#Арт-карантин 30.04.- 7.05.2020

 

Во время вынужденного карантина в музеях, галереях и других арт-пространствах Арт-обзор временно меняет формат, и в течении приостановки арт-жизни в реальном пространстве Арт-карантин знакомит читателей с художниками и их работами.

Дмитрий Горбунов, “Реакция на красный” 2020

 

Евгения Буравлева, художник

Фото: Марина Рагозина

ОЛЬГА: Евгения, ваши работы гипнотизируют своей недосказанностью. Пространство и время в них ощущается как знак вопроса – ожидание… Как вы воспринимаете эту важную для жизни систему координат – время и пространство? Ваши представления менялись? Если да, можете показать на примере своих работ?

ЕВГЕНИЯ: В работах моих недавних проектов я стараюсь передать право голоса самому пейзажу. Я выступаю в роли проектора, молчаливого механического посредника между изображаемым и зрителем. Может быть у самого зрителя возникает последнее время потребность в недосказанности в противовес обилию информации вокруг, и именно это он и замечает в моих работах. Действительно, важным для меня представляется момент паузы, зависания. Это подсказало мне мое любимое время несезона. Мы часто выбираем для путешествий несезон. Место обретает право голоса в этот период, предстает очищенным, но словно затаившимся перед очередным наплывом приезжих. Думаю, что и людям свойственен такой момент зависания, просто не все его замечают или боятся этого состояния неопределенности. Хотя и я не сразу пришла к такому пониманию: например, когда в 2007 я была в Берлине, меня больше интересовало прошлое, в 2010 в Лондоне настоящее, но в движении, свойственном этому городу, где всё, даже атмосфера, в движении, как в работах Тернера. Пожалуй, позже мои поездки в Париж и на родину в Кировскую область подсказали мне идею о режиме ожидания. Как ни странно, есть что-то общее, как мне показалось, между Парижем и Кировской областью. И там, и там есть ощущение, что многое в прошлом, и место живет в ожидании будущих больших событий и перемен. 

Листайте галерею >>>

 

 

ОЛЬГА: В вашем мировоззрении и соответственно творчестве большое внимание уделено такому основополагающему понятию как свет. Ваша концепция находит отражение в ваших работах. Будьте добры несколько слов об этом?

ЕВГЕНИЯ: Свет рисует для нас окружающий мир, с одной стороны. А с другой, может быть слепым белым пятном, зайчиком в глазах, скрывающим или искажающим действительность. Моменты игры света в природе очень мимолетны, и часто мы ими восхищаемся, но тут же упускаем. Благодаря работе с фотографией (я часто использую ее для живописи как источник информации, и принцип фотографии основан на свете) я могу фиксировать такие моменты в природе и передавать их. Кроме того, свет сочетает в себе ясное воплощение пространства и времени; известно понятие скорости света. Даже свету нужно время, чтобы преодолеть пространство. Это делает свет таким же персонажем моих работ наравне с человеком. Своеобразное очеловечивание света.    

“Зима”. 2018

ОЛЬГА: Евгения очень часто вы делаете выставочные проекты вместе с Егором Плотниковым. Вы с Егором – ровесники и супруги, выпускники мастерской Павла Никонова в Суриковском институте. Каждый из вас – успешный самостоятельный художник. В рамках совместных проектов вы и Егор высказываетесь на одну тему – очень по-разному по стилю, манере, но очень гармонично и созвучно. Можете показать свои работы из совместных проектов, и дать свои комментарии о том что и как для вас было важно показать в этих работах? Я попрошу Егора о том же – думаю читателям будет интересно услышать и, главное, увидеть язык двух ярких художников, тесно взаимодействующих, и безусловно обладающих самостоятельностью и индивидуальностью.

ЕВГЕНИЯ: Строго говоря, у нас был только один совместный проект, который мы делали именно как напарники. Это была часть выставки «Ожившая пьеса императрицы» (музей-заповедник «Царицыно», 2016-17 год) куратора Сергея Хачатурова. Я написала фантастические пейзажи, которые стали импровизированной ширмой для маленьких скульптур Егора. Я думаю, что в таких совместных проектах важно то, что позволяет нам так долго оставаться в добрых соседских отношениях в нашей общей мастерской, равноправие высказывания, право говорить и быть услышанным, дать возможность партнеру показать лучшие качества и вовремя уйти в тень. У каждого есть свой зритель.

Плотников Егор и Буравлева Евгения. Инсталляция для выставки Ожившая пьеса императрицы. Царицыно. 2016

Фотографии предоставлены Евгенией Буравлевой

 

 

Егор Плотников, художник

Фото: Варвара Смирнова

ОЛЬГА: Егор, часто вы с Евгенией Буравлевой интересно и креативно выступаете в сотрудничестве. Я разговор с Женей завершила этим вопросом, а вам задам его первым, чтобы ваш ответ стал продолжением темы. Покажите, пожалуйста, свои работы из совместных проектов и дайте свои комментарии о там что и как для вас было важно показать в этих работах? Совместный проект может быть любой на ваш выбор, единственная просьба, чтобы ваш выбор совпадал с Жениным.

ЕГОР: Мы действительно часто выставляемся вместе, но это как правило самостоятельные работы, которые выступают в диалоге. Мы все-таки художники индивидуалисты) А опыт совместной работы был у нас один, и он произошел благодаря Сергею Хачатурову, который в 2016 году пригласил нас принять участие в его проекте для музея «Царицыно» «Ожившая пьеса императрицы». Это был уникальный эксперимент для нас: Женя написала пейзаж-ширму, а я расположил на его фоне и вокруг множество скульптур-персонажей пьесы Екатерины Великой «Чесменский дворец». Инсталляция была экспонирована в главном зале Малого Царицынского дворца, личных покоях императрицы Екатерины. Работать было очень интересно, тема и формат для нас были довольно неожиданными, и, мне кажется, эксперимент удался. Такие проекты в диалоге с куратором и пространством помогают с новой точки зрения посмотреть и на другие свои работы, выйти из «зоны комфорта».

ОЛЬГА: Вы работаете не только в области фигуративной̆ живописи, но и скульптуры. Очень часто ваши скульптурные объекты – это часть инсталляции. Почему такое решение в пользу комбинированных произведений и какова роль скульптуры?

ЕГОР: Когда-то, еще во время учебы, я понял, что не все темы подходят для живописи, в то же время скульптура меня всегда интересовала, и мне казалось несправедливым то, что этот вид искусства почти всегда в музеях и на выставках в подчиненном положении, «на вторых ролях». Лет восемь назад я начал экспериментировать с мелкой пластикой, и вскоре мне пришла идея поставить скульптурную фигуру перед холстом, как это часто случайно происходит на выставках, но моя скульптура сознательно стала героем живописной работы и одновременно ее зрителем. Кроме того, соединение круглой монохромной формы и цветной плоскости активизирует оба медиума, скульптуры и живописи, и мы начинаем воспринимать их по-новому, острее. Фигуры перед холстами становятся нашими проводниками в пространство картины. Первый проект, в котором я представил серию таких комбинированных работ, был показан в галерее «Ковчег» в 2013 году. С тех пор у многих моих холстов появились такие «постоянные зрители», как например в работе «Минута до пробуждения» для 8 Московской биеннале современного искусства (Государственная Третьяковская галерея), а летом прошлого года в рамках фестиваля «Река мира» на реке Нерль во Владимирской области я впервые поместил свои скульптуры в реальный пейзаж, и теперь они с небольшого острова наблюдают окрестности круглый год.

Листайте галерею >>>

ОЛЬГА: В вашем творческом поиске прослеживается вопрос – актуален ли в наше время прямой контакт зрителя с искусством, а сегодня вопрос трансформирован в – возможен ли и нужен такой прямой живой контакт человека с искусством и реальным пространством? Вы нашли ответ для себя?

ЕГОР: Конечно нужен, ведь мы еще живы. Но процесс восприятия сложен, и задача художника – дать зрителю почувствовать, что, воспринимая, он живет.

Листайте галерею >>>

 

Фотографии предоставлены Егором Плотниковым

 

 

Василий Власов, художник, куратор

ОЛЬГА: Василий, конечно, в первую очередь я хотела бы в рамках Арт-Карантина представить вас как художника, участника более 250 выставок, показать ваши работы. Но вы имеете такой интересный опыт и делали такие уникальные проекты как куратор, что давайте постараемся представить ваше творчество в контексте курируемых вами выставок. Вы – куратор всероссийских и международных выставок Международного объединения «Книга художника». Издатель и редактор каталогов к выставкам «Книга художника». Книга художника – сложное произведение искусства, в котором автор прорабатывает все элементы книги. В России в последние десятилетия среди наиболее заметных работ художников в жанре Книга художника всегда называется имя Василия Власова. Несколько слов о том, почему вам интересно это направление? Какие свои работы вы сами для себя отмечаете, считаете своей удачей?


ВАСИЛИЙ:
Для меня Книга художника такой же формат художественного выражения, как и любой вид творчества. В Книге художника аккумулируются все нюансы культурного, информационного, исторического, социального, эстетического и художественного присутствия. Возможностей у художника в создании авторской книги несоизмеримо больше, потому что он здесь выступает как сценарист, режиссер, исполнитель главной роли, типограф, печатник и еще неизвестно каких профессий, чтобы его Книга художника стала творческим произведением. Здесь художнику доступны невероятные возможности: менять форматы, вносить нестандартные шрифты или работать вообще без текста, организовывать визуальные ритмы и акценты, выходящие за рамки книги, вводить в печатные техники рукотворные элементы, создавать иное книжное пространство, передавать тактильное ощущение созидателя и, конечно, наполнять внутренней энергетикой свое творение.

«Книга наПРУТСТВИЙ»

Первые мои книги я сделал еще в 70-годах, и они были очень и очень личными, такими полу-дневниками молодого, необузданного и обуреваемого потоками творческих идей юноши. В этих книгах особую роль играла душа художника, и она называлась Лаокит, а героями были мои друзья под разными именами – Ри Ми Кры, Крейс, Лома, Бунита. Но этих книжек уже нет, остались только варианты картинок и память о них. В 1992 году я сделал книгу «Заплыв по швам черепного мозга с двенадцатого этажа на первый». Книга со стихами, коллажами и шитьем. Затем была «Книга рыб», книга-ширма на ножках и литографиями внутри. «Похлядыш Лю», литографическая книга с белыми стихами. Позже появилась «Книга наПРУТСТВИЙ», посвященная Козьме Пруткову и его афоризмам. «Желтый звук», «Соната» были созданы к выставке в Радищевском музее в Саратове и посвященной Альфреду Шнитке. Все эти книги имеют подзаголовок «Книга для глаз». Книг много, около двухсот. Тираж от одного до трех- пяти экземпляров. У 4 книг был только тираж 10 экземпляров. Какие-то книги находятся в музеях, в том числе в  Государственном Русском музее, Государственном музее Эрмитаж в Санкт-Петербурге, музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Москве, в музее Ван Аббе (Нидерланды), Музее современного искусства в Кельне, (музей П. Людвига, Германия), Саксонской библиотеке в Дрездене (Германия), Государственном музее имени В.В. Маяковского в Москве, в коллекции фонда AVC Charity в Москве, а также в библиотеках и фондах России, Японии, США и др.

 

В Книге художника мне нравится визуальная протяженность действия. Нравится компактность формы и авторское решение всего технического наполнения, подбор бумаги, сшивание книжного блока, создание обложки, переплета, футляра. При создании книги всегда ведутся внутренние диалоги о настоящем, в духовном и материальном смысле. Хотя в любом творчестве они, конечно же, сопровождают художника.

СОНАТА. 1989-2012.

ОЛЬГА: Не так давно Московский музей современного искусства и Фонд AVC Charity представляли ваш совместный проект с Михаилом Погарским –  «По следам Гумилева», выставку в рамках программы вашей междисциплинарной программы «Книга художника и поэта», где соединяются визуальное искусство, литература, геопоэтика, история и этнография. Очень коротко о концепции, поставленной вами цели/задаче и о ваших работах в рамках экспозиции?


ВАСИЛИЙ:
Выставка «По следам Гумилева» имела свою предысторию. К 130-летию со дня рождения Николая Гумилёва в 2015 году был инициирован проект в формате Livre d’Artiste Михаилом Погарским и мной в создании графического альбома. В нем приняло участие 15 ведущих российских графиков, и каждый создал 3 листа печатной графики, посвященных юбилею поэта. Альбом был выпущен тиражом 27 экземпляров. Презентация прошла в Москве в день рождения Гумилёва.

В июле этот проект был показан в библиотеке печатной графики в Санкт-Петербурге. При активной поддержке и всесторонней помощи фонда AVC Charity нам удалось показать этот проект в Эфиопии в апреле 2017 года в Аддис-Абебе, в Российском центре науки и культуры. Выставка прошла с успехом, читали стихи Гумилёва. В наши планы входило осуществить арт-экспедицию по тем местам, где бывал поэт. В этом нам оказал содействие Российский центр в Аддис-Абебе. Мы смогли окунуться с головой в эту таинственную и загадочную страну, с ее запахами, едой и красивыми людьми. Собрали уникальный материал в местах пребывания. Там же мы писали холсты с применением местной почвы и песка, собирали артефакты, делали рисунки, фото, в мензурки собирали воду из озер и рек для будущего проекта, который должен был осуществиться в Москве. Михаил в Эфиопии начал писать книгу про нашу арт-экспедицию. По возвращению начали работать над проектом выставки «По следам Гумилева» в рамках междисциплинарной программы «Книга художника и поэта», в основе которой лежит взаимодействие и попытка вневременного диалога с великими русскими поэтами с помощью новых художественных возможностей.

Выставка имела несколько разделов. В одном из них – «Колесо путешествий» был представлен объект, в котором находилась поэма М. Погарского «Разброд планет», посвященная памяти Н. Гумилёва. На открытии выставки джазовая группа Круглый Бенд и М. Погарский исполнили музыкальную композицию «Абиссинские песни или Шаталась ночь под выпившей звездой». Еще в одном разделе – «Доски странствий» соединились этнография, артефакты и изобразительный материал. В раздел «Места пребывания» вошли холсты, написанные песком и землей из тех мест и городов Эфиопии, где мы были. Раздел «Африканский дневник» состоял из 12 пространственных коробов, которые включали в себя живопись, коллаж, ассамбляж, объекты. Раздел «Африканская почта» представлял конкретные послания из Эфиопии в формате мейл-арт. Была также часть – «Перевоплощения», в которой разговор идет от первого лица – Ветер, Зодчий, Гиена, Жираф воплощены в литературно-художественных образах. К теме «Аксумские обелиски» были созданы две светящиеся колоны с ритуальными знаками. Был раздел «Ритуальные маски и африканская утварь», представляющий экспозицию из частной коллекции.

Листайте галерею >>>

К выставке мной был написан холст 2,5 на 6 метров «Танец», было создано 12 композиций «Африканского дневника», две 2-х метровых светящиеся колоны, написаны на холсте тексты «Перевоплощений», 10 холстов «Мест пребывания», 8 «Досок странствий», ширмы, «Хижины-экраны» и многое другое.

Хотелось увидеть все в едином пространстве, и в конце концов выставка состоялась. Как все сложилось, я сказать не берусь, пусть оценивают специалисты, но работать было очень интересно, такого опыта у меня еще не было, и я очень рад, что он состоялся. Самое большое содействие в осуществлении арт-экспедиции оказала президент фонда AVC Charity Майя Авеличева. Хотелось бы ей выразить огромную благодарность за оказанное внимание и неоценимый вклад при подготовке нашей арт-экспедиции в Эфиопию и при формировании экспозиционной части выставки.

Листайте галерею >>>

ОЛЬГА: Василий, в Нижнем Новгороде в галерее «Argento» проходила ваша персональная выставка «Графика и объекты». Из представленных там работ большая часть была посвящена Альфреду Шнитке. В прошлом году в музее-заповеднике «Царицыно» вы реализовали абсолютно беспрецедентный по количеству участников, уникальный по концепции и архитектуре арт-проект «Желтый звук» ‒ сам проект, как единое целое, представляет собой сложно выстроенное произведение современного искусства. И посвящено оно композитору-авангардисту Альфреду Шнитке. Многие искусствоведы в вашем творчестве отмечают прослеживаемый симбиоз музыки и живописи. Почему вам интересен перевод музыки на язык современного искусства? Вас вдохновляет любая музыка или вам интересно определенное направление или же только музыку определенных композиторов вы воспринимаете на языке живописи? Как рождаются образы – это импровизация во время прослушивания и в разное время звучание может воплотиться на холсте в разной форме или это четко сформировавшийся в голове образ, который навсегда связан с конкретным музыкальным произведением? А цвет – цветовая гамма привязана в вашем восприятии к определенным музыкальным формам?

ВАСИЛИЙ: В 2018 году мой друг Леонид Гройсман – замечательный человек, галерист и фотограф пригласил меня в Нижний Новгород устроить мою персональную выставку«Графика и объекты» в его галерее «Argento». Она прошла замечательно, город очаровал, остались очень теплые воспоминания. Примерно за пять лет до этого события, в 2012 году в Саратовском музее изобразительных искусств им. А. Н Радищева проходила моя персональная выставка, посвященная А. Шнитке. И вот в прошлом году в музее-заповеднике Царицыно вместе с Михаилом Погарским и Виталием Пацюковым мы показали синтетический арт-проект «Желтый звук», посвященный 85-летию Альфреда Шнитке, в котором соединилось воедино все сделанное до этого.

Для выставки был создан альбом в формате Livre d’Artiste, в котором приняло участие 14 российских художников. Альбом «Желтый звук» посвящен А. Шнитке и его одноименному произведению на либретто Василия Кандинского. Художниками было создано 42 листа графики в печатной и станковой технике тиражом 30 экземпляров. Коллективная книга была создана при поддержке фонда AVC Charity. К участию в выставке были приглашены замечательные художники: О. Кудряшов, В. Копачев, Е. Гор, В. Орлов, Б.Марковников, А. Ситников, Л. Тишков, М. Тихонов, А, Панкин, А. Юликов  и многие др. В этом проекте хотелось видеть художников, для которых образ, форма и цвет, каким-то образом, могли отвечать теме Шнитке и Кандинского. Это оказалось не так просто, художники все разные, сгруппировать из этого единую концепцию – задача не из легких. Необходимо было, во- первых, организовать пространство, в котором объекты и все экспонаты могли создать свои микромиры, организовать паузы, выстроить визуальные ритмы, надо было всем найти свое место. Когда это произошло, многие вопросы отпали, работы стали сопричастны внутреннему музыкальному голосу. Состоялось культурное событие музейного уровня.

Листайте галерею >>>

Музыка обладает свойством быстро войти в наши чувствительные органы восприятия, у нее короткая дистанция в достижении этой цели. Живопись сродни музыке, у них есть много общего, у них общий знаменатель. Я не считаю себя меломаном, но люблю музыку и порой нахожу в ней различные комбинации мелодий, звуков, образов, которым доверяю и считаю возможным их перевоплощение в пластический, изобразительный ряд. Подход субъективный, но искусство грешит этим. В 14 лет я услышал произведения Игоря Стравинского, и они перевернули мое юношеское представление о музыке в целом. Я будто проснулся.

Потом было еще много чего интересного. Потом был А. Шните – другая музыка, другое состояние души. Он тоже вызвал интерес. На выставке была моя работа «Полифония», бамбуковые трубы с отверстиями, в которых из двух динамиков звучат одновременно два разных музыкальных произведения А. Шнитке. Они звучат, как единое произведение, которое впервые было исполнено и играло безостановочно на выставке «Желтый звук». К моему великому сожалению, композитор этого не услышал, но я надеюсь, что он по достоинству оценил бы этот оммаж, я старался следовать стилистике его музыкальных экспериментов. Был еще один объект «Колокола тишины». Это произведение со свисающими цилиндрами просто молчало и только в двух из десяти колоколов горел приглушенный свет.

Еще один объект был размещен в парковой зоне музея, он назывался «Готиктоникой» и представлял собой танцующую башню высотой 4,5 метра. Она была сделана из алюминиевых труб с отверстиями, в которых любое проникновение ветра создавало бы шумовой эффект. Намерением объекта было воспроизвести мелодию ветра. Живопись была представлена диптихом и тоже с музыкальным акцентом. В живописи происходит иная метаморфоза, хочется музыку включить в иррациональное пространство, в то, которого нет, но оно возникает, когда идешь ему на встречу. В иррациональном пространстве сплетается все по другим законам, и цветовые аккорды заранее не запланируешь. Главное, что работа в этом направлении ведется.

Фотографии предоставлены Василием Власовым

 

 

Дмитрий Горбунов, художник

ОЛЬГА: Дима, ваша творческая биография необычна для российских художников. Свою выставочную деятельность вы начали в 2011 в Европе. Ваши персональные выставки прошли в Лондоне, Хельсинки, в Осло, в Германии, в 2016 вы приняли участие в 5-й Московской международной биеннале молодого искусства». А первая персональная выставка в Москве состоялась совсем недавно – в 2019 году галерея «ЗДЕСЬ» на Таганке совместно с галереей «Файн Арт» представили ваш проект «Ночь Сурка». Сейчас, когда вынужденно мы все оказались в мире ограничений и изоляции, условность среды приобрела конкретность, выбранная вами тема становится настолько актуальной, что концепция выставки, работы воспринимаются совсем по-другому, их притягательная таинственность уже видится в ином свете, но никуда не исчезает. Как вы работали над этим проектом, как смотрите на заложенную в нем идею сейчас?

ДМИТРИЙ: Согласен, в каком-то смысле идея временной петли, в которою мы попадаем по причине ограниченного образа жизни, перекликается с сегодняшним днём. Однако, несвобода и ограничение на карантине, большинство из нас ощущает, как раз по причине того, что зацикленный уклад жизни остановился.  В ситуации, где обстоятельства подталкивают к новым возможностям, мы напротив чувствуем вакуум, а вместе с ним страх и панику перед новым днём.


  

В проекте «ночь сурка» главный персонаж ребёнок, он является идей проекта. Его непосредственное видение способно романтизировать окружающую действительность, какой бы унылой или ужасной она не казалась.

Сейчас я работаю над новым проектом «Дневник Греты». В нем референсом являются детские рисунки и известные новостные цитаты западных СМИ. Я обращаюсь к абсурдным выступлениям Греты Тунберг которая с тревогой рассказывают повестку завтрашнего дня всему миру. Абсурдные, потому, что звучат с трибуны ООН из уст ребёнка.  В сложившейся ситуации, когда все хотят предугадать завтрашний день, такие заявления похожи на чей-то троллинг. Словно осьминог оракул угадывает исходы футбольных матчей, а весь остальной мир с изумлением наблюдает. Проект будет затрагивать «радужные» темы, касающиеся эко-активизма, катаклизмов, свободы и прав человека. Все что сейчас актуально.

Листайте галерею >>>

ОЛЬГА: Вам близка и интересна тема компьютерных игр, персонажей-роботов, процесса исчезновения «века прежней идеалистической культуры». И какой век по-вашему приходит, или уже пришел, на смену? Как вы смотрите на ситуацию сегодняшнего дня с точки зрения творчества, той среды, в которой существует сейчас искусство?

ДМИТРИЙ: Мы переживаем время, когда культурное наследие достигло необъятных размеров и продолжает стремительно копиться, что делает его менее доступным. Ворох значимых произведений остается непрочитанным. Большая часть исчезает практически сразу после разового просмотра, прослушивания. Остается под записями новых произведений, образов. Происходит переписывание уже сказанного ранее.  Что с этим делать? Ведь электронные носители информации эту задачу не решат. Необходимо думать о будущем поколении: что действительно ценного из этого мы хотели бы сохранить для них?  Потому что вопрос «какой фильм посмотреть вечером?» становится все мучительнее. 

Мне как художнику видится, что пора уже брать лопату в руки и начинать разгребать накопленное за минувший век. Монументальное, что прошло отбор временем аккуратно поставить на полочку и беречь. Искусство, связанное с мелкими переживаниями возможно стоит начать переосмыслять. Перерабатывать в полезное вторсырье, как это делают с горой пластика, превращают в какую-нибудь технологичную и экологичную ткань. Должен появится новый практический смысл в наших творческих поисках. Это и будет заботой о потомках.

Листайте галерею >>>

ОЛЬГА: Вы в начале 2020 года в галерее Jart представили сайнс-арт проект «5-НТ».  Вы выстроили свою мифологию, вдохновляясь медицинским дискурсом, провели исследования, описывающие регуляцию серотонина в человеческом организме, влияющего на настроение, эмоции. Идеальной формой в искусстве становится молекула серотонина. На выставке была представлена созданная вами серия живописи и скульптур. Галерея JART совместно с «Нейротренд» провели нейрофизиологические исследования реакции гостей выставки, чтобы выяснить как искусство влияет на настроение и эмоции. Как вы считаете искусство всегда будет требовать привязки к реальности, живого общения зрителя с создателем и его произведением или возможен полный переход в виртуальную среду творчества и общения?

ДМИТРИЙ: Думаю полного перехода нам не избежать. Виртуальная среда уже сегодня, более доступная возможность для контакта с артистом. Уверен, что в ближайшем будущем, общение по сети, позволит зрителю присутствовать в качестве свидетеля и участника в жизни или творческом процессе художника. Это даст возможность лучше понимать его, мотивы и решения. Появится возможность поддерживать художника онлайн. Где-то на этом этапе случится полное погружение в виртуальную реальность.

Такой подход вероятно изменит форму искусства. Например, глобально процесс может стать важнее результата. И конечный продукт уже будет иметь скорее архивную ценность нежели являться предметом восхищения для современного зрителя.

Листайте галерею >>>

Насколько получится проконтролировать этот переход, это вопрос. Но контролировать придется. Ведь если предположить, что количество случайных зрителей и система донатов будет определять качество произведения, то есть они станут институтом для художника, возможно искусство перестанет нести что-то ещё, кроме забавы. Думаю, мы этого не хотим.

Сейчас все понимают и чувствуют, что грядут серьезные перемены. Какие-то процессы уже запущены. Необходимо разглядеть в этом пользу, откинуть страхи и понять какие прекрасные возможности появились для творчества и искусства в целом.

Фотографии предоставлены Дмитрием Горбуновым

 

Автор | | Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Поделиться: