Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.
16.09.24. ГРАУНД Солянка, продолжая исследовать тему звукоизвлечения, представила две новые выставки.
– Выставки «Найденный звук» собрала работы очень разных художников, композиторов и саунд-артистов, но всех их объединяет интерес к нетривиальному извлечению звука из самых непредсказуемых предметов. Визуальная и звуковая составляющие становятся неотделимы друг от друга в экспонатах выставки «Найденный звук». Произведения переносят зрителя в другую реальность, погружают в новые акустические ландшафты. Созданные авторами объекты стирают границы между музыкой, саунд-артом и шумом (noise), объединяя в одном пространстве найденные предметы (found objects) с найденными звуками (found sound). Найденный предмет и звук — особый вид повествования, плотная и сложная экосистема, насыщенная индивидуальными историями. Вслед за первопроходцами найденного звука галерея-мастерская ГРАУНД Солянка предлагает вниманию широкой публики новые изобретения в области шума и музыки. Куратор выставки: художник, куратор, архитектор выставочных пространств Катя Бочавар, сокуратор: куратор, продюсер выставочных и событийных проектов ГРАУНД с 2014 г. Марта Руказенкова. Выставка работает до 27.10.24.
Фотографии Ольги Серегиной
– Экспериментальная выставка студентов НИУ ВШЭ «Книга инструментов». В нее войдут работы проекта «Из сказок мира», созданного в рамках учебного процесса под кураторством композитора Владимира Горлинского и художника театра и кино Анастасии Нефёдовой. Студенты направлений «Саунд-арт и саунд-дизайн» и «Ивент-дизайн. Театр. Перформанс» Школы дизайна НИУ ВШЭ объединились в творческие команды и, взяв за основу сказки народов мира, создали необычные музыкальные инструменты, звуковые объекты. Через звук и визуальные образы авторы работ отразили идею выбранной сказки, ее подтекст и парадоксы. Разные сюжеты — известное чаепитие «Алисы в стране чудес» и создание рубашек из крапивы в «Диких лебедях», перерождение Кощея из сказки «О молодильных яблоках и живой воде» и разрезание живота Волка из «Красной шапочки», перевоплощение ученика в «Хитрой науке» — все они переплетаются в один путь, в одну «Книгу инструментов». Все инструменты были разработаны и представлены в рамках проекта «Из сказок мира» (реж. Антон Митнёв), реализованного по инициативе ивент-бюро «Лаборатория Впечатлений». Результатом проекта стал перформативный концерт, прошедший в Электротеатре Станиславский. Выставка работает до 27.10.24.
Фотографии Ольги Серегиной
16.09.24. В Мультимедиа Арт Музее состоялось открытие двух выставок:
– Персональной выставки Евгения Музалевского «Монохром. С мамой за спиной». Основу экспозиции составляют крупноформатные монохромные работы 2022–2023 годов. Серия задумывалась художником специально для институциональной выставки. Часть проекта в Мультимедиа Арт Музее посвящена результату творческого тандема художника с собственной матерью. Образ матери, обращение к ней, размышления о ней неизменно присутствуют в работах Музалевского. Все началось с определенного рода терапии, придуманной им для мамы, находившейся в тюрьме. Вышивки повторяют серию вертикальных холстов. На выставке также показаны фрагменты графических дневников художника и акварельные работы.
Евгений Музалевский
– Выставки Павла Пепперштейна «Алиса в Стране чудес и в Зазеркалье». Известный художник и писатель создал собственный художественный мир на основе великих произведений Льюиса Кэрролла — книг для детей и взрослых. Чтобы быть счастливым, взрослому необходимо востребовать в себе ребенка.
Павел Пепперштейн. Алиса в стране чудес
Фотографии Ольги Серегиной
17.09.24. В Центре современного искусства AZ/ART в историческом здании XVII века на Маросейке состоялось открытие выставка «Третье ухо». AZ/ART продолжает разговор о музыке, начатый этим летом первой выставкой Центра «Неочевидные пересечения». В этот раз куратор искусствовед Александр Дашевский создал проект о том, как музыка проникает в жизнь современного человека, и как нематериальный звук обретает материальные формы. В экспозиции собраны работы современных художников и советских нонконформистов из коллекции Музея AZ и частных собраний. Выставка «Третье ухо» исследует вопросы звука и звучания, а именно отражение музыкальных вкусов и иерархий в современном искусстве. Специально к выставке Виталий Пушницкий создал метафорический портрет Джона Кейджа. Работы Рудьева посвящены восьмидесятым и девяностым годам XX века, когда советские меломаны с жадностью слушали запрещенную западную музыку и тайно поклонялись ее ключевым героям — группам Kiss, Beatles, The Doors, Дэвиду Боуи и пионерам электронной музыки Kraftwerk. Андрей Рудьев, чье становление пришлось на конец 80-х и начало 90-х, постоянно возвращается в главный момент своей жизни, когда он решил стать художником и переосмысляет его в визуальных работах. Практика Владимира Кустова включает в себя такие медиумы, как перформанс, кинематограф, живопись, фотографию, литературу, инсталляцию и видео. На выставке показаны две инсталляции Владимира Кустова, рассказывающие об одном из его главных пристрастий — коллекционировании виниловых пластинок. Одна из инсталляций посвящена «проклятию девятой симфонии», связанным с Людвигом ван Бетховеном. Значительную часть экспозиции занимают видеоработы. Классики нонконформизма в лице Владимира Немухина и Михаила Шемякина дополнят выставку работами-оммажами Иоганну Себастьяну Баху и Игорю Стравинскому. Специально к выставке «Третье ухо» Катя Исаева записала две виниловые пластинки, которые можно будет послушать в пространстве AZ/ART — «Голоса исчезнувших птиц» и «Звуки Таиланда». Александр Дашевский, куратор выставки: «Третье ухо — это выставка-фантасмагория, устроенная как путешествие от источника звука к мозгу через внешний слуховой проход, барабанную перепонку и нерв улитки. Это путешествие погрузит нас в исследование социальной природы музыки. Как на наше сознание влияют звуки, которые мы слышим вокруг себя? Одновременно экспозиция — это дрифт сознания лирического героя выставки, пытающегося заснуть под звуки радиоприемника. Звучащая из него мелодия проносит усталую душу через ситуации и места, где в его жизнь проникала акустическая культура».
Выставка заполняет все пространство AZ/ART, начиная с холла и двух выставочных залов и заканчивая магазином, где экспонированы видеоработы Бориса Казакова. Создатели проекта: основатель Центра современного искусства AZ/ART Наталия Опалева, автор и куратор Александр Дашевский. Архитектурой экспозиции занималось архитектурное бюро [MISH], основанное Мишей Масловым. Публичная программа проекта откроется 25 сентября лекцией журналиста, писателя и музыкального продюсера Александра Кушнира «Лабиринты магнитофонной культуры» по мотивам книги «100 магнитоальбомов советского рока». На протяжении работы выставки пройдет серия мероприятий для подростков и детей. Также проект будет сопровождаться кураторскими экскурсиями Александра Дашевского.
Выставка 12+ работает до 04.11.24.
Андрей Рудьев, «Что-то пошло не так, но мы продолжаем улыбаться», 2022. Холст, масло, 160х140
Андрей Рудьев, Kraftwerk, 2012. Холст, масло, 170×230 (1)
Григорий Майофис, «Чайковский», 2011-2024. Бромойль, дублированный на холст. 6 частей, 173х304
Фотографии предоставлены пресс-службой ЦСИ AZ/ART
17.09.24. В выставочных залах РОСИЗО состоялось открытие экспериментальной выставки «Форма-арт. Свет», где в центре экспозиции не экспонаты, а форма их подачи. Проект посвящен архитектуре света, истории и возникновению этого направления. В залах представлены архивные видеоматериалы и экспонаты из 30 музеев и частных коллекций, иллюстрирующие ретроспективу использования сценического света с начала XX века до сегодняшнего дня. Световые шоу на мероприятиях, правильное выставление света давно превратились в творческую профессию, граничащую с искусством — ни одно крупное мероприятие сегодня невозможно представить без светового сопровождения. Пространство выставки «Форма-арт. Свет» разделено на два основных направления: свет на выставках и свет на церемониях и премиях. Проект рассказывает о том, что такое архитектура света и как создается экспозиционный свет. Особое внимание кураторы уделили истории работы со светом в выставочных пространствах и в городской среде. В специальных интерактивных зонах в некоторых залах выставки можно попробовать самостоятельно стать архитектором по свету. Выставка 6+ работает до 10.11.24.
Стоп-кадр из кинофильма «Слава Москве»
Фотографии предоставлены пресс-службой проекта РОСИЗО
17.09.24. В галерее ГУМ-RED-LINE состоялось открытие персональной выставки Сергея Шутова «Квалиа», рассказывающей о «золотом веке», когда московский андеграунд из подполья стал мейнстримом. В экспозиции собрано 35 живописных работ, созданных художником за последние пять лет. Большая часть их подготовлена специально к выставке. «Квалиа» — философский термин, который обозначает субъективный эмоциональный опыт, связанный с ощущениями. Ощущения могут быть одними и теми же, но восприятие всегда индивидуально окрашивает их. Сергей Шутов утверждает, что искусство связано с квалиа. На протяжении более чем 40 лет он разрабатывает свою образную систему. Сергей Шутов работает со светоотражающими материалами. Сергей Шутов – участник концертов «Поп-механики» (с 1986), первый академик «Новой Академии» Тимура Новикова (1987), художник фильма «Асса» (1987) и куратор Арт-рок-парада «Асса» (1988), экспонент первого российского аукциона «Сотби’c» (1988), президент Института технологий искусства (1993), первый российский виджей (1994), художник Российского павильона на 49 Венецианской биеннале (2001). Автор более 50 персональных выставок, начиная с 1986 года; среди них – проекты в Третьяковской галерее (2003) и ММСИ (2008-9). Куратор: Михаил Сидлин, критик, эксперт, историк искусства, преподаватель, фотограф. Специально для выставки часть пространства галереи ГУМ-RED-LINE оклеена серебристым полихлорвинилом, что служит отсылкой к мастерской Сергея Шутова в Фурманном переулке в конце восьмидесятых. Пространство мастерской было целиком затянуто зеркальной плёнкой. Экспозицию дополняет подборка работ виджея Шутова из легендарного клуба «Птюч». Выставка работает до 10.11.24.
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
18.09.24. В галерее ARTSTORY состоялось открытие выставочного проекта «Парк культуры и отдыха Лени и Сережи». Выставка объединяет двух, на первый взгляд, разных, но близких по восприятию искусства художников. Леонид Пурыгин и Сергей Горшков дружили и даже планировали совместную выставку, которую не успели реализовать. Спустя почти тридцать лет после смерти Леонида Пурыгина галерея ARTSTORY показывает более 100 скульптур Сергея Горшкова и около 20 работ Леонида Пурыгина. Многие произведения показаны впервые. Специально для выставки Сергей Горшков создал несколько новых работ, иллюстрирующих атрибуты «женского» и «мужского» миров. В большом зале галереи выстроен импровизированный парк культуры и отдыха с деревянными скульптурами, клумбами с диковинными цветами, картинами крупного формата и монументальными формами. Если Сергей Горшков берет за основу своих работ реальность и преобразовывает ее, то Леонид Пурыгин, наоборот, отходит от этой реальности и создает свой собственный мир. Часто работы художника требуют дополнительных комментариев, и Пурыгин охотно дает их в текстах, – они не столько объясняют смысл, скорее, создают более полную картину. Тексты художника-публициста, художника-философа – яркие и запоминающиеся. Со всей своей эмоциональностью и провокативностью, они являются своеобразным сюрреалистически-символическим манифестом творчества Пурыгина. Сергей Горшков известен и как книжный иллюстратор и карикатурист, и как самобытный скульптор. Материал, с которым чаще всего работает автор – дерево, самый тактильная и «живая» материя, из которой художник создает ярких жизнерадостных персонажей. Вдохновение для своих сюжетов Горшков берет одновременно и из повседневной простой жизни, и из народных сказок, фантасмагорий. Практически все, что существует в этой жизни, Сергей Горшков переносит в свою деревянную, предметную реальность, придавая этому жизнерадостные, примитивистские черты.
Сергей Горшков: «… В какой-то момент Леня заводил разговоры, что надо что-то сделать вместе, что мои скульптуры подходят к его картинам. Последний раз говорили по телефону, когда он приехал из Америки в Москву за несколько дней до смерти. Когда галерея ARTSTORY предложила выставить свои работы вместе с работами Леонида Пурыгина, мне это показалось не правдоподобно и сверхъестественно. Будто Пурыгин вспомнил о своем давнем намерении». Выставка работает до 03.11.24.
Л.Пурыгин. Художники. Масло, промасленная ткань
Сергей Горшков. Выпивон и закусон. 30 деревянных предметов
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
18.09.24. Q-ART Gallery к 50-летию проведения Бульдозерной выставки представила первую часть «История о Бульдозере» двухсерийного выставочного проекта «Беляево — Измайлово. Нонконформизм из коллекции Q-ART». В сентябре 2024 года исполнилось полвека с момента проведения выставки «Первый осенний просмотр картин», более известной как Бульдозерная выставка. Бульдозерная выставка вошла в историю не только отечественного, но и мирового искусства ХХ века. Для советских подпольных художников нескольких поколений она стала заметным прорывом, большим шагом в направлении к тому, о чем они мечтали — широкому признанию и слиянию с контекстом мирового современного искусства. Именно Бульдозерная и Измайловская выставки стали импульсом для активной выставочной деятельности неофициальных художников в СССР. Проект посвящен знаковым событиям художественного андеграунда 1974 года и объединяет работы представителей ранней волны нонконформизма 1960-х годов — участников Бульдозерной, а затем Измайловской и других выставок нонконформизма. Всего проект объединяет свыше сорока произведений, многие из которых представлены широкой публике впервые. По аналогии с историческими названиями — «Первый осенний просмотр картин» и «Второй осенний просмотр картин» — проект разбит на две части и иллюстрирует две важные для андеграунда 70-х годов локации. На пустыре в Беляеве 15 сентября 1974 года состоялась Бульдозерная выставка, а уже 29 сентября в лесопарке «Измайлово» прошла официальная выставка. «При создании экспозиции перед нами не стояло задачи показать полную ретроспективу такого исторического события, как Бульдозерная выставка, сделать своего рода программную выставку и представить всех ее художников-участников. Впервые эта тема будет раскрыта через личностный подход, через субъективный, но профессиональный взгляд коллекционера», — куратор проекта Ольга Марченко. Собирателем коллекции является адвокат и искусствовед Тимофей Гриднев, костяк его обширной коллекции составляют произведения отечественных художников-нонконформистов. Первая серия «История о Бульдозере» выстроена вокруг художников круга Лианозовской группы, в экспозиции представлены авторы из коллекции галереи: Лидия Мастеркова, Оскар Рабин, Владимир Немухин, Сергей Бордачев, Юрий Жарких, Римма Заневская. Остальные работы в экспозиции, погружая зрителя в разнородную среду неофициального искусства 70-х годов, создают своего рода альтернативную версию того, как могла бы выглядеть та же Бульдозерная выставка, если бы к ней присоединились и другие мастера советского подполья. В экспозиции также показаны некоторые работы их предшественников, чьи имена важны для истории советского нонконформизма.
Вторая часть проекта «Зеленый свет андеграунду» будет проходить в галерее 30 октября — 22 ноября и будет посвящена непосредственно Измайловской выставке, художники-участники которой будут в центре экспозиции. Здесь будет показано все многообразие андеграундной художественной жизни 70-х годов и более позднего времени. Выставка 12+ «История о Бульдозере» работает до 22.10.24.
Элий Белютин. Убегающая женщина
Эрнст Неизвестный. Red hot crazy dancer
Фотографии предоставлены пресс-службой галереи
19.09.24. Дом культуры «ГЭС-2» представил три новых проекта: инсталляцию российских художников Франциско Инфанте-Араны и Платона Инфанте, выставку о Камчатке «Парадокс береговой линии» и выставочный проект программы художественных резиденций «Я никогда этого не увижу. Я никогда этого не забуду», посвященный разнообразию телесного опыта.
– Инсталляция Франциско Инфанте-Араны и Платона Инфанте«Небесные артефакты» на Проспекте Дома – это восемь кинетических зеркальных объектов. Семь из них в разные годы были придуманы российским художником Франциско Инфанте и размещались в разных точках планеты: от Подмосковья («Легкие пространства», 2017) до катарских дюн («Арка», 1990). Теперь эти работы, реконструированные и многократно увеличенные, оказались на Проспекте — самой просторной локации внутри здания «ГЭС-2». Отражая космические закономерности, они взаимодействуют с архитектурными элементами Дома культуры, преображая знакомое пространство путем искривления, деления и умножения. Сын Франциско, Платон Инфанте, выступил автором одной из частей инсталляции — произведения «Два времени» — и звукового оформления экспозиции. Проект «Небесные артефакты» продолжает программу «ГЭС-2: Проспект», в ходе которой работы, созданные специально для Проспекта, дают зрителям возможность взглянуть на Дом культуры сквозь призму разных художественных методов. Автор проекта: куратор, режиссер, педагог Полина Лобачевская. Франциско Инфанте-Арана (р. 1943) — российский художник, фотограф, теоретик искусства. Классик ленд-арта и кинетического искусства СССР и России. В 1960-е годы исследовал способы запечатлеть движение в рисунке. В 1970-е начал создавать абстрактные инсталляции — «артефакты» в природных ландшафтах, используя зеркала, подвижные элементы и оптические иллюзии. Платон Инфанте (р. 1978) — современный российский художник и режиссер, создающий мультимедиаработы и инсталляции. В своем творчестве поднимает вопрос взаимодействия реального и виртуального пространства. Автор проекта: Полина Лобачевская. Программный куратор: Алиса Прудникова. Выставка 6+ работает в пространстве Проспект, 1-й этаж до 12.01.25.
Франциско Инфанте-Арана, Нонна Горюнова. Артефакт из цикла «Очаги искривленного пространства», 1979/2024 Предоставлено художником Увеличенная реплика, изготовленная специально для Дома культуры «ГЭС-2»
– Выставка «Парадокс береговой линии» посвящена Камчатке и состоит из пяти частей, которые, словно волны, сменяют друг друга и трансформируют ландшафт экспозиции, предлагая разные ракурсы для осмысления истории, природы и культуры региона. Выставка подводит итоги одноименной публичной дискуссионно-практической программы, прошедшей весной 2024 года в Петропавловске-Камчатском. Эта программа — часть масштабной инициативы «ГЭС‑2: Города», в рамках которой Дом культуры реализует проекты с художниками и городскими сообществами в разных регионах России, а по итогам работы в регионе в «ГЭС-2» проходит выставка. Парадокс береговой линии — это феномен из области географических наук. Точную длину побережья невозможно вычислить — она меняется в зависимости от шага измерения: чем меньше и детальнее масштаб замеров, тем больше итоговая длина. В контексте выставки этот парадокс находит свое отражение в обилии связей Камчатки с самыми разными частями мира, людьми и событиями, в результате чего символические границы региона, та самая метафорическая береговая линия, оказываются куда шире формально-географических. Таким образом, парадокс береговой линии иллюстрирует основную идею проекта: нельзя очертить и замкнуть в себе такое место, как Камчатка. Выставка объединяет работы художников, которые приняли участие в одноименной программе на Камчатке, и предметы из коллекций российских музеев, отражающие многогранный процесс исследования, освоения и публичного представления Камчатского края начиная с XVII века. Проект разделен на части: 19.09. — 13.10.24: первая часть «Жизнь не здесь»посвящена стратегиям и установкам человеческой жизни на Камчатке: нужно ли уезжать? Где происходит «настоящая жизнь»? Как она выглядит и когда должна начаться? 15.10. — 04.11.24: вторая часть «Изъять нельзя оставить» рассказывает о процессе и логике потребления ресурсов (природных, человеческих, символических), последствиях их изъятия и моделях устойчивого развития. 06. – 24.11.24: третья часть «Остров Камчатка» предлагает задуматься, как формируется локальная идентичность и какими бывают способы ее представления. 26.11. — 15.12.24: четвертая часть «Язык на грани» рассказывает о существовании языка на границе с природой, с другими языками и культурами, а также предлагает его осмыслить в качестве границы, пролегающей внутри нас самих. 17.12.24 — 12.01.25: пятая часть «Огненное кольцо» предлагает поразмышлять о том, как наука и культура существуют в экстремальных природно-климатических условиях, а те, в свою очередь, становятся предметом их исследования. Выставка 12+ работает в пространстве Галерея С7, 2-й этаж до 12.01.25.
Гавриил Гайдукевич. Досуг молодежи — строителей судоремонтной верфи — поход на океан, 1962. Цифровая печать. Из серии «Из истории Петропавловской судоремонтной верфи». Предоставлено Камчатским краевым объединенным музеем.
– Выставка «Я никогда этого не увижу. Яникогда этого не забуду» — первый выставочный проект, разработанный в ходе программы художественных резиденций «ГЭС-2». Представленные на выставке произведения созданы художницей из Екатеринбурга Юлией Абзалтдиновойв соавторстве с семью незрячими и слабовидящими участницами: Анастасией Аксеновой, Златой Араповой, Галиной Долей, Еленой Мироновой, Ларисой Овцыновой, Оксаной Осадчей и Арюной Соктуевой. Воспоминания и фантазии участниц стали основой текстовых запросов — промтов — для генерации изображений нейросетью Midjourney. На основе этих изображений была создана серия фотоскульптур. В названии проекта отражена разная степень визуального опыта: если человек незрячий с рождения — ему ближе высказывание «Я никогда этого не увижу», а если он утратил зрение — «Я никогда этого не забуду». Выступая посредником между незрячими и слабовидящими людьми, искусственным интеллектом и реальным миром, Юлия Абзалтдинова исследует фрагментированность чувственного восприятия в современных условиях и ищет возможности развития новых форм коллективного творчества. Проект сводит вместе несколько противоположных элементов: увиденное и воображаемое, виртуальное и реальное, коллективное и индивидуальное, цифровое и аналоговое. Юлия Абзалтдинова, автор проекта: «Проект построен на идее цикличности: невесомое и нематериальное, рожденное из сознательного и бессознательного незрячих и слабовидящих участниц, было преобразовано в виртуальные образы с помощью нейросети. Затем эти образы были материализованы и „заземлены“ в форме фотоскульптур. Они составили общую композицию, передающую ощущение невесомости и устремленности вверх, как бы растворяясь в воздухе. Металлические части фотоскульптур окрашены в белый, что символизирует чистоту, легкость, свет и открытость. Источником вдохновения при ввыборе цвета стала архитектура „ГЭС-2“». Программа художественных резиденций «ГЭС-2» создана для обмена профессиональным опытом и знаниями в области современного визуального искусства, танца, хореографии, театра и экспериментальной музыки. Резиденция дает творческим профессионалам возможность жить и работать в центре Москвы, позволяет им погрузиться в культурную среду большого города, познакомиться с местными сообществами и художественными институциями. Подробности о программе есть на сайте Дома культуры. Выставка +6 работает в пространстве Галерея С6, 2-й этаж до 10.11.25.
Юлия Абзалтдинова, Арюна Соктуева № 3. Арюна, 2023 Фотоскульптура Создано и произведено по заказу Дома культуры «ГЭС-2»
Фотографии предоставлены пресс-службой «ГЭС-2»
19.09.24. Государственная Третьяковская галерея представила выставку «Адепты красного. Малявин & Архипов». В экспозиции собрано около 100 произведений масляной живописи и графики из музеев и частных собраний. Кураторы: Надежда Мусянкова, Екатерина Евсеева. Выставочный проект приурочен к двум юбилейным датам: 155 лет со дня рождения Филиппа Малявина в 2024 году и 95 лет со дня смерти Абрама Архипова в 2025 году. Третьяковская галерея обладает внушительными коллекциями работ Малявина и Архипова, однако не проводила их персональных выставок. Оба художника — яркие представители русского искусства первой трети ХХ века, в котором смешались черты импрессионизма, реализма, экспрессионизма и приемы пленэризма. Выставка построена на выявлении сходств и различий творческих методов мастеров. Сопоставление работ двух художников также позволит проанализировать роль красного цвета в живописи, феминный компонент русской культуры, влияние фольклора на высокое искусство, различие московской и петербургской художественных школ, а также ряд других аспектов. Центральным в творчестве Малявина и Архипова стал образ русской крестьянки, который в начале ХХ века ассоциировался с образом России. Широта и удаль русской души, добродушный смех, фактурные женские персонажи, одетые в ярко-красные платки, кофты и сарафаны, — все это воспринималось как своеобразный символ грядущих перемен в общественной жизни страны и противопоставлялось утонченному искусству модерна. Творчество Малявина и Архипова сближает виртуозное использование красного цвета — одного из самых сложных в живописи. С древних времен красный цвет имел сакральное значение, ассоциировался с домашним очагом, пожаром, кровью, жертвенностью, божественной властью, использовался в геральдике. В начале ХХ века он прочно связывался с революционной символикой и предчувствием трагических событий. Оба художника, каждый по-своему, сумели найти секрет эмоционального воздействия на зрителя. В противоположность громкой и скандальной славе Малявина, известность Архипова не распространялась столь широко, но в среде художников и коллекционеров он обладал безупречным авторитетом крепкого профессионала, скромного труженика, вселяющего веру в высокое назначение человека. Выставка построена по принципу монографических персональных экспозиций: одна часть посвящена пейзажам, жанровым картинам и крестьянским образам Абрама Архипова, другая часть — портретам и крестьянскому циклу Филиппа Малявина. Выставка работает в Инженерном корпусе в Лаврушинском переулоке, 12, 2-й и 3-й этажи по 16.02.25.
Малявин Ф.А. Вихрь. 1906. Третьяковская галерея
Архипов А.Е. Гости. 1914. Третьяковская галерея
Архипов А.Е. Уборка сена. 1919. Третьяковская галерея
Фотографии предоставлены пресс-службой ГТГ
19.09.24. Совместный выставочный проект Политехнического музея и «Галереи на Елоховском» открылся в пространстве Elohovskiy Gallery.Выставочный проект «Формы времени» нацелен на то, чтобы показать, как культурная и научная эволюция человечества меняла представление о времени и методах его измерения. История развития часов — неотъемлемая часть истории культуры, тесно связанная с прогрессом в науке и технике. На совместной выставке «Формы времени» представлены редкие и уникальные часы, созданные выдающимися мастерами часового дела разных стран в период с конца XVIII до начала XXI века, а также произведения современных художников, для которых часовой механизм становится предметом исследования, побуждает осмыслить и зафиксировать время в своих работах. В экспозиции представлены часы, принадлежавшие брату императора Александра II, великому князю Константину Николаевичу Романову, с дарственной надписью и портретом императора, механические карманные часы «Павелъ Буре» с календарём, переносные часы для контроля ночных сторожей и другие экспонаты из часовой коллекции Политехнического музея, а также советские часы из частных коллекций. При содействии галереи «Триумф» в экспозиции находятся работы художников Владимира Мартиросова, Сергея Филатова и Александра Дашевского. Также в выставке участвуют Игорь Поносов, Роман Сакин, Валентина Бадальянц, Мария Каштанова и другие. Работы Анастасии Аспарагус, Бориса Макарова и часть работ Александры Кокачёвой созданы специально для выставки и показываются впервые. Выставка 12+ работает по 24.11.24.
Сергей Филатов. Звуковая скульптура СоноКонтур. 2018
Маша Каштанова. Работа из серии Летнее солнцестояние. Коллаж, смешанная техника
Фотографии предоставлены галереей
19.09.24. Фонд культуры «ЕКАТЕРИНА» представил осенние выставки: «Сотворение мифа» и «Связь миров».
– Проект «Сотворение мифа» объединяет более восьмидесяти художников и представляет исследование мифотворчества как акта создания новой реальности. Каждый из участников выставки создает свой миф и одновременно свой мир, прибегая к различным техникам, будь то живопись, графика, скульптура, медиа-арт или инсталляция. Выставка демонстрирует полифонический диалог мифологий авторов разных поколений. Мифотворчество живо во все времена и при любых обстоятельствах. Творение мифа это и творение своего мира, по своим правилам. Кураторы проекта: Дмитрий Гайков, Наталья Гудович. Выставка 18+ работает по 17.11.24.
Ольга Тобрелутс. Из проекта «Летнее платье»
Фотографии предоставлены пресс-службой проекта
– Выставка Вадима Тишина «Связь миров». На выставке показано многообразие творчества современного художника, в которое входят проекты: «Незабудка», «Небывальщина», «Квартира номер 50», «Зов», «Молитва поэта», «Серафим» и «Просветы». Каждый из представленных проектов по-разному отражает тему любви и отсылает к великим культурным деятелям XX века. Тишин работает с широкой вариативностью медиа: ткани, графика, декорации, керамика, ювелирные украшения, фотография, кино, музыка, платья предстают в качестве текстильных арт-объектов. Художник вдохновляется русским народным костюмом, использует его элементы и создаёт новые образы. Выставка работает по 17.11.24.
Фотографии предоставлены пресс-службой проекта
19.09.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель
