#Арт-беседа. Елена Тупысева, Марина Образцова, Юлия Волконская

Временно, до восстановления арт-жизни Москвы, Арт-обзор меняет свой формат. Арт-беседа – это разговор обо всем с теми, кто тесно с этой жизнью связан всегда и несмотря ни на что.

Участвуют:

Елена Тупысева, директор Театра «Балет Москва»  

Марина Образцова, основатель и директор галереи Файн Арт

Юлия Волконская, художник

Елена Тупысева, директор Театра «Балет Москва» 

Ольга: Елена, вы возглавляете Театр «Балет Москва». Это уникальный хореографический театр в нашей стране –  в его составе две труппы – классического и современного танца, и театр работает в свободном пространстве, своей сцены у него нет. Для меня классический балет и постановки contemporary dance – это два абсолютно разных мира, они могут сосуществовать, а могут и противостоять, и не принимать друг друга. Мне интересен мир contemporary dance, я ходила в школу ЦЕХ, начав с летнего интенсива у Тараса Бурнашева и Татьяны Фатеевой, потом продолжала заниматься в течение нескольких лет. Я вообще считаю, что попасть в этот мир, понять, почувствовать, ощутить – не только большое удовольствие, но определенное спасение и поддержка в перегруженном стрессовом современном обществе. Но понимание того, что собой представляет современный балет, у многих отсутствует. Существует стереотипное представление, что балет – это что-то наподобие «Лебединого озера», и когда зрители приходят, например, на балет «Кафе Идиот», иногда возникает недопонимание, я уже не говорю о реакции на «Осторожно, двери закрываются!». Если зритель не подготовлен, «не в теме», трудно ожидать, что он не удивится, когда о пол разбивают яйца – а он пришел смотреть балет. Поэтому, так важно услышать от вас – что же такое современный балет? В чем его сила? – ведь поняв, проникнув в мир contemporary dance, люди остаются с ним навсегда.    

Елена: В нашем театре действительно две труппы – труппа балета и труппа современного танца. Последние 8 лет для обеих трупп создаются спектакли современной хореографии. Труппа балета последние 8 лет не исполняет классические балеты 19 века.

Современный балет и современный танец это два разных жанра исполнительского искусства, а точнее танца. Только в России, когда мы говорим балет, то мы понимаем исключительно определенную часть этого искусства, а именно романтический балет 19 века, куда относится такие балеты, как Лебединое озеро, Жизель, Спящая красавица и т.д. Со второй половины 20 века балет не стоял на месте и тоже развивался, как и другие жанры театрального искусства. Большое количество хореографов стали реформаторами балета. Такие хореографы как Уильем Форсайт, Иржи Килиан, Дэвид Доусен и другие – эти хореографы, сотрудничают с мировыми балетными труппами и привносят в этот вид искусства постоянно что-то новое.

Балет Москва располагает профессиональными исполнительскими кадрам – артистами балета и артистами современного танца, поэтому с нами работают российские и зарубежные хореографы как представители балетного искусства, так и современного танца. У нас есть спектакли, где танцует только современная труппа или где работает только балетная труппа, но все чаще появляются спектакли, где задействованы обе. Я бы сказала, что мы занимаемся современным танц-театром, где различные жанры переплетаются и дополняют друг друга.

Мне кажется, московский и даже российский зритель уже знаком с художественными особенностями нашего театра и не ждут от нас спектаклей классического балета.

“Волшебник” фото Н. Думко

Ольга: То, что у театра нет своей постоянной сцены – это минус или плюс? Какие площадки особенно любит «Балет Москва»?

Елена: То, что у нас нет своей сцены – это данность, которую пока невозможно изменить. Поэтому мы посчитали, что пусть это будет нашим плюсом, мы можем быть мобильными и работать не только на театральных площадках, но и в других пространствах: музеях, галереях, парках.

Мы работаем на разных площадках. Но наша основная и любимая сцена – это Центр им Вс. Мейерхольда.

Ольга: У вас в Театре в работе над постановками идет постоянный поиск нового. Можете рассказать о самых рискованных экспериментах (challenges), когда риск был большой, и тем приятнее успех премьеры.

Елена: Мне кажется, любая постановка — это риск, т.к. мы всегда создаем спектакли с нуля и приглашаем новые и неизвестные имена, как хореографов, так и композиторов. Мы никогда не знаем результат, во что выльется каждый наш новый проект. Сейчас будет основными challenges это поиск средств на новые постановки, т.к. из-за сложившейся эпидемиологической ситуации мы не дополучаем больше половины дохода.

Танцпол

Ольга: The Show must go on – конечно же, величайший хит, а название песни, мне кажется, каждый из нас может сделать своим слоганом всегда и везде, не смотря ни на что. Но я о ваших премьерах. Ведь и в этот очень сложный год Театр «Балет Москва» подготовил новые спектакли. Только что была представлена постановка «Волшебник страны Оз». Спектакль создан по мотивам книги американского писателя Лаймена Фрэнка Баума «Удивительный волшебник из страны Оз», вышедшей в свет 120 лет назад, и книги Александра Волкова «Волшебник Изумрудного города». Про книгу Баума ничего не могу сказать и про «теперешних» детей тоже, но для советских детей «Волшебник Изумрудного города» был частью их жизни, частью её волшебной половины, где возможно всё. А первая любовь не проходит. Елена, а для вас чем является эта книга? Почему и когда было принято решение сделать по ней спектакль-балет?

Елена: В нашем театре на постоянной основе работают хореографы Анастасии Кадрулева и Артем Игнатьев, которые и предложили сделать танц-спектакль по мотивам двух книг «Удивительный Волшебник из страны Оз» и «Волшебник Изумрудного города». Мы давно хотели создать новый спектакль для всей семьи. Хореографы предложили материал и идею, что герои книг будут помещены в компьютерную игру и должны будут пройти некоторое количество уровней, чтобы достичь цели – вернуть Элли и Тотошку домой.

В детстве это была одна из моих любимых книг, конечно же, как и многие советские дети я прочитала всю серию Волкова. События в книге очень динамичны и очень хорошо подходят в качестве основы для танц-спектакля.

Ольга: Работа была сложной над этой премьерой. Срок ее несколько раз переносили, меняли площадки. Уверена, что это делает ее многократно ценной и дорогой для всех, кто работал над постановкой. Ваше личное мнение, что особенно удалось?

Елена: На мой взгляд получился очень динамичный и современный танцевальный спектакль, который будет интересен не только детям, но и их родителям. Захватывающая история девочки Элли и ее новых друзей рассказана современным языком, благодаря современной хореографии, видео и ярким костюмам. Музыка к спектаклю была написана композитором Муратом Кабардоковым и является очень важной составляющей спектакля. Хорошая музыка всегда важный компонент любого музыкального спектакля.

Ольга: Премьера прошла в ЦИМе. Центр им. Мейерхольда – моя любовь, это уникальное чудесное место. Дальше спектакль будет идти на сцене ЦИМа? Как вам работается здесь? Мне кажется – это идеальное место для постановки фэнтези, ведь именно таковым и был для нас «Волшебник Изумрудного города».  

Елена: Мы тоже очень любим показывать наши спектакли на сцене Центра Мейерхольда. Для нас это родная площадка. Ближайшие показы пройдут в ЦИМе.

Ольга: Елена, планы на следующий год вы составили? Что-то есть уже в работе?

Елена: У нас есть планы на 2021 год, и они амбициозны. Очень надеюсь, что очередной новый спектакль выйдет в начале мая и над новым спектаклем будет работать очень интересная международная команда, с необычной географией: хореограф португальского происхождения, выросший в ЮАР и в данный момент работающий в Великобритании, театральный художник родом из Бразилии, британский композитор и драматург из России. Пока не буду называть имен создателей и тему новой работы. Сейчас уже точно известно, что в спектакле будет задействовано снова обе труппы.

Ольга: Спасибо и за эту информацию. Такое интригующее ожидание –  приятный подарок на Новый Год. А ваши планы, и Театра и личные, на встречу Нового Года 2021?

Елена: Планы театра и личные отдохнуть на новый год, на встречу Нового Года поспать.

Фотографии предоставлены отделом PR и маркетинга ГБУК г. Москвы Театр «Балет «Москва»

Марина Образцова, основатель и директор галереи Файн Арт.

Ольга: Марина, Файн Арт – одна из первых частных галерей на постсоветском пространстве. Вас знают практически все. Если крупными мазками писать историю Файн Арт, что ты выделишь в своей практически 30-ти летней истории, самое базовое, что составляет лицо галереи, стало ее визитной карточкой?

Марина: Знаешь, как-то так сложно сказать «представляет лицо». В 92-м году, когда родилась идея создать такую галерею, она получила имя Moscow Fine Art. Тогда же мы познакомились с Ирой Филатовой, куратором галереи. Первой выставкой, которую мы сделали был проект «Абсурд и гармония». На самом деле было всё тогда было абсурдно и гармонично, как и сейчас. Просто тогда еще не было рынка и понимания, как должна работать галерея. Ни у кого не было опыта. Мы первые это начинали. Первопроходцы можно сказать, да, начинали от создания рынка, ценоформирования. Художники назначали цены «от потолка», а надо было это как-то упорядочить и с чего-то начинать, стартовать. Опытные «старые» художники имели историю продаж и цен, они продавались в Европе, у них уже были коллекционеры, европейские! А у нас как бы и не было культуры «приобретения картин в дом или для офиса».

Ольга: А у вас был опыт какой-то? С чего вы начинали? Опыт в искусстве, в бизнесе?

Марина: На самом деле у меня был опыт, я работала в бизнесе с 88-го года, когда были первые кооперативы.  Не было ни у кого понимания, как зарабатывать деньги. Не получать, а именно зарабатывать. Я работала и с Артемом Тарасовым. У него уже был опыт как зарабатывать деньги. Но он мне сказал: «Сама ты должна научиться, сама должна пройти этот путь, потому что этому никто не научит. Этого нет в учебниках, ты должна пройти эту дорогу и понять весь механизм зарабатывания денег». Потом я работала у Ходорковского, приходил опыт и понимание рынка.  В 91-ом году я создала галерею «Искусство России».

Ольга: Это всё предыстория Файн Арт?

Марина: Да, это был еще 90-й, 91-й год. Мне хотелось дальнейшего развития, я познакомилась с Союзом художников. И мы сделали галерею с опытным человеком, уже поездившим с выставочными проектами художников.  Зарегистрировали ее. Называлась она «Moscow Fine Art». Насыщением её художниками сразу стала заниматься Ира Филатова,  появились первые клиенты – Югорский банк, который захотел приобретать картины, но им надо было дать качественные, интересные, картины с историей. И первые картины, которые  мы продали, были работы Игоря Вулоха. У нас еще не было выставочного помещения, был просто офис. Мы получили помещение на Арбате, 38 и начали ремонт. Там мы и придумали первую выставку – «Абсурд и гармония». Был большой список художников и довольно-таки, она у нас успешно прошла и даже была какая-то пресса. В общем, вот так мы делали первые шаги, мы налаживали отношения со средствами массовой информации, привлекали людей, всем рассказывали, уговаривали, что это вот история искусства. Люди приглядывались, пока не понимая, что это такое, как это все дальше будет развиваться. И вторая выставка у нас была персональная – Игоря Вулоха, и вот с этой уникальной выставки мы продали сразу почти всё, у нас купили коллекцию – люди, которые поверили нам, что это действительно какая-то такая инвестиция. Так потихоньку мы стали развиваться, делать разные коллективные проекты, после «Абсурда», была «Великолепная триада», «Живопись, графика и скульптура». Потом много других интересных проектов. Ну, это как бы этот процесс назвать, даже не знаю …это была просто жизнь, понимаешь, просто жизнь. Диалог с художниками, с людьми. У нас всегда были гости, собирались компании. Чтобы людей как-то приобщать к искусству, надо же общаться с ними. Через общение мы потихоньку стали развиваться, пока нам не повысили там арендную плату.  По 96-й год мы были на Арбате.

Ольга: Это было совсем другое время: другое общение, другое взаимодействие, сейчас даже невозможно многое себе представить. Ты сейчас скучаешь по тем временам?

Марина: Ой, я очень скучаю. Вот тогда было так весело, вот так как-то было дружно. Все жили, как будто одной семьей: художники и мы. Для нас они были члены семьи, это не разделимо. У нас со всеми был такой хороший контакт и диалог. Сейчас нет уже таких художников, с которыми можно вести задушевный разговор, искренние откровенные  беседы: говорить о жизни, об искусстве, обо всем… Это было такое слияние, совершенно без границ – где заканчивается одно, а начинается другое. Это была просто жизнь.

Ольга: Галерея – это, все же, конечно, бизнес. Но это очень специфический бизнес и все-таки суть настоящей галереи в ее особом духе, атмосфере, когда происходит взаимосвязь, энергетический обмен между галеристами, художниками, коллекционерами, ценителями… именно то, о чем ты говоришь. А сейчас это бывает выхолощено, иногда смещается в сторону офиса.

Марина: Это перешло в другой формат.

Ольга: А как бы ты назвала этот формат? Во что перешло?

Марина: Я даже не могу понять, дать этому определение, что сейчас происходит. Для меня это тоже такая перестройка сознания. Я не то, чтобы живу прошлым, я уже, конечно, живу в настоящее время. Но такого контакта с художникам нет… И художники уже стали другие. Они стали такие уже прагматичные, они стали рациональные, у них все выверено, т.е. все до мелочей. Деньги у них стоят на первом месте. У старшего поколения никогда про деньги мы не говорили. Никогда!

Ольга: Но все равно это сообщество, содружество оставалось?

Марина: Оставалось, да. Где-то оставалось. Сейчас, конечно, все работают по мастерским, и мы даже не ходим к ним. Раньше мы жили в мастерских, мы ходили, мы общались, мы отбирали картины в мастерских. Тоже было такое, хочу сказать тебе, общение и потом, когда ты находишься в атмосфере творческой – совсем другое. Теперь все через компьютер. Теперь художники всё присылают…Мы даже не знаем, где находятся их мастерские, представляешь? Это очень плохо…

Ольга: А как покупают? Сейчас, конечно, по ряду известных причин все продвигают онлайн-галереи, идею, что достаточно посмотреть в Интернете и все хорошо. А разве это возможно? Картина, работа автора ведь на фото – мертвая, не живая.

Марина: Абсолютно мертвая: не видно ни энергии, ни эмоций, да там пусто. Ты же покупаешь прежде всего эмоцию, энергию. Невозможно перейти в онлайн. Невозможно музеи смотреть в онлайнах.Ты не получаешь этого удовлетворения, этого эмоционального удовольствия.

Ольга: А вы уже продумываете, как в данной ситуации можно сохранить живое искусство, живое общение?

Марина: Ну, вот мы, видишь, не закрываем галерею, мы работаем. Не останавливаемся. И люди очень благодарны, приходят. Они могут напитаться живой энергией представленных работ.

Ольга: У вас очень сильное направление в работе галереи – это поиск молодых художников, да?

Марина: Время меняется. Мы же тоже должны идти в ногу со временем. Современное искусство – это искусство, которое передает состояние времени. Как меняется время, так и меняется искусство. Все как бы миксуется и все очень гармонично связывается. Мы подбираем художников, в общем-то, конечно, по качеству, по мироощущению, чтобы они соответствовали нашему видению и пониманию. У нас уже почти четыре поколения художников прошло через галерею. И когда мы делали выставку в музее современного искусства ММОМА на Петровке все было гармонично, укладывалось в одну канву экспозиции-истории нашей галереи. Никто из художников не выпадал.

Вернисаж выставки Василисы Липатовой «Заземление», галерея Файн Арт

Ольга: Да, удачная была очень выставка.

Марина: Потому что уровень художников – одинаковый.

Ольга: Когда вы подбираете для выставки художников, ищите новых художников в свою галерею, что самое главное, основной критерий?

Марина: Идеально, это по человеческим факторам и, конечно, качество работ – что художник хочет передать визуально. Но очень важен человеческий фактор. Потому что когда человек комфортный, адекватный, с ним приятно даже вести дело. Но, конечно, попадаются не всегда такие художники, т.е. искусство интересное, а с художником затруднительно вести диалог, потому что он весь из себя такой закрытый. Старшее поколение это вообще были люди, как космос: они были очень образованы, разносторонне развиты, они прожили интересную жизнь. У них был опыт, в общем все было: интересно, здорово и я счастлива, что, я их всех еще застала живыми.

Вернисаж выставки «Нелинейное равновесие» в галерее Файн Арт

Ольга: У вас еще есть в галерее и художники иностранные?

Марина: Да, мы выставляли иностранцев. У нас был такой опыт.

Ольга: Как с ними работается?

Марина: Знаешь, они были чудесные люди, хорошие художники, но, к сожалению, на наш рынок они не очень заходят, западные художники. Наши люди все-таки предпочитают российских художников, а западных они, если хотят приобрести, то покупают там. Поэтому…Выставки были замечательные, все было хорошо, даже какие-то продажи были. Но не те продажи, которые ожидали художники. Они думали, что они все 100% продадут. Недавно мы делали выставку исландского художника, раньше художников из Исландии в России не выставляли. Он тоже ожидал, что здесь будут прекрасные продажи, но всё пошло не так, во-первых, к сожалению, это было прямо перед карантином, а во-вторых как бы его не знают у нас. Его надо долго раскручивать, много времени и энергии вкладывать, чтобы он стал узнаваемым. Но сам художник был в восторге от выставки, от людей, которые пришли. Сколько он получил положительных отзывов. Он говорил постоянно: «… ни в одной стране мира, так не принимают, как в России принимают”.

Ольга: Конечно, это, наверное, очень приятно для художников…

Марина: Для художников это очень приятно. Это как раз обратная связь

Ольга: Да, да. Как раз хотела спросить. А вот художники, даже молодые, которые еще до эпидемиологической ситуации уже были адаптированы к Интернету, всё у них онлайн происходит. Они все-таки тоже хотят живые выставки?

Марина: Конечно. Все хотят живые, потому что всем нужен информационный повод. Как бы ты в онлайн не выставлялся, у тебя эффекта нет.

Ольга: Вроде там считается аудитория больше. Зашли, лайкнули…

Марина: Ну, все равно. Живая выставка – это реальная встреча,  информационный повод. Это приходят люди, получают впечатления от картин и это потом возвращается художнику. Ему же тоже очень важно услышать отзыв от живых людей, не просто от тех, которые сидят в Интернете, действительно, смайлик поставят или лайкнут. Во-первых, пресса тут же начинает реагировать. На нашу выставку завтра приедет телевидение, ТНТ снимать будет. Часть художников приходит к нам с посылом тутже все продать, а галерея это в первую очередь не про продажу здесь и сейчас, и всё сразу, а это информационный повод. Это как клубок начинает наматываться-наматываться, а потом уже происходят продажи.

Превью выставки Анастасии Копытцевой «Digital Disruption” в галерее Файн Арт

Ольга: А есть какие-то планы на ближайшее время, что-то конкретное?

Марина: Следующая выставка. Мы сейчас эту выставку «Весна 2020», автор Константин ZMOGK Данилов, продлили до середины января, пока каникулы не закончатся. И там будем открывать выставку Анастасии Кузнецовой-Руф. Специально же целые проекты для выставки делают художники.

Ольга: Вы это часто практикуете? Художникам нравится, когда работы пишутся под проекты?

Марина: Конечно. Для них это очень важно. Не просто пишутся работы разрозненно, а прямо вот под проект. Если о планах – мы начали диалог с Алексеем Бегаком. У него давно не было выставок и он загорелся, когда мы предложили сделать проект для галереи. Не просто выставить в ретроспективу все картины, которое у него есть, а сделать специальный проект. И для художника это очень важно. Он начинает уже, включается, думает, начинает что-то созидать. У него одно перетекает в другое. Получается такая целостность.

Ольга: Когда вы делаете экспозицию, продумываете, вы сотрудничаете с автором, с художником?

Марина: Иногда да, иногда нет. Иногда Ирина Филатова делает полностью свою экспозицию без автора. И авторы ей доверяют. Она хорошо делает. Получается шкатулка такая драгоценная: все на своем месте.

Вернисаж выставки Павла Полянского, галерея «Файн Арт»

Ольга: Интересно еще, как строится работа галереи. Вы делаете стратегический план на год или нет? Или вы ориентируетесь по ситуации.

Марина: У нас есть планы. Но иногда они меняются – художники не успевают или у них произошли форс-мажорные обстоятельства.

Ольга: Наверное, как в жизни, то с чего мы начали разговор – тот галерист остается в этой сфере, для которого это не бизнес, а стиль жизни. Это не работа, когда ты закрыл кабинет на ключ и уехал.

Марина: Конечно, ты живешь этим. Это способ общения с людьми. Нет, это не работа. Это надо любить: любить людей, любить искусство.

Многие люди, которые приходили в искусство думали, что здесь все так красиво и легко и все быстро, они потом закрывались и уходили. На этом ты можешь заработать денег на жизнь себе, соответственно своим желаниям, потребностям, но олигархом ты не будешь.  Но это интересно. Это просто безумно интересно, как жизнь, как постоянное развитие. Я своим детям пыталась это донести и вовлекала их, а им это все не интересно, потому что здесь ты быстро не заработаешь. Это забег длинную на дистанцию.

Ольга: Надо еще и получать удовольствие от этого забега. А какая ближайшая точка на этом пути, планируете что-то на Новый год?

Марина: Конечно, у нас еще в конце этого года, 28 декабря, будет такой мини-проект «Графический кабинет» на 3-м этаже Тимофея Смирнова, нашего художника. Ему исполняется 40 лет и мы решили, в рамках большой экспозиции на первом этаже «Весна 2020», организовать маленькую и сделать такой праздник и День Рождения и проводить старый год, встретить новый год. Создать событие!

С Тимофеем мы работаем уже 15 лет, а может уже и больше. И у него День Рождения в конце года, и каждый год много лет подряд у нас была выставка – его персональная, приуроченная к его Дню Рождения. Т.е. мы отмечали День Рождения, открывали выставку и встречали практически Новый год. Это у нас такая традиция была.

Вернисаж выставки Тимофея Смирнова, галерея Файн Арт «РАМАнтика или РАМ-антик»

Ольга: Прекрасно,  мы начали разговор о том, что, когда всё начиналось, мир Файн Арт представлял собой содружество художников, вас-галеристов и ты скучаешь по тому времени. Так все-таки и сейчас есть традиции, связи, близость и радость общения. Осталось это, если не всё, то очень многое зависит от самих людей. Если мы хотим сохранить то, что нам важно, то это не может уйти, у нас нельзя это забрать.

Марина: У нас точно не забрать. Конечно, с нами всегда остается самое важное. Это трепетное отношение. Я считаю, что искусство для избранных людей и хороших художников очень мало. Их в массе вроде и много, но если просеять через сито, остаются единицы. Сейчас все сетуют на времена. Все зависит от самого человека. Времена мы всякие пережили. Жили в Советском Союзе, потом в постперестроечном мире, потом пришел наш собственный капитализм, потом еще что-то… но мы трансформировались. Ты должен идти вперед и что-то делать, и совершенствоваться, и интегрироваться в это новое время. Ничего не будет, если ты сам не будешь идти каждый день маленькими шажками – ничего не будет. Поэтому встал утром и пошел. Только движение вперед. И мы будем тоже меняться. 

Выставка «От праздника до праздника» в галерее Файн Арт, 2018.

Марина Образцова: «Моя любимая выставка! Праздник, который всегда со мной – это девиз моей жизни: надо любить и радоваться каждому дню»

Фотографии предоставлены галереей Файн Арт и Мариной Образцовой   

Юлия Волконская, художник

Ольга: Юлия, практически обо всем можно спорить бесконечно и так и не прийти к единому мнению, потому что критерии оценки, мироощущения и самовосприятия у всех разные. К пониманию успеха, успешности – это точно относится. Ваше личное мнение – успех и успешность – это равнозначные понятия?

Юлия: Успех –это движение вперед! Успех – это результат движения к поставленной цели! Успеха можно добиться один раз в жизни, можно несколько, но это еще не успешность. Успешность – это больше, чем результат достижения цели.

В погоне за успехом можно многое потерять. И это не будет определять человека как успешного. Можно потерять здоровье, семью. Успешность – это когда плюс по всем составляющим. Успешность для меня — это удача, которая сопровождает тебя во всех жизненных аспектах.

Ольга: Для того, чтобы лично вы сочли художника успешным, каким он должен быть?

Юлия: Успешный художник не зависит от чужого мнения, действительно активно работает и ищет новые формы выражения. Успешный художник сегодня это во многом медийная персона, узнаваемая личность. Образ успешного художника напрямую связан с его произведениями. Успешный художник всегда полон идей, ему есть что сказать себе и публике, и он виртуозно владеет средствами выражения для донесения своего месседжа. Он сам является продолжением или началом своего произведения.

К сожалению, успешный художник сегодня должен быть не только «креативной» личностью, но и бизнесменом. Он должен уметь успешно интегрировать свое искусство в бизнес. Ну или найти «своего» галериста, арт-дилера или кого-то, кому он сможет довериться, и заниматься только творчеством.

Ольга: А вы успешны как художник? Можно расслабиться и наслаждаться положением или вы знаете, что надо делать, для того, чтобы относиться к успешным художникам? Речь идет лично о ваших критериях, оценке, понимании вопроса.

Юлия: Успех в искусстве – это не быстро. Расслабляться нельзя даже очень успешному автору, иначе все – болото, смерть. Недовольство собой это и есть движение к успеху. Вот в недовольстве собой мне мало равных. Я живу в постоянном изменении сознания, это происходит быстрее, чем создаются картины. К завершению одного образа я подхожу уже другим художником, который шагнул ещё на одну ступень вперёд и, как следствие, созданный образ меня мало устраивает. Это мощный стимул для дальнейшего развития, это и есть путь к успеху в моем понимании – вечное движение в мыслях чувствах и кистью по холсту.

Мне очень нравится цитата Уинстона Черчилля: «Успех — это умение двигаться от одной неудачи к другой не теряя энтузиазма». Вот и я стараюсь не терять энтузиазма.

Ольга: А как начался этот путь, путь художника? Случайное стечение обстоятельств или иначе быть не могло?

Юлия: Рисовать я начала с самого раннего детства. Также активно занималась танцами, спортом. Особую любовь испытывала к фигурному катанию. Но потом я заболела. Болезнь остановила мои занятия спортом. Поэтому осталось только рисование. Пребывание мое в больницах пришлось на советское время. В это время в наших больницах были суровые порядки, родителей к детям пускали крайне редко. Все это: боль, болезнь, отсутствие рядом близких людей безусловно повлияло на мою психику, и естественно на мое творчество. Из рисунков того времени совсем исчезли цвета, изображала я в основном солярные символы: свастику, кресты, круги. Более того, мне мерещилась эта символика повсюду, в реальной жизни. Также я видела очень странные сны. Порой хотелось перенести содержание тех снов на бумагу, но на тот момент ничего не получалось, не хватало опыта. Воспоминания о тех снах порой преследуют меня и сейчас, и, возможно, в скором я создам серию произведений на эту тему.

Я увлеченно училась рисовать, также пробовала писать стихи и прозу. На момент выбора учебного заведения всерьез думала о выборе журналистской или актерской профессии. Я пробовала поступать в Щукинское училище. Прошла первый тур и решила, что это не мое. Выбор был сделан в пользу живописи. Хотя, как ни странно, и с той, и с другой профессией мне пришлось столкнуться в жизни.

Ольга: У вас за плечами много персональных выставок, групповых проектов. А самую первую помните?

Юлия: Конечно, я помню свою первую выставку. Я была совсем маленькой. Выставочной площадкой послужил ЖЭК, при котором я ходила в кружок рисования. Я была очень горда собой, пришли родители, бабушка, дедушка. Это не забываемо.

Ну и, конечно, моя первая персональная выставка «Цветы», которая состоялась в ЦДХ в 2003 году. Особенно запомнились отзывы зрителей, которые подходили, благодарили, высказывали свое отношение к моим картинам. Потом мы положили небольшую книжку, в которой зрители могли написать несколько слов. Слова восхищения, написанные в этой книжке, всегда меня стимулируют к тому, чтобы заниматься живописью, особенно, в те моменты, когда хочется опустить руки и уйти из профессии. Это происходит, когда не хватает энтузиазма, о котором говорил Черчилль.

Ольга: Случалось так, что участие в какой-то выставке становилось основой значимого поворота в вашей художественной карьере?

Юлия: Каждая картина, каждая выставка – это кирпичик на пути к успеху, который мы обсудили раньше. Главное двигаться вперед, не отклоняясь в сторону, по пути, который ты избрал с самого начала.

Хотя, наверное, можно выделить знакомство с Константином Худяковым, который пригласил меня вступить в ТСХР и, как следствие, выставку «Красные ворота/Против течения» с вручением премии Зураба Церетели.

Также можно выделить персональную выставку «Поймай волну!» в одной из старейших в Москве галерей современного искусства Файн Арт.

Ольга: Говоря о выставках, хотелось бы буквально несколько слов услышать о вашем участии в проекте, который, уверена, интересен всем. Даже если люди не следят за результатами, не знают имен победителей и не разбираются в болидах, гонки – это всегда романтика, скорость, движение, порыв и обещание… В сентябре этого года в дни Гран При России на Сочи Автодроме был представлен арт-проект «Королевские гонки». Когда выставка состоялась всем понятно – в рамках российского этапа «Формулы-1», а вот что и как – хотелось бы услышать из первых уст.

Юлия: В мир болидов я попала не так давно, но сразу очень активно. Я очень увлеклась темой, ведь в ней так много того что отвечает моему внутреннему состоянию, моему творчеству! Это жизнь в самых острых моментах – скорость, звук, цвет, напряжение и успех. Я влюбилась в эту тему. Далее последовало приглашение в проект «Королевские гонки» в «Сочи автоспорт музее» и посетить Формулу-1. Это первая Формула в моей жизни и это любовь на всю жизнь.

Накал эмоций там на пике, а я люблю все эти пики и грани проявления жизни, поэтому это 100 % моё, то, что я буду развивать и продолжать – мыслей и идей у меня огромное количество.

Ольга: Для жизни, развития планы необходимы. Не смотря на ситуацию сегодняшнего дня, когда планировать практически невозможно, наверное, идеи, замыслы на ближайшую перспективу у вас есть?

Юлия: Конечно есть планы, их множество, и они меняются в зависимости от ситуации. В развитии у меня несколько проектов: мой личный – как раз про гонки. Сочинский проект ТСХР, это уже второй проект в Сочи, проект коллективный, пока о нём не могу много говорить, так как по просьбе куратора мы не афишируем проект до его презентации. Одно могу сказать, что это яркая история сотрудничества с Сочинским музеем и собраны там звезды. Еще в Сочи в следующем году я планирую провести персональную выставку. Также в разработке большой проект связанный с балетной темой. В планах также несколько зарубежных проектов, но о них в нынешних условиях говорить пока рано.

С куратором проекта Королевские гонки Дмитрием Барановским. Сочи Авто Спорт музей. 2020

Ольга: Как вы обычно встречали Новый Год?

Юлия: Обычно мы стараемся уехать из Москвы и встретить Новый Год где-нибудь в другой стране. Чаще всего это крупные европейские города. Если остаюсь в Москве, то в канун Нового года мы часто ходим на спектакли в театры или на праздничные концерты. 

Ольга: А в этом году какие фантазии на тему Новогодней ночи, специально не говорю планы?

Юлия: В кругу семьи за праздничным столом, но все ещё может поменяться.

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Фотографии предоставлены художником Юлией Волконской