#Арт-обзор за неделю 27.06-04.07.19

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

MyCollages

24.06.19.  ММОМА ГОГОЛЕВСКИЙ БУЛЬВАР, 10 представил персональную выставку Ивана Горшкова «Фонтан всего». Горшков, яркий представитель т.н. «воронежской волны» в современном российском искусстве, переосмысливает традиционные художественные средства, живопись и скульптуру, в смелом, «хулиганском» ключе. Представленный проект объединяет произведения, созданные за последние несколько лет: живописную серию «Лебединое озеро» и скульптурную «Мои родные милые места», инсталляцию «Утопия драконов» и отдельные работы из проектов «Хрустальные сапоги», «Гиперпрыжок и муравьед» и «Крем-брюле». Большинство работ экспозиции создано специально для выставки в MMOMA. Непринужденное сочетание материалов, текстур и визуальных языков в произведениях Горшкова дает ощущение непредсказуемости и кажущейся случайности, волшебной сказки. Выставка работает до 25.08.2019.

Фото предоставлены ММОМА

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей и Музей искусств и ремесел, Загреб представили выставку «Классики хорватской фотографии». Выставочный проект, посвященный истории хорватского фотоискусства, включает в себя 80 работ главных художников этой страны. Среди них — произведения Тошо Дабаца и Джуро Янековича 1930-х годов, снимки Милана и Славки Павичей 1950-х, а также документальные кадры Младена Тудора, сделанные в 1970-80-е годы.

Dunya Nekic

Дуня Некич

Куратор выставки Дуня Некич рассказала Cabinet de l’art о своих взглядах на фотоискусство и принципах подбора фотографий для представленного в MMAM проекта: «Эта выставка уже была показана ранее в Париже и в Санкт-Петербурге. Мой подход при отборе авторов заключался в том, чтобы показать развитие хорватского фотоискусства – для этого я отобрала и профессионалов, и любителей и журналистов, зарекомендовавших себя в области фотографии. Вторым важным для меня моментом было то, что автор, представленный на выставке, — это фотограф самого широкого профиля; я хотела, чтобы он отражал эпоху, показывал то, что происходило в ХХ столетии и через портретную, и через пейзажную, и через бытовую и репортажную съемку, а не специализировался на чем-то одном. Я оцениваю фотоработу скорее по умению автора «схватить» момент, ракурс, свет, передать ощущение контекста, а не по технике исполнения, при нынешнем развитии фотоаппаратуры и технологий – это не проблема. Мне кажется, что у фотографии, у фотоискусства прекрасное будущее. Это как в живописи — все могут что-то нарисовать, многие скопировать, но все мы ходим за уникальными эмоциями в музеи и галереи. Также и с фотографией. В Инстаграме их много, но произведением искусства фотографию делает личность автора. Я думаю, надо больше уделять внимание кураторству фотовыставок. Если художник жив, я всегда спрашиваю, что он хочет сказать своей фотографией. Нам надо стремиться слушать и понимать фотографа». Выставка работает до 28.07.19.

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей представил «От неореализма к Аквилее» — ретроспективную выставку классика итальянской фотографии Элио Чиола, охватывающую период с 1950-х по 1990-е годы. Элио Чиол родился в 1929 году в Казарса делла Делизия в регионе Фриули, на северо-востоке Италии, где живет и работает до сих пор. Фотографией он заинтересовался еще в детстве, во время войны, когда дислоцированные в Казарсе военнослужащие приносили его отцу-фотографу пленки на проявку и печать. В 15 лет Чиол бросил школу, с тех пор постоянно занимаясь самообразованием, и посвятил себя фотографии — делу, которому остается верен по сей день.  Элио Чиол — поэт, воспевающий красоту Италии. Графичные черно-белые пейзажи, которые он снимает с высокой точки, давно стали визитной карточкой фотографа. В 1997 году за серию фотографий о Фриули Чиол был удостоен премии World Press Photo. На выставке представлены знаменитые снимки Ассизи, Венеции, Рима, Амальфи и др. Чиол мастерски использует свет, обладая глубокими знаниями и мастерством в механике и технике фотографии. Его работы подобны сделанным вручную гравюрам или литографиям. На выставке в МАММ представлена новая серия работ фотографа, сделанная в легендарной Аквилее  — античном городе-крепости, построенном римлянами на рубеже новой эры, археологическая зона которого является сегодня памятником всемирного наследия ЮНЕСКО. В экспозицию вошли фотографии фресок и мозаик патриаршей базилики Аквилеи, черно-белые лаконичные снимки Римского форума, речного порта и колокольни базилики. Фотографии Элио Чиола находятся в собраниях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, музея Виктории и Альберта в Лондоне, Международного музея фотографии в Рочестере, Института искусств в Чикаго, Художественного музея Принстонского университета и др. За 70 лет профессиональной карьеры Элио Чиол открыл более 140 персональных выставок по всему миру. Выставка работает до 28.07.19.

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

27.06.19. В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей представляет выставку классика российской фотографии, одного из самых ярких мастеров пикториализма Александра Гринберга. Пикториалисты опирались на живописные каноны, это касалось и выбора сюжетов, и восприятия каждого фотоотпечатка как уникального произведения искусства, появлявшегося в ходе сложной технологической обработки негатива, который был лишь основой для последующего преображения снимка; а также использовали объектив типа «монокль», что позволяло добиться мягкого «живописного» изображения. Выставка работает до 21.07.19.

Фото предоставлены Мультимедиа Арт Музеем

28.06.19. В галерее ГУМ-Red-line была представлена «Безответственная живопись» — новая серия работ Олега Кулика. Она вдохновлена модной стилистикой нейронных сетей. Нейронные сети – визуальный знак 2019 года. Изображения, полученные при помощи программной обработки исходных фотоматериалов, перенесены Олегом Кликом на холст не буквально. Эти трансформации, с одной стороны, стирают индивидуальность исходников, а, с другой, подчёркивают роль коллективного бессознательного. Получившиеся образы вождей и толпы выглядят как сюрреалистическая трансляция из ноосферы в выставочный зал около Кремля. В экспозиции представлено 17 монументальных полотен и три скульптуры. Куратор выставки: Михаил Сидлин. Выставка работает по 01.08.19.

В решетке. 2019 Холст, акрил. 150 х 140 см

В решетке. 2019 Холст, акрил. 150 х 140 см

 

Для Cabinet de lart  Олег Кулик и Михаил Сидлин ответили на несколько вопросов.

Олег Кулик

Олег Кулик

ОЛЕГ КУЛИК

ОЛЬГА: Олег, анонсируется, что новая серия работ —  это некий синтез предыдущего опыта. Это действительно так? Как вы сами это расшифровываете?

ОЛЕГ: Я бы сказал, то что это выставка не для самого себя. Это выставка, которую ты бы разделил как последний взгляд. Твой последний взгляд.

ОЛЬГА: В смысле «последний» вы имеете в виду на теперешний период вашей жизни.

ОЛЕГ: Да да. И на теперешний период жизни, и в некотором смысла на всю жизнь в целом. И даже не только на мою. Также и на жизнь моих предков. Здесь есть какие-то истории, мои и не мои, общие истории на всю жизнь. Через 30 лет уже будет казаться, что ты сам пережил эти моменты. Что эти истории — твои личные истории — ты уже путаешься, то ли тебе кто-то это рассказал, то ли ты сам их пережил.

ОЛЬГА: В чем итог этой жизни, в чем он выражается?

ОЛЕГ: Это выражается в некой манере периферийности, когда нет центра, когда все места важны.

ОЛЬГА: Получается, что каждый период важен по-своему?

 

ОЛЕГ: Да, все периоды были важными, потому что все они были ответственными. В них совершались ответственные поступки ради будущего, у них были последствия. А этот поступок я бы назвал безответственным. Я не вижу у него никакого развития. Я не планирую никакого его развития. Мне бы хотелось окинуть взглядом действительность. Посмотреть, какие места были чудовищными, какие смешными. У меня такое ощущение, что если начать разбираться, то вообще все потеряешь. А тут у меня есть всё. Тут по-другому фокусируется взгляд, как будто слеза попала. Вдруг ты увидел все эти страшные существа. Любая пылинка, любая соринка, любой садист, любой священник становятся вырванными из жизни.

ОЛЬГА: Получается, это все уравнивается?

ОЛЕГ: Нет, не уравнивается. Все принимается.

ОЛЬГА: Это можно свести к позиции определённой толерантности?

ОЛЕГ: Нет, абсолютно нет. Индивидуализм уравнивает по-другому. Толерантность — это «я тебя не люблю, но терплю», а индивидуализм — это «тебя вообще нет». Если ты есть, то ты личность, часть моего космоса. А если тебя нет, то ты толпа. Толпа – она ни плохая, ни хорошая. Я к толпе не имею отношения.

ОЛЬГА: Ваша выставка – это новый этап или продолжение того поступательного движения, которое было до этого?

ОЛЕГ: И не новый, и не завершение, и не продолжение. Это некое сильное современное ощущение. Я здесь тоже ощущаю, но ощущаю в основном прошлое. Это очень важно.

ОЛЬГА: А это теперешнее состояние вас радует?

ОЛЕГ: Конечно же радует. Меня радует всё. Движение — это самое интересное. Движение есть жизнь. Жизнь ради жизни, вот так.

ОЛЬГА: Я бы сказала, что это самая замечательная цель. Вы считаете, что вам удалось выразить это в выставке?

ОЛЕГ: Я считаю, что вполне. Причём, самый глубокий взгляд даёт скульптура. А живопись скорее выступает как рама, как проводник. Все это — попытка поверхностного взгляда на все сразу. На то, что глубоко и непостижимо.

МИХАИЛ СИДЛИН

CP5B2260

ОЛЬГА: Михаил, как критик и куратор ты определяешь нынешний этап творчества Олега так: «Это Кулик 5.0  – первый̆ Кулик был скульптор, второй̆ — перформер, третий̆ – фотограф, четвёртый̆ – оперный̆ постановщик и, наконец, пятый̆ – живописец». Так что же такое Кулик 5.0?

МИХАИЛ: Есть разные пути развития художника.  Некоторые развиваются гармонически по одной линии. Например, Ренуар. Он начал писать женщин, продолжал писать женщин, одних только женщин. И говорил: «единственное, что меня интересует в искусстве — это женская грудь». Это художник одной страсти. Олег Кулик — это тот тип художника, который называется диалектическим. У него каждый последующий период отрицает предыдущий, но, как мы помним, на следующем этапе после утверждения и отрицания идёт синтез. Вот это уже один из следующих синтетических этапов. Если мы вспомним, как развивался Олег Кулик как художник: он был скульптором, занимавшимся вопросом прозрачности. У него была тончайшая и нежнейшая скульптура, состоящая из оргалита и стекла, совершенно невесомая, а потом случается переворот, и он становится перформером, работающим с невероятно грубой материей, со своим телом. Он работает на грани акционизма, переворачивая и взрывая мир искусства. Не только московский, но и международный. Потом происходит следующе поворот. Мы видим эти повороты. «Предпоследний» Кулик, которого я помню был оперным постановщиком. Когда в Париже я пришёл в один из центральных театров, там была роскошная публика, Гендель, мультимедиа занавес, хор, дирижёр — это было совершенно невероятное барочное действие, но сделанное средствами мультимедиа. И потом вдруг было довольно долгое молчание, Олег работал в тиши в своей мастерской. И вдруг внезапный взрыв, выставка в «Рихтере», где была представлена барочная скульптура. В этом не было никакой медийности, но была метабарочная позиция художника, который переплавляет свою экспрессию и энергию в скульптуру. Проходит немного времени, и появляется живопись, которая объединяет медийный компонент, который был ещё в его оперных постановках и барочный пластический компонент.

EV_2019-06-28_1-4608

ОЛЬГА: Для тебя, как для специалиста, для человека, который может взглянуть и оценить, были неожиданными эти его амплуа?

МИХАИЛ: Да, для меня все амплуа Кулика были неожиданными.

ОЛЬГА: Интересно куратору работать с таким абсолютно непредсказуемым человеком?

МИХАИЛ: Прежде всего, мне интересно писать о таком человеке, как критику. Это первая выставка, которую я делаю с Куликом и в которой выстукаю в роли куратора. До этого мне было интересно писать о его генделевских постановках. Для меня это было совершенно неожиданно. Это была потрясающая работа.

ОЛЬГА: Сам Олег определяет в этой выставке живопись, как попытку поверхностного взгляда на все сразу, более глубинной для него является скульптура. Как ты смотришь на это?

МИХАИЛ: Я смотрю на живопись, как на новое раскрытие.

758A1833

ОЛЬГА: Считаешь ли ты здесь живопись более поверхностной, по сравнению со скульптурой?

МИХАИЛ: Автор и куратор могут по-разному смотреть. Для него, возможно, в скульптуре скрыты более важные ценности. Скульптура даёт тактильность, прикосновение, ощущение материала.

ОЛЬГА:  К тебе обратился сам Олег и предложил стать куратором?

МИХАИЛ: Да.

ОЛЬГА: И ты сразу все себе представил? Тебе не было сложно?

МИХАИЛ: Для меня все было ново. Я не представлял, как делать выставку.

ОЛЬГА: Тебе нравится, что получилось в итоге?

МИХАИЛ: Очень нравится. Есть некоторые экспозиционные ходы, которые я придумал. Мне это тоже очень нравится. Я доволен. Хотя, на самом деле, Олег Кулик и сам прекрасный куратор, потрясающий экспозиционер. В этом смысле мне кажется, что Олег Кулик не нуждается в кураторе и экспозиционере. Мне было очень интересно с ним работать. Я очень рад, что мне посчастливилось быть куратором куратора.

758A1083

Фото предоставлены Галереей ГУМ-RED-LINE

28.06.19. Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» представили персональную выставку Веры Петровой «КУТ (Душа)», посвященную отношениям человека с прошлым, настоящим и будущим и представляющую собой часть долгосрочного проекта художника «Министерство Вечной Жизни». Проект проходит в рамках Программы поддержки молодого искусства ММОМА, куратор программы Дарья Камышникова. Экспозиция представляет собой тотальную инсталляцию и является одним из департаментов «Министерства Вечной Жизни» под названием «Кут», что в переводе с якутского означает «душа». В своих работах Вера Петрова сочетает языческие представления о мироустройстве и природных циклах с христианской традицией линейного восприятия времени и квантовой механикой. На пересечении этих систем художник и создает инсталляции, вместе со зрителями отправляясь в путешествие через метафизическое к земному. Куратор выставки: Дарина Рогацкина. Выставка работает в ММОМА Гоголевский,10 до 28.07.19.

1

Фото предоставлены ММОМА

 

29.06.19. На Флаконе состоялось открытие выставки Маркуса Мартиновича «Я тут. Я с тобой». Тотальная инсталляция в трех частях посвящена искусству взаимодействия человека с внешним миром. Работы Маркус Мартинович (2007 г. р.) известны благодаря множеству с успехом прошедших выставок. В здании Куб на Флаконе почти все его работы на сегодняшний день впервые представлены в экспозиции, которую куратор и архитектор Катя Бочавар разделила на три части, связанные общей концепцией проекта. Первый этаж — Лабиринт образов художника, картин-путешествий во внешний мир. Второй этаж — Инсталляция, похожая на дом, где царит чувство защищенности и спокойствия. Белоснежное помещение, окутанное черными надписями воплощает всю любовь мира. Третий этаж — Пространство общения с художником, друг с другом… Здесь, сидя на мягких коврах, можно смотреть видеоарт. Здесь время останавливается и можно осмыслить увиденное – это место для расслабления и созидания. Тотальная инсталляция «Я тут. Я с тобой», как и внутренний мир Маркуса Мартиновича, это территория свободы – свободы и независимости от страхов и боли, от сомнений и лени, от стереотипов и бездарности, от всего, что мешает человеку обрести самого себя. Маркус Мартинович (12 лет) – русско-немецкий художник с аутизмом. Первая выставка состоялась в возрасте семи лет. На сегодняшний момент участвовал в девяти групповых и семи персональных выставках в России, Германии и Великобритании.  В 2018 году Маркус Мартинович стал самым молодым участником 6-й Московской международной биеннале молодого искусства. Весной 2019 года его работа «Мама в платье в горошек» была продана на аукционе Sotheby’s в Катаре. Маркус Мартинович работает с различными медиа: живопись, саунд-арт, фотография, инсталляции.  Выставка работает по 07.07.19. 

Фото предоставлены Наталией Исаевой. Фото открытия выставки: Владимир Яроцкий

 

30.06.19. В музее «Новый Иерусалим» открылся летний фестиваль классической музыки «Лето. Музыка. Музей». Организаторами мероприятия выступили музей «Новый Иерусалим», Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова (художественный руководитель Владимир Юровский) и Московская областная филармония. Впервые в российском фестивальном пространстве формата Open air представлены артисты такого калибра —  оркестр Светланова, хедлайнеры –Василий Петренко, Владимир Юровский, Кирилл Герштейн, Алина Ибрагимова, Андрей Борейко, Илья Грингольц. Специфика фестиваля — сплав симфонической музыки и музейных экспозиций. Фестиваль начался 30 июня и будет идти 3 субботы подряд (6,13 июля). на территории музея «Новый Иерусалим». Главными идеологами фестиваля «Лето. Музыка. Музей» являются почётный президент фестиваля народный артист России, художественный руководитель Московской областной филармонии Максим Дунаевский и художественный руководитель фестиваля, главный приглашённый дирижёр Государственного академического симфонического оркестра России имени Е. Ф. Светланова, главный дирижёр Филармонического оркестра Осло и Ливерпульского королевского филармонического оркестра Василий Петренко.  Особая страница фестиваля « Лето. Музыка. Музей»  — детский музыкальный спектакль Московской областной филармонии «Баллада о маленьком буксире», который будет показан в последний день, 13 июля. Основой для сценического действия стало первое стихотворение Иосифа Бродского, опубликованное в России и адресованное детям. Место проведения: Музейно-выставочный комплекс Московской области «Новый Иерусалим».

Ïðåññ-êîíôåðåíöèÿ, ïîñâÿùåííàÿ ìóçûêàëüíîìó ôåñòèâàëþ "Ëåòî. Ìóçûêà. Ìóçåé", â Ìîñêâå

Фото предоставлены пресс-службой фестиваля «Лето.Музыка.Музей.»

01.07.19. В Музее русской иконы состоялась презентация факсимильного издания Мирославова Евангелия, написанного в Сербии в XII веке на кириллице. Мирославово Евангелие является древнейшим кириллическим памятником сербской письменности и хранится в Национальном музее Белграда. В 2005 году ЮНЕСКО включила Мирославово Евангелие в список «Память мира», насчитывающий всего 120 наиболее важных документов в мировой истории. В рамках российско-сербского благотворительного культурно-православного проекта «Белый Ангел», при поддержке Посольства республики Сербия в России и Посольства Российской Федерации в Сербии, International Manuscript Fund Miroslav Evangelium впервые в России организует в Музее русской иконы презентацию и выставку факсимиле Мирославова Евангелия, изданного на средства сербского мецената Велько Топаловича. Книга будет представлена вниманию широкой публике всего в течение нескольких дней. Экспозиция состоит из трех факсимильных переизданий Мирославова Евангелия, отпечатанных в XIX, XX и XXI веках с использованием самых передовых технологий. Последнее факсимиле выполнено с использованием печати рисунков золотом на специально разработанной бумаге с защитой от старения и ультрафиолетового излучения. Издание отпечатано в Австрии. Обложка факсимиле Мирославова Евангелия выполнена из натурального дерева и обтянута тисненой кожей с греческой монограммой св. Павла и кожаными застежками. Переплет первой книги был выполнен вручную древним византийским способом, которым владеют лишь несколько человек во всем мире. На выставке можно будет ознакомиться сразу с тремя существующими различными факсимиле объекта.  Также привезена сделанная по ткани ручная вышивка текста и инициалов Мирославова Евангелия, выполненная с невероятной точностью экспертом ЮНЕСКО по реставрации национальных костюмов Биляной Эцимович. Выставку открыл Посол Республики Сербия в России, доктор исторических наук, член Белградской Академии наук, господин Славенко Терзич и заместитель министра культуры Российской Федерации Николай Овсиенко.

Фото предоставлены Музеем русской иконы

02.07.19.  В Москве открылась летняя экспериментальная лаборатория Magnum Live Lab/19, организованная Комитетом по туризму города Москвы. Результатом ее работы станет выставка фотографов агентства Magnum. (Magnum Photos — международное фотоагентство, основанное в 1947 году по инициативе Анри Картье-Брессона, Роберта Капы, Джорджа Роджера и Дэвида Сеймура; Оно занимается созданием репортажных снимков о людях, городах, всемирных событиях.)  Выставка откроется 16.07.19 в Государственном музее архитектуры имени А.В. Щусева во флигеле «Руина». и будет доступна для свободного посещения по 01.09.19.

Фото предоставлены пресс-службой проекта

Фото предоставлены пресс-службой проекта

Magnum Live Lab – это международный проект, в рамках которого фоторепортеры легендарного агентства Magnum в течение двух недель знакомятся с городом и осуществляют съемки, затем в открытом для публики режиме обсуждают фотографии и готовят экспонаты для итоговой выставки. В разные годы лаборатории Magnum работали в Лондоне, Париже, Шеньчжене, Киото. Уже во второй раз фотографы агентства приедут в Москву. Первая часть проекта состоялась зимой этого года: в Москве работали три фотографа – Томас Дворжак (Германия), Алекс Майоли (США) и Нюша Таваколян (Иран). Итогом их съемок и последующих обсуждений стала выставка 69-ти фотографий на тему современной городской жизни, показанная в павильоне «Купол» парка «Зарядье». Куратор проекта ЗВЕЗДЫ АГЕНТСТВА MAGNUM В МОСКВЕ Нина Гомиашвили фотограф и галерист, Bachelor of Arts in Photography. Во второй сессии экспериментальной лаборатории Magnum Live Lab/19 будут участвовать три фотографа – Георгий Пинхасов (Россия, проживает во Франции), Марк Пауэр (Великобритания) и Алекс Уэбб (США). Зимой в Москве работали Томас Дворжак (Германия), Алекс Майоли (США) и Нюша Таваколян (Иран). Выставка по результатам лаборатории и будет доступна для свободного посещения по 01.09.19.

Фото предоставлены пресс-службой проекта

Фото предоставлены пресс-службой проекта

02.07.19. В Музее декоративно-прикладного искусства состоялась церемония открытия выставки «60 лет Made in Italy». В открытии приняли участие Елена Титова, директор ВМДПНИ,  Министр советник Итальянского Посольства в РФ Гуидо Де Санктис, директор Итальянского Института культуры в Москве Ольга Страда, кураторы выставки Фьорелла Гальгано и Алессия Тота. Выставка проходит под патронажем Посольства Италии в России и при поддержке ресторана «Sartoria Lamberti». Выставка организована Итальянским Институтом культуры в Москве при сотрудничестве с Galgano & Tota Associati с целью продвижения итальянской культуры и стиля жизни «по-итальянски». На московской экспозиции показаны свыше 50 творений высокой моды, аксессуаров и бижутерии. Выставка – знак признания таланта кутюрье, главных героев итальянского моды и дизайна, и одновременно попытка рассказать о том, как «Made in Italy» завоевало прочный успех во всем мире, воплотив в жизнь и сделав мгновенно узнаваемым так называемый «итальянский стиль».

Фото: Сергей Карпенко

Представленные экспонаты уникальны во многих отношениях — за ними стоят годы поисков и экспериментов, а также выдающееся портновское и ремесленное мастерство. Авторы — знаменитые кутюрье и модельеры, представители Haute Couture. Все выставленные предметы происходят из архивов модных домов и из частных коллекций. Среди экспонатов, имеющих историческое значение, — вечернее платье из тафты ледяного белого и синего цвета, которое было создано в 1950 году Шубертом для знаменитой итальянской актрисы Джины Лоллобриджиды и которое вошло в Энциклопедию истории итальянской моды, а также драгоценное пальто из парчи, украшенное золотом, и платье из золоченого ламе, также созданные Шубертом в 1958 году. Некоторые из представленных легендарных нарядов относятся к эпохе «Сладкой жизни»: в то время итальянская мода была тесно связана со звездами американского кино.Также выставлены вечерние платья, которые были созданы для красной дорожки – премьерных показов важных фильмов или церемонии премии Оскар. Среди экспонатов — наряды, которые на показах представляли знаменитые топ-модели и которые носили знаменитости. Пример встречи моды и искусства – платье «Кармен» от Renato Balestra, посвященное божественной Марии Каллас (1996), или наряд от Lancetti, отсылающий к произведениям Пабло Пикассо (1986/87). Архитектурный потенциал плиссе блестяще обыгрывается в чудесном черном шелковом платье от модельера-архитектора Gianfranco Ferrè (2005), которое стало символом выставки. Другой пример использования плиссе – платье «Самурай» из золоченого ламе от Krizia (1987). Мода черпает вдохновение в окружающем мире, пример тому — влияние стиля «милитари», заметное в комплекте с рисунком «paisley» от Etro (2000) и в формах жакета из белой норки от Ermanno Scervino (2008). Эксперименты и поиски модельеров, их ирония и дерзость, нежность и мягкость – всё это отражают их произведения — примеры уникального, неподражаемого ремесленного мастерства. Часть выставки посвящена аксессуарам, которые носили знаменитости. Среди экспонатов выставки — первая круглая вечерняя сумочка из золота и перламутра, которую создала для Жаклин Кеннеди (1975) княгиня Helietta Caracciolo; ожерелье Нэнси Рейган, «ореховый» гарнитур из золота и бриллиантов, посвященный Хиллари Клинтон. Выставка работает до 15.09.19.

Schuberth PH Simone Santinelli

Фото предоставлены Итальянским Институтом культуры в Москве

02.07.19. Центр фотографии имени братьев Люмьер представил персональную выставку Геннадия Бодрова  в рамках исследовательского проекта «Антология русской фотографии ХХ века. Фото 80-90». «Простой мотив» — такую подпись на обороте многих работ Бодрова можно обнаружить, исследуя архив этого знаменитого курского фотографа. В 2019 году исполняется 20 лет трагической смерти автора. И выставка, в первую очередь, ставит перед собой задачу восполнить пробел на карте истории российской фотографии, привлечь внимание к наследию Геннадия Бодрова. В творчестве Геннадия Бодрова угадывается влияние многих актуальных в 1980-е — 1990-е годы школ и направлений в независимой российской фотографии.  Это и формальные эксперименты с соляризацией и коллажем, съемки на широкоугольный объектив, обращение к панорамному формату, внимание к чистому «фотографическому событию» — игре света и формы в визуальной ткани города. Но самые сильные произведения Бодрова продолжают традицию гуманистической европейской фотографии, отвечающий концепции «брессоновского» решающего момента. Обращение к городской повседневности и «простым мотивам» позволяли создавать Бодрову универсальные, поэтически тонкие и философские образы. В экспозиции представлены как одиночные работы Бодрова, так и серии, созданные в 1980-е – 1990-е годы, — «1000-летие крещения Руси», «Старые русские», «Святой источник», «Простой мотив» и другие. Выставка «Геннадий Бодров. Простой мотив» — это результат объединения усилий Центра фотографии имени братьев Люмьер (Москва), Художественной галереи «АЯ» (Курск), ГМИИ им. А.С. Пушкина (Москва), а также владельцев частных фотографических коллекций. Выставка работает по 22.09.19. Выставка работает до 15.01.19.

Фото предоставлены Центром фотографии имени братьев Люмьер

03.07.19. В Государственном музее Востока открылась выставка наследия художника Иосифа Самсонадзе (1934-1993). Выставку представляет семья художника перед возвращением его наследия на родину, в Грузию.  Иосиф Самсонадзе – график и живописец, мэтр грузинской анимации, иллюстратор, член Союза художников СССР, член Союза кинематографистов СССР.  Иосиф родился в Тбилиси в семье учителей. Окончил философский факультет Тбилисского университета и тбилисскую Академию художеств. 35 лет отдал работе на киностудии «Грузия-фильм». Более 60 рисованных фильмов создано с его участием в разных качествах. Как автор-режиссер, художник-постановщик и мультипликатор в одном лице – он создал 12 фильмов, вошедших в Золотой фонд советской кинематографии. Занимался также книжной иллюстрацией, считался одним из мастеров грузинского шрифта. На выставке представлено около 70 ярких работ, составляющих целостное высказывание. Картины Иосифа Самсонадзе находятся в Музее искусств Грузии, частных коллекциях в России, Грузии Дании, Германии и Израиле. Выставка «Сила жизни. Иосиф Самсонадзе» работает по 28.07.19.

Фото предоставлены Государственным музеем Востока

Фото предоставлены Государственным музеем Востока

Автор | | Ольга Серегина, арт-обозреватель

Поделиться: