Арт-обзор 03.10-10.10.24

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

04.10.24. Фонд Ruarts совместно с нижегородской студией «Тихая» представил первый персональный проект Всеволода Абазова, сооснователя и постоянного участника нижегородской команды уличных художников «ТОЙ», существующей с 2012 года. Сообщество нижегородских художников и их единомышленников – студия «Тихая» образовалась в 2015 году в качестве рабочего пространства для молодых авторов. Со временем превратилась в полноценную институцию и точку притяжения для профессионалов в области современного искусства и увлеченных зрителей. В 2022 году получила институциональное оформление — юридическое лицо, административную команду и здание, в котором сочетается служебное и публичное функциональное наполнение. Программная деятельность студии включает мастерские и выставки, исследовательскую и архивную работу, арт-резиденцию и открытое хранение. В фокусе Всеволода Абазова часто оказывается современный городской фольклор: песни, поговорки, жаргонизмы, сленг. Представленная на выставке инсталляция с длинным, но передающим всю суть названием «Руки, ноги, голова и другие предметы для повседневного пользования» состоит из двенадцати скульптур, в которых бытовые вещи и ординарные материалы сплетаются в причудливые антропоморфные образы. «Этот проект — свободное размышление о том, что мне интересно в занятии искусством. Любое свое произведение я считаю незаконченным, если в нем отсутствует персонаж. Поначалу я изображал его целиком, однако со временем понял, что фрагментарного появления тела внутри композиции может быть достаточно. Даже палец или пятка дают работе необходимый — человеческий — масштаб. Скульптурная группа „Руки, ноги, голова…“ является юмористической фантазией, попыткой оживить неживые вещи», – Всеволод Абазов. Выставка работает до 03.11.24.

Фотографии предоставлены пресс-службой Фонда Ruarts

07.10.24. ГМИИ им. А.С. Пушкина представил выставку «Франс Снейдерс и фламандский натюрморт XVII века. Картины и рисунки из музеев и частных собраний России». Экспозиция включает работы не только знаменитых, но и малоизвестных мастеров, что позволяет наиболее полно отразить этапы развития творчества фламандских художников во главе с Франсом Снейдерсом, многозначность и скрытый символизм фламандской живописи XVII века. Натюрморт как самостоятельный жанр живописи сформировался только в XVIIвеке. Сам термин появился позже во Франции, а в Нидерландах использовалось понятие stilleven, дословно означающее «неподвижная жизнь». Авторы композиций сосредотачивались на тех «поджанрах», в которых они чувствовали себя наиболее уверенно. Современники той эпохи обладали особым ассоциативным мышлением. Все вещи и явления окружающего мира казались им наделенными глубоким внутренним смыслом. В каждом натюрморте подбор вещей может заключать в себе множество значений, как положительных, так и отрицательных, часто – взаимоисключающих. Франс Снейдерс – один из главных представителей жанра в то время. Более всего он известен своим мастерством в передаче избыточности материального мира: в изображении охотничьих трофеев, разнообразной дичи, кухонь, рынков и торговых лавок. Самой ранней из его работ в экспозиции является «Натюрморт с устрицами и куропатками» из собрания Международного Института Культурного Наследия, дающая представление об истоках искусства великого фламандца. Произведения современников и последователей Снейдерса дополняют экспозицию и отражают основные этапы развития фламандского натюрморта, многообразие его типов, а также все многоголосие индивидуальных авторских манер крупнейших мастеров. В экспозиции представлена единственная в мире подписная работа Николаса Каве. Важной частью экспозиции стали рисунки. Помимо столичных и региональных музеев, экспонаты предоставили два частных собрания. К выставке подготовлен научный каталог со статьями сотрудников ГМИИ им. А.С. Пушкина и Государственного Эрмитажа. В рамках инклюзивной программы пройдут экскурсии на жестовом языке; посетителям будут доступны тактильные реплики экспонатов. Запланировано также проведение международной конференции «Випперовские чтения», посвященной проблематике западноевропейского натюрморта. А в декабре в Белом зале Главного здания музея пройдет XLIII Международный музыкальный фестиваль «Декабрьские вечера Святослава Рихтера», тематически связанный с выставкой. Куратор: Вадим Садков, доктор искусствоведения, главный научный сотрудник отдела искусства старых мастеров ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка работает в Белом зале, колоннаде, залах 19–20 главного здания ГМИИ им. А.С. Пушкина до 26.01.25.

Фото: Антон Баклыков

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

07.10.24. Мультимедиа Арт Музей, Москва и Alina Pinsky Galleryпредставили выставку классика отечественного и мирового искусства, современного художника, скульптора Игоря Шелковского «Небесный город. Мастерская художника». Alina Pinsky Gallery и лично Алина Пинская на протяжении последних лет представляет и поддерживает выставочные проекты Игоря Шелковского. Ретроспективная выставка в МАММ охватывает почти 70 лет творчества Шелковского, начиная с 1960–1970-х годов до сегодняшнего дня. В экспозиции представлено более 600 скульптур, живописных и графических произведений художника. Еще во время учебы на театрально-декорационном отделении Московского художественного училища памяти 1905 года Шелковский увлекся беспредметным искусством, сблизившись с кругом художника Владимира Слепяна, куда входили ключевые фигуры послевоенного абстракционизма. В это же время Шелковский познакомился с самобытным живописцем Федором Семеновым-Амурским, который стал одним из его главных учителей. В 1962–1966 годах Шелковский работал художником-реставратором в Московском Кремле и Великом Новгороде, где восстанавливал росписи Софийского собора и фрески Феофана Грека в Церкви Спаса Преображения на Ильине улице. Опыт этой работы дал ему импульс к собственным художественным экспериментам. В своем творчестве он, в частности, будет опираться на иконописную технику — при́порох. Древнерусские мастера прокалывали иглой контуры изображения на бумаге, прикладывали лист к левкасной (грунтованной) поверхности, набивали в отверстия угольный порошок и получали точечный рисунок для последующей обводки. Изобразительную систему Игоря Шелковского можно описать как мета-аванград. Она сложилась под влиянием двух внутренне связанных традиций. В его работах отражаются мотивы древнерусского искусства и деревянного зодчества — сложной резьбы наличников, геометрических и растительных орнаментов — и поиски аналитических основ формотворчества, находившихся в центре внимания русского авангарда. Рельефы и скульптуры художника продолжают традиции авангардистов Казимира Малевича, Ивана Пуни, Владимира Татлина, Ивана Клюна. Первое знакомство Шелковского с русским авангардом состоялось еще в 1960-е годы в период работы реставратором, когда ему разрешили посетить запасники Третьяковской галереи. Произведения Марка Шагала, Василия Кандинского и других модернистов произвели на него ошеломляющее впечатление. Конец 1960-х – начало 1970-х годов — поворотный этап в биографии Шелковского. Во время поездки в Дом творчества для скульпторов в Переславле-Залесском он познакомился с Александром Косолаповым, Леонидом Соковым, Борисом Орловым и так же, как они, занялся скульптурой. В 1971 году как член Московского Союза художников Шелковский получил отдельную мастерскую на Сретенке и получил возможность работать с объемными формами. С этого времени именно скульптура стала его основным медиумом, сохраняя непосредственную связь с его живописью. Он переводит в объем вполне традиционные картинные сюжеты и жанры (пейзаж, портрет, натюрморт), но переосмысляет их в соответствии со своей художественно-философской оптикой. 1975–1976 годы — время плотного общения с Костаки, которое продолжалось до самой смерти коллекционера. Насмотренный, сформированный русским авангардом взгляд Костаки был очень важен для Шелковского. Этот период стал невероятно плодотворным для художника. В 1976 году Шелковский оказывается во Франции. Московскую мастерскую художника снесли, а в Париже ему предложили студию в городе Эланкур. Во второй половине 1970–х и в 1980-е годы Шелковский продолжал заниматься в основном скульптурой и много времени посвящал изданию журнала «А-Я», благодаря которому во время перестройки весь мир узнал о современном русском искусстве по ту сторону железного занавеса, а художники-нонконформисты осознали себя частью глобального сообщества. Наиболее точное определение своим скульптурам дал сам Шелковский, назвав их «рисунками в воздухе». «Меня интересует не массив камня, гипса, бронзы, а скорее абрис, схема, прозрачность. Я как бы рисую в воздухе, взгляд видит линии, контур, и лишь воображение создает общее, то есть сам предмет». Художник подчеркивает, что любая его работа, даже самая абстрактная, «имеет точкой отправления какую-то реальность». В интерпретации художника деревья, цветы, животные, человеческие фигуры становятся пластическими формулами, составными элементами созданного им универсума. Выставка в МАММ дает уникальную возможность оказаться внутри пространства, обычно закрытого от посторонних глаз и доступного лишь узкому кругу приглашенных. Мастерская Шелковского — его opus magnum (лат. «великая работа») — тотальное произведение искусства, не прерывающееся в своем развитии, где нет ничего случайного, всему предназначено свое место согласно внутренней драматургии пространства. По словам художника, каждая новая студия определяет начало нового этапа в его творчестве. Кураторы: Анна Зайцева, Мария Лаврова. Выставка работает до 15.12.24.

Фото: Анна Екомасова

Фотографии предоставлены пресс-службой МАММ

07.10.24. В Мультимедиа Арт Музее, Москва состоялось открытие выставки Николая Полисского и артели «Никола-Ленивецкие промыслы»«Электроарт». Российский художник Николай Полисский известен также как основатель крупнейшего в Европе арт-парка «Никола-Ленивец» и уже ставшего культовым фестиваля современного искусства и ландшафтных объектов «Архстояние». До 2000 года он работал преимущественно как живописец. В 2000 году во время поездки в Нижний Новгород Николая Полисского посетило видение: сотни снеговиков, стоявших на высоком берегу реки Угра, протекающей рядом с деревней Никола-Ленивец. Вернувшись в деревню в феврале, Николай Полисский вместе с друзьями Константином Батынковым и Сергеем Лобановым попытались слепить снеговиков на речном склоне, но так как стоял мороз, технически это сделать было сложно. Тогда он спонтанно попросил селян помочь с воплощением проекта. Оставив в деревне схему расположения снеговиков, художник вернулся в город. Через две недели ему позвонили из Никола-Ленивца, сообщив, что «снежный народ» готов. Шеренга из 250 снеговиков, напоминавшая о терракотовой армии китайского императора династии Цинь и одновременно навевавшая воспоминания о Стоянии на Угре 1480 года, была завораживающе прекрасна. Художник сфотографировал снеговиков, которые позднее растаяли под лучами весеннего солнца. Проект имел огромный успех у арт-сообщества, а МАММ в тот же год приобрел фотографии в коллекцию музея. Сам Полисский считает, что с проектом «Снеговики» он в 43 года заново родился как художник. Живописные ландшафты вокруг деревни Никола-Ленивец стали основным местом создания его арт-проектов. Для них он выбирает только природные материалы, используемые в сельском быту, и с 2000 года работает вместе с художественной артелью состоящей из жителей деревни Никола-Ленивец. Работы художника связаны как с русской мифологией, так и с историей искусства. Более двух лет Николай Полисский работал над проектом для МАММ. «Электроарт» — это пластическая метафора современного мегаполиса, опутанного электрическими проводами, которые протянуты под землей и над землей, пронизывают жилые и производственные пространства. Электричество проникло буквально во все сферы бытия. XXI век — эпоха невероятного ускорения темпов научно-технического прогресса. Без электричества на серверах не могли бы храниться огромные базы данных. Человеку все сложнее и сложнее осознавать происходящие перемены. На протяжении тысячелетий люди постигали красоту природы с помощью искусства. Сегодня художники пытаются осмыслить техногенный мир, достижениями которого мы пользуемся, но зачастую не понимаем механизмов их функционирования. «Этот мир для меня безумно сложный, даже переусложненный. Поэтому я пытаюсь как-то с ним подружиться, делая подобный проект», – Николай Полисский. Создавая «Электроарт», художник апеллировал к знаменитым архитектонам Малевича. Использование уже традиционных для Полисского материалов — дерева и лозы — придает универсальным архетипическим формам определенную теплоту и человечность. В «Электроарте» Полисский активно работает с цветом. Сам художник определяет эту фантасмагорическую инсталляцию как трехмерную живопись. Здесь он возвращается к собственному живописному опыту, а также к опыту повлиявших на него импрессионистов. Пульсация цвета в проекте Полисского — это и попытка визуализировать прохождение электрического тока по проводам, опутывающим мир, и своеобразная кардиограмма эмоциональных переживаний, возникавших у автора в процессе работы над проектом. По «городу» Николая Полисского, напоминающему лесную чащу, можно и нужно блуждать, в нем даже интересно заблудиться. Он возвращает нам детскую способность воображать и мечтать и детскую же жажду познания мира во всей его полноте. Куратор: Анна Зайцева. Выставка работает до 15.12.24.

Фото: Анна Екомасова

Фотографии предоставлены пресс-службой МАММ

08.10.24. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева при поддержке Министерства культуры Российской Федерации представил выставку «Архитектура говорит», приуроченную к 90-летию Музея. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева – это первый в мире специализированный музей архитектуры и единственный в России – хранящий и исследующий предметы, связанные с мировой и отечественной архитектурой. Музей продолжает традиции объединённых в 1963 году Научно-исследовательского музея архитектуры Академии строительства и архитектуры СССР (учреждён в 1934 году) и Музея русской архитектуры (учреждён в 1945 году) и носит имя своего основателя и первого директора, выдающегося архитектора Алексея Щусева. Собрание Музея архитектуры включает более 840 000 предметов. Это крупнейшая коллекция по истории архитектуры: авторская графика XVII-XXI веков, фрагменты утраченных памятников и строительные материалы, церковная деревянная скульптура XVII-XIX веков, авторские модели зданий, редкие книги, художественные ткани, живопись, мебель, резьба по дереву, скульптура, керамика и многое другое. Свою коллекцию Музей демонстрирует публике путём проведения выставок, посвящённых истории отечественной и зарубежной архитектуры, монументального искусства, урбанистке, дизайну, современной мировой архитектуре. Ведётся научно-исследовательская, реставрационная и просветительская работа. В 1995 году Указом Президента РФ музею и его собранию был присвоен статус особо ценного объекта культурного наследия. Музей сотрудничает со многими культурными учреждениями и организациями, архитектурными бюро, отраслевыми изданиями. Эксперты музея принимают участие в деловых и выставочных программах, крупных мероприятиях в сфере архитектуры. Ежегодно Музей организует более 20 выставок, в том числе выездные проекты в разных регионах Российской Федерации и за рубежом.

Варвара Алешина, куратор выставки: «Мы долго думали над тем, как назвать выставку, приуроченную к такой важной дате, как юбилей музея. В долгих обсуждениях родилось название «Архитектура говорит». На наш взгляд, в этой фразе получилось отразить всю суть работы музея. Архитектура – то искусство, которое окружает нас всех ежедневно, но не каждый может «услышать» её в городской суете. Музей же становится местом, где можно научиться понимать язык архитектуры».

Выставка «Архитектура говорит», представляя всю широту музейной коллекции, посвящена многогранному миру архитектуры. На протяжении 90 лет с момента своего основания Музей искал способы говорить о сложном искусстве архитектуры и делать этот рассказ понятным. За годы работы Музея сформировались разные подходы к представлению архитектуры, ориентированные в первую очередь на широкую аудиторию. Наталья Шашкова, директор Музея архитектуры им. А.В. Щусева: «Юбилейные даты всегда воспринимаются как некий рубеж: момент подведения итогов и планирования будущего. Главным вызовом для Музея архитектуры сегодня является отсутствие постоянной экспозиции, которая перестала существовать в 1990 году в связи со значительным сокращением территории. В формате выставочных проектов мы раскрываем отдельные архитектурные сюжеты, которые, дополняя друг друга, складываются в масштабное повествование. Выставка, посвященная 90-летию Музея – это давно ожидаемый публикой разговор об архитектуре, как особом виде искусства, во всем ее многообразии и сложности, прообраз постоянной экспозиции. Алексей Щусев, размышляя о задачах музея, писал: “Язык архитектуры всегда был одним из могучих средств выражения глубоких и заветных мыслей народа”. Знание архитектурного наследия и умение понимать его – одна из важнейших основ национальной идентичности, важнейший шаг на пути формирования уважения и любви к своей стране». Музей предлагает взглянуть на этот вид искусства с восьми разных ракурсов. Разделы выставки показывают архитектуру как идею, как материал, как стиль, как тип, как город, как интерьер, как объект рисования и фотосъёмки. Всего в экспозиции представлено более 400 предметов из фондов Музея. Над архитектурным решением выставки работало московское бюро SAGA, над графическим дизайном – студия Holystic. Дизайнерская идея в основу выставки заложила образ архитектурной мастерской: строгие функциональные поверхности, линии чертежей, макеты деталей зданий, технические обозначения. Простота материалов и лаконичность визуального решения призваны подчеркнуть разнообразие экспонатов и передать обстановку рабочего пространства архитектора. Музей архитектуры готовит выпуск издания «Архитектура говорит», в котором будут опубликованы предметы коллекции Музея, представленные на выставке. Подготовленная совместно с издательством «Бослен» книга раскроет все темы, заявленные на выставке. Презентация издания запланирована на конец 2024 года. Кураторы выставки: Варвара Алешина – искусствовед, заведующая отделом популяризации архитектуры Музея архитектуры им. А.В. Щусева и Полина Покладок – искусствовед, заведующая сектором экскурсионно-лекционной работы отдела популяризации архитектуры Музея архитектуры им. А.В. Щусева. Выставка работает в пространстве Анфилада до 26.01.25.

Выставка «Архитектура говорит. К 90-летию Музея архитектуры им. А.В. Щусева»

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

09.10.24. Московский музей современного искусства представил выставку «Неявное. Пустяки и нелепости Александра Ермолаева». В экспозиции собраны преимущественно поздние работы художника, архитектора, дизайнера, учителя Александра Ермолаеваи и его учеников. Лейтмотивом выставки стала Тишина, присутствующая в пустынных пейзажах, в скромных предметах, в живых поверхностях и в анонимности предъявления реди-мэйда. Организованная Александром Ермолаевым в 1980 г. творческая студия «Театр архитектурной формы» (ТАФ) – сегодня независимая дизайнерская Мастерская-ТАФ – разрабатывает и реализует идеи экологического проектно-художественного творчества. В 2006 году Мастерская-ТАФ стала лауреатом Национальной премии российского дизайна «Виктория» как лучший дизайн-коллектив года. Научно-творческая деятельность Ермолаева включает созданные им книги, альбомы, монографии, фиксирующие его профессиональное дизайнерское кредо. Творчество Александра Ермолаева многообразно. Художник исследует самые разные техники и способы художественного высказывания. Его объекты последнего времени часто почти не отличаются от заготовок, хранящихся в мастерской художника. Сам Ермолаев называет свою сегодняшнюю художественную активность «постпрофессиональным язычеством», подразумевая максимальную свободу от накопленного опыта, знаний, правил, художественного произвола. Остается только самое главное — диалог с материалом, редко с сюжетом, сотворчество, превращающее отдельные части в целое. Александр Ермолаев не только художник, но и учитель, воспитавший немало архитекторов-дизайнеров, чьи работы также представлены на выставке. В экспозиции собрано более 250 работ, расположенных в блоках-залах по визуально-смысловым признакам: белое, бесследное, затертое, проступающее; темное, материальное, архаичное; игра с материалом, веселое, легкомысленное; среды, стихии; существа, люди, портреты; предметы, анонимное, найденное, коллекции. Работы в залах соединяются в инсталляции. К выставке подготовлена книга-каталог. В нее кроме работ вошли избранные тексты художника и фрагменты мировой литературы, созвучные особому взгляду автора на окружающую действительность. Выставка организована при поддержке мецената Олега Жукова. Выставка работает в ММОМА, Петровка, 25 до 24.11.24.

Весна. Армения. 1970‑е слайд

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

Г09.10.24. Галерея Carré d’artistes Moscow представила новую серию керамических объектов / печных изразцов Mirage Люси Соловьевой (LU) в пространстве Embers Lab. В конце октября произведения художницы будут показаны на стенде галереи на ярмарке современного искусства Cosmoscow. В 2024 году галерея Carré d’artistes Moscow отмечает 10-летний юбилей, в связи с этим событием галерея запускает новый проект, ориентированный на поддержку художников, в том числе посредством музейной и выставочной деятельности, презентация которого пройдет в Москве в ноябре. Юлия Акимова, основатель галереи Carré d’artistes: «За годы работы нашей галереи мы привозили французских художников в Москву, находили талантливых авторов в регионах, знакомили с их творчеством самую широкую аудиторию, организуя музейные выставки и участвуя в крупнейших ярмарках современного искусства. Сегодня, когда художественный рынок динамично развивается — появляются культурные институции, вырастает новое поколение талантливых художников, создаются яркие коллаборации, — мы открываем новый для галереи проект. В ближайшие годы мы планируем на регулярной основе представлять авторов галереи в пространствах музеев, крупных фондов и на внешних площадках, организуя кураторские проекты». На выставке в Embers Lab представлены произведения живописи и графики LU, однако центральное место в экспозиции занимает серия керамических объектов, исполненных в формате печных изразцов. В конце октября ее новый керамический проект Mirage будет представлен на Cosmoscow. В 2025 году Carré d’artistes планирует провести персональную выставку в Московском музее современного искусства ММОМА.

IZ LU 22х16,5 см Изразцы печные

IZ LU 35,5×27 см композиция из 4 изразцы печные

Фотографии предоставлены пресс-службой проекта

10.10.24. В парке «Зарядье» в пространстве Паркинг Галереи открылась третья выставка молодых художников «ВЫПУСК’24’». Масштабная междисциплинарная экспозиция собрала дипломные работы авторов, окончивших в этом году столичные художественные и архитектурные вузы. В выставке принимают участие более 200 молодых художников из 22 учебныхзаведений Москвы. «ВЫПУСК» – один из флагманских проектов парка «Зарядье» – впервые прошел в 2022 году. В третий раз выставка представляет разные жанры и виды искусства: живопись и графика, скульптура, архитектурные рисунки и макеты соседствуют с произведениями из керамики, стекла и текстиля, иллюстрацией и анимационными фильмами, технологичными работами с использованием VR, фотографией и предметами дизайна, компьютерными играми, театральными макетами и инсталляциями. Ставшая ежегодной, выставка становится дебютом для многих молодых авторов, которые уже в ближайшие годы будут выставляться в галереях и на крупных музейных площадках, и формировать новую творческую среду. Она также представляет в одном месте 22 творческих вуза, готовящих художников разных специальностей. Экспозиция играет роль наглядного путеводителя для будущих абитуриентов, которые только выбирают направление творческого обучения. Выставка 6+ открыта для посетителей по 08.12.24.

Школа дизайна ВШЭ_Полина Штанько_Серия объектов Потерянный рай

Фотографии предоставлены пресс-службой проекта

10.10.24. Во Всероссийском музее декоративного искусства открылась выставка «Люся Воронова. Ирга Ламарка», организованная Фондом поддержки искусства Люси Вороновой. На выставке представлены живописные и графические произведения, многие из которых экспонируются впервые и созданы специально к этому проекту. В своих последних работах автор продолжает тему орнамента, сплетающегося из абстрактных и растительных элементов. Название выставки отсылает к природному миру, который столь дорог всем наивным художникам, с одной стороны, и с другой – близок тем, кто, так же, как и Люся Воронова, профессионально исследуют пластические, изобразительные и формальные элементы художественного языка, кто мог бы сокращать дистанции и создавать возможности более открытого, непосредственного, чувственного контакта с миром. «Я рисую постоянно. Рисую вибрации и дыхание, мелькание за окном электрички. Мои работы не мешают думать. Зритель погружается в свои мысли, слушает себя. Это транс, медитация. Музыка», – Люся Воронова. Ирга Ламарка — это кустарник или дерево, гибрид двух видов, названный в честь французского натуралиста. Его бутоны — с белыми звездами лепестков — весной раскрываются на ковре из розовой листвы, которые меняют свой цвет на протяжении сезонов. Масштабный проект завершает юбилейный год Люси Вороновой, на протяжении которого прошло несколько выставок в Москве и в других городах России, издан художественный альбом «Мозаичность», представленный во Всероссийском музее декоративного искусства. Куратор выставки: Михаил Сидлин. Выставка работает по 03.11.24.

Л.Воронова. Графическая серия. 2024

Л.Воронова. Звездное небо над головой в окне ночной электрички. 2024

Фотографии предоставлены пресс-службой проекта

10.10.24. Центр Творческих Индустрий «Фабрика» представил персональную выставку Саши Кузнецовой «Бесполезные земляные работы» — проект, ставший победителем в номинации «Выставка на Фабрике» программы «Фабричные мастерские. Сессия X». «Ощущения последних лет можно описать, как состояние неопределенности, зыбкости, утраты почвы под ногами и постоянного тревожного всматривания в расползающуюся, подвергшуюся энтропии современность». Художник и преподаватель Саша в настоящее время руководит направлениями «Современное искусство» и образовательной программой «Дизайн» в Школе дизайна НИУ ВШЭ. В своих инсталляциях и объектах Александра исследует различные формы функционирования городского пространства, работает с темами утопий и урбанистическойхонтологией, исследует влияние городских феноменов и пространств на человека, его образ мыслей и поведение. В инсталляции «Бесполезные земляные работы» представлен сконструированный автором несуществующий топос, вымышленный ландшафт, — своего рода «не-место». Именно так переводится «утопия» — от древнегреческого οὐ «не» и τόπος «место». Это «не-место» характеризует настоящее — растянувшееся на неопределенное время пребывание в нигде. Когда прошлое не отступает окончательно, а будущее, кажется, не наступит никогда. Конструируя идею выставки художница обращается к сборнику эссе Мартина Хайдеггера Holzwege — «Лесные тропы», изданном в 1950 году. В этом тексте Хайдеггер размышляет о кризисе европейской философии и культуры и использует метафору устойчивого немецкого выражения Auf dem Holzweg sein — «быть на ложном пути», которое указывает на ошибочный, тупиковый путь и необходимость с него сойти. Слово Holzwege в немецком языке обозначает деревянные дорожки-настилы, которые прокладывают в лесу дровосеки для добычи древесины и последующей транспортировки леса. Хайдеггер пишет о том, что ложная, заведомо тупиковая дорога в результате приводит к истоку и возвращению к земле, являющейся основой, из которой происходит мир. Автор предлагает зрителю, следуя по деревянным дорожкам-мосткам через инсталляцию, поразмыслить, где он находится и что перед ним — руины или начало нового? Являемся ли мы свидетелями последних времен, переживая тотальную опустошенность, или видим замирание, предшествующее любому началу. Выставка работает в зале «Оливье» до 01.12.24.

Фрагменты инсталляции Бесполезные земляные работы_Саша Кузнецова

Фотографии предоставлены пресс-службой ЦТИ «Фабрика»

10.10.24. SISTEMA GALLERY представила выставку «Энергия цвета» австрийского художника Руди Молачека. Экспозиция объединила 15 живописных произведений, созданных в 2010-е – 2020-е годы. Руди Молачек начинал карьеру фотографом. В 1980-е годы он жил в Нью-Йорке и работал с культовым изданием Энди Уорхола Interview Magazine. В этот же период художник сблизился с представителями зарождающегося течения Neue Wilde («Новые фовисты»). В 1990-е одним из первых экспериментировал с компьютерной графикой, создавая абстрактные цветные геометрические и биоморфные структуры, которые затем печатались на баннерной ткани. Важность экспериментов Руди Молачека в области «цифровой живописи» была отмечена известным австрийским куратором и теоретиком медиа искусства Петером Вайбелем.
Свой путь в живописи Руди Молачек начал в 1984 году. Сегодня художник создает яркие крупноформатные абстракции, где главное место отводится цвету – «Я хочу, чтобы картины выглядели так, как будто они освещены изнутри». Уроженец Вены, Руди Молачек, считает, что ее барочная архитектура повлияла на пульсирующую структуру его живописи, и иронично характеризует свое творчество нео-поп и поп-барокко. Несмотря на то, что его стиль формировался в кругу авангардных художников, вдохновение Молачек черпает в классическом искусстве между Возрождением и рококо: «Может быть, из-за опыта фотографирования, но модернизм меня не интересует, меня интересуют Тициан, Эль Греко, Тинторетто, Тьеполо, Ватто, Фрагонар». Куратор выставки: руководитель SISTEMA GALLERY Анастасия Волкова. Выставка работает до 30.11.24.

Без названия

Фотографии предоставлены пресс-службой галереи

10.10.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

195

Новости

Арт-обзор 29.08-05.09.245/9/24

03.09.24. В галерейном пространстве Atelier Choutko представлена выставка работ российского художника, автора математических абстракций, представителя второй волны русского авангарда Александра Панкина (1938 – 2020). Выставочный проект графики Александра Панкина«Метаабстракция» собрал в единую экспозицию математические абстракции 1998 – 2001 годов. Александр Панкин рассматривал творчество как художественно-аналитическое исследование связей классического авангарда и новейших научных достижений. Интерес галереи текстильного искусства Atelier Choutko к творчеству Панкина не случаен – ковер ручной работы можно рассматривать как исторический прообраз цифрового файла, где каждый узел – это пиксель с присвоенным уникальным цветом. «Творчество – это таинственный процесс, рождающий не менее таинственные, парадоксальные объекты, которые могут быть сведены к математическим формулам», – Александр Панкин. Аналитические картины не являются эстетическим произволом художника, а выступают как конструкция смыслов, как визуальный образ невидимого. Исследовательский опыт дал толчок к реализации метаабстрактных математических объектов в пространстве искусства. Числовые ряды, иррациональные и трансцендентные числа, научные представления и идеи стали импульсом для формирования новой художественной формы. Его творчество формирует так называемое «научное искусство», которое направлено в пограничные с наукой зоны и обращено к интеллектуальным формам духовности. «Говоря образно, я пытаюсь сконструировать самолет, но не для полета в физическом пространстве, а для полета в пространстве сознания», – Александр Панкин. Начальный период его творчества характерен созданием абстрактных композиций, посвященных теме пространства. В 70-80-е годы творчество художника было направлено на поиски новой фигуративности. Активная выставочная деятельность началась в 1988 г. с персональной выставки в Москве «Реальность, знак, искусство». Одной из основ его произведений стал геометрический и пропорциональный анализ супрематических композиций Казимира Малевича. Тема «Малевич и визуальное мышление» стала своеобразным диалогом художника с искусством русского авангарда 20-х годов. Работы входят в собрания Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного центра современного искусства (Москва), а также в другие государственные и частные коллекции в России и за рубежом. Выставка работает по 15.09.24.

Малевич – Геометрия имени 73 51 1999

Цветовое поле 77 56 2000

Фотографии предоставлены Atelier Choutko

04.09.24. Центр Вознесенского представил выставку «Мир искусства Бориса Усова», посвященную феномену творчества одного из лидеров московской андеграундной сцены 90-х годов, назвавшихся «Формейшн». Борис Усов (Белокуров, 1970–2019), поэт, художник, писатель, лидер нескольких музыкальных групп, в первую очередь известен как идеолог проекта «Соломенные Еноты». Визуальное искусство Усова до сих пор не было исследовано и представлено в полной мере. Выставка в Центре Вознесенского представляет его и как поэта, и как художника — автора графики, остроумных коллажей и самиздатовских журналов «ШумелаЪ Мышь», «Связь Времен» и «Мир Искусства». В экспозицию также входят личные вещи и фотографии Усова. Экспозиция впервые представляет архив поэта в полном объеме. Кураторы: Максим Парфенчиков, Макар Ушаков.Выставка продолжает череду инициатив Центра Вознесенского, посвященных пограничным явлениям книжной культуры — изобразительной поэзии, лирике, пришедшей с территории панк- и рок-музыки, перформансу, книге художника и открывает новую серию проектов Центра, которые будут посвящены поэтам-музыкантам. Выставка работает по 03.11.24.

Угостись

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра

05.09.24. Московский музей современного искусства совместно с Фондом Ruarts представили проект «Город сказка» — выставку двух современных российских фотографов Сергея Борисова и Михаила Розанова. Экспозиция демонстрирует два совершенно разных подхода в работе с архитектурой и жизнью Москвы и дает возможность проследить за развитием разных стилей в истории фотографии. В экспозицию вошло более 40 работ Михаила Розанова из 8 разных серий, которые создавались на протяжении 10 лет, и более 50 работ Сергея Борисова — от 1987 года до настоящего времени.

Глазами двух известных фотографов разных поколений показан город, в котором может случиться всё: это место мечтаний, потрясающих историй и безграничных возможностей, запечатленных в черно-белых изображениях. Михаил Розанов, известный своим монохромным минимализмом и академической строгостью, представляет работы, которые подчеркивают архитектурную красоту Москвы, в то время как Сергей Борисов, известный как «певец Москвы и ее богемы», привносит дух времени, отражая исторические периоды и события города через людей.

В центре внимания Сергея Борисова всегда человек, воплощающий дух столицы. Борисов не фиксирует реальный мир, а скорее напоминает о загадочности города, он создает живые, эмоционально насыщенные образы, в которых человек и его история становятся центром внимания. Работы Сергея Борисова полны романтики и гротеска, что позволяет зрителям увидеть Москву как место, где каждая улица может рассказать свою собственную сказку.

Михаил Розанов, с другой стороны, предлагает более строгий и минималистичный подход, через призму неоклассицизма акцентируя внимание на архитектуре Москвы. Лишенные человеческого присутствия фотографии подчеркивают величественные сооружения города, превращая их в молчаливых свидетелей происходящего. Это привносит ощущение спокойствия и глубины, позволяя зрителям воспринимать привычные формы как нечто возвышенное. Работы Розанова передают суть Москвы как города сказки, где сами здания рассказывают истории прошлого и настоящего.

Вместе Борисов и Розанов создают захватывающий и многогранный образ столицы, где лирика и архитектурная элегантность переплетаются, формируя богатую палитру эмоций и смыслов. Выставка «Город сказка» предлагает увидеть Москву не просто как физическое пространство, но и как волшебное царство, полное чудес и приключений.

Проект «Город сказка» является частью многолетнего сотрудничества ММОМА с Фондом Ruarts, основанном коллекционером и меценатом Марианной Сардаровой в 2003 году, на сегодняшний день являющимся одним из крупнейших частных фондов содействия развитию современного искусства в России. Выставка работает в ММОМА Гоголевский бульвар, 10/2 до 20.10.24.

Сергей Борисов. Северный ветер. 1995. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. Из серии Мечта. 2019. Предоставлено Фондом Ruarts

Сергей Борисов. Туманное утро. 2021. Предоставлено Фондом Ruarts

Михаил Розанов. ВДНХ. Из серии Ясность цели. 2015. Предоставлено Фондом Ruarts

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

05.09.24. Центр «Зотов» совместно с Театральным музеем имени А. А. Бахрушина представили выставку «От утопии к театру» к 150-летию Всеволода Мейерхольда. Проект продолжает серию персональных выставок, посвященных главным именам авангарда и их восприятию повседневности и пространства. Выставка «От утопии к театру»рассматривает «конструктивистский» период творчества одного из главных реформаторов театральной сцены XX века, режиссера Всеволода Мейерхольда. Выставочный проект знакомит с пятью его спектаклями, поставленными с 1922 по 1924 годы, — «Великодушный рогоносец», «Смерть Тарелкина», «Земля дыбом», «Д. Е.» и «Лес», который был в репертуаре Театра им. Мейерхольда вплоть до его закрытия в 1938 году. Эти постановки ярче всего отражают принципы нового подхода к игре актера, использованию декораций и взаимодействию со зрителем.

Мейерхольд никогда не переставал экспериментировать, находился в постоянном поиске актуального театрального языка. Режиссер видел свою творческую революционную задачу в том, чтобы «раздеть» театр и избавить его от украшательств прошлого, бутафории и декоративности, и сконцентрировать внимание зрителя на игре актера. Увлекшись главной идеей времени, Всеволод Мейерхольд разработал не только теоретическое, но и практическое основание конструктивизма в своем театре. Режиссер придумал комплекс техник, в том числе биомеханику, которые, с одной стороны, стали продолжением его исканий в театре, а с другой, — вышли за пределы сцены и стали частью жизни и быта нового человека. В этот период Мейерхольд начинает работать с новаторами русского авангарда — художницами Любовью Поповой и Варварой Степановой. Вместе с ними он придумывает трансформирующуюся мебель, прозодежду, «оголяет» сцену, впервые показывая зрителям кирпичный задник и кулисы, а затем и вовсе выходит за пределы театра, используя «внесценные» декорации, которые легко перемещались по городу, что позволяло играть спектакли в скверах и парках по всей Москве.

Экспозиция выставки представляет из себя два круга — внешний и внутренний. Внешний круг посвящен самим спектаклям, а внутренний — биомеханике, технике воспитания актера, которую Мейерхольд впервые вводит в практику в работе со своими студентами. Важной частью выставки является «архив» — место с документами, рассказывающими о том, как театр, в отсутствие доступного кинооборудования, сохранял и записывал спектакли, а также, как на ход представлений могло влиять мнение и впечатление зрителей, на выставке представлены реконструкции и эскизы костюмов; живопись; графика; фотографии сцен, спектаклей и конструкций; рисунки-чертежи; негативы рукотворных титров и афиши. Среди реконструкций, созданных центром специально к выставке, — реквизит к спектаклю «Великодушный рогоносец», макет декорации к спектаклю «Земля дыбом» и основной элемент декорации — «дороги» — к спектаклю «Лес».

Всего в экспозиции собрано 270 экспонатов. Помимо работ из Театрального музея имени А. А. Бахрушина в экспозиции представлены работы из Третьяковской галереи, Российского государственного архива литературы и искусства, Санкт-Петербургского музея театрального и музыкального искусства, Мультимедиа Арт Музея, Музея МХАТ, Музея «Гараж», Дома культуры «ГЭС-2», Музея кино, Краснодарского краевого художественного музея имени Коваленко, Собрания И. и Т. Манашеровых. Куратор выставки: Анна Ильдатова, театровед, куратор театральной программы фонда V–A–C и Дома культуры «ГЭС-2». Научный консультант выставки: Вадим Щербаков, кандидат искусствоведения, заведующий сектором изучения и публикации наследия В. Э. Мейерхольда Государственного института искусствоведения, главный редактор журнала «Вопросы театра. Proscaenium». В рамках параллельной программы к выставке будет работать лекторий от театроведа Анастасии Паукер, которая расскажет о театральном языке режиссера и его актуальности; а также пройдут лекция-концерт музыковеда, композитора, кандидата искусствоведения Федора Софронова; семейные театральные мастер-классы, в «Зотове» состоится третья читка в рамках проекта «Неснятые сценарии» в постановке Саввы Савельева, пластический интенсив и повтор семейного спектакля Александра Горчилина «Никак не называется, или Бим в поисках Бо». Выставка работает до 10.01.25.

Л. Попова. Монтаж плаката к спектаклю. Театр имени Вс. Мейерхольда. ‘Земля дыбом’. 1921 г

Всеволод Эмильевич Мейерхольд. Портрет. 1925

Фотографии предоставлены пресс-службой Центра «Зотов»

05.09.24. Всероссийский музей декоративного искусства представил выставку современного лакового искусства «Новые сказки». В экспозиции собраны произведения участников Творческой группы «4+1», созданные за последние 25 лет. Лучшие мастера своего поколения представляют четыре основных школы русской лаковой миниатюры – Мстёру, Палех, Холуй иФедоскино. Их творчество, разное по стилевым особенностям, художественным приемам и технике, объединяет поиск новых путей миниатюрной живописи в современном мире, разработка нестандартных форм предметов, новый взгляд на традиционные сюжеты и переосмысление наследия лаковых промыслов для их сохранения и дальнейшего развития. Одним из значимых экспонатов выставки является эпическое полотно, написанное за 600 дней мстёрским династийным художником Денисом Молодкиным по мотивам «Слова о полку Игореве». В отдельном зале представлены работы художников – учителей и предшественников, проложивших художественные ориентиры для членов Творческой группы. Архитектурная концепция выставочного пространства предполагает новый, продуманный подход к экспонированию. Произведения размещены максимально близко к стеклу витрин, что позволяет комфортно рассматривать тончайшую миниатюрную живопись на небольшом расстоянии. Куратор выставки: Олег Мареев. Выставка работает до 24.09.25.

Молодкин Денис Панно ‘Слово о полку Игореве’. Мстёра, 2024 (фрагмент)

Комаров Михаил Шкатулка ‘Неборека’. Холуй, 2018

Фотографии предоставлены пресс-службой Музея

05.09.24. East Meets West Gallery в содружестве с Государственным музеем-культурным центром «Интеграция» имени Н. А. Островскогопредставили персональную выставку Александра Олигерова с участием художника-керамиста Елены Гамбарян «Я в волшебном лесу собираю летний ветер…». Творчество Александра Олигерова тесно связано с природой, духовной гармонией, стремлением к сохранению баланса между деятельностью человека и окружающей средой. Многообразный мир природы, более или менее фигуративный, фантазийный или опосредованный, отражает в его произведениях близость автора к христианским и восточным традициям. Серия «Сад камней» несет на себе почти все основные черты творчества Александра Олигерова: соединение традиционной и абстрактной живописи на холсте с элементами графики, внесение автором нечитаемого текста как составляющей его произведения. Олигеров использует текст как графический элемент, без которого уже трудно представить произведения художника. «Кто знает, возможно, наша вселенная – это всего лишь сад заветных камней, расставленных Создателем в космической пустоте в идеальном порядке и гармонии, место для Его медитации. Нужно только немного сосредоточиться, прислушаться, и мы услышим Его далекий низкий голос «оммммм, омммммм», – Александр Олигеров. В серии «Летний ветер» ведущую роль играет энергия и движение воздуха. Самая новая серия работ Александра Олигерова «Волшебный лес» – это личное видение Александра – «возможно, его Волшебный лес – это и есть тот мир, который мы потеряли. Этот мир, насыщенный грезами, иногда лишь сверкает нам отдаленными, зовущими огнями в наших ночных снах…».

Выставку дополняют близкие по мотивам работы художника-керамиста Елены Гамбарян. Ее пластические работы в жанре анималистики и флоры выходят за рамки простого реалистического отображения, часто превращаясь в символы и знаки вечных человеческих ценностей.

Куратор выставки: Татьяна Палеева. Выставка работает в Музее Николая Островского по 05.10.24

Александр Олигеров. Четвертое измерение. 2023. Холст, масло. 110х260. ©Александр Олигеров

Елена Гамбарян. Смотри, млечный путь. 2. 2020. Шамот, глазурь©Елена Гамбарян

Фотографии предоставлены пресс-службой East Meets West Gallery

05.09.2024
Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Арт-тренд парад. Лето 202413/7/24

Каждый день, выходя из дома, большинство из нас продумывает свой образ, учитывая область его применения и социальную роль, в которой предстоит выступить. Не обязательно иметь обширный гардероб, чтобы нравиться себе и производить неизгладимое впечатление на окружающих. Даже самое простое платье всегда будет выглядеть по-новому, если его дополнить декором или аксессуарами. Выразительный декор – пожалуй, один из самых громко заявленных трендов летнего сезона. Грамотно подобранные аксессуары способны превратить повседневный комплект в вечерний. Вообще, оформление одежды – невероятно увлекательный процесс, ведь в наших силах в корне менять характер производимого впечатления. Но главное – соблюдать баланс: проявить аутентичность, фантазию и не переборщить. И в этом нам может помочь мировое искусство: давайте сравним известные шедевры живописи и модные тренды этого сезона.

БАНТЫ

Не единожды в летних коллекциях маэстро моды демонстрировали классику женственности – банты. Скромный, застенчивый или огромный, из летящего шелка или торчащей органзы, бант всегда будет фокусировать внимание на портретной зоне. Банты могут помочь добавить образу легкость и утонченность, а отголоски эпохи рококо – светлые тона, отказ от строгой тектоники и прямых линий – заставят прохожих оборачиваться.

У Nina Ricci контрастный бант дополняет вечернее платье из пайеток с эффектом градиент. Бант как важный элемент на кружевном топе, прикрывающий область груди, огромный и дерзкий бант в виде кроп-топа и бант-воротник на белоснежной блузке с удлиненными рукавами – вот главные элементы летних нарядов. В новой коллекции David Koma банты появились в виде декора на уровне груди и в качестве вертикальных подвижных элементов на трикотажных платьях. А у Dolce&Gabbana банты завершают драматичные образы: они одинаково уместны под смокинг, в тотально-черных парах из летящего шифона, на шелковых блузках с принтом.

Жак-Луи Давид «Мария-Франсуаза Бюрон», 1769

Антон Рафаэль Менгс «Герцогиня Мария Тереза Австрийская», 1771 Dolce&Gabbana

Nina Ricci

Dolce&Gabbana

ВОРОТНИКИ

Уже не один сезон в коллекциях дизайнеров звучит еще один перефраз историзма – воротники – рафы и жабо, манишки и манжеты. Несколько веков эти аксессуары были символами статуса, а позволить себе их могла только знать и коронованные особы. И это неудивительно: для создания подобных шедевров уходили сотни часов ручного труда и лучшие ткани высочайшего качества.

Отложные, кружевные, воротники-стойки: в этом сезоне свои варианты есть почти у каждого бренда, от концептуального люкса до масс-маркета. Richard Quinn предлагает использовать элементы высокого стиля с бархатными платьями в пол и сияющими полупрозрачными комбинезонами. А David Koma и Alexander McQueen применяют неожиданные фактуры: вместо невесомого шелка и кружева дизайнеры в своих коллекциях оформляют портретную зону мехом с длинным ворсом, фактурным трикотажем и перьями. Российский дизайнер Ita Tom Accessories предлагает любительницам тонкого вкуса аксессуары, способные трансформировать строгий наряд в более романтичный. Собранные вручную воротники из кружева и гофре, перьевые манишки и манжеты сочетаются с любыми вещами, будь то костюм, платье, блузка или топ. Перед тем, как надеть, насладитесь великолепием – перед вами произведение искусства.

Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Александра Петровича Дубовицкого», 1816-1821

Харменс ван Рейн Рембрандт «Портрет ученого», 1631

Alexander McQueen

Ita Tom Accessories

МАССИВНАЯ БИЖУТЕРИЯ

Крупные цепи и сережки, которые сейчас на самом пике моды, появились еще в Древнем Вавилоне. Огромные колье, подвески, чокеры, серьги, браслеты и кольца много веков сопровождают самых влиятельных и состоятельных дам. Летом 2024 массивная бижутерия становится полноценным игроком аутфита, способным превратить выход из банального в ультрамодный. Шлифованная или матовая фурнитура, натуральные минералы, акрил или стразы, супер длинные и мега объемные украшения призваны подчеркнуть женские черты – изящные шею и ключицы, тонкие запястья и пальцы.

Украшения внушительных размеров часто становятся арт-объектами, которые единолично солируют в целом образе. Этот прием является одним из главных ДНК бренда Chloe ́. Крупная бижутерия может украсить блузку с каскадами кружева, романтичное платье из облака воланов, кажуальный образ с кожаным тренчем, брюками-клеш и простой майкой или черный костюмный гарнитур для светского выхода. У Balmain «гроздья» мощной бижутерии прекрасно вписываются как в песочно-бежевые аутфиты – и делают образы более весомыми, так и в эффектную черно-белую гамму – и удлиняют силуэт. Philipp Plein отдает предпочтение крупным сверкающим стразам: многоярусные чокеры великолепно смотрятся на открытом теле под жакетом-кардиганом. Хотите почувствовать на себе смысл словосочетания «сиятельная особа» – сдобрите свой образ массивными украшениями.

Жан Огюст Доминик Энгр «Жозефина-Элеонора-Мари-де-Полин де Галар Брассак де Беарн, Принцесса де Бройли», 1853

Лукас I Кранах «Барбара, Герцогиня Саксонская», 1537

Сhloe

Philipp Plein

БОХО И ЭТНИКА

Великолепный способ заявить о себе с помощью декора – использовать вышивку, элементы бохо и этники. Уже в конце XIX века Чарльз Ворт и Поль Пуаре воспевали этнический стиль и привнесли элементы экзотики в свои коллекции. Необычные, манящие, соблазнительные восточные мотивы придают особый шарм любому образу. Этнические мотивы, национальная орнаменталистика, цыганский шик, оригинальное сочетание разный фактур и разноплановых элементов позволяют создавать загадочные, легкие аутфиты, без банальности и стереотипов.

Нашумевшие «Дягилевские сезоны» до сих пор вдохновляют дизайнеров на создание эффектных и волнующих коллекций. Например, коллекция Loewe соединяет природное с рукотворным, инстинктивное с возвышенным, простое со сложным, изысканно-вечернее с ремесленно-этническим. Giambattista Valli предлагает принты, богемные украшения и бисер. А российский бренд A.Ya brand обращается к женственности: невесомый шифон и другие летящие ткани, воланы, пастельные оттенки, ручная вышивка и оторочка перьями. Возможно, именно эта коллекция вдохновит нас пересмотреть любимую серию из «Великолепного века» или перечитать сказку «1001 ночь».

Василий Васильевич Верещагин «Богатый киргизский охотник с соколом», 1871

Исаак Исраэлс «Модель в кимоно», 1900-е

Loewe

A.Ya brand

ГАЛСТУКИ

Среди достаточно молодых трендовых веяний – галстучная тема. Мировой славе это заимствование из мужского гардероба обязано Марлен Дитрих – именно она любила «гарсон»-образы и часто появлялась на публике с бабочкой или галстуком. Удивительно, насколько гармонично встраивается галстук в дамские гардеробы. Вместо конфликта мужского с женским галстучная тема добавляет уверенность, изысканность и креативность всем, кто готов применять этот аксессуар.

В новой коллекции ready-to-wear Ralph Lauren искусно применяет галстучную тему и нарушает существующие правила подбора: галстук в тон рубашки, укороченный галстук, шерстяные и замшевые галстуки в тон жакету. А итальянский бренд с русской душой Solotu_it предлагает рукотворные авторские и всегда в единственном экземпляре галстуки: компактные и удлиненные, с фактурными петлями и лаконичные, однотонные и принтованные.

Макс Жакоб «Амедео Модильяни», 1916

Илья Ефимович Репин «Портрет П. А. Столыпина», 1910

Ralph Lauren

Solotu_it

13.07.2024
Автор || Елена Казакова

«Ячейка общества»: о нежном и хрупком13/8/24

В своей новой картине «Ячейка общества» режиссер Алена Званцова с осторожностью, пониманием и сочувствием исследует феномен семейного благополучия, показывая, насколько зыбким может быть счастье и как тонка нить доверия, связывающая любящие сердца. Редактор раздела «Кино» Юрий Аверченков посетил премьерный показ и рад поделиться впечатлениями от просмотра.

Положенная в основу фильма «Ячейка общества» история проста и повседневна, но это только добавляет картине убедительности и шарма. Будничность и понятность повествования немедленно вовлекает в происходящее на экране – мы в уютной съемной квартире одного из домов «старой» Москвы, здесь живет молодая семья: папа Кирилл (Кузьма Котрелев), мама Александра (Анастасия Красовская) и дочь Варя (Герда Пугачева). Шесть лет декрета привязали Александру к ребенку и к дому. С одной стороны, большой мир манит свободой и разнообразием вариантов, с другой – совершенно непонятно, как заново в него встраиваться, ведь рабочих навыков нет, а с дипломом генетика не устроиться в первую же попавшуюся компанию. Пытаясь удержать равновесие, Александра отчаянно цепляется за дочь, но понятно, что вечно сидеть с ней не получится, ребенку давно пора социализироваться и отправляться в детский сад. Завидуя устроенности мужа-программиста, стеная и тревожась, Александра все же преодолевает сомнения и отправляется на собеседования, однако работу не получает. Найти занятие удается в детском саду Вари. В составе родительского комитета Александра берется за подготовку спектакля к ближайшему утреннику и неожиданно для себя увлекается не только пьесой, но и Глебом (Семен Шкаликов) – брутальным отцом одной из девочек, участвующих в постановке. Став очевидицей невинного флирта между мамой и дядей Глебом, в растерянности и ревности Варя по секрету сообщает о случившемся папе…

Режиссер Алена Званцова внимательно и подробно рассматривает каждую деталь назревающего конфликта, давая понять, как именно – от сомнения к недовольному взгляду, от мелкой лжи к упреку, от эмоции к действию – зарождается (точно собирается буковка к буковке слово в любимой семейной игре Scrabble) болезненная готовность к разводу. Завораживающие сверхкрупные планы, когда играют даже не актеры, а только их губы, глаза, брови, дарят такое глубокое сопереживание, что желание оценивать (еще хуже – судить) кого-либо из персонажей просто не возникает. Каждого совершенно четко можно понять, каждому посочувствовать. И в то же время, запутываясь в клубке очевидностей и субъективных правд, внезапно оказываешься вместе с героями на пороге, увы, ставшей привычной, ошибки, из-за которой больно всем – особенно маленькой Варе. Ссора, расставание, возможный развод… И вроде бы на экране не по годам умные, чуткие, современные люди, готовые разговаривать, работать над отношениями, беречь психику ребенка, идти на компромиссы… Но почему-то даже этого недостаточно. Сомнения подогревают эмоции, они закаляют клинки слов, и те, вспарывая плоть самолюбия, бьют точно в самые чувствительные точки, которые за время семейной жизни уже хорошо друг другу известны, а потому беззащитно обнажены. Уколы болезненны и безжалостны. Да, казалось бы, это просто слова. Но к чему в итоге они приведут?

Удастся ли заживить эти раны? Получится ли потом не замечать шрамы? Забудется ли с годами обида? Об этом режиссер приглашает совместно поразмышлять в своей картине, а заодно насладиться органичной актерской игрой, классными костюмами и очень уместным музыкальным сопровождением. И кто знает, может, просмотр фильма поможет кому-то удержаться от собственной ошибки?