#Арт-обзор за неделю 27.06-04.07.19

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

24.06.19.  ММОМА ГОГОЛЕВСКИЙ БУЛЬВАР, 10 представил персональную выставку Ивана Горшкова «Фонтан всего». Горшков, яркий представитель т.н. «воронежской волны» в современном российском искусстве, переосмысливает традиционные художественные средства, живопись и скульптуру, в смелом, «хулиганском» ключе. Представленный проект объединяет произведения, созданные за последние несколько лет: живописную серию «Лебединое озеро» и скульптурную «Мои родные милые места», инсталляцию «Утопия драконов» и отдельные работы из проектов «Хрустальные сапоги», «Гиперпрыжок и муравьед» и «Крем-брюле». Большинство работ экспозиции создано специально для выставки в MMOMA. Непринужденное сочетание материалов, текстур и визуальных языков в произведениях Горшкова дает ощущение непредсказуемости и кажущейся случайности, волшебной сказки. Выставка работает до 25.08.2019.

Фото предоставлены ММОМА

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей и Музей искусств и ремесел, Загреб представили выставку «Классики хорватской фотографии». Выставочный проект, посвященный истории хорватского фотоискусства, включает в себя 80 работ главных художников этой страны. Среди них — произведения Тошо Дабаца и Джуро Янековича 1930-х годов, снимки Милана и Славки Павичей 1950-х, а также документальные кадры Младена Тудора, сделанные в 1970-80-е годы.

Дуня Некич

Куратор выставки Дуня Некич рассказала Cabinet de l’art о своих взглядах на фотоискусство и принципах подбора фотографий для представленного в MMAM проекта: «Эта выставка уже была показана ранее в Париже и в Санкт-Петербурге. Мой подход при отборе авторов заключался в том, чтобы показать развитие хорватского фотоискусства – для этого я отобрала и профессионалов, и любителей и журналистов, зарекомендовавших себя в области фотографии. Вторым важным для меня моментом было то, что автор, представленный на выставке, – это фотограф самого широкого профиля; я хотела, чтобы он отражал эпоху, показывал то, что происходило в ХХ столетии и через портретную, и через пейзажную, и через бытовую и репортажную съемку, а не специализировался на чем-то одном. Я оцениваю фотоработу скорее по умению автора «схватить» момент, ракурс, свет, передать ощущение контекста, а не по технике исполнения, при нынешнем развитии фотоаппаратуры и технологий – это не проблема. Мне кажется, что у фотографии, у фотоискусства прекрасное будущее. Это как в живописи – все могут что-то нарисовать, многие скопировать, но все мы ходим за уникальными эмоциями в музеи и галереи. Также и с фотографией. В Инстаграме их много, но произведением искусства фотографию делает личность автора. Я думаю, надо больше уделять внимание кураторству фотовыставок. Если художник жив, я всегда спрашиваю, что он хочет сказать своей фотографией. Нам надо стремиться слушать и понимать фотографа». Выставка работает до 28.07.19.

Тошо Дабац Дубровник Около 1950 Из собрания Музея искусств и ремесел, Загреб, Хорватия

Тошо Дабац На улице Загреб, Хорватия, около 1937 Из собрания Музея искусств и ремесел, Загреб, Хорватия

Джуро Янекович Члены «Сокола» ждут своей очереди за трибунами 1934 Из собрания Музея искусств и ремесел, Загреб, Хорватия

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей представил «От неореализма к Аквилее» – ретроспективную выставку классика итальянской фотографии Элио Чиола, охватывающую период с 1950-х по 1990-е годы. Элио Чиол родился в 1929 году в Казарса делла Делизия в регионе Фриули, на северо-востоке Италии, где живет и работает до сих пор. Фотографией он заинтересовался еще в детстве, во время войны, когда дислоцированные в Казарсе военнослужащие приносили его отцу-фотографу пленки на проявку и печать. В 15 лет Чиол бросил школу, с тех пор постоянно занимаясь самообразованием, и посвятил себя фотографии – делу, которому остается верен по сей день.  Элио Чиол – поэт, воспевающий красоту Италии. Графичные черно-белые пейзажи, которые он снимает с высокой точки, давно стали визитной карточкой фотографа. В 1997 году за серию фотографий о Фриули Чиол был удостоен премии World Press Photo. На выставке представлены знаменитые снимки Ассизи, Венеции, Рима, Амальфи и др. Чиол мастерски использует свет, обладая глубокими знаниями и мастерством в механике и технике фотографии. Его работы подобны сделанным вручную гравюрам или литографиям. На выставке в МАММ представлена новая серия работ фотографа, сделанная в легендарной Аквилее  – античном городе-крепости, построенном римлянами на рубеже новой эры, археологическая зона которого является сегодня памятником всемирного наследия ЮНЕСКО. В экспозицию вошли фотографии фресок и мозаик патриаршей базилики Аквилеи, черно-белые лаконичные снимки Римского форума, речного порта и колокольни базилики. Фотографии Элио Чиола находятся в собраниях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, музея Виктории и Альберта в Лондоне, Международного музея фотографии в Рочестере, Института искусств в Чикаго, Художественного музея Принстонского университета и др. За 70 лет профессиональной карьеры Элио Чиол открыл более 140 персональных выставок по всему миру. Выставка работает до 28.07.19.

Элио Чиол Фотография со съемок фильма «Последние». Отъезд эмигрантов на рудники в Бельгии Фриули, 1962

Элио Чиол Форум в Аквилее 8 августа 2006

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей представляет выставку классика российской фотографии, одного из самых ярких мастеров пикториализма Александра Гринберга. Пикториалисты опирались на живописные каноны, это касалось и выбора сюжетов, и восприятия каждого фотоотпечатка как уникального произведения искусства, появлявшегося в ходе сложной технологической обработки негатива, который был лишь основой для последующего преображения снимка; а также использовали объектив типа «монокль», что позволяло добиться мягкого «живописного» изображения. Выставка работает до 21.07.19.

День уходящий. 1923 Авторский серебряно- желатиновый отпечаток МДФ КП-1223/25

Портрет (Женщина со звездой). 1923

Сидящая девушка. 1928 Бромойль, авторский отпечаток МДФ КП-300/3

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

28.06.19. В галерее ГУМ-Red-line была представлена «Безответственная живопись» – новая серия работ Олега Кулика. Она вдохновлена модной стилистикой нейронных сетей. Нейронные сети – визуальный знак 2019 года. Изображения, полученные при помощи программной обработки исходных фотоматериалов, перенесены Олегом Кликом на холст не буквально. Эти трансформации, с одной стороны, стирают индивидуальность исходников, а, с другой, подчёркивают роль коллективного бессознательного. Получившиеся образы вождей и толпы выглядят как сюрреалистическая трансляция из ноосферы в выставочный зал около Кремля. В экспозиции представлено 17 монументальных полотен и три скульптуры. Куратор выставки: Михаил Сидлин. Выставка работает по 01.08.19.

В решетке. 2019 Холст, акрил. 150 х 140 см

Для Cabinet de l’art  Олег Кулик и Михаил Сидлин ответили на несколько вопросов.

Олег Кулик

ОЛЕГ КУЛИК

ОЛЬГА: Олег, анонсируется, что новая серия работ –  это некий синтез предыдущего опыта. Это действительно так? Как вы сами это расшифровываете?

ОЛЕГ: Я бы сказал, то что это выставка не для самого себя. Это выставка, которую ты бы разделил как последний взгляд. Твой последний взгляд.

ОЛЬГА: В смысле «последний» вы имеете в виду на теперешний период вашей жизни.

ОЛЕГ: Да да. И на теперешний период жизни, и в некотором смысла на всю жизнь в целом. И даже не только на мою. Также и на жизнь моих предков. Здесь есть какие-то истории, мои и не мои, общие истории на всю жизнь. Через 30 лет уже будет казаться, что ты сам пережил эти моменты. Что эти истории – твои личные истории – ты уже путаешься, то ли тебе кто-то это рассказал, то ли ты сам их пережил.

ОЛЬГА: В чем итог этой жизни, в чем он выражается?

ОЛЕГ: Это выражается в некой манере периферийности, когда нет центра, когда все места важны.

ОЛЬГА: Получается, что каждый период важен по-своему?

ОЛЕГ: Да, все периоды были важными, потому что все они были ответственными. В них совершались ответственные поступки ради будущего, у них были последствия. А этот поступок я бы назвал безответственным. Я не вижу у него никакого развития. Я не планирую никакого его развития. Мне бы хотелось окинуть взглядом действительность. Посмотреть, какие места были чудовищными, какие смешными. У меня такое ощущение, что если начать разбираться, то вообще все потеряешь. А тут у меня есть всё. Тут по-другому фокусируется взгляд, как будто слеза попала. Вдруг ты увидел все эти страшные существа. Любая пылинка, любая соринка, любой садист, любой священник становятся вырванными из жизни.

ОЛЬГА: Получается, это все уравнивается?

ОЛЕГ: Нет, не уравнивается. Все принимается.

ОЛЬГА: Это можно свести к позиции определённой толерантности?

ОЛЕГ: Нет, абсолютно нет. Индивидуализм уравнивает по-другому. Толерантность – это «я тебя не люблю, но терплю», а индивидуализм – это «тебя вообще нет». Если ты есть, то ты личность, часть моего космоса. А если тебя нет, то ты толпа. Толпа – она ни плохая, ни хорошая. Я к толпе не имею отношения.

ОЛЬГА: Ваша выставка – это новый этап или продолжение того поступательного движения, которое было до этого?

ОЛЕГ: И не новый, и не завершение, и не продолжение. Это некое сильное современное ощущение. Я здесь тоже ощущаю, но ощущаю в основном прошлое. Это очень важно.

Всадник. 2018 Холст, акрил. 201 х 200 см

Глаз. 2019 Холст, акрил. 153 х 140 см

ОЛЬГА: А это теперешнее состояние вас радует?

ОЛЕГ: Конечно же радует. Меня радует всё. Движение – это самое интересное. Движение есть жизнь. Жизнь ради жизни, вот так.

ОЛЬГА: Я бы сказала, что это самая замечательная цель. Вы считаете, что вам удалось выразить это в выставке?

ОЛЕГ: Я считаю, что вполне. Причём, самый глубокий взгляд даёт скульптура. А живопись скорее выступает как рама, как проводник. Все это – попытка поверхностного взгляда на все сразу. На то, что глубоко и непостижимо.

МИХАИЛ СИДЛИН

ОЛЬГА: Михаил, как критик и куратор ты определяешь нынешний этап творчества Олега так: «Это Кулик 5.0  – первый̆ Кулик был скульптор, второй̆ — перформер, третий̆ – фотограф, четвёртый̆ – оперный̆ постановщик и, наконец, пятый̆ – живописец». Так что же такое Кулик 5.0?

МИХАИЛ: Есть разные пути развития художника.  Некоторые развиваются гармонически по одной линии. Например, Ренуар. Он начал писать женщин, продолжал писать женщин, одних только женщин. И говорил: «единственное, что меня интересует в искусстве – это женская грудь». Это художник одной страсти. Олег Кулик – это тот тип художника, который называется диалектическим. У него каждый последующий период отрицает предыдущий, но, как мы помним, на следующем этапе после утверждения и отрицания идёт синтез. Вот это уже один из следующих синтетических этапов. Если мы вспомним, как развивался Олег Кулик как художник: он был скульптором, занимавшимся вопросом прозрачности. У него была тончайшая и нежнейшая скульптура, состоящая из оргалита и стекла, совершенно невесомая, а потом случается переворот, и он становится перформером, работающим с невероятно грубой материей, со своим телом. Он работает на грани акционизма, переворачивая и взрывая мир искусства. Не только московский, но и международный. Потом происходит следующе поворот. Мы видим эти повороты. «Предпоследний» Кулик, которого я помню был оперным постановщиком. Когда в Париже я пришёл в один из центральных театров, там была роскошная публика, Гендель, мультимедиа занавес, хор, дирижёр – это было совершенно невероятное барочное действие, но сделанное средствами мультимедиа. И потом вдруг было довольно долгое молчание, Олег работал в тиши в своей мастерской. И вдруг внезапный взрыв, выставка в «Рихтере», где была представлена барочная скульптура. В этом не было никакой медийности, но была метабарочная позиция художника, который переплавляет свою экспрессию и энергию в скульптуру. Проходит немного времени, и появляется живопись, которая объединяет медийный компонент, который был ещё в его оперных постановках и барочный пластический компонент.

ОЛЬГА: Для тебя, как для специалиста, для человека, который может взглянуть и оценить, были неожиданными эти его амплуа?

МИХАИЛ: Да, для меня все амплуа Кулика были неожиданными.

ОЛЬГА: Интересно куратору работать с таким абсолютно непредсказуемым человеком?

МИХАИЛ: Прежде всего, мне интересно писать о таком человеке, как критику. Это первая выставка, которую я делаю с Куликом и в которой выстукаю в роли куратора. До этого мне было интересно писать о его генделевских постановках. Для меня это было совершенно неожиданно. Это была потрясающая работа.

ОЛЬГА: Сам Олег определяет в этой выставке живопись, как попытку поверхностного взгляда на все сразу, более глубинной для него является скульптура. Как ты смотришь на это?

МИХАИЛ: Я смотрю на живопись, как на новое раскрытие.

ОЛЬГА: Считаешь ли ты здесь живопись более поверхностной, по сравнению со скульптурой?

МИХАИЛ: Автор и куратор могут по-разному смотреть. Для него, возможно, в скульптуре скрыты более важные ценности. Скульптура даёт тактильность, прикосновение, ощущение материала.

ОЛЬГА:  К тебе обратился сам Олег и предложил стать куратором?

МИХАИЛ: Да.

ОЛЬГА: И ты сразу все себе представил? Тебе не было сложно?

МИХАИЛ: Для меня все было ново. Я не представлял, как делать выставку.

ОЛЬГА: Тебе нравится, что получилось в итоге?

МИХАИЛ: Очень нравится. Есть некоторые экспозиционные ходы, которые я придумал. Мне это тоже очень нравится. Я доволен. Хотя, на самом деле, Олег Кулик и сам прекрасный куратор, потрясающий экспозиционер. В этом смысле мне кажется, что Олег Кулик не нуждается в кураторе и экспозиционере. Мне было очень интересно с ним работать. Я очень рад, что мне посчастливилось быть куратором куратора.

Фото предоставлены Галереей ГУМ-RED-LINE

28.06.19. Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» представили персональную выставку Веры Петровой «КУТ (Душа)», посвященную отношениям человека с прошлым, настоящим и будущим и представляющую собой часть долгосрочного проекта художника «Министерство Вечной Жизни». Проект проходит в рамках Программы поддержки молодого искусства ММОМА, куратор программы Дарья Камышникова. Экспозиция представляет собой тотальную инсталляцию и является одним из департаментов «Министерства Вечной Жизни» под названием «Кут», что в переводе с якутского означает «душа». В своих работах Вера Петрова сочетает языческие представления о мироустройстве и природных циклах с христианской традицией линейного восприятия времени и квантовой механикой. На пересечении этих систем художник и создает инсталляции, вместе со зрителями отправляясь в путешествие через метафизическое к земному. Куратор выставки: Дарина Рогацкина. Выставка работает в ММОМА Гоголевский,10 до 28.07.19.

Фото предоставлены ММОМА

29.06.19. На Флаконе состоялось открытие выставки Маркуса Мартиновича «Я тут. Я с тобой». Тотальная инсталляция в трех частях посвящена искусству взаимодействия человека с внешним миром. Работы Маркус Мартинович (2007 г. р.) известны благодаря множеству с успехом прошедших выставок. В здании Куб на Флаконе почти все его работы на сегодняшний день впервые представлены в экспозиции, которую куратор и архитектор Катя Бочавар разделила на три части, связанные общей концепцией проекта. Первый этаж – Лабиринт образов художника, картин-путешествий во внешний мир. Второй этаж – Инсталляция, похожая на дом, где царит чувство защищенности и спокойствия. Белоснежное помещение, окутанное черными надписями воплощает всю любовь мира. Третий этаж – Пространство общения с художником, друг с другом… Здесь, сидя на мягких коврах, можно смотреть видеоарт. Здесь время останавливается и можно осмыслить увиденное – это место для расслабления и созидания. Тотальная инсталляция «Я тут. Я с тобой», как и внутренний мир Маркуса Мартиновича, это территория свободы – свободы и независимости от страхов и боли, от сомнений и лени, от стереотипов и бездарности, от всего, что мешает человеку обрести самого себя. Маркус Мартинович (12 лет) – русско-немецкий художник с аутизмом. Первая выставка состоялась в возрасте семи лет. На сегодняшний момент участвовал в девяти групповых и семи персональных выставках в России, Германии и Великобритании.  В 2018 году Маркус Мартинович стал самым молодым участником 6-й Московской международной биеннале молодого искусства. Весной 2019 года его работа «Мама в платье в горошек» была продана на аукционе Sotheby’s в Катаре. Маркус Мартинович работает с различными медиа: живопись, саунд-арт, фотография, инсталляции.  Выставка работает по 07.07.19. 

Фото предоставлены Наталией Исаевой. Фото открытия выставки: Владимир Яроцкий

30.06.19. В музее «Новый Иерусалим» открылся летний фестиваль классической музыки «Лето. Музыка. Музей». Организаторами мероприятия выступили музей «Новый Иерусалим», Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова (художественный руководитель Владимир Юровский) и Московская областная филармония. Впервые в российском фестивальном пространстве формата Open air представлены артисты такого калибра –  оркестр Светланова, хедлайнеры –Василий Петренко, Владимир Юровский, Кирилл Герштейн, Алина Ибрагимова, Андрей Борейко, Илья Грингольц. Специфика фестиваля – сплав симфонической музыки и музейных экспозиций. Фестиваль начался 30 июня и будет идти 3 субботы подряд (6,13 июля). на территории музея «Новый Иерусалим». Главными идеологами фестиваля «Лето. Музыка. Музей» являются почётный президент фестиваля народный артист России, художественный руководитель Московской областной филармонии Максим Дунаевский и художественный руководитель фестиваля, главный приглашённый дирижёр Государственного академического симфонического оркестра России имени Е. Ф. Светланова, главный дирижёр Филармонического оркестра Осло и Ливерпульского королевского филармонического оркестра Василий Петренко.  Особая страница фестиваля « Лето. Музыка. Музей»  – детский музыкальный спектакль Московской областной филармонии «Баллада о маленьком буксире», который будет показан в последний день, 13 июля. Основой для сценического действия стало первое стихотворение Иосифа Бродского, опубликованное в России и адресованное детям. Место проведения: Музейно-выставочный комплекс Московской области «Новый Иерусалим».

Фото предоставлены пресс-службой фестиваля «Лето.Музыка.Музей.»

01.07.19. В Музее русской иконы состоялась презентация факсимильного издания Мирославова Евангелия, написанного в Сербии в XII веке на кириллице. Мирославово Евангелие является древнейшим кириллическим памятником сербской письменности и хранится в Национальном музее Белграда. В 2005 году ЮНЕСКО включила Мирославово Евангелие в список «Память мира», насчитывающий всего 120 наиболее важных документов в мировой истории. В рамках российско-сербского благотворительного культурно-православного проекта «Белый Ангел», при поддержке Посольства республики Сербия в России и Посольства Российской Федерации в Сербии, International Manuscript Fund Miroslav Evangelium впервые в России организует в Музее русской иконы презентацию и выставку факсимиле Мирославова Евангелия, изданного на средства сербского мецената Велько Топаловича. Книга будет представлена вниманию широкой публике всего в течение нескольких дней. Экспозиция состоит из трех факсимильных переизданий Мирославова Евангелия, отпечатанных в XIX, XX и XXI веках с использованием самых передовых технологий. Последнее факсимиле выполнено с использованием печати рисунков золотом на специально разработанной бумаге с защитой от старения и ультрафиолетового излучения. Издание отпечатано в Австрии. Обложка факсимиле Мирославова Евангелия выполнена из натурального дерева и обтянута тисненой кожей с греческой монограммой св. Павла и кожаными застежками. Переплет первой книги был выполнен вручную древним византийским способом, которым владеют лишь несколько человек во всем мире. На выставке можно будет ознакомиться сразу с тремя существующими различными факсимиле объекта.  Также привезена сделанная по ткани ручная вышивка текста и инициалов Мирославова Евангелия, выполненная с невероятной точностью экспертом ЮНЕСКО по реставрации национальных костюмов Биляной Эцимович. Выставку открыл Посол Республики Сербия в России, доктор исторических наук, член Белградской Академии наук, господин Славенко Терзич и заместитель министра культуры Российской Федерации Николай Овсиенко.

Фото предоставлены Музеем русской иконы

02.07.19.  В Москве открылась летняя экспериментальная лаборатория Magnum Live Lab/19, организованная Комитетом по туризму города Москвы. Результатом ее работы станет выставка фотографов агентства Magnum. (Magnum Photos — международное фотоагентство, основанное в 1947 году по инициативе Анри Картье-Брессона, Роберта Капы, Джорджа Роджера и Дэвида Сеймура; Оно занимается созданием репортажных снимков о людях, городах, всемирных событиях.)  Выставка откроется 16.07.19 в Государственном музее архитектуры имени А.В. Щусева во флигеле «Руина». и будет доступна для свободного посещения по 01.09.19.

Фото предоставлены пресс-службой проекта

Magnum Live Lab – это международный проект, в рамках которого фоторепортеры легендарного агентства Magnum в течение двух недель знакомятся с городом и осуществляют съемки, затем в открытом для публики режиме обсуждают фотографии и готовят экспонаты для итоговой выставки. В разные годы лаборатории Magnum работали в Лондоне, Париже, Шеньчжене, Киото. Уже во второй раз фотографы агентства приедут в Москву. Первая часть проекта состоялась зимой этого года: в Москве работали три фотографа – Томас Дворжак (Германия), Алекс Майоли (США) и Нюша Таваколян (Иран). Итогом их съемок и последующих обсуждений стала выставка 69-ти фотографий на тему современной городской жизни, показанная в павильоне «Купол» парка «Зарядье». Куратор проекта ЗВЕЗДЫ АГЕНТСТВА MAGNUM В МОСКВЕ Нина Гомиашвили фотограф и галерист, Bachelor of Arts in Photography. Во второй сессии экспериментальной лаборатории Magnum Live Lab/19 будут участвовать три фотографа – Георгий Пинхасов (Россия, проживает во Франции), Марк Пауэр (Великобритания) и Алекс Уэбб (США). Зимой в Москве работали Томас Дворжак (Германия), Алекс Майоли (США) и Нюша Таваколян (Иран). Выставка по результатам лаборатории и будет доступна для свободного посещения по 01.09.19.

Фото предоставлены пресс-службой проекта

02.07.19. В Музее декоративно-прикладного искусства состоялась церемония открытия выставки «60 лет Made in Italy». В открытии приняли участие Елена Титова, директор ВМДПНИ,  Министр советник Итальянского Посольства в РФ Гуидо Де Санктис, директор Итальянского Института культуры в Москве Ольга Страда, кураторы выставки Фьорелла Гальгано и Алессия Тота. Выставка проходит под патронажем Посольства Италии в России и при поддержке ресторана «Sartoria Lamberti». Выставка организована Итальянским Институтом культуры в Москве при сотрудничестве с Galgano & Tota Associati с целью продвижения итальянской культуры и стиля жизни «по-итальянски». На московской экспозиции показаны свыше 50 творений высокой моды, аксессуаров и бижутерии. Выставка – знак признания таланта кутюрье, главных героев итальянского моды и дизайна, и одновременно попытка рассказать о том, как «Made in Italy» завоевало прочный успех во всем мире, воплотив в жизнь и сделав мгновенно узнаваемым так называемый «итальянский стиль».

Фото: Сергей Карпенко

Представленные экспонаты уникальны во многих отношениях – за ними стоят годы поисков и экспериментов, а также выдающееся портновское и ремесленное мастерство. Авторы – знаменитые кутюрье и модельеры, представители Haute Couture. Все выставленные предметы происходят из архивов модных домов и из частных коллекций. Среди экспонатов, имеющих историческое значение, – вечернее платье из тафты ледяного белого и синего цвета, которое было создано в 1950 году Шубертом для знаменитой итальянской актрисы Джины Лоллобриджиды и которое вошло в Энциклопедию истории итальянской моды, а также драгоценное пальто из парчи, украшенное золотом, и платье из золоченого ламе, также созданные Шубертом в 1958 году. Некоторые из представленных легендарных нарядов относятся к эпохе «Сладкой жизни»: в то время итальянская мода была тесно связана со звездами американского кино.Также выставлены вечерние платья, которые были созданы для красной дорожки – премьерных показов важных фильмов или церемонии премии Оскар. Среди экспонатов – наряды, которые на показах представляли знаменитые топ-модели и которые носили знаменитости. Пример встречи моды и искусства – платье «Кармен» от Renato Balestra, посвященное божественной Марии Каллас (1996), или наряд от Lancetti, отсылающий к произведениям Пабло Пикассо (1986/87). Архитектурный потенциал плиссе блестяще обыгрывается в чудесном черном шелковом платье от модельера-архитектора Gianfranco Ferrè (2005), которое стало символом выставки. Другой пример использования плиссе – платье «Самурай» из золоченого ламе от Krizia (1987). Мода черпает вдохновение в окружающем мире, пример тому – влияние стиля «милитари», заметное в комплекте с рисунком «paisley» от Etro (2000) и в формах жакета из белой норки от Ermanno Scervino (2008). Эксперименты и поиски модельеров, их ирония и дерзость, нежность и мягкость – всё это отражают их произведения – примеры уникального, неподражаемого ремесленного мастерства. Часть выставки посвящена аксессуарам, которые носили знаменитости. Среди экспонатов выставки – первая круглая вечерняя сумочка из золота и перламутра, которую создала для Жаклин Кеннеди (1975) княгиня Helietta Caracciolo; ожерелье Нэнси Рейган, «ореховый» гарнитур из золота и бриллиантов, посвященный Хиллари Клинтон. Выставка работает до 15.09.19.

Фото предоставлены Итальянским Институтом культуры в Москве

02.07.19. Центр фотографии имени братьев Люмьер представил персональную выставку Геннадия Бодрова  в рамках исследовательского проекта «Антология русской фотографии ХХ века. Фото 80-90». «Простой мотив» – такую подпись на обороте многих работ Бодрова можно обнаружить, исследуя архив этого знаменитого курского фотографа. В 2019 году исполняется 20 лет трагической смерти автора. И выставка, в первую очередь, ставит перед собой задачу восполнить пробел на карте истории российской фотографии, привлечь внимание к наследию Геннадия Бодрова. В творчестве Геннадия Бодрова угадывается влияние многих актуальных в 1980-е – 1990-е годы школ и направлений в независимой российской фотографии.  Это и формальные эксперименты с соляризацией и коллажем, съемки на широкоугольный объектив, обращение к панорамному формату, внимание к чистому «фотографическому событию» – игре света и формы в визуальной ткани города. Но самые сильные произведения Бодрова продолжают традицию гуманистической европейской фотографии, отвечающий концепции «брессоновского» решающего момента. Обращение к городской повседневности и «простым мотивам» позволяли создавать Бодрову универсальные, поэтически тонкие и философские образы. В экспозиции представлены как одиночные работы Бодрова, так и серии, созданные в 1980-е – 1990-е годы, — «1000-летие крещения Руси», «Старые русские», «Святой источник», «Простой мотив» и другие. Выставка «Геннадий Бодров. Простой мотив» – это результат объединения усилий Центра фотографии имени братьев Люмьер (Москва), Художественной галереи «АЯ» (Курск), ГМИИ им. А.С. Пушкина (Москва), а также владельцев частных фотографических коллекций. Выставка работает по 22.09.19. Выставка работает до 15.01.19.

Геннадий Бодров. Из серии Очередь за дефицитными сапогами. 1990

Геннадий Бодров. Самокрутка. 1987

Фото предоставлены Центром фотографии имени братьев Люмьер

03.07.19. В Государственном музее Востока открылась выставка наследия художника Иосифа Самсонадзе (1934-1993). Выставку представляет семья художника перед возвращением его наследия на родину, в Грузию.  Иосиф Самсонадзе – график и живописец, мэтр грузинской анимации, иллюстратор, член Союза художников СССР, член Союза кинематографистов СССР.  Иосиф родился в Тбилиси в семье учителей. Окончил философский факультет Тбилисского университета и тбилисскую Академию художеств. 35 лет отдал работе на киностудии «Грузия-фильм». Более 60 рисованных фильмов создано с его участием в разных качествах. Как автор-режиссер, художник-постановщик и мультипликатор в одном лице – он создал 12 фильмов, вошедших в Золотой фонд советской кинематографии. Занимался также книжной иллюстрацией, считался одним из мастеров грузинского шрифта. На выставке представлено около 70 ярких работ, составляющих целостное высказывание. Картины Иосифа Самсонадзе находятся в Музее искусств Грузии, частных коллекциях в России, Грузии Дании, Германии и Израиле. Выставка «Сила жизни. Иосиф Самсонадзе» работает по 28.07.19.

Фото предоставлены Государственным музеем Востока

Автор | | Ольга Серегина, арт-обозреватель