Арт-обзор 13.06-20.06.24

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

17.06.24. ГМИИ им. А.С. Пушкина представил выставку «Три времени Рима. Античность. Возрождение. Барокко». Ни один другой город мира не овеян таким количеством легенд, как Рим. В нем памятники разных эпох составляют единое целое. Кураторы предлагают проследить один из наиболее интересных процессов развития градостроительной мысли в период с конца XV до середины XVIII века, а также сущностную для Рима идею Вечного города как самого большого целостного произведения искусства. В экспозиции представлено более 150 произведений из коллекции Максима Атаянца, собраний ГМИИ им. А.С. Пушкина, Нижегородского государственного художественного музея и Дальневосточного художественного музея.

Исследуемый на выставке архитектурный феномен Рима возник в XVI–XVII веках, когда римские папы стали ощущать себя преемниками цезарей и загорелись идеей возрождения древнего города. В Средние века Рим лежал в руинах. Начиная с эпохи Возрождения сквозь опустевший город начали прокладывать длинные прямые улицы, соединявшие главные святыни города и предназначенные для торжественных шествий и потоков паломников. Ориентирами путникам становились древние обелиски, что по повелению понтификов ставились перед фасадами церквей — древнее соединялось с современным. Аналогичным образом триумфальные колонны древнеримских императоров увенчивались статуями христианских святых, а фигура архангела Михаила была водружена на бывший мавзолей императора Адриана, ставший папской цитаделью и получивший название замка Святого Ангела. В XVII веке великолепные барочные ансамбли Бернини и Борромини окончательно реализовали мечту о возрождении Вечного города.

Центральное место в повествовании о трансформации города занимает фигура итальянского архитектора и инженера Доменико Фонтана, выступившего и как урбанист, преобразовавший городское пространство. Покровителем Фонтаны был римский папа Сикст V (Феличе Перетти), имя которого получили спроектированные архитектором монументальный фонтан Аква Феличе и дорога Страда Феличе. Одним из программных архитектурных начинаний Сикста V была установка на площадях Рима древних обелисков, когда-то привезенных римскими императорами из Египта в качестве трофеев. Установленные в ключевых точках города, они завершали собой длинные и прямые улицы, ясной геометрической сеткой соединившие все паломнические места, и стали олицетворять власть церкви над всем гигантским пространством Рима — как нового, барóчного, так и древнего.

В XVI–XVIII веках Рим был самым изображаемым городом мира. Благодаря работам художников исследователи могут проследить последовательную трансформацию города и его образов: от меланхоличных руинных пейзажей XVI века до триумфальных городских видов эпохи барокко. Античные памятники почти неизменны, архитектурный пейзаж вокруг них преображается куда быстрее и радикальнее и, наконец, меняются и сами обитатели города — их внешний вид, статус, манеры. Венец многовековой традиции римской ведуты — знаменитые гравюры Джованни Баттисты Пиранези, ставшие главным портретом города, в котором Античность и барокко окончательно слились в единое целое. Изображая тот или иной памятник, Пиранези всегда старался показать его контекст, выстраивая вид так, что на дальнем плане оказывались какие-то другие значимые постройки, нередко изображенные в других листах одной серии гравюр. Тем самым он позволял зрителю путешествовать от одного здания к другому и подчеркивал связанность римского городского пространства.

Большинство представленных гравюр принадлежит собранию архитектора Максима Атаянца — одной из лучших и наиболее обширных мировых коллекций гравюр, посвященных Риму. Эти графические листы дополнены гравюрами и рисунками из ГМИИ им. А.С. Пушкина, а также живописными видами Рима XVIII века, созданными Джованни Паоло Панини и Бернардо Беллотто из собрания Пушкинского музея. Впервые показаны вместе четыре живописные работы Беллотто, написанные в одной серии и разделенные в 1930-х годах между собраниями ГМИИ им. А.С. Пушкина, Дальневосточного художественного музея и Нижегородского государственного художественного музея. Из особенно интересных экспонатов — гравюра Михаэля Вольгемута из «Всемирной хроники» Хартмана Шеделя — одна из первых панорам Рима. Кроме того, на выставке показаны редкие античные памятники из собраний М.Б. Атаянца и Пушкинского музея.

Среди ключевых экспонатов — планы Рима разных времен, наиболее показательно отражающие преображение города. План Антонио Темпесты (1593) показывает Рим, уже оправившийся от упадка времен Авиньонского пленения и разграбления 1527 года ландскнехтами Карла V. План Рима Джованни Баттисты Нолли (1748) — это первая географически верная карта, фиксирующая облик уже полностью построенного барочного города, в том виде в каком его центр по большей части сохраняется и по сей день. К выставке подготовлен каталог, образовательная и инклюзивная программы, включающие лекции, мероприятия, экскурсии. Кураторская группа: Елизавета Лихачёва, директор ГМИИ им. А.С. Пушкина; Максим Атаянц, архитектор; Василий Успенский, научный сотрудник отделения гравюр Государственного Эрмитажа; Александр Конев, научный сотрудник отделения гравюр Государственного Эрмитажа. Выставка работает до 15.09.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ГМИИ им. А.С. Пушкина

17.06.24. В Западном крыле Новой Третьяковки состоялось открытие выставки «Стена и Слово. Русский монастырь на границе с небом». Авторы проекта: Эдуард Бояков, Михаил Розанов. Выставка посвящена феномену русского монастыря. Авторы проекта представляют 10 действующих православных монастырей на территории России, следуя своему замыслу литературной и изобразительной концепций. Михаил Розанов: «… Почти год мы ездили, выбирая для каждого объекта время года. Поэтому какие-то обители запечатлены зимой, какие-то летом. Но это не отражается в цвете. Цвет я не люблю – он отвлекает от главной мысли. Все снимки выполнены в монохроме. Важным принципом было – снимать монастыри без людей. Это специальная концепция. Наша задача была запечатлеть вечность. Каждый монастырь предъявлен девятью изображениями: один панорамный вид, далее – отдельные части фасада, вписанные в природный ландшафт. Линии, архитектурные детали, графика стеновых конструкций рифмуются с графикой горизонта, парящими облаками, незримым, но ощутимым движением воздуха…». Выставка работает до 20.08.24.

Посольский Спасо-Преображенский монастырь. Республика Бурятия, Посольское

Спасо-Преображенский Соловецкий монастырь. Архангельская область, Соловецкие острова

Фотографии предоставлены пресс-службой ГТГ

18.06.24. В Москве в историческом здании XVII века на Маросейке состоялось открытие новой культурной институции – Центра современного искусства AZ/ART. Концепция первого проекта ЦСИ «Неочевидные пересечения» рассматривает парадокс очевидных и неочевидных связей музыки с работами художников, представляя субъективный взгляд на возможные точки сближения и сравнительную общность творческих методов, художественных средств, образного ряда, языка и сюжетов произведений советских неофициальных художников и композиторов второй половины XX века. В исследовании намечены лишь некоторые отправные точки, которые могут стать ориентирами для дальнейшего погружения в междисциплинарный дискурс советского неофициального искусства. Генеральный директор Музея AZ и ЦСИ AZ/ARTНаталия Опалева: «Продолжая линию переклички эпох, мы будем показывать в ЦСИ AZ/ART самые интересные, малоизвестные московской публике работы современных художников и уже ставшие музейным “золотым фондом” работы художников-шестидесятников из коллекции Музея AZ». Среди представленных на выставке «Неочевидные пересечения» художников — Анатолий Зверев, Юрий Злотников, Лев Кропивницкий, Валентина Кропивницкая, Лидия Мастеркова, Евгений Михнов-Войтенко, Владимир Немухин, Дмитрий Плавинский, Олег Целков, Михаил Чернышов. Список композиторов включает в себя такие имена, как Андрей Волконский, София Губайдулина, Николай Каретников, Галина Уствольская, Сергей Слонимский, Виктор Суслин, Борис Тищенко, Альфред Шнитке и других композиторов-шестидесятников. В течение лета состоится серия из 10 концертов, которые будут сопровождать временные выставки, сменяющиеся к каждому новому концерту и дополняющие музыкальную тему. Пространство ЦСИ во время первой выставки разделено на две части. В одной располагается основная экспозиция из работ десяти неофициальных художников. Во второй части, Музыкальном зале, выставки будут сменяться каждую неделю. Открываясь камерным концертом со специальной программой, они будут представлять творчество одного из десяти заявленных в основной экспозиции художников. Выставки в Музыкальном зале покажут расширенные экспозиции работ исследуемого художника, сопоставляя их с музыкой композиторов, звучащей в саундтреке каждой сменной выставки. При этом музыка не рассматривается как иллюстрация к картинам — так же как объекты, живопись и графика не рассматриваются в качестве визуализации музыкальных произведений. С 20 по 26 июня, в первую неделю работы AZ/ART, в Музыкальном зале пройдет выставка работ художников-нонконформистов из коллекции Музея AZ, демонстрирующая генетическую связь между Первым и Вторым авангардом. Музыкальная часть проекта будет представлена хрестоматийным произведением Гавриила Попова (1904—1972) — «Септетом» («Камерной симфонией», написанной в 1927 году). Цикл концертов помимо произведений композиторов-шестидесятников включает музыку Старого и Нового света разных периодов и направлений ХХ века. Программа формируется с помощью компаративного метода. Проект «Неочевидные пересечения» подготовлен совместно с Фондом композитора Николая Каретникова, кураторами выступили основатель Музея AZ и Центра AZ/ART Наталия Опалева, исполнительный директор фонда Николая Каретникова Антон Каретников и музыковед и куратор концертных программ Сергей Терентьев.

Центром современного искусства подготовлена лекционная и публичная программа, в которую войдут концерты, мастер-классы, творческие встречи и мероприятия для детей. Помимо трех выставочных залов, в AZ/ART работает книжный магазин, где в коллаборации с галереей Sample представлены объекты предметного дизайна и искусства, а также тиражная графика, отобранная лабораторией экспериментальной печати Пиранези LAB специально для проекта.

Осенью разговор об искусстве и музыке продолжит куратор, искусствовед Александр Дашевский. Он представит проект о взаимодействии современной музыки и современного искусства уже в XXI веке. Выставка «Неочевидные пересечения» работает до 30.08.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой ЦСИ AZ/ART

18.06.24. Музей-заповедник «Коломенское» представил выставку «Райский сад земной и небесный». Экспозиция в Сытном дворе рассказывает о том, как во все времена люди старались создать и запечатлеть образ рая на земле. В экспозиции собраны работы художников и ремесленников XVI–ХХI веков, дающие возможность почувствовать разницу между русским и западноевропейским видением рая. Кураторы выставки отобрали более 300 произведений из 10 музеев и частных коллекций, среди представленных художников — Иван Хруцкий, Василий Поленов, Константин Сомов, Борис Анисфельд, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель, Наталия Гончарова, Надежда Удальцова, Владимир Татлин, Роберт Фальк и др. Директор музея-заповедника «Коломенское» Марина Люльчук: «Мы рекомендуем совместить посещение Сытного двора с прогулкой по яблоневым садам Коломенского, которые были заложены еще в XVII веке, при царе Алексее Михайловиче. Выставка предлагает взглянуть на исторические сады в контексте образа райского места и наполнить прогулку по Коломенским новым смыслам. Таким образом, пространство экспозиции „Райский сад земной и небесный“ идейно расширится и охватит территорию Казанского, Вознесенского и Дьяковского яблоневых садов». Экспозиция разделена на три смысловых части: «Рай земной», «Рай небесный» и «Поиски рая на земле». Особое место занимает часть экспозиции, посвященная различным теориям создания сакрального пространства, которые были популярны в XVII веке. Это и строительство дворца в Коломенском по примеру дома царя Соломона, и основание монастыря в Новом Иерусалиме с целью перенести на русскую землю образ святых мест Палестины, и организация садов и зверинца в усадьбе Измайлово по образу Эдема. Выставка работает до 26.09.24.

Борис Анисфельд. Адам и Ева. Конец XIX — начало XX века. Холст, масло. Из собрания «РОСИЗО»

Иван Хруцкий. Фрукты. Около 1840 — 1850 гг. Холст, масло. Из собрания Тверской областной картинной галереи

Фотографии предоставлены пресс-службой музея-заповедника «Коломенское»

19.06.24. Музей русского импрессионизма представил выставку «Журнал красивой жизни» о первом отечественном глянце «Столица и усадьба», выходившем с 1913 по 1917 год и адресованном аристократической и светской публике. В состав экспозиции вошли произведения, опубликованные или описанные на страницах журнала, что позволяет посмотреть на русское искусство через призму вкусов и предпочтений элиты начала XX века. На выставке представлены живописные и графические работы Исаака Бродского, Николая Фешина, Александра Маковского, Анны Остроумовой-Лебедевой и других мастеров. К выставке приурочен спецпроект на 3 этаже музея: здесь слово предоставляется художникам XXI века, готовым порассуждать о dolce vita наших дней. Модные образы, светские ритуалы и блеск повседневности, а также ирония и улыбка в сторону гламура и глянца нашли отражение в работах Владимира Дубосарского и Александра Виноградова, Ольги Тобрелутс и Владислава Мамышева-Монро, Кирилла Кто и других. Посетители увидят более 20 произведений из 15 частных собраний, среди которых фонд Ruarts, галереи Anna Nova, «Триумф» и другие.

В программе журнала «Столица и усадьба» значилось: «Красивая жизнь доступна не всем, но она все-таки существует». Эта жизнь представала перед читателями калейдоскопом балов, светских праздников и загородных имений. С разворотов издания смотрели политики и спортсмены, предприниматели и аристократы, утонченные дебютантки и их статусные поклонники и даже породистые домашние любимцы. Эти сюжеты органично уживались на страницах с обзорами вернисажей и рецензиями на выставки, обложку каждого из 90 номеров украшали цветные репродукции работ признанных мастеров прошлого и современных художников.

Кураторы выставки предлагают уделить внимание журналу, который обычно остается в тени художественных изданий «Мир искусства», «Аполлон» и «Золотое руно», однако является ценным историческим источником. В экспозиции можно увидеть как работы известных мастеров — «общее достояние», по словам главного редактора журнала Владимира Крымова, так и произведения малоизвестных современному зрителю живописцев.

Разделы выставки отсылают к рубрикам журнала и погружают посетителей в атмосферу «Столицы и усадьбы». В оформлении выставки использованы фрагменты статей, яркие заголовки, архивные фото и рекламные объявления из журнала.

В экспозиции на -1 этаже музея представлено почти 100 произведений из 44 государственных и 14 частных собраний. Участие в проекте принимают Государственный Эрмитаж, Государственный Русский музей, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Мордовский республиканский музей изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи и другие.

Каждый новый выпуск журнала «Столица и усадьба» становился предметом бурных обсуждений в столичных салонах. Такая светская иммерсивная гостиная от партнера выставки MR Group развернулась на -1 этаже музея. Подчеркнет богемную атмосферу симфония Кирилла Рихтера, вдохновленная архитектурой проекта Symphony 34, и специально созданный аромат «Воздух красивой жизни» от ольфакторной художницы Анны Кабировой.

В подготовленном к проекту каталоге собраны статьи кураторов Ольги Юркиной и Юлии Петровой, театрального критика и журналиста Сергея Николаевича и искусствоведа Олега Антонова. Проект сопровождает разносторонняя просветительская программа, включающая события для взрослых, детей и подростков, а также инклюзивные мероприятия. Кураторы: Юлия Петрова, директор Музея русского импрессионизма и Ольга Юркина, специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма. Выставка работает по 06.10.24.

Александр Рубцов. В гостиной. Начало XX века. Галерея Ильи Глазунова, Москва

Сергей Борисов. Па-де-де. 2016. Фотография, желатино-серебряная печать. Предоставлено Фондом Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой музея

19.06.24. Музей имени Андрея Рублева представил выставку искусства средневекового церковного шитья, остающегося до сих пор малоизвестным широкой аудитории. Памятники, созданные мастерицами несколько веков назад, малочисленны ввиду особенностей техники изготовления и материалов, а также из-за использования в богослужебном обиходе. Произведения лицевого шитья требуют особых условий хранения, что делает их редкими экспонатами в музейных экспозициях.

Выставка «Живопись нитью», полностью посвященная лицевому шитью, стала первым за многие годы крупным проектом, знакомящим с этим видом декоративно-прикладного искусства. На ней представлены произведения XV–XX веков различного функционального назначения: иконы, церковные знамена, литургические комплекты, элементы богослужебного облачения духовенства, а также иконы из бисера и образа в шитых ризах. Среди уникальных экспонатов – палица со сценой «Сошествие во ад» 1438–1439 годов. Она была вкладом в Спасо-Андроников монастырь княгини Ульяны, снохи князя Серпуховского Владимира Андреевича Храброго, и предположительно имела поминальное значение. Судя по изысканным пропорциям фигур и совершенной композиции, знаменщиком палицы был выдающийся иконописец, продолживший художественную линию произведений Андрея Рублева. Лицевое шитье считалось элитарным занятием, потому что шелковые ткани и нити были привозными и стоили дорого, а труд вышивальщиц требовал много времени – крупноформатные изделия вышивались от года до трех лет. Мастерские располагались при дворах знати, в богатейших купеческих семьях, в женских монастырях. Ряд экспонатов XVII века происходят из мастерских известных промышленников Строгановых, московских бояр Бутурлиных и Милославских, купца Ивана Гурьева. Шитье XIX века дополняют иконы из бисера, популярные в дамском рукоделии этого времени, оклады икон из стекляруса и золотных нитей, а также панно с гобеленовой вышивкой «Поклонение волхвов».

В экспозицию вошли памятники из фондов Музея имени Андрея Рублева, Музея христианского искусства «Церковно-археологический кабинет» Московской духовной академии и частных коллекций. Куратор выставки: заведующая сектором декоративно-прикладного искусства научно-фондового отдела, кандидат исторических наук Е. В. Давыдова. Выставка работает до 08.09.24.

Палица «Сошествие во ад» 1439:40 год. Ткань, золотные нити, серебряные нити, шитье. 37,0 × 35,0 см. Музей им. А. Рублева

Фотографии предоставлены пресс-службой музея

19.06.24. Elohovskiy Gallery открыла выставку «Измерение», объединившую участников темой воспоминаний. Каждый художник документирует в искусстве момент, который погружает в мир его персонального опыта. Проводники выставки – застывшие артефакты – объекты из архивной коллекции Музея современного искусства «Гараж», ставшие документальной поддержкой созданного измерения и свидетельством прошлого. Коллекция включает в себя зины, фотографии и видеодокументацию перформанса группы «Коллективные действия». Также представлены книги, статьи и работы Московского архива нового искусства (МАНИ) – документальные сборники художников московского концептуализма 1980-1982-х годов. В МАНИ содержатся теоретические тексты, фотографии и оригинальные произведения таких деятелей искусства, как Андрей Монастырский, Иосиф Бакштейн, Павел Пепперштейн, Илья Кабаков и другие. На выставке представлены созданные специально для выставки работы Андрея Казюлина, Дарьи Пустовойт, Дарьи Пасечник, а также работы Александры Нестёркиной, созданные в мастерских Музея современного искусства «Гараж». Кураторы: Мария Дубодел, Андрей Яковлев. Выставка работает до 31.07.24.

Фотографии Ольги Серегиной

19.06.24. Галерея «Тираж 1/1» (Tirage Unique) открыла в Москве первую персональную выставку петербургской художницы Тани Рауш «В моем детстве или прямо сейчас». В экспозицию вошло около 35 живописных работ, посвященных главной теме творчества художницы, вокруг которой формируется ее живописная практика, — архетипическим детским образам. Развеска работ асимметричными скоплениями – «облаками» – позволяет подчеркнуть тонкий разреженный воздух живописи Рауш. Нередко отталкиваясь от фотографических изображений, автор каждый раз по-новому переосмысливает образ, лишая его бытовой конкретики и привычного смысла. Мальчики и девочки Тани Рауш символизируют сложный и хрупкий возраст, когда человек особенно беззащитен и уязвим, но вместе с тем открыт миру и готов изменяться вместе с ним. «Детство» и «сейчас» сходятся в одном мире, который создает Таня Рауш. Куратор: Надя Плунгян. Выставка работает до 26.07.24.

Плаванье. 90 х 110. 2023 г.

Фотографии предоставлены галереей

20.06.24. Фонд Ruarts представил масштабную выставку современных российских художников. «Нити» пронизывают три этажа фонда, представляя собой оду ручному труду. Куратор проекта Нина Гомиашвили собрала текстильные работы 39 художников, которых объединяет феномен реабилитации техник и методов, долгое время считавшихся ремесленными и относящимися к женской деятельности. Выставка «Нити» не преследует цели создать антологию русского текстильного искусства, а стремится посредством различных и взаимодополняющих друг друга работ заставить современное искусство резонировать вокруг нити – фактора физической и метафизической связи. Текстиль обладает свойствами, которые органично сочетают искусство и жизнь. Художники не просто создают искусство, но используют повествовательную силу ткани. Само слово «текстиль» ассоциируется как с текстурой, так и с текстом. Ткань преобразуется в руках авторов, игла заменяет кисть, доверяя зрителю интимность, почерпнутую из семейной жизни, сексуальность, личные истории авторов. Художники затрагивают общечеловеческие темы страхов, желаний, надежд, идеи мимикрии и поиска корней. Поэтому выставка получилась очень искренне говорящей о важном. Традиция, политико-социальная позиция, поэтика, юмор – все сплетено в единое полотно. Нина Гомиашвили: «Выставка в первую очередь основана на коллекции Фонда Ruarts, на многоголосье авторов, которые используют текстиль в качестве основы своего визуального языка. Коллекция формировалась в течение длительного периода времени, в ней появилось много текстильных работ, в которых нет конкретной темы, и то единственное, что их объединяет, – это техника. Но мне нужно было от чего-то оттолкнуться, чтобы высказывание оказалось точным, и в начале этой опорной точкой стала я сама, мои личные эмоции. Я обратилась к образу из детства, знакомой многим сказке Ганса-Христиана Андерсена «Дикие лебеди». Меня вдохновил эпизод с кольчугами из крапивы, способными возвращать человеческое обличье, и эта метафора стала центральной для экспозиции. Она возвращает нас в сегодняшний день, в котором ощущение зыбкости гипертрофировано, и подчеркивает важность сохранения не только облика, но более ценного – человеческой сущности». Неотъемлемой частью выставки стало архитектурное решение. Красная нить пунктиром «прошивает» все пространство, служит символической структурой. Нити распутываются по мере того, как из них рождаются новые истории. На выставке представлены работы из коллекции Фонда Ruarts, дополненные произведениями молодых художников, продолжающих развивать рукотворные техники, часть работ создана специально к выставке: AES+F, Мария Арендт, Таня Ахметгалиева, Сабина Байсарова, Людмила Баронина, Ольга Божко, Саша Браулов, Вита Буйвид, Алиса Горшенина, Варвара Гранкова, Ульяна Ёлкина, Катя Исаева, Катика, Родион Китаев, Полина Коваль, Людмила Константинова, Ирина Корина, Андрей Крисанов, Кутя, Анна Лапшинова, Анастасия Литвинова, Артём Ляпин, Лана Морозова, Тимур Новиков, Маша Обухова, Лиза Ольшанская, Сергей Параджанов, Кристина Пашкова, Данила Поляков, Елена Самородова и Сергей Сонин, Полина Серафимова, Виталий Тюрлик, Егор Федоричев, Ольга Флоренская, Хаим Сокол, Дмитрий Цветков, Елена Шарганова, Устина Яковлева, Zoom. Во время открытия Варвара Гранкова показала перформанс «Солнце», связанный с работой «Звенья одной системы», представленной на выставке. Художница исследует глубокие темы взаимосвязи и взаимовлияния людей, выделяя, как каждый из нас, несмотря на свою уникальность и индивидуальность, становится неотъемлемой частью целого. Выставка 18+ работает до 03.11.24.

Браулов Саша. Хватит. 2023. Предоставлено автором

Сонин Сергей, Самородова Елена, Вилла Ротонда, архитектор Андреа Палладио. 2022. Ситец, вышивка, аппликация. Предосталвено галереей a-s-t-r-a и авторами

Корина Ирина. Автопортрет. 2014. Смешанная техника, пластик . 98 х 60 х 3 см. Коллекция фонда Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Ruarts

20.06.24. Дом культуры «ГЭС-2» представил выставку «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2» — международный проект с приглашенными кураторами Франческо Бонами и Зельфирой Трегуловой. Кураторы выставки задаются вопросом, какую роль в истории искусства сыграл «Черный квадрат» Малевича: как именно эта картина предвосхитила дальнейшие художественные эксперименты, из которых родилось современное искусство в сегодняшнем понимании. В «ГЭС-2» представлены работы знаковых художников ХХ столетия, в том числе метафизическая «Свеча» (1982) Герхарда Рихтера, кубистический «Портрет Амбруаза Воллара» (1910) Пабло Пикассо, авторское повторение «Черного квадрата» (ок. 1923) Казимира Малевича и «Эскиз к портрету» (1953) Фрэнсиса Бэкона. В диалог с произведениями Эрика Булатова, Фрэнсиса Бэкона, Ильи и Эмилии Кабаковых, Василия Кандинского, Казимира Малевича, Пабло Пикассо, Герхарда Рихтера, Александра Родченко, Энди Уорхола вступают не только работы конца XIX и начала XXI века, но и само здание Дома культуры. Реконструированное по проекту итальянского архитектора Ренцо Пьяно, оно оказывается одновременно и первым произведением, которое видит зритель, и фоном, контекстом всего проекта. Зельфира Трегулова, куратор выставки «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2»: «Выставка „Квадрат и пространство“ рассказывает о главных художественных инновациях XX века и огромной роли отечественного искусства в этом процессе. Точкой отсчета становится прорывной „Черный квадрат“ Малевича, оказавший огромное влияние на все мировое искусство, а завершает экспозицию одна из лучших работ Ильи Кабакова, создавшего концепцию тотальной инсталляции. От плоскости холста с черным квадратом до погружения в пространство архитектуры „ГЭС-2“ и пребывания внутри артефакта — таков путь, по которому пройдет зритель». В проекте параллельно разворачиваются две истории. Первая — о том, как пространство творчества постепенно разрастается от небольшого квадрата холста до масштабов здания Дома культуры и как одна картина, предвещающая конец живописи вот уже более сотни лет, служит стимулом для все новых открытий. Вторая — история взаимоотношений произведения и зрителя за последние полтора века, за которые работы художников из центра внимания постепенно сместились на периферию, став своего рода «рамкой для селфи». Малевич предсказывал подобные изменения в искусстве, музее и зрительском восприятии еще в начале XX века, а столетие спустя итальянский архитектор Ренцо Пьяно задумал проект превращения электростанции в Дом культуры «ГЭС-2» таким образом, чтобы подчеркнуть этот антропологический сдвиг. Своей реконструкцией Ренцо Пьяно отвечал на заданный когда-то одной картиной Малевича вопрос: для кого и для какого места создается искусство? Франческо Бонами, куратор выставки «Квадрат и пространство. От Малевича до ГЭС-2»: «Эта выставка рассказывает о том, как развитие искусства и музея шло параллельными путями. Музеи чем дальше, тем больше сосредотачивались на архитектуре: из хранилищ искусства они превращались в фон, в культурный контекст в самом широком понимании, и Дом культуры „ГЭС-2“ служит наглядным примером такой трансформации. Малевич, чей „Черный квадрат“ представляет собой размышление о природе искусства вообще и живописи в частности, предвосхитил роль архитектуры в восприятии, осмыслении, бытовании искусства». К выставке изданы каталог работ, представленных в проекте, и сопровождающий его сборник текстов о природе творчества, написанных художниками и теоретиками — авангардистами и нашими современниками. Дизайнер Евгений Корнеев, основатель проектного бюро «Раздизайн», придал каталогу форму квадрата, отсылающую к заглавному произведению. В рамках выставочного проекта разработана публичная программа. Она вобрала в себя дисциплины, где ярче всего проявляется влияние идей авангарда. Программа начнется 27 июня с дискуссии кураторов Зельфиры Трегуловой и Франческо Бонами, а модератором станет искусствовед Сергей Фофанов. В июле–августе будет работать ридинг-группа, посвященная причинам и механикам художественных трансформаций в современном искусстве, а осенью начнется поэтическая лаборатория авангардного письма. На протяжении всех месяцев работы выставки будут проходить медиаторские и школьные туры, а также события, ориентированные на глухих, незрячих и нейроотличных посетителей. Для семейной аудитории готовится детский путеводитель и разрабатывается серия воркшопов с художником Алексеем Лукой. Полная версия публичной программы представлена на сайте Дома культуры «ГЭС-2». Выставка работает до 27.10.24.

Казимир Малевич. Черный квадрат, около 1923. СВОЙСТВА ФАЙЛЫ. Публичный кредит: Казимир Малевич. Черный квадрат, около 1923. Государственный Русский музей Kazimir Malevich. Black Square, circa 1923. The State Russian Museum Copyright: Государственный Русский музей The State Russian Museum

Дом культуры «ГЭС-2». СВОЙСТВА ФАЙЛЫ. Публичный кредит: Дом культуры «ГЭС-2». 2022. Фото: Даниил Анненков GES-2 House of Culture. Moscow, 2022. Photo: Daniel Annenkov. Copyright: Дом культуры «ГЭС-2». GES-2 House of Culture. Автор (-ы): Даниил Анненков

Фотографии предоставлены пресс-службой Дома культуры «ГЭС-2»

20.06.24. Галерея pop/off/art представила групповую выставку «Сделано на даче», которая строится вокруг разноуровневого восприятия художниками дачи как места для творчества. В проекте представлено около 30 работ 14 авторов разных поколений, таких как Э.Булатов, О.Васильев, С.Гета, Е.Гороховский, Н.Касаткин, А.Красулин, В.Куприянов, О.Ланг, А.Петров, В.Пушницкий, М.Рогинский, Б.Свешников, В.Шинкарёв, БВ.Яковлев. Произведения собраны не по формально-стилистическим признакам, а по интуитивно-ассоциативному восприятию. При этом выставка затрагивает несколько смысловых уровней понятия «дача». Так, например, участвующие в проекте произведения Эрика Булатова, Олега Васильева, Николая Касаткина и Бориса Свешникова полностью посвящены пейзажу, однако дача как место создания этих работ для всех четырех авторов значит совершенно разное. Для Свешникова — это вынужденное изгнание, в котором живопись является процессом исцеления; для Касаткина — счастье возвращения к самому себе именно через изображение пейзажа; для Булатова и Васильева дачные этюды — это короткая передышка в долгом концептуальном диалоге с окружающими. В качестве ключевой темы здесь выступает созерцание и внутренний диалог. В работах Андрея Красулина дача — это важное физическое место, источник материала и сюжетов для будущих работ, с одной стороны, и образ, определивший вектор творческого пути, с другой. Следующим уровнем прочтения темы дачи становятся образы конкретных предметов и существ, которые легко пробуждают собственные воспоминания зрителя. Отдельное внимание сфокусировано на фактурах и материале — дерево ящика, в котором хранили вещи, собирали овощи по осени, а, может быть, пили водку сидя на шаткой конструкции из досок. Таким образом, простое определение «дача» включает в себя множество разных смыслов и состояний. Куратор: Марина Горбунова. Выставка работает в пространстве галереи в Большом Палашевском переулке, 9 до 24.08.24.

Николай Касаткин. На террасе. 2007. Холст, масло. 70 х 130

Эрик Булатов. Сосны. 1961. Холст, масло. 58 х 40,5

Фотографии предоставлены галереей

20.06.24
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

592

Новости

Арт-обзор 08.08-15.08.2415/8/24

09.08.24. Центр Творческих Индустрий «Фабрика» представил персональную выставку мультимедийного художника, выпускницы магистратуры HSE Art and Design School Алены Пасхиной «Погребенные земли». В экспозиции представлены объекты и инсталляции. Выставка посвящена темпоральной археологии человека и обществ. Ее центральная идея состоит в том, что все элементы, из которых состоит личность человека или устройство обществ, происходят из конкретного времени с присущим ему миром. Поэтому и человек, и общества сложены из следов и меток разных времен подобно археологическим толщам земли. Центральной метафорой темпоральной археологии являются погребенные земли – понятие, взятое из почвоведения. Это поверхности земли, внезапно перекрытые другими слоями почв в результате климатических или геологических изменений. За счет скорости перекрывания флора и фауна сохраняются в хорошем состоянии, из-за чего такие погребенные земли становятся архивами своего времени. Точно также люди и общества — осколки и продукты конкретных времен, когда они формируются. Эти изначальные времена проходят, а они остаются. Новые времена, проживаемые ими, осаждаются в них все новыми слоями, погребая под собой изначальный, формообразующий слой. Эти погребенные земли — камень преткновения на пути людей и обществ. Вольны ли мы выбирать, с каким временем отождествлять себя? Способны ли преодолеть гравитацию погребенной земли? Как быть обществам, идущим на поводу у своих погребенных земель? Выставка организована при поддержке ПиранезиLAB. Куратор: Александр Писарев. Выставка работает в зале «Артхаус» до 18.09.24.

Алена Пасхина. Выворотень. 2023. Ткань, гумбихромат

Фотографии предоставлены пресс-службой ЦТИ «Фабрика»

10.08.24. Состоялось открытие сайт-специфик проекта «Быть здесь»студентов и выпускников ИСИ Иосифа Бакштейна посвящённого изучению взаимовлияния городской и природной среды и включающего более 40 работ на трех площадках: в залах законсервированного бетонного строения, когда-то задуманного как выставочное пространство, в близлежащем лесу и в музее-заповеднике «Горки Ленинские». Авторы проекта — самоорганизация художников при поддержке Института современного искусства Иосифа Бакштейна. Кураторы: Вера Ершова, Полина Тюпина. Экспертный совет: Виктор Мизиано, Дмитрий Гутов, Станислав Шурипа. В день открытия состоялся перформанс-обряд «Дочери Марса» от Кати Горячевой и Саши Кривошапкина. Кураторами поставлен вопрос – Что происходит в приграничной, почти «сумеречной», зоне – на краю географии, когда кончается знакомое. В пространстве заброшенного здания на границе города и леса участники проекта пересматривают свое положение относительно когда-то знакомых координат. Здесь выстраиваются новые отношения с миром, который перестал измеряться расстояниями, а превратился в топологическое пространство, где все соседствует со всем. И от этого стало еще более уязвимым. Это недостроенное пространство – подходящее место для поиска ответа, можем ли мы позволить природе не быть ни ресурсом, ни декорацией, но услышать ее как равного субъекта, обладающего человеческими правами, в том числе — правом голоса. Оказываясь на краю отношений рукотворного и природного в иллюзорном, но в то же время очень конкретном пространстве, художники размышляют над тем, точкой встречи каких сил становится этот бетонный куб? Выступает ли он как пространство взаимопроникновения человеческого и нечеловеческого, местом поиска новых форм со-бытия или, наоборот, это эпицентр противостояния? Что для нас означает «быть здесь»? – приглашает нас задуматься арт-проект, поискать ответ, знакомясь с работами участников арт-лаборатории, арт-эксперимента. Куратор проекта «Быть здесь» Вера Ершова: «Нам было интересно воплотить мечту о художественной галерее в пригороде, на краю леса, где культурное и природное смогут взаимодействовать напрямую». Публичная программа, описание работ художников и аудиогид на сайте проекта. Некоторые работы останутся, как объекты паблик арт на территории природных площадок. При участии КБ Никола-Ленивец будет произведена реконструкция объекта Павла Пепперштейна «Спорные грибы», который станет частью проекта. Выставка полномасштабно работает до 16.09.24.

Анна Салимзянова «Теплообмен»

Дмитрий Гутов «Случайные встречи»

Полина Крутова «Сто лет одиночества»

Саша Сорокина «Соблазн»

Фотографии Ольги Серегиной

12.08.24. В рамках форума-фестиваля «Территория будущего. Москва 2030» в ЦСИ Винзавод открылась выставка «Конструкция творчества». Выставочный проект впервые и по-новому представляет профессию строителя в контексте истории от 30-х годов до современности. Организатором мероприятия выступает Комплекс градостроительной политики и строительства города Москвы. В экспозиции представлены редкие плакаты, живопись, графика советского периода, а также работы Константина Батынкова, Алексея Каллимы, Ивана Симонова, Натальи Стручковой, Михаила Рубанкова, Семена Агроскина. Работы для выставки предоставлены музеями и галереями, а также частными коллекционерами. Тема стройки как нарратив объединяет все элементы выставки: мост, искусство и таймлайн значимых объектов последних лет в Москве. В Цехе Белого построен огромный «Солнечный мост» архитектора Тимура Бакшаеваи художника Кирилла Коблова, по которому посетители проходят сразу несколько эпох и спустится в современность. Выставка раскрывает интерпретации образа строителя, показывая, как творчество художников неразрывно связано с мастерством создания. «В искусстве и строительстве много общего: материалы, инструменты и процесс созидания объединяют обе сферы. Мы показываем, насколько важна роль строителя, ведь именно его труд создает те пространства, которые затем оживают в руках художников. В экспозиции прослеживается, как развивается тема стройки и образ строителя в художественных произведениях советского периода и в современном искусстве», куратор выставки Юлия Журкина. Ранее заместитель мэра Москвы по вопросам градостроительной политики и строительства Владимир Ефимов рассказал, что на форуме-фестивале «Территория будущего. Москва 2030» жителям и гостям столицы предложат посмотреть, какие знаковые объекты появятся в городе и как он преобразится в течение ближайших лет. Таким образом, масштабный проект позволит смоделировать образ столицы и увидеть, какой она будет уже через несколько лет. Выставка работает в Цехе Белого на Винзаводе до 16.08.24.

Фотографии Ольги Серегиной

15.08.24. Галерея современного искусства Anna Nova представила персональный проект Дмитрия Маркова «Седьмое небо». Это первая выставка фотографа после его ухода из жизни в феврале 2024 года. На двух этажах галереи показаны 60 работ автора, созданных с 2014 по 2023 год.Дмитрий Марков — известный фотограф-документалист, волонтёр и автор фоторепортажей о «провинциальной России», снятых на iPhone. Он стал первым российским участником рекламной кампании Apple, выиграл грант Getty Images, получил гран-при в конкурсе «Серебряная камера» и издал две фотокниги, не успев закончить третью. Детство Маркова прошло в годы распада СССР в Пушкино Московской области. Возможно, поэтому его фотографии кажутся наполненными хтонью русской жизни. Однако за внешней угрюмостью и тоской Маркову удаётся разглядеть красоту, а главное — великую любовь, или хотя бы надежду на неё, поиск веры, противоречащей научному методу, веры в человека, в возможность его внутреннего развития вопреки любым обстоятельствам. Это именно то ценное в работах художника, что упускают формалисты. Марков сопереживает человеку и своими работами дополняет богатство мира, делая его поддающимся изменениям к лучшему. Выставка «Седьмое небо» демонстрирует этот вектор художественного развития Маркова, который прошёл путь поисков, наблюдений, радости и разочарований. Каждая остановка на этом пути — фотографический документ, отразивший нечто большее, чем просто сжатые в «удачные» композиции, момент времени и фрагмент пространства. Куратор выставки Владислав Ефимов: «Ценность художественного проекта Дмитрия Маркова определяется не только умением строить кадр, выбирать натуру и подавать её в категориях “решающего момента”. Проект Маркова фотографически концептуален и одновременно не укладывается в обычную для такой практики установку на полное подтверждение наблюдением заранее сделанных выводов. Классический концептуальный подход предполагает обращение к знанию и методу, близким научному. В случае выставки “Седьмое небо” мы видим, как органично смешиваются техничность, свойственная хорошей фотографии, и романтика надежды». Выставка работает до 20.10.24.

Фото. Юлия Лисняк

Новоржев. 2016

Остров Ольхон. 2016

Кузаранда. Карелия. 2018

Фотографии предоставлены галереей Anna Nova

15.08.24. Фонд Ruarts представил новый проект Ивана Найнти – «Атом», посвященный городу Протвино и его научному наследию. Это третья персональная выставка художника в Ruarts. По образованию инженер-программист и графический дизайнер, Иван Найнти начал свой творческий путь в 2007 году с рисования граффити и параллельного увлечения пленочной фотографией. Участник групповой выставки уличного искусства «Части стен» (ЦВЗ «Манеж», 2018), а также II и III Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» (2016, 2018). Персональные выставки художника «Смерть цветов» и «Багаж» прошли в галерее Ruarts в 2018 и 2021 году. Помимо муралов и живописи, художник создает коллажи, работает с деревом и другими материалами, а также с найденными предметами, делает ассамбляжи или объекты, занимается иллюстрацией и издает собственные журналы (зины). В представленном проекте Иван Найнти использовал архивные фотографии и разнообразные художественные техники для передачи духа эпохи и научных устремлений того времени. Протвино действительно занимает особое место в истории советской и российской науки, и создание такой выставки — это не только художественное, но и культурное достижение, способ сохранить память о людях и их мечтах, которые формировали этот уникальный город. Художник стремится собрать из крупиц воспоминаний нечто целое, восстановить распадающееся прошлое в единую картину времени и места, которая меняется и рушится на глазах. «Я родился и вырос в Подмосковье, в наукограде Протвино и считаю этот город уникальным местом, поскольку он был одним из важных центров советской науки. Здесь в 1967 году построили и запустили протонный ускоритель, который в настоящее время является крупнейшим в России. Но мечты прогресса, одухотворенность физиков, тяжелый труд и желание быть первооткрывателями, в итоге столкнулись с нехваткой средств и невозможностью завершения проекта адронного коллайдера, кольцо которого было замкнуто в 1994 году, но так и осталось недостроенным», – Иван Найнти. Выставка работает до 29.09.24.

Иван Найнти. Периферия III. 57х82 см. 2023. Карандаш

Иван Найнти. Омут III. 30х30 см. 2022. Коллаж на холсте, лак

Иван Найнти. Вираж I. 50х30 см. 2023. Карандаш на бумаге, бумага наклеена на холст

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Ruarts

15.08.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо – светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий – заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами – вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора – использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

«Ячейка общества»: о нежном и хрупком13/8/24

В своей новой картине «Ячейка общества» режиссер Алена Званцова с осторожностью, пониманием и сочувствием исследует феномен семейного благополучия, показывая, насколько зыбким может быть счастье и как тонка нить доверия, связывающая любящие сердца. Редактор раздела «Кино» Юрий Аверченков посетил премьерный показ и рад поделиться впечатлениями от просмотра.

Положенная в основу фильма «Ячейка общества» история проста и повседневна, но это только добавляет картине убедительности и шарма. Будничность и понятность повествования немедленно вовлекает в происходящее на экране – мы в уютной съемной квартире одного из домов «старой» Москвы, здесь живет молодая семья: папа Кирилл (Кузьма Котрелев), мама Александра (Анастасия Красовская) и дочь Варя (Герда Пугачева). Шесть лет декрета привязали Александру к ребенку и к дому. С одной стороны, большой мир манит свободой и разнообразием вариантов, с другой – совершенно непонятно, как заново в него встраиваться, ведь рабочих навыков нет, а с дипломом генетика не устроиться в первую же попавшуюся компанию. Пытаясь удержать равновесие, Александра отчаянно цепляется за дочь, но понятно, что вечно сидеть с ней не получится, ребенку давно пора социализироваться и отправляться в детский сад. Завидуя устроенности мужа-программиста, стеная и тревожась, Александра все же преодолевает сомнения и отправляется на собеседования, однако работу не получает. Найти занятие удается в детском саду Вари. В составе родительского комитета Александра берется за подготовку спектакля к ближайшему утреннику и неожиданно для себя увлекается не только пьесой, но и Глебом (Семен Шкаликов) – брутальным отцом одной из девочек, участвующих в постановке. Став очевидицей невинного флирта между мамой и дядей Глебом, в растерянности и ревности Варя по секрету сообщает о случившемся папе…

Режиссер Алена Званцова внимательно и подробно рассматривает каждую деталь назревающего конфликта, давая понять, как именно – от сомнения к недовольному взгляду, от мелкой лжи к упреку, от эмоции к действию – зарождается (точно собирается буковка к буковке слово в любимой семейной игре Scrabble) болезненная готовность к разводу. Завораживающие сверхкрупные планы, когда играют даже не актеры, а только их губы, глаза, брови, дарят такое глубокое сопереживание, что желание оценивать (еще хуже – судить) кого-либо из персонажей просто не возникает. Каждого совершенно четко можно понять, каждому посочувствовать. И в то же время, запутываясь в клубке очевидностей и субъективных правд, внезапно оказываешься вместе с героями на пороге, увы, ставшей привычной, ошибки, из-за которой больно всем – особенно маленькой Варе. Ссора, расставание, возможный развод… И вроде бы на экране не по годам умные, чуткие, современные люди, готовые разговаривать, работать над отношениями, беречь психику ребенка, идти на компромиссы… Но почему-то даже этого недостаточно. Сомнения подогревают эмоции, они закаляют клинки слов, и те, вспарывая плоть самолюбия, бьют точно в самые чувствительные точки, которые за время семейной жизни уже хорошо друг другу известны, а потому беззащитно обнажены. Уколы болезненны и безжалостны. Да, казалось бы, это просто слова. Но к чему в итоге они приведут?

Удастся ли заживить эти раны? Получится ли потом не замечать шрамы? Забудется ли с годами обида? Об этом режиссер приглашает совместно поразмышлять в своей картине, а заодно насладиться органичной актерской игрой, классными костюмами и очень уместным музыкальным сопровождением. И кто знает, может, просмотр фильма поможет кому-то удержаться от собственной ошибки?