех выставочных залов, в AZ/ART работает книжный магазин, где в коллаборации с галереей Sample представлены объекты предметного дизайна и искусства, а также тиражная графика, отобранная лабораторией экспериментальной печати Пиранези LAB специально для проекта.

Осенью разговор об искусстве и музыке продолжит куратор, искусствовед Александр Дашевский. Он представит проект о взаимодействии современной музыки и современного искусства уже в XXI веке. Выставка «Неочевидные пересечения» работает до 30.08.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ЦСИ AZ/ART

18.06.24. Музей-заповедник «Коломенское» представил выставку «Райский сад земной и небесный». Экспозиция в Сытном дворе рассказывает о том, как во все времена люди старались создать и запечатлеть образ рая на земле. В экспозиции собраны работы художников и ремесленников XVI–ХХI веков, дающие возможность почувствовать разницу между русским и западноевропейским видением рая. Кураторы выставки отобрали более 300 произведений из 10 музеев и частных коллекций, среди представленных художников — Иван Хруцкий, Василий Поленов, Константин Сомов, Борис Анисфельд, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель, Наталия Гончарова, Надежда Удальцова, Владимир Татлин, Роберт Фальк и др. Директор музея-заповедника «Коломенское» Марина Люльчук: «Мы рекомендуем совместить посещение Сытного двора с прогулкой по яблоневым садам Коломенского, которые были заложены еще в XVII веке, при царе Алексее Михайловиче. Выставка предлагает взглянуть на исторические сады в контексте образа райского места и наполнить прогулку по Коломенским новым смыслам. Таким образом, пространство экспозиции „Райский сад земной и небесный“ идейно расширится и охватит территорию Казанского, Вознесенского и Дьяковского яблоневых садов». Экспозиция разделена на три смысловых части: «Рай земной», «Рай небесный» и «Поиски рая на земле». Особое место занимает часть экспозиции, посвященная различным теориям создания сакрального пространства, которые были популярны в XVII веке. Это и строительство дворца в Коломенском по примеру дома царя Соломона, и основание монастыря в Новом Иерусалиме с целью перенести на русскую землю образ святых мест Палестины, и организация садов и зверинца в усадьбе Измайлово по образу Эдема. Выставка работает до 26.09.24.

Борис Анисфельд. Адам и Ева. Конец XIX — начало XX века. Холст, масло. Из собрания «РОСИЗО»

Иван Хруцкий. Фрукты. Около 1840 — 1850 гг. Холст, масло. Из собрания Тверской областной картинной галереи

Фотографии предоставлены пресс-службой музея-заповедника «Коломенское»

19.06.24. Музей русского импрессионизма представил выставку «Журнал красивой жизни» о первом отечественном глянце «Столица и усадьба», выходившем с 1913 по 1917 год и адресованном аристократической и светской публике. В состав экспозиции вошли произведения, опубликованные или описанные на страницах журнала, что позволяет посмотреть на русское искусство через призму вкусов и предпочтений элиты начала XX века. На выставке представлены живописные и графические работы Исаака Бродского, Николая Фешина, Александра Маковского, Анны Остроумовой-Лебедевой и других мастеров. К выставке приурочен спецпроект на 3 этаже музея: здесь слово предоставляется художникам XXI века, готовым порассуждать о dolce vita наших дней. Модные образы, светские ритуалы и блеск повседневности, а также ирония и улыбка в сторону гламура и глянца нашли отражение в работах Владимира Дубосарского и Александра Виноградова, Ольги Тобрелутс и Владислава Мамышева-Монро, Кирилла Кто и других. Посетители увидят более 20 произведений из 15 частных собраний, среди которых фонд Ruarts, галереи Anna Nova, «Триумф» и другие.

В программе журнала «Столица и усадьба» значилось: «Красивая жизнь доступна не всем, но она все-таки существует». Эта жизнь представала перед читателями калейдоскопом балов, светских праздников и загородных имений. С разворотов издания смотрели политики и спортсмены, предприниматели и аристократы, утонченные дебютантки и их статусные поклонники и даже породистые домашние любимцы. Эти сюжеты органично уживались на страницах с обзорами вернисажей и рецензиями на выставки, обложку каждого из 90 номеров украшали цветные репродукции работ признанных мастеров прошлого и современных художников.

Кураторы выставки предлагают уделить внимание журналу, который обычно остается в тени художественных изданий «Мир искусства», «Аполлон» и «Золотое руно», однако является ценным историческим источником. В экспозиции можно увидеть как работы известных мастеров — «общее достояние», по словам главного редактора журнала Владимира Крымова, так и произведения малоизвестных современному зрителю живописцев.

Разделы выставки отсылают к рубрикам журнала и погружают посетителей в атмосферу «Столицы и усадьбы». В оформлении выставки использованы фрагменты статей, яркие заголовки, архивные фото и рекламные объявления из журнала.

В экспозиции на -1 этаже музея представлено почти 100 произведений из 44 государственных и 14 частных собраний. Участие в проекте принимают Государственный Эрмитаж, Государственный Русский музей, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи и другие.

Каждый новый выпуск журнала «Столица и усадьба» становился предметом бурных обсуждений в столичных салонах. Такая светская иммерсивная гостиная от партнера выставки MR Group развернулась на -1 этаже музея. Подчеркнет богемную атмосферу симфония Кирилла Рихтера, вдохновленная архитектурой проекта Symphony 34, и специально созданный аромат «Воздух красивой жизни» от ольфакторной художницы Анны Кабировой.

В подготовленном к проекту каталоге собраны статьи кураторов Ольги Юркиной и Юлии Петровой, театрального критика и журналиста Сергея Николаевича и искусствоведа Олега Антонова. Проект сопровождает разносторонняя просветительская программа, включающая события для взрослых, детей и подростков, а также инклюзивные мероприятия. Кураторы: Юлия Петрова, директор Музея русского импрессионизма и Ольга Юркина, специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма. Выставка работает по 06.10.24.

Александр Рубцов. В гостиной. Начало XX века. Галерея Ильи Глазунова, Москва

Сергей Борисов. Па-де-де. 2016. Фотография, желатино-серебряная печать. Предоставлено Фондом Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой музея

19.06.24. Музей имени Андрея Рублева представил выставку искусства средневекового церковного шитья, остающегося до сих пор малоизвестным широкой аудитории. Памятники, созданные мастерицами несколько веков назад, малочисленны ввиду особенностей техники изготовления и материалов, а также из-за использования в богослужебном обиходе. Произведения лицевого шитья требуют особых условий хранения, что делает их редкими экспонатами в музейных экспозициях.

Выставка «Живопись нитью», полностью посвященная лицевому шитью, стала первым за многие годы крупным проектом, знакомящим с этим видом декоративно-прикладного искусства. На ней представлены произведения XV–XX веков различного функционального назначения: иконы, церковные знамена, литургические комплекты, элементы богослужебного облачения духовенства, а также иконы из бисера и образа в шитых ризах. Среди уникальных экспонатов – палица со сценой «Сошествие во ад» 1438–1439 годов. Она была вкладом в Спасо-Андроников монастырь княгини Ульяны, снохи князя Серпуховского Владимира Андреевича Храброго, и предположительно имела поминальное значение. Судя по изысканным пропорциям фигур и совершенной композиции, знаменщиком палицы был выдающийся иконописец, продолживший художественную линию произведений Андрея Рублева. Лицевое шитье считалось элитарным занятием, потому что шелковые ткани и нити были привозными и стоили дорого, а труд вышивальщиц требовал много времени – крупноформатные изделия вышивались от года до трех лет. Мастерские располагались при дворах знати, в богатейших купеческих семьях, в женских монастырях. Ряд экспонатов XVII века происходят из мастерских известных промышленников Строгановых, московских бояр Бутурлиных и Милославских, купца Ивана Гурьева. Шитье XIX века дополняют иконы из бисера, популярные в дамском рукоделии этого времени, оклады икон из стекляруса и золотных нитей, а также панно с гобеленовой вышивкой «Поклонение волхвов».

В экспозицию вошли памятники из фондов Музея имени Андрея Рублева, Музея христианского искусства «Церковно-археологический кабинет» Московской духовной академии и частных коллекций. Куратор выставки: заведующая сектором декоративно-прикладного искусства научно-фондового отдела, кандидат исторических наук Е. В. Давыдова. Выставка работает до 08.09.24.

Палица «Сошествие во ад» 1439:40 год. Ткань, золотные нити, серебряные нити, шитье. 37,0 × 35,0 см. Музей им. А. Рублева

Фотографии предоставлены пресс-службой музея

19.06.24. Elohovskiy Gallery открыла выставку «Измерение», объединившую участников темой воспоминаний. Каждый художник документирует в искусстве момент, который погружает в мир его персонального опыта. Проводники выставки – застывшие артефакты — объекты из архивной коллекции Музея современного искусства «Гараж», ставшие документальной поддержкой созданного измерения и свидетельством прошлого. Коллекция включает в себя зины, фотографии и видеодокументацию перформанса группы «Коллективные действия». Также представлены книги, статьи и работы Московского архива нового искусства (МАНИ) – документальные сборники художников московского концептуализма 1980-1982-х годов. В МАНИ содержатся теоретические тексты, фотографии и оригинальные произведения таких деятелей искусства, как Андрей Монастырский, Иосиф Бакштейн, Павел Пепперштейн, Илья Кабаков и другие. На выставке представлены созданные специально для выставки работы Андрея Казюлина, Дарьи Пустовойт, Дарьи Пасечник, а также работы Александры Нестёркиной, созданные в мастерских Музея современного искусства «Гараж». Кураторы: Мария Дубодел, Андрей Яковлев. Выставка работает до 31.07.24.

Фотографии Ольги Серегиной

19.06.24. Галерея «Тираж 1/1» (Tirage Unique) открыла в Москве первую персональную выставку петербургской художницы Тани Рауш «В моем детстве или прямо сейчас». В экспозицию вошло около 35 живописных работ, посвященных главной теме творчества художницы, вокруг которой формируется ее живописная практика, — архетипическим детским образам. Развеска работ асимметричными скоплениями — «облаками» — позволяет подчеркнуть тонкий разреженный воздух живописи Рауш. Нередко отталкиваясь от фотографических изображений, автор каждый раз по-новому переосмысливает образ, лишая его бытовой конкретики и привычного смысла. Мальчики и девочки Тани Рауш символизируют сложный и хрупкий возраст, когда человек особенно беззащитен и уязвим, но вместе с тем открыт миру и готов изменяться вместе с ним. «Детство» и «сейчас» сходятся в одном мире, который создает Таня Рауш. Куратор: Надя Плунгян. Выставка работает до 26.07.24.

Плаванье. 90 х 110. 2023 г.

Фотографии предоставлены галереей

20.06.24. Фонд Ruarts представил масштабную выставку современных российских художников. «Нити» пронизывают три этажа фонда, представляя собой оду ручному труду. Куратор проекта Нина Гомиашвили собрала текстильные работы 39 художников, которых объединяет феномен реабилитации техник и методов, долгое время считавшихся ремесленными и относящимися к женской деятельности. Выставка «Нити» не преследует цели создать антологию русского текстильного искусства, а стремится посредством различных и взаимодополняющих друг друга работ заставить современное искусство резонировать вокруг нити – фактора физической и метафизической связи. Текстиль обладает свойствами, которые органично сочетают искусство и жизнь. Художники не просто создают искусство, но используют повествовательную силу ткани. Само слово «текстиль» ассоциируется как с текстурой, так и с текстом. Ткань преобразуется в руках авторов, игла заменяет кисть, доверяя зрителю интимность, почерпнутую из семейной жизни, сексуальность, личные истории авторов. Художники затрагивают общечеловеческие темы страхов, желаний, надежд, идеи мимикрии и поиска корней. Поэтому выставка получилась очень искренне говорящей о важном. Традиция, политико-социальная позиция, поэтика, юмор – все сплетено в единое полотно. Нина Гомиашвили: «Выставка в первую очередь основана на коллекции Фонда Ruarts, на многоголосье авторов, которые используют текстиль в качестве основы своего визуального языка. Коллекция формировалась в течение длительного периода времени, в ней появилось много текстильных работ, в которых нет конкретной темы, и то единственное, что их объединяет, – это техника. Но мне нужно было от чего-то оттолкнуться, чтобы высказывание оказалось точным, и в начале этой опорной точкой стала я сама, мои личные эмоции. Я обратилась к образу из детства, знакомой многим сказке Ганса-Христиана Андерсена «Дикие лебеди». Меня вдохновил эпизод с кольчугами из крапивы, способными возвращать человеческое обличье, и эта метафора стала центральной для экспозиции. Она возвращает нас в сегодняшний день, в котором ощущение зыбкости гипертрофировано, и подчеркивает важность сохранения не только облика, но более ценного – человеческой сущности». Неотъемлемой частью выставки стало архитектурное решение. Красная нить пунктиром «прошивает» все пространство, служит символической структурой. Нити распутываются по мере того, как из них рождаются новые истории. На выставке представлены работы из коллекции Фонда Ruarts, дополненные произведениями молодых художников, продолжающих развивать рукотворные техники, часть работ создана специально к выставке: AES+F, Мария Арендт, Таня Ахметгалиева, Сабина Байсарова, Людмила Баронина, Ольга Божко, Саша Браулов, Вита Буйвид, Алиса Горшенина, Варвара Гранкова, Ульяна Ёлкина, Катя Исаева, Катика, Родион Китаев, Полина Коваль, Людмила Константинова, Ирина Корина, Андрей Крисанов, Кутя, Анна Лапшинова, Анастасия Литвинова, Артём Ляпин, Лана Морозова, Тимур Новиков, Маша Обухова, Лиза Ольшанская, Сергей Параджанов, Кристина Пашкова, Данила Поляков, Елена Самородова и Сергей Сонин, Полина Серафимова, Виталий Тюрлик, Егор Федоричев, Ольга Флоренская, Хаим Сокол, Дмитрий Цветков, Елена Шарганова, Устина Яковлева, Zoom. Во время открытия Варвара Гранкова показала перформанс «Солнце», связанный с работой «Звенья одной системы», представленной на выставке. Художница исследует глубокие темы взаимосвязи и взаимовлияния людей, выделяя, как каждый из нас, несмотря на свою уникальность и индивидуальность, становится неотъемлемой частью целого. Выставка 18+ работает до 03.11.24.

Браулов Саша. Хватит. 2023. Предоставлено автором

Сонин Сергей, Самородова Елена, Вилла Ротонда, архитектор Андреа Палладио. 2022. Ситец, вышивка, аппликация. Предосталвено галереей a-s-t-r-a и авторами

Корина Ирина. Автопортрет. 2014. Смешанная техника, пластик . 98 х 60 х 3 см. Коллекция фонда Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Ruarts

20.06.24. Дом культуры «ГЭС-2» представил выставку «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2» — международный проект с приглашенными кураторами Франческо Бонами и Зельфирой Трегуловой. Кураторы выставки задаются вопросом, какую роль в истории искусства сыграл «Черный квадрат» Малевича: как именно эта картина предвосхитила дальнейшие художественные эксперименты, из которых родилось современное искусство в сегодняшнем понимании. В «ГЭС-2» представлены работы знаковых художников ХХ столетия, в том числе метафизическая «Свеча» (1982) Герхарда Рихтера, кубистический «Портрет Амбруаза Воллара» (1910) Пабло Пикассо, авторское повторение «Черного квадрата» (ок. 1923) Казимира Малевича и «Эскиз к портрету» (1953) Фрэнсиса Бэкона. В диалог с произведениями Эрика Булатова, Фрэнсиса Бэкона, Ильи и Эмилии Кабаковых, Василия Кандинского, Казимира Малевича, Пабло Пикассо, Герхарда Рихтера, Александра Родченко, Энди Уорхола вступают не только работы конца XIX и начала XXI века, но и само здание Дома культуры. Реконструированное по проекту итальянского архитектора Ренцо Пьяно, оно оказывается одновременно и первым произведением, которое видит зритель, и фоном, контекстом всего проекта. Зельфира Трегулова, куратор выставки «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2»: «Выставка „Квадрат и пространство“ рассказывает о главных художественных инновациях XX века и огромной роли отечественного искусства в этом процессе. Точкой отсчета становится прорывной „Черный квадрат“ Малевича, оказавший огромное влияние на все мировое искусство, а завершает экспозицию одна из лучших работ Ильи Кабакова, создавшего концепцию тотальной инсталляции. От плоскости холста с черным квадратом до погружения в пространство архитектуры „ГЭС-2“ и пребывания внутри артефакта — таков путь, по которому пройдет зритель». В проекте параллельно разворачиваются две истории. Первая — о том, как пространство творчества постепенно разрастается от небольшого квадрата холста до масштабов здания Дома культуры и как одна картина, предвещающая конец живописи вот уже более сотни лет, служит стимулом для все новых открытий. Вторая — история взаимоотношений произведения и зрителя за последние полтора века, за которые работы художников из центра внимания постепенно сместились на периферию, став своего рода «рамкой для селфи». Малевич предсказывал подобные изменения в искусстве, музее и зрительском восприятии еще в начале XX века, а столетие спустя итальянский архитектор Ренцо Пьяно задумал проект превращения электростанции в Дом культуры «ГЭС-2» таким образом, чтобы подчеркнуть этот антропологический сдвиг. Своей реконструкцией Ренцо Пьяно отвечал на заданный когда-то одной картиной Малевича вопрос: для кого и для какого места создается искусство? Франческо Бонами, куратор выставки «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2»: «Эта выставка рассказывает о том, как развитие искусства и музея шло параллельными путями. Музеи чем дальше, тем больше сосредотачивались на архитектуре: из хранилищ искусства они превращались в фон, в культурный контекст в самом широком понимании, и Дом культуры „ГЭС-2“ служит наглядным примером такой трансформации. Малевич, чей „Черный квадрат“ представляет собой размышление о природе искусства вообще и живописи в частности, предвосхитил роль архитектуры в восприятии, осмыслении, бытовании искусства». К выставке изданы каталог работ, представленных в проекте, и сопровождающий его сборник текстов о природе творчества, написанных художниками и теоретиками — авангардистами и нашими современниками. Дизайнер Евгений Корнеев, основатель проектного бюро «Раздизайн», придал каталогу форму квадрата, отсылающую к заглавному произведению. В рамках выставочного проекта разработана публичная программа. Она вобрала в себя дисциплины, где ярче всего проявляется влияние идей авангарда. Программа начнется 27 июня с дискуссии кураторов Зельфиры Трегуловой и Франческо Бонами, а модератором станет искусствовед Сергей Фофанов. В июле–августе будет работать ридинг-группа, посвященная причинам и механикам художественных трансформаций в современном искусстве, а осенью начнется поэтическая лаборатория авангардного письма. На протяжении всех месяцев работы выставки будут проходить медиаторские и школьные туры, а также события, ориентированные на глухих, незрячих и нейроотличных посетителей. Для семейной аудитории готовится детский путеводитель и разрабатывается серия воркшопов с художником Алексеем Лукой. Полная версия публичной программы представлена на сайте Дома культуры «ГЭС-2». Выставка работает до 27.10.24.

Казимир Малевич. Черный квадрат, около 1923. СВОЙСТВА ФАЙЛЫ. Публичный кредит: Казимир Малевич. Черный квадрат, около 1923. Государственный Русский музей Kazimir Malevich. Black Square, circa 1923. The State Russian Museum Copyright: Государственный Русский музей The State Russian Museum

Дом культуры «ГЭС-2». СВОЙСТВА ФАЙЛЫ. Публичный кредит: Дом культуры «ГЭС-2». 2022. Фото: Даниил Анненков GES-2 House of Culture. Moscow, 2022. Photo: Daniel Annenkov. Copyright: Дом культуры «ГЭС-2». GES-2 House of Culture. Автор (-ы): Даниил Анненков

Фотографии предоставлены пресс-службой Дома культуры «ГЭС-2»

20.06.24. Галерея pop/off/art представила групповую выставку «Сделано на даче», которая строится вокруг разноуровневого восприятия художниками дачи как места для творчества. В проекте представлено около 30 работ 14 авторов разных поколений, таких как Э.Булатов, О.Васильев, С.Гета, Е.Гороховский, Н.Касаткин, А.Красулин, В.Куприянов, О.Ланг, А.Петров, В.Пушницкий, М.Рогинский, Б.Свешников, В.Шинкарёв, БВ.Яковлев. Произведения собраны не по формально-стилистическим признакам, а по интуитивно-ассоциативному восприятию. При этом выставка затрагивает несколько смысловых уровней понятия «дача». Так, например, участвующие в проекте произведения Эрика Булатова, Олега Васильева, Николая Касаткина и Бориса Свешникова полностью посвящены пейзажу, однако дача как место создания этих работ для всех четырех авторов значит совершенно разное. Для Свешникова — это вынужденное изгнание, в котором живопись является процессом исцеления; для Касаткина — счастье возвращения к самому себе именно через изображение пейзажа; для Булатова и Васильева дачные этюды — это короткая передышка в долгом концептуальном диалоге с окружающими. В качестве ключевой темы здесь выступает созерцание и внутренний диалог. В работах Андрея Красулина дача — это важное физическое место, источник материала и сюжетов для будущих работ, с одной стороны, и образ, определивший вектор творческого пути, с другой. Следующим уровнем прочтения темы дачи становятся образы конкретных предметов и существ, которые легко пробуждают собственные воспоминания зрителя. Отдельное внимание сфокусировано на фактурах и материале — дерево ящика, в котором хранили вещи, собирали овощи по осени, а, может быть, пили водку сидя на шаткой конструкции из досок. Таким образом, простое определение «дача» включает в себя множество разных смыслов и состояний. Куратор: Марина Горбунова. Выставка работает в пространстве галереи в Большом Палашевском переулке, 9 до 24.08.24.

Николай Касаткин. На террасе. 2007. Холст, масло. 70 х 130

Эрик Булатов. Сосны. 1961. Холст, масло. 58 х 40,5

Фотографии предоставлены галереей

20.06.24
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

786

Новости

Арт-обзор 31.10-07.11.247/11/24

Выставка в галерее a—s—t—r—a «Владимир Мартынов. Автоархеология. Пространство автоархеологии. Дмитрий Пошвин.»

01.11.24. Галерея XL представила выставку Алексея Булдакова «Абажуры для Ксипе Тотека». Алексей Булдаков — выпускник факультета социальной антропологии РГГУ и Академии изобразительных искусств в Вене, участник Manifesta 4 (2002), Пражских биеннале (2003, 2005) и Стамбульской биеннале (2007). В представленный в галерее XL проект вошли произведения из бактериальной целлюлозы — органического материала, также известного как чайный гриб. По словам художника и антрополога Алексея Булдакова – «древняя функция искусства состоит в том, чтобы обманывать внутривидовую агрессию». Когда в обществе накапливались напряжение и страх, они требовали выхода, и часто именно искусство становилось тем, что приносило людям разрядку через переживание катарсиса. Подношения богам, ненасытным и жестоким — таким, как ацтекский «освежеванный бог» Ксипе Тотек — это всегда попытка усмирить насилие, которое грозит разрушить общество изнутри. Изделия из тонкой псевдо-кожи чайного гриба становятся своего рода обманками, современным аналогом жертвоприношения, не требующим кровопролития. Выставка работает до 30.11.24.

Фотографии Ольги Серегиной

04.11.24. ГРАУНД Солянка представила пять выставочных проектов.

— выставка «Уместность» архитектурных макетов студентов школы МАРШ. В сотрудничестве с командой суздальского сообщества ДК студентами были разработаны 18 проектов, 18 различных подходов к актуализации Места, восстановлению утерянного Памятника на примере Ризоположенского монастыря. В сентябре в Мира-центре в Суздале прошла итоговая выставка. В Москве проект показывается впервые. Сообщество ДК существует с 2017 года. Его участники — практикующие архитекторы Трифон Миляев, Никита Моренов и Света Зезюкина, объединившиеся для экспериментальных инициатив в области архитектуры и градостроительства.

— кураторский художественно-философский проект «Между» Романа Шалганова представил в лестничной зоне галереи-мастерской ГРАУНД Солянка персональную выставку «Нáдвое» художника, выступающего под псевдонимом JOY. Проект Шалганова акцентирован на концептуальные, минималистические и экспрессионистические художественные предприятия как начинающих, так и состоявшихся авторов. В центре внимания выставки «Нáдвое» оказывается специфический нематериальный объект, владеющий сознанием автора. В целом, логика художественной работы состоит в том, что автор, как проводник между мирами образов и предметов, одновременно исполняет две функции — визионерскую и посредническую.

— продолжая исследование и популяризацию взаимопроникновения различных жанров искусств, ГРАУНД Солянка собрала на выставке «Горизонтальный театр» видеодокументацию перформансов с широким диапазоном звуковых методов. Собранные в одном пространстве произведения были показаны либо однажды, либо ограниченное количество раз в рамках фестивалей, другие исчезли из репертуара театра и теперь существуют только в формате записи. Все работы демонстрируются в полной версии. Для максимального погружения в режим вовлеченности посетителям предлагаются кушетки и наушники, отсюда и название — «Горизонтальный театр». Кураторы: Катя Бочавар, Марта Руказенкова и Серафима Краснекова.

— современное искусство развивается с такой скоростью, что периодически возникает ситуация, когда не совсем ясно, к какому жанру отнести то или иное произведение. Так, между видео-артом, игровым кино и документальным, анимацией, слайд-шоу и даже фильмами, созданными при помощи ИИ, пролегает слой произведений, авторы которых не режиссеры и не сценаристы, а художники. Куратор Катя Бочавар провела аналогию с книгой художника, включающей в себя все возможности жанров — от фото-зинов до рукописных фолиантов, в зависимости от задумки автора. Так появился новый жанр — фильм художника. Проекты программы «Фильм художника» будут обновляться с каждым выставочным блоком, а постоянным местом ее проведения станет пространство минус-первого этажа ГРАУНД Солянки. Проект «Фильм художника» открывается инсталляцией, созданной художником, актером, музыкантом Пахомом (Сергеем Пахомовым) специально для галереи-мастерской ГРАУНД Солянка. 29-минутная комедия «Кровь в подъезде» создана в соавторстве с московской художницей Marinesca по мотивам домового чата и состоит из зарисовок на тему близких всем жизненных ситуаций.

— выставка художница Катерина Lime Blossom «Загляни в мой дом». Авторприглашает погрузиться в личную археологию — заглянуть в дом, где живут ее работы из разных серий и периодов. Тут и воспоминания, и сказки, и мечты, и переживание вынужденного молчания, и духовные поиски, и попытки переработать заложенную многими поколениями консервативную унификацию. Собранные вместе в небольшом пространстве, напоминающем тесную старую квартиру, инсталляции погружают зрителя в эмоциональные поиски и переживания человека в нашем большом и тревожном мире.

Параллельно выставкам в ГРАУНД Солянка проходят концерты, перформансы, лекции. Выставки работают до 10.12.24.

Катерина Lime Blossom. Инсталляция «Кто внутри»

Фотографии Ольги Серегиной

06.11.24. Московский музей современного искусства представил выставку работ Аннушки Броше за последние 25 лет — «Пандора. Распаковка». Часть работ была выполнена непосредственно для проекта в ММОМА. Это не ретроспектива в ее классическом понимании. Переосмысляя вещи раннего периода, собирая из них новые инсталляции автор размышляет об искусстве и женщине. Главный ключ к прочтению разделов выставки — личность художницы. Лейтмотивом проекта стал древнегреческий миф о первой женщине Пандоре, выпустившей в мир многочисленные беды и несчастья. Впрочем, вместе с ними человечеству досталась и надежда. В центре первого раздела выставки — образ женского тела, с присущей ему парадоксальностью. Во второй части проекта рассматривается социальная сущность коллективного тела и связанные с ней закономерности истории и вопросы эстетики. В фокусе внимания художницы также оказывается расположенный в Тверской области заброшенный Конаковский фаянсовый завод, ранее носивший название Кузнецовский. В прошлом там трудились тысячи людей. Сейчас можно только пытаться наложить швы на разрывы эпох, и извлечь из-под пыльных завалов удивительные артефакты, напоминающие сокровища неведомой цивилизации. В эпилоге выставки рефреном звучит миф о Пандоре, в новой иной интерпретации, связанной со стремлением современной художницы исследовать, или же «распаковать», новые мифологии, создавая на их основе искусство. Выставка работает в ММОМА на Гоголевском бульваре, 10/2 до 30.11.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

06.11.24. В рамках выставки в галерее a—s—t—r—a «Владимир Мартынов. Автоархеология. Пространство автоархеологии. Дмитрий Пошвин.» состоялась презентация новой книги Владимира Мартынова «Апология Эпиметея». Выставка соединяет философские, музыкальные и визуальные интуиции, которые Владимир Мартынов развивает на протяжении многих лет. Онтография воспевает любую конфигурацию предметов, явлений, фактов вне зависимости от её смысла, принимая её такой, какая она есть. В прочтении Мартынова онтограмма становится арт-объектом, который являет собой лишенное человеческих иерархий и классификаций чистое перечисление, принципиально отказывающееся от внесения смысла в живую ткань жизни. 18 ноября в 19.30 в Цехе Белого на Винзаводе состоится сольный концерт Владимира Мартынова «Машина воспоминаний». Мартынов — один из основателей центра развития и поддержки новой музыки Devotio Moderna, преподаватель курса музыкальной антропологии на философском факультете МГУ, написал музыку к более 60-ти фильмам и телеспектаклям, включая главную тему к «Великой красоте» Паоло Соррентино. Концерт станет финисажем выставки композитора, писателя, историка, исследователя древней и современной музыки, попробовавшего себя в роли художника в a—s—t—r—a gallery.

Владимир Мартынов на фоне своих работ в галерее a—s—t—r—a. Фото: Денис Лапшин

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи

07.11.24. В Акцизном зале Центра современного искусства Винзавод открылась групповая выставка «Подземелья и Драконы», объединившая участников проектов Открытые студии Винзавода и AAcademy19 — образовательной и выставочной платформа, созданной художниками для художников. Выставка отсылает к коммуникационным процессам игры «Подземелья и Драконы». Здесь сопоставляются взаимодействия участников игры с коммуникацией различных акторов мира искусства. В проекте исследуются два типа взаимодействия: gaming и playing. В gaming важна победа, что подразумевает наличие проигравших, тогда как playing фокусируется на процессе и раскрытии ролевых моделей участников. Уникальность D&D заключается в акценте на совместном взаимодействии и открытом финале, что стало отправной точкой выставки. В проекте участвуют 18 художников — участники 11 сезона Открытых студий Винзавода, выпускники и преподаватели AAcademy19. Каждый из них по-своему выстраивает процесс создания работ, что напоминает построение индивидуальных игровых стратегий. Выставка представляет игровое поле, растворяющееся на границе реального и фантазийного, погружающее зрителя в личные миры художников. Выставка реализована при поддержке ArtVisioner Foundation, личного проекта Екатерины Чаркиной, направленного на поддержку молодых художников и их творческих проектов с помощью коллабораций и интеграции искусства в различные сферы жизни, ЦСИ Винзавод и галереи Devyatnadsat’. Выставка работает до 01.12.24.

Фотографии предоставлены ArtVisioner Foundation

07.11.12. Галерея текстильного искусства Atelier CHOUTKО представила выставочный проект «Теплота», раскрывающий тему интеграции современного искусства и различных текстильных техник на примере работ, созданных в период с 1920х годов до наших дней. В экспозиции собраны гобелены, ковры, аппликации и вышивка: ковры «Любовь» Сергея Пахомова «Пахома» и «Витрувианский человек» Александра Повзнера, созданные в мастерских Atelier CHOUTKO, ковры ручной работы Ксении OSKUGLIK, Марии Киндер и Александра Гораздина, текстильные арт-объекты Марии Арендт, Александры Островской, Евгении Эварт, Виталия Тюрлика, винтажные аппликации 1920х годов, живопись с аппликацией Олега Ланга и эскиз панно Юрия Кафенгауза 1972 года. Название выставки – это отсылка к подсознательному ощущению, которое дарят текстильные арт-объекты. С текстилем человек тактильно соприкасается с момента рождения и на протяжении всей жизни, а визуальный контакт гармоничен за счет особенностей светопоглощения. Выставка работает по 26.11.24.

Ланг. Одых

Аренд. Пчелиная матка

Фотографии предоставлены галереей Шутко

07.11.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо — светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий — заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами — вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора — использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

12 осенних beauty-трендов23/10/24

Осенняя подборка трендов из мира красоты и ухода за собой создана специально для тех, кто любит экспериментировать, пробовать новое и меняться от сезона к сезону.

РУМЯНЕЦ

Румяна остаются на пике популярности этой осенью. Для создания естественного румянца, похожего на легкий загар, используйте красные или насыщенные ягодные оттенки. Наносите их кончиками пальцев для максимально натурального эффекта. Это идеальный способ добавить свежести лицу и подчеркнуть природную красоту. Подойдут любые ваши любимые румяна, например, L’orchide´e от Sisley.

СЫВОРОТКИ

Сыворотки уже полюбились многим модницам как важный этап ритуала ухода за кожей. Теперь же появились косметические средства с такой же формулой. Сыворотки для тонального крема, румян, теней для век и губ обладают легкой текстурой и полупрозрачным финишем. Нанесите продукт точечно на кожу и растушуйте пальцами, добавляя слой за слоем для более насыщенного цвета. Такие продукты появились у многих брендов, например, у Clarins.

ДВУХЦВЕТНЫЙ МАКИЯЖ ГУБ

Такой макияж может добавить интересный акцент к вашему образу. Чтобы добиться нужного эффекта, попробуйте использовать более темный контур и светлые оттенки помад. Такой макияж можно сделать с помадой от YSL Loveshine.

ГЛАМУР 80-Х

Макияж в стиле 1980-х возвращается этой осенью с металлическими тенями и блеском на веках. Чтобы повторить образ из прошлого, используйте хроматические пигменты или металлизированные текстуры. Макияж, который определенно добавит вашему образу гламура и эффектности, можно создать с помощью теней Sparkler от MAC.

СТЕКЛЯННАЯ КОЖА

Матовые текстуры уступают место эффекту «стеклянной кожи». Легкость и сияние достигаются тщательной подготовкой и использованием продуктов, которые подчеркивают естественную красоту кожи. Здоровый и ухоженный вид – несменяемый тренд. Сыворотка от Augustinus Bader поможет воплотить идею в жизнь.

ЧЕТКИЕ КОНТУРЫ

Четкий контур – тренд, проработать который стоит как с декоративной, так и с уходовой косметикой. И если в первом случае вопрос решается за 30 минут, то во втором нужна ваша полноценная работа над собой изо дня в день. В ней обязательно помогут средства с лифтинг-эффектом. Например, дневной крем-лифтинг для лица от Agenda. Он стимулирует клеточную пролиферацию, что способствует обновлению кожи и повышению ее упругости. Протеины кунжута обеспечивают интенсивное питание и восстановление, а пантенол и масла ши и жожоба дарят коже бархатистость, создавая невидимый защитный барьер.

ИДЕАЛЬНЫЙ ВИД

Красивый и ровный оттенок кожи всегда в моде, вне зависимости от сезона и модных нововведений. Чтобы добиться идеального результата с помощью косметических средств, стоит внимательно смотреть на их состав. Так, натуральный крем-лифтинг для лица от Siberina включает в себя масло авокадо и лесного ореха, которые нормализуют кровообращение и обменные процессы в клетках, препятствуя образованию пигментных пятен. Крем выравнивает тон и придает однородность микрорельефу кожи.

МОНОХРОМНЫЙ МАКИЯЖ

Один цвет для всего — щек, губ и даже глаз. Простой и актуальный макияж, идеально подходящий для того, чтобы быстро привести себя в порядок. Выберите любые румяна, соответствующие вашему тону кожи, нанесите их пальцами на каждую область и растушуйте. Кстати, большой выбор компактных румян у Babor.

МАКИЯЖ ГЛАЗ В СТИЛЕ 90-Х

В этом сезоне холодные оттенки 1990-х вернулись в моду. Этот макияж выглядит особенно стильно в сочетании с черной подводкой и несколькими слоями туши. Он прекрасно подойдет для повседневных образов, не требуя особой аккуратности, но обеспечивая дерзкий вечерний эффект. Можно попробовать ретро-эксперимент с любой жидкой подводкой, например с Eye Defining Pen от Tom Ford.

ЕСТЕСТВЕННЫЕ БРОВИ

Естественные брови – это одна из главных тенденций осени 2024 года. Подиум диктует нам отказаться от любых средств для укладки и окрашивания бровей. Можно пользоваться разными средствами для стимулирования роста, например, Talika Lipocils Expert.

ЦВЕТНЫЕ ПОДВОДКИ

КРАСНЫЕ МАТОВЫЕ ГУБЫ ЦВЕТНЫЕ ПОДВОДКИ

Этой осенью черные и коричневые подводки уступают место насыщенным осенним цветам, таким как ржаво-коричневый и лесной зеленый. Мы отметили оттенок подводки Everlasting от бренда Ga-De. Эти цвета подчеркивают глаза, создавая интересные образы, которые гармонируют с палитрой осени. Глубокие, насыщенные оттенки красного добавляют элегантности и уверенности. Этот классический элемент макияжа всегда выделяет образ и подходит как для повседневных, так и для вечерних выходов. Подходящая помада у Killian.